21
avr
2022
- 20 h
2 heures et 20 minutes avec entracte
Caroline Shaw
Entr’acte pour ochestre à cordes
MARTIN
Concerto pour sept instruments à vent, timbales, percussions et orchestre à cordes
DERRICK SKYE
Prismes, cycles, sauts
AARON COPLAND
Suite tirée de Appalachian Spring
Avec:
Joanna G'froerer, flûte
Charles Hamann, hautbois
Kimball Sykes, clarinette
Darren Hicks, basson
Lawrence Vine, cor
Karen Donnelly, trompette
Donald Renshaw, trombone
Feza Zweifel, timbales
Dans le monde des aspirants chefs d’orchestre, décrocher un prix Malko revient à remporter le titre de recrue de l’année à la NBA (Andy Levinsky, CalArts The Pool). En plus d’une somme considérable, ce prix offre au lauréat l’occasion de diriger 24 grands orchestres dans le monde, dont l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada. Depuis qu’il l’a reçu en 2018, Ryan Bancroft a connu un véritable succès mondial, et enfin, après de nombreux délais occasionnés par la pandémie, va faire ses débuts au CNA.
Caroline Shaw est la plus jeune compositrice à avoir reçu le prix Pulitzer en musique; elle dit « aime[r] la façon dont certaines musiques vous propulsent soudain de l’autre côté du miroir d’Alice. » Son Entr’acte pour orchestre à cordes (inspiré par le Quatuor à cordes en fa de Haydn) est en effet rempli de pizzicatos enjoués et de bulles de joie mélangés à une riche poésie sonore. L’œuvre élève et dévoile un univers d’harmonies baroques traditionnelles.
Le Concerto pour sept instruments à vent, timbales, batterie et orchestre à cordes du compositeur suisse Frank Martin n’est pas ce qu’on pourrait appeler un concerto typique, sauf peut-être pour sa structure en trois mouvements. Le but du compositeur était de mettre en lumière toute la virtuosité des instruments à vent de l’orchestre. Il y parvient avec brio dans ce concerto! Comprenant un palpitant solo de timbales vers la fin, cette balade hypnotique est une des œuvres les plus inoubliables de Martin.
L’Orchestre du Centre national des Arts a l’honneur de recevoir Derrick Skye pour la première canadienne de Prisms, Cycles, Leaps, un exaltant récit de voyage musical qui lie la musique hindoustanie de l’Inde de Nord à celles des Balkans et de la région ghanéenne de la Volta. C’est une œuvre merveilleuse et dynamique qui explore les liens que nous cherchons sans relâche à tisser.
Le compositeur américain Aaron Copland voulait créer une voix distincte pour la musique américaine. Aucune de ses œuvres n’incarnerait cette quête aussi bien que la très appréciée Appalachian Spring. D’abord intitulée Ballet for Martha, cette œuvre magnifique a été commandée en 1942 pour la danseuse et chorégraphe Martha Graham, une grande amie de Copland. S’inspirant de l’hymne shaker Simple Gifts, Copland évoque la beauté pure des Appalaches et une Amérique plus innocente, ne serait-ce qu’en imagination.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the U.K. and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in Florida. Shelley’s leadership is complemented by Principal Guest Conductor John Storgårds, an internationally renowned conductor and violinist who has led some of the world’s finest ensembles, and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser, known for creating innovative and engaging community programming. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the U.K., Europe, and Asia.
