FRANÇOIS DOMPIERRE
Les Diableries
Kelly-Marie Murphy
Curiosity, Genius, and the Search for Petula Clark
Chopin
Grande Polonaise brillante
WOLFGANG AMADEUS MOZART
Symphonie no 41, « Jupiter »
Date de diffusion originale : 14 novembre 2020
Soyez des nôtres pour un voyage musical de plaisir et de découverte : nous explorerons un répertoire allant du classique au contemporain et mettant en lumière l’extraordinaire talent d’artistes variés.
Samuel Coleridge-Taylor était assurément le compositeur noir le plus célèbre de son époque. Sa vive et passionnée Ballade pour orchestre ouvre notre captivant programme.
Nous continuons de faire la place belle aux « Trente artistes classiques de moins de 30 ans les plus en vue » en 2020, selon la CBC. Violoniste de 29 ans originaire de Victoria, Elizabeth Skinner ravira les auditeurs avec Les Diableries de François Dompierre, compositeur natif d’Ottawa résidant aujourd’hui au Québec. L’entraînant solo de violon rappelle la musique de violon de tradition populaire tout en évoquant le sombre thème du diable.
Curiosity, Genius, and the Search for Petula Clark de Kelly-Marie Murphy, créé par l’Orchestre symphonique de Toronto en 2017, sera certainement un moment fort du concert. Cette pièce fantaisiste qui donne fièrement la vedette à la section des percussions s’inspire de la vie de Glenn Gould : quand il se déplaçait en voiture dans le nord de l’Ontario, il passait constamment d’une station de radio à l’autre dans l’espoir d’entendre Who Am I? de Petula Clark, qu’il adorait. « L’œuvre de Murphy est amusante; s’inspirant des bandes-son de cinéma, elle convient parfaitement aux salles de concert » (Jenna Simenov, schmopera.com).
Notre deuxième jeune soliste invitée est Jessica Yuma, d'Edmonton, qu’on entendra dans la ludique et magnifique Grande Polonaise brillante pour piano de Chopin.
Notre concert se termine sur la dernière symphonie de Mozart. Majestueuse, remplie d’ardente et pure passion, elle est depuis longtemps considérée comme la plus réussie de ses œuvres du genre. C’est la preuve incontestable que le génie de Mozart n’a jamais faibli.
Samuel Coleridge-Taylor was an English composer, conductor and political activist who fought against race prejudice with his incredible compositions.
Born in Holborn in 1875 to an English mother and a father originally from Sierra Leone, he liked to be identified as Anglo-African – and was later referred to by white New York musicians as ‘Black Mahler’, owing to his musical success.
His name was given to him after the famous poet Samuel Taylor Coleridge who, interestingly, became a great source of inspiration during his career.
Raised in a family of keen musicians, Taylor’s father taught him to play the violin at a young age.
Taylor’s classical compositions were heavily influenced by traditional African music and this made him one of the most progressive writers of his time.
He also became well-known for his use of poetry – particularly in his cantata trilogy, The Song of Hiawatha, which included the epic Hiawatha Overture and was based on a poem by Henry Wadsworth Longfellow.
His work across music and politics was so well received that in 1904, he was even invited by President Theodore Roosevelt to visit the White House – a bold statement and a positive step forward for African Americans.
Samuel Coleridge-Taylor died of pneumonia on 1 September 1912 in Croydon, at the age of 37. Throughout his short life, he faced financial struggles and personal tragedy, which are both often linked to his early demise.
(1875–1912)
Samuel Coleridge-Taylor est un compositeur, chef d’orchestre et activiste politique anglais qui a combattu les injustices raciales par l’entremise de ses œuvres.
Né à Holborn en 1875 d’une mère anglaise et d’un père originaire de Sierre Leone, il se considérait comme « Anglo-Africain ». Les musiciens blancs new-yorkais le qualifièrent plutôt de « Malher noir » en raison de ses succès professionnels.
Si le compositeur fut nommé en hommage au célèbre poète Samuel Taylor Coleridge, celui-ci devint, étrangement peut-être, une source d’inspiration tout au long de sa carrière.
Coleridge-Taylor grandit au sein d’une famille musicale et apprit le violon auprès de son père dès son plus jeune âge.
La musique traditionnelle africaine influença fortement ses œuvres classiques, ce qui fit de lui l’un des compositeurs les plus avant-gardistes de son époque.