The NAC Orchestra has also established a rich discography, including many of the over 80 new works it has commissioned. These include:
The 2024 album Truth in Our Time, including the premiere recording of Philip Glass’s Symphony No. 13, commissioned by the National Arts Centre Orchestra
Clara - Robert - Johannes: a multi-year, multi-album exploration of the music of Clara Schumann, Robert Schumann, and Johannes Brahms, featuring pianists Angela Hewitt, Stewart Goodyear, and Gabriela Montero
The groundbreaking Life Reflected, which includes "My Name is Amanda Todd" by the late Jocelyn Morlock (winner of the 2018 JUNO for Classical Composition of the Year)
Ana Sokolović’s "Golden Slumbers Kiss Your Eyes," 2019 JUNO Winner for Classical Composition of the Year (from the 2019 JUNO-nominated New Worlds)
The 2020 JUNO-nominated The Bounds of Our Dreams, featuring pianist Alain Lefèvre
Angela Hewitt’s 2015 JUNO Award-winning album of Mozart Piano Concertos
The NAC Orchestra’s Learning and Community Engagement initiatives are rooted in creating inclusive and accessible programs for audiences in the National Capital Region and across Canada. These initiatives include family-focused performances, Music Circle workshops specifically designed for individuals on the autism spectrum, and sensory-friendly concerts. Additionally, the Orchestra offers exceptional programming for students, teachers, and learners of all ages, including matinee performances, open rehearsals, instrumental workshops, and digital resources, ensuring that arts learning and engagement in music remain a priority for young audiences and the broader community. The Orchestra’s annual Mentorship Program brings 50 early-career orchestral musicians from around the world to participate in a three-week professional development experience with the world-class NAC Orchestra. Through these efforts, the NAC Orchestra continues to foster meaningful connections with diverse audiences, making music a shared and inclusive experience.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds, un maestro et violoniste de renommée internationale qui a dirigé certains des plus grands ensembles du monde, et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser, connu pour ses programmes communautaires audacieux et mobilisateurs. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
L’Orchestre du CNA possède une riche discographie qui comprend notamment plus de 80 œuvres de commande, dont :
l’album La vérité à l’ère moderne (2024), où l’on trouve le premier enregistrement de la Symphonie no 13 de Philip Glass, une commande de l’Orchestre du Centre national des Arts;
Clara - Robert - Johannes, une exploration en plusieurs albums et sur plusieurs années de l’œuvre de Clara Schumann, Robert Schumann et Johannes Brahms, mettant en vedette les pianistes Angela Hewitt, Stewart Goodyear et Gabriela Montero;
l’avant-gardiste Réflexions sur la vie, sur lequel on peut entendre « My Name is Amanda Todd » de la regrettée Jocelyn Morlock (prix JUNO de la composition classique de l’année en 2018);
« Golden Slumbers Kiss Your Eyes » d’Ana Sokolović (prix JUNO de la composition classique de l’année en 2019), tiré de l’album Nouveaux mondes (finaliste aux prix JUNO en 2019);
Aux frontières de nos rêves, interprété par le pianiste Alain Lefèvre (finaliste aux prix JUNO en 2020);
un album de concertos pour piano de Mozart interprétés par Angela Hewitt (lauréat d’un prix JUNO en 2015).
Par ses initiatives d’éducation et de médiation culturelle, l’Orchestre du CNA cherche à créer des programmes inclusifs et accessibles pour les publics de la région de la capitale nationale et de tout le Canada. Pour ce faire, il propose des spectacles pour toute la famille, le programme Cercle musical, dont les ateliers sont conçus pour les personnes ayant un trouble du spectre de l’autisme, et des concerts adaptés aux sensibilités sensorielles. L’Orchestre propose en outre une programmation riche pour les élèves, les pédagogues et les publics curieux de tous les âges, dont des matinées scolaires, des répétitions publiques, des ateliers de musique et des ressources en ligne, veillant ainsi à ce que l’éducation artistique et le contact avec la musique demeurent une priorité pour les jeunes publics et pour toute la communauté. Enfin, le Programme de mentorat annuel de l’Orchestre rassemble 50 instrumentistes en début de carrière provenant des quatre coins du monde pour une expérience de perfectionnement de trois semaines aux côtés d’un orchestre de calibre mondial. Avec ces initiatives, l’Orchestre du CNA continue de créer des liens puissants avec divers publics, faisant de la musique une expérience commune et inclusive.
Médias du CNA avec Orchestre du Centre national des Arts
Frank Martin was a Swiss composer, active in his native Switzerland and in the Netherlands during his lifetime. His musical style, which matured over a long period, is distinguished by an unorthodox eclecticism, shaped by the absorption of many types of music. A key influence was the music of J.S. Bach. He also experimented with Bulgarian and Indian rhythms, as well as ancient and folk music; other contemporary elements such as jazz and Arnold Schoenberg’s 12-tone technique he adapted for his own ends. Martin’s command of harmonic colour and instrumental timbre, combined with dynamic rhythms and a strong sense of drama, has made his music—particularly for orchestra—popular among performers. Among his works for large ensemble are several concertos and “ballades” (pieces for solo instrument and group accompaniment); his catalogue also contains music for the stage (incidental music, ballets, operas, oratorio), choir, solo voice, and chamber ensemble of various instrumental combinations.
Born in Geneva, Switzerland, on September 15, 1890, Martin began to compose when he was eight years old. He was given lessons in piano, harmony, and composition by Joseph Lauber, his sole music teacher. Despite being certain by age 16 that he wanted a career in music, Martin did not enter a conservatory for further studies; he opted instead to study physics and mathematics but did not finish the course. After the First World War, he lived in Zürich, Rome, and Paris, before moving back to Geneva in 1926. Upon his return, he became a student of Swiss composer Émile Jaques-Dalcroze and his method of rhythmic musical education (i.e., Dalcroze eurythmics, through which musical concepts are taught through movement). After two years, Martin became a teacher of rhythmic theory at the Institut Jaques-Dalcroze in Geneva.
Over the next decades, Martin pursued a range of professional activities, including as a performing pianist and harpsichordist, and taking on various teaching and administrative positions, such as a lecturer on chamber music at the conservatory, and director of the school Technicum Moderne de Musique. From 1943 to 1946, he was president of the Swiss Musicians’ Union. In 1946, Martin moved to the Netherlands, residing first in Amsterdam, and eventually settling in Naarden. From 1950 to 1957, he taught a composition class for the Cologne Hochschule für Music. Later, he travelled internationally to perform his works; his music became established in the concert repertories of choirs and orchestras, and he was the recipient of many awards and honours. Martin died in Naarden, on November 21, 1974.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Frank Martin
(1890-1974)
Frank Martin, compositeur suisse, était très actif dans son pays d’origine et dans les Pays-Bas de son vivant. Son style musical, qui a gagné en maturité sur une longue période, se distingue par un éclectisme peu orthodoxe issu de l’absorption de nombreux genres musicaux. L’œuvre de J.S. Bach a eu une influence dominante sur la sienne. Martin expérimentait également avec les rythmes bulgares et indiens, la musique ancienne et la musique traditionnelle. Pour ce qui est des éléments contemporains, comme le jazz pour la technique du dodécaphonisme d’Arnold Schoenberg, il adaptait selon ses besoins. Sa maîtrise des couleurs harmoniques et du timbre instrumental, combinée à l’utilisation de rythmes dynamiques et à un sens aigu du drame, fait le charme de sa musique – surtout pour orchestre – auprès des interprètes. Parmi ses œuvres pour grand ensemble figurent des concertos et des ballades (des œuvres pour un instrument solo avec un accompagnement de groupe). Son répertoire contient également de la musique pour spectacles (ballets, opéras, oratorios et musique de scène), pour chorales, pour voix solo et pour ensembles de chambre avec différentes combinaisons d’instruments.
Né à Genève, en Suisse, le 15 septembre 1890, Martin commence à composer à l’âge de huit ans. Il étudie le piano, l’harmonie et la composition auprès de Joseph Lauber, son seul enseignant de musique. Bien que certain, dès ses 16 ans, de vouloir faire carrière dans la musique, Martin n’entre pas au conservatoire, mais opte plutôt pour des cours en physique et en mathématiques, qu’il ne finira pas. Après la Première Guerre mondiale, il vit à Zurich, Rome et Paris, avant de retourner à Genève en 1926. Il devient alors l’élève du compositeur suisse Émile Jaques-Dalcroze, qui lui apprend sa méthode de pédagogie du rythme musical (ex. : la rythmique de Dalcroze, qui consiste à transmettre les concepts musicaux par le mouvement). Après deux ans, Martin devient enseignant en théorie du rythme à l’Institut Jaques-Dalcroze de Genève.
Au cours des décennies qui suivent, Martin se lance dans une foule d’activités professionnelles, y compris en tant que pianiste et claveciniste de concert. Il occupe également des postes dans l’enseignement ou l’administration, tels que conférencier sur la musique de chambre au conservatoire ou encore directeur artistique pour l’institut Technicum Moderne de Musique. De 1943 à 1946, il assure la présidence de l’Association des Musiciens Suisses. En 1946, il retourne aux Pays-Bas, s’installant d’abord à Amsterdam, puis à Naarden. De 1950 à 1957, il donne un cours de composition pour la Cologne Hochschule für Music. Plus tard, il enchaîne les voyages à l’étranger pour interpréter ses œuvres. Sa musique fait partie intégrante du répertoire des concerts pour chœurs et orchestres. Il a reçu plusieurs prix et distinction. Frank Martin décède à Naarden le 21 novembre 1974.
Aaron Copland is considered to be one of the 20th century’s most enduringly successful of American composers. His substantial compositional catalogue is comprised of music for the stage (ballet, opera, and incidental music), screen (two documentaries and six films), radio, orchestra, choir, chamber ensemble, solo piano, and voice and piano. His musical style is considered distinctively American, bearing the influences of popular music, jazz, and folk music from Anglo-, African-, and Latin-American as well as Jewish sources. The works audiences find most appealing contain music of restrained emotional directness, often evoking a pastoral American ideal. Copland was also active as a pianist, conductor, and a prolific writer on music, including two notable music appreciation texts, What to Listen for in Music and Our New Music. An important mentor to several generations of composers, he was instrumental in the development of 20th-century art music in the Americas.
Born on November 14, 1900, in Brooklyn, New York, Copland had formal piano lessons from age 13, and studied theory and composition through private instruction from Rubin Goldmark. Attending concerts, operas, and dance performances were also a formative part of his musical education. In 1921, he went to Paris for further studies in piano with Ricardo Viñes and composition with Nadia Boulanger, who was his most significant teacher. While there, Copland voraciously absorbed the city’s cultural offerings and frequently travelled around Europe. In 1924, by Boulanger’s arrangement, his Organ Symphony was given its American premiere by the New York Symphony Orchestra and the Boston Symphony Orchestra. Thereafter, the latter’s conductor, Serge Koussevitsky, became a notable commissioner and champion of Copland’s music.