Coleridge-Taylor se démarquait aussi dans sa propension à s’inspirer de la poésie dans ses œuvres, notamment dans sa trilogie de cantates Le chant de Hiawatha, qui comprend une ouverture épique et puise sa source dans un poème d’Henry Wadsworth Longfellow.
Son travail musical et politique fut si apprécié qu’il fut invité à la Maison-Blanche par le président Theodore Roosevelt en 1904, ce qui avait alors semblé un choix audacieux et un pas vers l’avant pour les Afro-Américains.
Samuel Coleridge-Taylor mourut d’une pneumonie le 1er septembre 1912 à Croydon, à l’âge de 37 ans. Au fil de sa brève vie, il connut des difficultés financières et des drames personnels qui conduisirent vraisemblablement à sa fin prématurée.
François Dompierre was born on July 1, 1943, in Ottawa.
As a young man, he studied at the University of Ottawa, the Orford Music and Conservatoire de musique in Montreal. While learning the technical theory of music, his true passion at this time was improvising and playing jazz.
After his studies, he wrote more than 200 songs, including the successes L’âme à la tendresse and Demain matin Montréal m’attend, and released an instrumental album.
He worked with Pauline Julien, Claude Gauthier, Monique Leyrac, Pierre Calvé and Renée Claude, amongst others, as orchestrator and music director. He also produced albums for Félix Leclerc’s including Le tour de l’île.
In collaboration with Michel Tremblay, he wrote the musical Demain matin Montréal m’attend. He also worked with Jacques Godbout on the movie IXE-13. After that, writing sound trakcs became his first mean of expression. Throughout his career, he wrote more than sixty sound tracks.
More recently, he worked on an opera inspired by Is Paris Burning (by Lapierre and Collins) with the American librettist Leonard H. Orr.
His orchestra compositions are played on a regular basis in Canada and abroad.
As a conductor, he had the opportunity to work at the Opéra de Paris and the Bulgarian Radio. He also conducted Vancouver, Montreal and Quebec symphony orchestras. In 2014, he chaired the panel for the Richard Lupien Improvisation Prize at the Montreal International Musical Competition.
François Dompierre est né le 1er juillet 1943 à Ottawa.
Dans sa jeunesse, il fréquente l’école de musique de l’Université d’Ottawa, le camp musical d’Orford et le Conservatoire de musique de Montréal. Il se familiarise alors avec la théorie musicale, mais sa véritable passion demeure l’improvisation et le jazz.
Après ses études, il compose la musique de plus de 200 chansons, dont les succès L’âme à la tendresse et Demain matin Montréal m’attend, et il sort un album instrumental.
Il collabore également, à titre d’orchestrateur et de directeur musical, avec Pauline Julien, Claude Gauthier, Monique Leyrac, Pierre Calvé, Renée Claude et plusieurs autres. Il réalise même des albums de Félix Leclerc dont Le tour de l’île.
Après avoir collaboré, au théâtre, avec Michel Tremblay pour l’écriture de la comédie musicale Demain matin Montréal m’attend et au cinéma, avec Jacques Godbout, pour l’écriture du film IXE-13, la musique pour l’image devient son moyen d’expression privilégié. Il signe d’ailleurs par la suite la bande sonore de près d’une soixantaine de films.
Plus récemment, il écrit avec le librettiste américain Leonard H. Orr un opéra inspiré de Is Paris Burning de Lapierre et Collins.
Compositeur prolifique, on doit à François Dompierre une vingtaine d’œuvres qui sont régulièrement jouées en concert au Canada et à l’étranger.
Il a également eu l’occasion d’officier comme chef d’orchestre à l’Opéra de Paris, à la radio Bulgare et aux orchestres symphoniques de Vancouver, Montréal et Québec et a eu l’honneur de présider le jury international pour le prix d’improvisation Richard-Lupin, dans le cadre du concours international de Piano de Montréal de 2014.
Intrigued by the violin, Elizabeth Skinner began studying music at the age of nine in her hometown of Victoria, Canada. Since then, she has become an engaging and versatile performer and a dedicated educator, sharing music across America, Europe and Asia. An active chamber musician, she is a founding member of Trio Émerillon and a member of Montreal’s cutting-edge classical string band, collectif9. A recognized leader, Elizabeth has enjoyed the role of concertmaster with the McDuffie Center String Ensemble, the McGill Symphony Orchestra, and the McGill Contemporary Music Ensemble. She currently performs regularly with the Manitoba Chamber Orchestra and is a substitute violinist with the Montreal Symphony Orchestra. In 2015, Elizabeth was the winner of the Canadian Music Competition (19-30 years strings category) and the Jeunesses Musicales du Canada’s Peter Mendell Award. She won first prize in the Prix d’Europe competition strings category in 2016, as well as third prize in the overall competition, and the Guy Soucie prize for her interpretation of a Québécois work. The same year, Elizabeth won the McGill Chamber Music Competition with Trio Armonioso and they performed at the Salzburg Mozarteum. In 2017 she was a recipient of the Sylva Gelber Music Foundation award, and in 2018 she was a finalist in the Eckhardt-Gramatté National Music Competition. Most recently she was named one of CBC’s “30 hot Classical musicians under 30”. Elizabeth graduated magna cum laude with a Bachelor of Music in Violin Performance from the Robert McDuffie Center for Strings at Mercer University in Georgia, USA. She also holds a Master of Music in Violin Performance and recently completed her Doctor of Music in Performance Studies at McGill University’s Schulich School of Music where she studied with Axel Strauss.
Toute jeune attirée par le violon, Elizabeth Skinner a commencé à étudier la musique à l’âge de 9 ans dans sa ville natale de Victoria (C.-B.). Elle est aujourd’hui une polyvalente et captivante instrumentiste ainsi qu’une éducatrice dévouée, qui fait connaître son amour de la musique en Amérique, en Europe et en Asie. Chambriste passionnée, elle a cofondé le Trio Émerillon et est membre de collectif9, un ensemble de cordes classique avant-gardiste de Montréal.
Instrumentiste reconnue, Skinner a été violon solo de l’ensemble de cordes du Centre McDuffie, de l’Orchestre symphonique de l’Université McGill et de l’ensemble de musique contemporaine de celle-ci. En ce moment, elle se produit fréquemment avec l’Orchestre de chambre du Manitoba et est violon remplaçante à l’Orchestre symphonique de Montréal.
En 2015, Skinner a remporté le Concours de musique du Canada (catégorie des cordes, 19–30 ans) et le prix Peter-Mendell des Jeunesses Musicales du Canada. Au Prix d’Europe 2016, elle a obtenu le premier prix du concours des cordes, le troisième prix pour l’ensemble du concours et le prix Guy Soucie (interprétation d’une œuvre québécoise). Elle a gagné le Concours de musique de chambre de l’Université McGill la même année avec le Trio Armonioso, qui s’est ensuite produit au Mozarteum de Salzbourg. Lauréate d’un prix de la Fondation de musique Silva-Gelber en 2017, elle a été finaliste au Concours national de musique Eckhardt-Gramatté l’année suivante. En 2020, elle compte parmi les « Trente artistes classiques de moins de 30 ans les plus en vue », selon la CBC.
Elizabeth Skinner détient un baccalauréat en musique (interprétation du violon) avec grande distinction du Centre Robert McDuffie pour les cordes de l’Université Mercer (Georgie). Elle est aussi titulaire d’une maîtrise dans le même domaine ainsi que d’un doctorat en musique (Études d’interprétation) de l’École de musique Schulich de l’Université McGill, où elle a eu pour maître Axel Strauss.
With music described as “breathtaking” (Kitchener-Waterloo Record), “imaginative and expressive” (The National Post), “a pulse-pounding barrage on the senses” (The Globe and Mail), and “Bartok on steroids” (Birmingham News), Kelly-Marie Murphy’s voice is well known on the Canadian music scene. She has received many prizes, nationally and internationally, including the Azrieli Music Prize and the Leger Prize.
Murphy was born on a NATO base in Sardegna, Italy, and grew up on Canadian Armed Forces bases all across Canada. She began her studies in composition at the University of Calgary with William Jordan and Allan Bell and later received a PhD in composition from the University of Leeds, England, where she studied with Philip Wilby. After living and working for many years in the Washington D.C. area, where she was designated “an alien of extraordinary ability” by the U.S. Immigration and Naturalization Service, she is now based in Ottawa, quietly pursuing a career as a freelance composer.
Kelly-Marie Murphy est bien connue sur la scène musicale canadienne : « imaginatives et évocatrices » (The National Post), ses compositions « à couper le souffle » (Kitchener-Waterloo Record) sont semblables à « un assaut puissant pour les sens » (The Globe and Mail) et à du « Bartók survitaminé » (Birmingham News). Elle a écrit des pièces mémorables pour de grands artistes de scène et ensembles canadiens. Elle est récipiendaire de nombreux prix nationaux et internationaux, incluant le Prix Azrieli de Musique et le Prix Léger.