Although he initially struggled to earn his living as a composer (critics were fickle), Copland was determined to help himself and his American colleagues. Over the next two decades, he tirelessly organized concerts; was active in New York’s League of Composers, led the American Composers Alliance, and co-founded the American Music Center; and wrote about American music in journals, newspapers, and magazines. By the late 1940s, having achieved wide popularity and critical acclaim from his patriotic pieces, ballets (especially Appalachian Spring), and film scores, Copland was regarded as America’s leading composer of his day.
In the early 1950s, Copland’s long-held socialist sympathies and activism made him the target of anti-communist smear campaigns; and he endured questioning by a Congressional subcommittee (he denied being a communist). Ultimately, his reputation was unaffected; as he continued to compose, lecture, teach, and write, he accumulated numerous honours and awards as well as major recognition abroad. Beginning in 1958, he embarked on an international conducting career, leading performances of his own works and those of other American composers for over 20 years. After 1972, he ceased to compose, and began to suffer memory lapses, eventually living with the effects of dementia. Copland died on December 2, 1990, a few weeks after his 90th birthday, in North Tarrytown, New York.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Aaron Copland
(1900-1990)
Aaron Copland est vu comme l’un des compositeurs américains du XXe siècle ayant connu le succès le plus pérenne. Son vaste répertoire de compositions comprend de la musique pour le spectacle (ballet, opéra et musique de scène), l’écran (deux documentaires et six films), la radio, les orchestres, les chœurs, les ensembles de chambre et le piano solo ou encore pour voix et piano. Son style musical typiquement américain est influencé par le jazz, la musique populaire et la musique folklorique anglaise, africaine, latino-américaine et juive. Ses œuvres les plus appréciées sont d’une grande franchise émotionnelle, évoquant souvent l’idéal pastoral américain. Copland était également un pianiste, un chef d’orchestre et un écrivain prolifique ayant pour sujet la musique; on retient notamment ses deux textes d’appréciation What to Listen for in Music et Our New Music. Mentor important pour plusieurs générations de compositeurs, il a grandement contribué au développement de la musique classique dans les Amériques du XXe siècle.
Né le 14 novembre 1900 à Brooklyn (New York), Copland prend des leçons de piano dès 13 ans et reçoit des cours particuliers de Rubin Goldmark sur la théorie de la musique et la composition. Il assiste également à des concerts, des opéras et des spectacles de danse. En 1921, il se rend à Paris pour approfondir ses connaissances – au piano avec Ricardo Viñes et à la composition avec Nadia Boulanger, dont l’enseignement sera des plus influents sur lui. Copland absorbe voracement la culture parisienne et voyage fréquemment en Europe. En 1924, grâce à Nadia Boulanger, il a droit à la première américaine de sa symphonie pour orgue avec l’Orchestre symphonique de New York et l’Orchestre symphonique de Boston, dont le chef Serge Koussevitsky deviendra plus tard un chantre de la musique de Copland qui lui commandera souvent des œuvres.
Au départ, Copland peine à vivre de ses compositions (les critiques étant capricieuses), mais il est déterminé à réussir et à venir en aide à ses collègues américains. Pendant les deux prochaines décennies, il organise concert après concert, est actif dans la League of Composers de New York, prend la tête de l’American Composers Alliance et devient cofondateur de l’American Music Center. Il écrit également sur la musique pour des publications scientifiques, des journaux et des magazines américains. Vers la fin des années 1940, ses œuvres, ses ballets (surtout Appalachian Spring) et ses musiques de film patriotiques jouissent d’une grande popularité et sont encensés par la critique. Copland est alors le plus grand compositeur américain de son époque.
Au début des années 1950, ses amitiés socialistes de longue date et son activisme font de lui la cible des campagnes de dénigrement anticommunistes. Il est d’ailleurs soumis à l’interrogatoire d’un sous-comité du Congrès (dans lequel il nie être communiste). Sa réputation en ressort finalement indemne. Il continue à composer, à donner des conférences, à enseigner et à écrire, cumulant les honneurs, les prix et même les reconnaissances prestigieuses à l’international. Début 1958, il démarre une carrière de chef d’orchestre international, dirigeant ses propres œuvres et celles d’autres compositeurs américains pendant plus de 20 ans. Après 1972, il cesse de composer, frappé de problèmes de mémoire, et finit par souffrir de démence. Il meurt le 2 décembre 1990, quelques semaines après son 90e anniversaire, à North Tarrytown (New York).
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