Née sur une base de l’OTAN en Sardaigne (Italie), Murphy a passé sa jeunesse aux quatre coins du Canada sur différentes bases des Forces armées canadiennes. Elle a commencé à étudier la composition à l’Université de Calgary auprès de William Jordan et Allan Bell; elle est titulaire d’un doctorat dans ce domaine dirigé par Philip Wilby (Université de Leeds, R.-U.). Après avoir vécu de nombreuses années à Washington (D.C.) – elle était alors « Étrangère ayant des talents exceptionnels » selon le Service de l’immigration et de la naturalisation des États-Unis – elle poursuit maintenant, en toute discrétion, sa carrière de compositrice indépendante à Ottawa.
Seventeen-year-old Jessica Yuma began her piano lessons at the age of 3, and completed both the Associateship (ARCT) and Licentiate (LRCM) Performance Diplomas from the Royal Conservatory of Music in Toronto by the age of 11. Jessica has won numerous prizes in competitions at the provincial, national and international level. Recent accomplishments include: 1st prize at the Canadian Music Competition National Final, the Steinway Young Artists Competition, the CFMTA National Final (Canadian Federation of Music Teachers Association); 3rd prize at the Orford Music Awards Competition as well as the Canadian Chopin Competition (and as a result she will be participating at the 18th International Chopin Competition in 2021, in Warsaw, Poland). Jessica has given numerous solo recitals since the age of 9 and has worked with orchestras, such as the Edmonton Symphony Orchestra, Edmonton Philharmonic Orchestra, Calgary Civic Symphony Orchestra and the Brunesis Virtuosi Orchestra in Italy since the age of 11. The venues in which she has appeared include: the Winspear Centre in Edmonton, Jack Singer Hall in Calgary, Steinway Hall and Carnegie Hall in New York. Jessica has participated in several music festivals including the Morningside Music Bridge in Boston, Orford Music Academy in Quebec, the Young Artists Program in Ottawa, Music fest Perugia in Italy and Coimbra World Piano Meeting in Portugal. Recently, she was selected as one of the top “30 Under 30” Classical Musicians in Canada by CBC Radio and had a live radio debut at CBC Edmonton. Jessica studies piano with Prof. Krzysztof Jablonski. She is currently studying at the New England Conservatory in Boston, in the studio of Proffessor Wha Kyung Byun.
Âgée de 17 ans, Jessica Yuma a suivi ses premières leçons de piano à 3 ans, et obtenu à 11 ans un double diplôme (ARCT/LRCM) en interprétation du Conservatoire royal de musique de Toronto.
Yuma a remporté de nombreux prix dans des concours à l’échelle provinciale, nationale et internationale. Elle a récemment obtenu le premier prix aux finales nationales du Concours de musique du Canada, au Concours des jeunes artistes Steinway et aux finales nationales du Concours de la Fédération canadienne des associations des professeurs de musique (FCAPM); le troisième prix au Concours Orford Musique et au Concours Chopin Canada (ce qui lui permettra de participer au 18e Concours international Chopin, qui se déroulera à Varsovie, en Pologne, en 2021).
Yuma se produit en récital depuis l’âge de 9 ans; elle collabore avec l’Orchestre symphonique d’Edmonton, l’Orchestre philharmonique d’Edmonton, le Calgary Civic Symphony Orchestra et l’Orchestre Brunesis Virtuosi depuis maintenant 6 ans. On a pu la voir sur la scène du Centre Winspear d’Edmonton, de la Salle Jack-Singer de Calgary, ainsi que du Steinway Hall et de Carnegie Hall à New York. Yuma a également participé à plusieurs festivals et événements musicaux, y compris le Morningside Music Bridge de Boston, l’Académie Orford Musique, le Programme des jeunes artistes à Ottawa, le Festival de musique de Perugia (Italie) et le Colloque international de piano de Coimbra (Portugal). Elle a récemment fait ses débuts radiophoniques en direct à CBC Edmonton et vient d’être sélectionnée par CBC Music pour sa liste des « Trente artistes classiques de moins de 30 ans les plus en vue ». Jessica Yuma a eu pour maître Krzysztof Jablonski; actuellement étudiante au Conservatoire de musique de la Nouvelle-Angleterre, à Boston, elle fait partie du studio de Wha Kyung Byun.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the U.K. and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in Florida. Shelley’s leadership is complemented by Principal Guest Conductor John Storgårds, an internationally renowned conductor and violinist who has led some of the world’s finest ensembles, and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser, known for creating innovative and engaging community programming. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the U.K., Europe, and Asia.
The NAC Orchestra has also established a rich discography, including many of the over 80 new works it has commissioned. These include:
The 2024 album Truth in Our Time, including the premiere recording of Philip Glass’s Symphony No. 13, commissioned by the National Arts Centre Orchestra
Clara - Robert - Johannes: a multi-year, multi-album exploration of the music of Clara Schumann, Robert Schumann, and Johannes Brahms, featuring pianists Angela Hewitt, Stewart Goodyear, and Gabriela Montero
The groundbreaking Life Reflected, which includes "My Name is Amanda Todd" by the late Jocelyn Morlock (winner of the 2018 JUNO for Classical Composition of the Year)
Ana Sokolović’s "Golden Slumbers Kiss Your Eyes," 2019 JUNO Winner for Classical Composition of the Year (from the 2019 JUNO-nominated New Worlds)
The 2020 JUNO-nominated The Bounds of Our Dreams, featuring pianist Alain Lefèvre
Angela Hewitt’s 2015 JUNO Award-winning album of Mozart Piano Concertos
The NAC Orchestra’s Learning and Community Engagement initiatives are rooted in creating inclusive and accessible programs for audiences in the National Capital Region and across Canada. These initiatives include family-focused performances, Music Circle workshops specifically designed for individuals on the autism spectrum, and sensory-friendly concerts. Additionally, the Orchestra offers exceptional programming for students, teachers, and learners of all ages, including matinee performances, open rehearsals, instrumental workshops, and digital resources, ensuring that arts learning and engagement in music remain a priority for young audiences and the broader community. The Orchestra’s annual Mentorship Program brings 50 early-career orchestral musicians from around the world to participate in a three-week professional development experience with the world-class NAC Orchestra. Through these efforts, the NAC Orchestra continues to foster meaningful connections with diverse audiences, making music a shared and inclusive experience.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds, un maestro et violoniste de renommée internationale qui a dirigé certains des plus grands ensembles du monde, et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser, connu pour ses programmes communautaires audacieux et mobilisateurs. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
L’Orchestre du CNA possède une riche discographie qui comprend notamment plus de 80 œuvres de commande, dont :
l’album La vérité à l’ère moderne (2024), où l’on trouve le premier enregistrement de la Symphonie no 13 de Philip Glass, une commande de l’Orchestre du Centre national des Arts;
Clara - Robert - Johannes, une exploration en plusieurs albums et sur plusieurs années de l’œuvre de Clara Schumann, Robert Schumann et Johannes Brahms, mettant en vedette les pianistes Angela Hewitt, Stewart Goodyear et Gabriela Montero;
l’avant-gardiste Réflexions sur la vie, sur lequel on peut entendre « My Name is Amanda Todd » de la regrettée Jocelyn Morlock (prix JUNO de la composition classique de l’année en 2018);
« Golden Slumbers Kiss Your Eyes » d’Ana Sokolović (prix JUNO de la composition classique de l’année en 2019), tiré de l’album Nouveaux mondes (finaliste aux prix JUNO en 2019);
Aux frontières de nos rêves, interprété par le pianiste Alain Lefèvre (finaliste aux prix JUNO en 2020);
un album de concertos pour piano de Mozart interprétés par Angela Hewitt (lauréat d’un prix JUNO en 2015).
Par ses initiatives d’éducation et de médiation culturelle, l’Orchestre du CNA cherche à créer des programmes inclusifs et accessibles pour les publics de la région de la capitale nationale et de tout le Canada. Pour ce faire, il propose des spectacles pour toute la famille, le programme Cercle musical, dont les ateliers sont conçus pour les personnes ayant un trouble du spectre de l’autisme, et des concerts adaptés aux sensibilités sensorielles. L’Orchestre propose en outre une programmation riche pour les élèves, les pédagogues et les publics curieux de tous les âges, dont des matinées scolaires, des répétitions publiques, des ateliers de musique et des ressources en ligne, veillant ainsi à ce que l’éducation artistique et le contact avec la musique demeurent une priorité pour les jeunes publics et pour toute la communauté. Enfin, le Programme de mentorat annuel de l’Orchestre rassemble 50 instrumentistes en début de carrière provenant des quatre coins du monde pour une expérience de perfectionnement de trois semaines aux côtés d’un orchestre de calibre mondial. Avec ces initiatives, l’Orchestre du CNA continue de créer des liens puissants avec divers publics, faisant de la musique une expérience commune et inclusive.
Médias du CNA avec Orchestre du Centre national des Arts
“A natural communicator, both on and off the podium” (The Telegraph), Alexander Shelley performs across six continents with the world’s finest orchestras and soloists.
With a conducting technique described as “immaculate” (Yorkshire Post) and a “precision, distinction and beauty of gesture not seen since Lorin Maazel” (Le Devoir), Shelley is known for the clarity and integrity of his interpretations and the creativity and vision of his programming. To date, he has spearheaded over 40 major world premieres, highly praised cycles of Beethoven, Schumann and Brahms symphonies, operas, ballets, and innovative multi-media productions.
Since 2015, he has served as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra and Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra. In April 2023, he was appointed Artistic and Music Director of Artis–Naples in Florida, providing artistic leadership for the Naples Philharmonic and the entire multidisciplinary arts organization. The 2024-2025 season is Shelley’s inaugural season in this position.
Additional 2024-2025 season highlights include performances with the City of Birmingham Symphony Orchestra, the Colorado Symphony, the Warsaw Philharmonic, the Seattle Symphony, the Chicago Civic Orchestra, and the National Symphony of Ireland. Shelley is a regular guest with some of the finest orchestras of Europe, the Americas, Asia and Australasia, including Leipzig’s Gewandhaus Orchestra, the Konzerthausorchester Berlin, the Orchestre de la Suisse Romande, the Helsinki, Hong Kong, Luxembourg, Malaysian, Oslo, Rotterdam and Stockholm philharmonic orchestras and the Sao Paulo, Houston, Seattle, Baltimore, Indianapolis, Montreal, Toronto, Munich, Singapore, Melbourne, Sydney and New Zealand symphony orchestras.
In September 2015, Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra, the youngest in its history. The ensemble has since been praised as “an orchestra transformed ... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen), and his programming is credited for turning the orchestra “almost overnight ... into one of the more audacious orchestras in North America” (Maclean’s). Together, they have undertaken major tours of Canada, Europe, and Carnegie Hall, where they premiered Philip Glass’s Symphony No. 13.
They have commissioned ground-breaking projects such as Life Reflected and Encount3rs, released multiple JUNO-nominated albums and, most recently, responded to the pandemic and social justice issues of the era with the NACO Live and Undisrupted video series.
In August 2017, Shelley concluded his eight-year tenure as Chief Conductor of the Nurnberger Symphoniker, a period hailed by press and audiences alike as a golden era for the orchestra.
Shelley’s operatic engagements have included The Merry Widow and Gounod’s Romeo and Juliet (Royal Danish Opera), La bohème (Opera Lyra/National Arts Centre), Louis Riel (Canadian Opera Company/National Arts Centre), lolanta (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), Così fan tutte (Opera National de Montpellier), The Marriage of Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck), and both Le nozze di Figaro and Don Giovanni in semi-staged productions at the NAC.
Winner of the ECHO Music Prize and the Deutsche Grunderpreis, Shelley was conferred with the Cross of the Federal Order of Merit by German President Frank-Walter Steinmeier in April 2023 in recognition of his services to music and culture.
Through his work as Founder and Artistic Director of the Schumann Camerata and their pioneering “440Hz” series in Dusseldorf, as founding Artistic Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen’s “Zukunftslabor” and through his regular tours leading Germany’s National Youth Orchestra, inspiring future generations of classical musicians and listeners has always been central to Shelley’s work.
He regularly gives informed and passionate pre- and post-concert talks on his programs, as well as numerous interviews and podcasts on the role of classical music in society. In Nuremberg alone, over nine years, he hosted over half a million people at the annual Klassik Open Air concert, Europe’s largest classical music event.
Born in London in October 1979 to celebrated concert pianists, Shelley studied cello and conducting in Germany and first gained widespread attention when he was unanimously awarded first prize at the 2005 Leeds Conductors’ Competition, with the press describing him as “the most exciting and gifted young conductor to have taken this highly prestigious award.”
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).
Décrit comme « un communicateur né, sur scène comme dans la vie » (The Telegraph), Alexander Shelley se produit sur six continents avec les plus grands ensembles et solistes de la planète.
Reconnu pour sa technique de direction « impeccable » (Yorkshire Post) et pour « la précision, la distinction et la beauté de sa gestique […] quelque chose que l’on n’a plus vraiment vu depuis Lorin Maazel » (Le Devoir), le maestro est aussi célébré pour la clarté et l’intégrité de ses interprétations et pour la créativité et l’audace de sa programmation. Il a à ce jour dirigé plus de 40 premières mondiales d’envergure, des cycles acclamés des symphonies de Beethoven, de Schumann et de Brahms, des opéras, des ballets et des productions multimédias novatrices.
Il est depuis 2015 directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et premier chef associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres. En avril 2023, il a été nommé directeur artistique et musical d’Artis—Naples en Floride, prenant ainsi les rênes artistiques de l’Orchestre philharmonique de Naples et de tous les volets de cette organisation multidisciplinaire. La saison 2024–2025 est sa première à ce poste.
Alexander Shelley se produira également cette saison avec l’Orchestre symphonique de la Ville de Birmingham, l’Orchestre symphonique du Colorado, l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique national d’Irlande. Il est régulièrement invité par les plus grands orchestres d’Europe, d’Amérique, d’Asie et d’Australasie, dont l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre de la Suisse Romande, les orchestres philharmoniques d’Helsinki, de Hong Kong, du Luxembourg, de Malaisie, d’Oslo, de Rotterdam et de Stockholm et les orchestres symphoniques de Sao Paulo, de Houston, de Seattle, de Baltimore, d’Indianapolis, de Montréal, de Toronto, de Munich, de Singapour, de Melbourne, de Sydney et de Nouvelle-Zélande.
Alexander Shelley a succédé à Pinchas Zukerman à titre de directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada en septembre 2015, devenant le plus jeune chef à occuper ce poste dans l’histoire de l’ensemble. Ce dernier a depuis été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen) et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord pour sa programmation (Maclean’s). Le maestro a mené ses troupes dans des tournées d’envergure au Canada, en Europe et au Carnegie Hall, où il a dirigé la première de la Symphonie no 13 de Philip Glass.
À la tête de l’Orchestre du CNA, Alexander Shelley a commandé des œuvres révolutionnaires, dont Réflexions sur la vie et RENCONTR3S, et fait paraître plusieurs albums finalistes aux prix JUNO. En réaction à la pandémie et aux questions de justice sociale qui dominent notre époque, il a lancé les séries vidéo L’OCNA en direct et INCONDITIONNEL.
En août 2017 se concluait le mandat du maestro Shelley à la direction de l’Orchestre symphonique de Nuremberg, période décrite comme un âge d’or par la critique et le public.
Sur la scène lyrique, Alexander Shelley a dirigé La veuve joyeuse et le Roméo et Juliette de Gounod (Opéral royal danois), La bohème (Opera Lyra / Centre national des Arts), Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne / Centre national des Arts), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Così fan tutte (Opéra Orchestre National Montpellier), Les noces de Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck) ainsi que Les noces de Figaro et Don Giovanni en version semi-scénique au CNA.
Lauréat du prix ECHO et du Deutsche Grunderpreis, le chef s’est vu décerner en avril 2023 la Croix fédérale du Mérite par le président allemand Frank-Walter Steinmeier en reconnaissance de ses services à la musique et à la culture.
À titre de fondateur et directeur artistique de la Schumann Camerata et de sa série avant-gardiste 440Hz à Düsseldorf et de directeur artistique du projet Zukunftslabor de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, ainsi que par ses nombreuses tournées à la tête de l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne, il cherche constamment à inspirer les futures générations d’instrumentistes et d’adeptes de musique classique.
Alexander Shelley fait régulièrement des présentations instructives et passionnées sur ses programmes avant et après les concerts. Il participe aussi à de nombreuses entrevues et produit des balados sur le rôle de la musique classique dans la société. Seulement à Nuremberg, il a accueilli en neuf ans plus d’un demi-million de personnes aux concerts annuels du Klassik Open Air, le plus grand événement de musique classique d’Europe.
Né à Londres en octobre 1979 et fils de célèbres pianistes concertistes, Alexander Shelley a étudié le violoncelle et la direction d’orchestre en Allemagne. Il s’est d’abord signalé en remportant à l’unanimité le premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. La critique l’a décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux ».
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
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