28 nov 2020 90 minutes sans entracte.
Date de diffusion originale : 28 novembre 2020.
Originaire de Puerto Rico, Angélica Negrón est une compositrice et multi-instrumentiste résidant à New York. Très recherchée des plus importants orchestres d’Amérique du Nord, elle a composé des œuvres qualifiées de « bouleversantes et ensorcelantes » (Feast of Music). Le concert s’ouvre sur What Keeps Me Awake, dont l’exécution dure 7 minutes; ce voyage sonore explorateur et vagabond est simplement captivant.
Kaluza Klein du compositeur canadien Michael Oesterle, créé et enregistré par Dame Evelyn Glennie, met en vedette le jeune percussionniste Bryn Lutek au vibraphone.
Deux pièces de Barbara Pentland sont également au programme. Celle-ci a tracé la voie aux compositeurs d’avant-garde dans les années 1950 au Canada, malgré l’opposition de sa famille et de collègues masculins quant à son choix de carrière.
Deux compositeurs classiques russes, Tchaïkovsky et Prokofiev, viennent enrichir le matériau sonore du concert. Les Variations sur un thème rococo de Tchaïkovsky, écrites en hommage à Mozart, mettront en vedette la jeune violoncelliste Olivia Yelim Cho.
Notre concert se termine en grand sur la symphonie « Classique » de Prokofiev, une « musique simple et gaie », disait-il. C’est aujourd’hui l’une de ses œuvres les plus appréciées et interprétées.
(Born in 1981)
Puerto Rican-born composer and multi-instrumentalist Angélica Negrón writes music for accordions, robotic instruments, toys and electronics as well as chamber ensembles and orchestras. Her music has been described as “wistfully idiosyncratic and contemplative” (WQXR/Q2) and “mesmerizing and affecting” (Feast of Music) while The New York Times noted her “capacity to surprise” and her “quirky approach to scoring”. Angélica has been commissioned by the Bang on a Can All-Stars, loadbang, MATA Festival, Brooklyn Youth Chorus, Sō Percussion, the American Composers Orchestra, and the New York Botanical Garden, among others. Her music has been performed at the Kennedy Center, the Ecstatic Music Festival, EMPAC, Bang on a Can Marathon and the 2016 New York Philharmonic Biennial and her film scores have been heard numerous times at the Tribeca Film Festival. She has collaborated with artists like Sō Percussion, The Knights, Face the Music, and NOVUS NY, among others and is a founding member of the tropical electronic band Balún. Angélica is currently a doctoral candidate at The Graduate Center (CUNY), where she studies composition with Tania León and focuses on the work of Meredith Monk for her dissertation. She's a teaching artist for New York Philharmonic's Very Young Composers Program working with young learners on creative composition projects. Upcoming premieres include works for the LA Philharmonic, Dallas Symphony Orchestra and National Symphony Orchestra, San Francisco Girls Chorus, and NY Philharmonic Project 19 initiative. Negrón continues to perform and compose for film.
(née en 1981)
La compositrice et multi-instrumentiste d’origine portoricaine Angélica Negrón est l’auteure d’œuvres pour accordéons, jouets, instruments électroniques et robotisés ainsi que pour ensembles de chambre et orchestres. « Ensorcelante et bouleversante » (Feast of Music), sa musique est « contemplative et particulièrement mélancolique » (WQXR/Q2). Le New York Times a salué l’approche inusité de la compositrice et sa capacité à surprendre ses auditeurs. Bang on a Can All-Starts, loadbang, le MATA Festival, le Brooklyn Youth Chorus, Sō Percussion, l’American Composers Orchestra et le New York Botanical Garden, entre autres, lui ont commandé des œuvres. On a pu entendre la musique de Negrón au Kennedy Center, au Ecstatic Music Festival, à EMPAC, au marathon Bang on a Can et à la Biennale 2016 du New York Philharmonic. Ses bandes originales de films ont aussi été entendues à plusieurs reprises au Festival du film de Tribeca. Negrón a notamment collaboré avec Sō Percussion, The Knights, Face the Music et NOVUS NY, et est l’un des membres fondateurs du groupe de musique électronique tropicale Balún.
Negrón effectue actuellement un doctorat en composition sous la direction de Tania León à la CUNY; ses recherches portent sur les œuvres de Meredith Monk. Elle est artiste-enseignante au Programme des très jeunes compositeurs du New York Philharmonic; elle y dirige des projets de composition créative. On pourra bientôt entendre en première ses œuvres pour le LA Philharmonic, l’Orchestre symphonique de Dallas, le National Symphony Orchestra, le San Francisco Girls Chorus et le Projet 19 du New York Philharmonic. Angélica Negrón continue également à composer et interpréter des trames sonores de film.
(Born in 1968)
The composer and performer Michael Oesterle was born in Ulm, Germany, in 1968. He immigrated to Canada in 1982, and since 1996 has been living in Montréal. He has received several awards, such as the Gaudeamus Prize, the Grand Prize at the 12th CBC Radio National Competition for Young Composers, and the Canada Council Jules Léger Prize. Oesterle’s works have been performed and commissioned by ensembles and soloists in Canada and throughout the world including Ensemble Modern (Frankfurt), the Berlin Radio Symphony Orchestra, Nouvel Ensemble Moderne (NEM), cellist Yegor Dyachkov, the Ives Ensemble (Amsterdam), sopranos Karina Gauvin and Suzie Leblanc. He has produced projects in collaboration with composer Gerhard Staebler, violinist Clemens Merkel, painter Christine Unger, video/installation artist Wanda Koop and Bonnie Baxter and choreographer Isabelle Van Grimde. He composed the music for cNOTE, a film by animator Christopher Hinton, produced by the National Film Board of Canada (NFB). cNOTE won the 2005 GENIE award for best animated-short. In 1997 he founded the Montréal based Ensemble Kore with pianist Marc Couroux, and between 2001 and 2004 he was composer-in-residence with l’Orchestre Metropolitain du Grand Montréal.
(né en 1968)
Né à Ulm, en Allemagne, le compositeur et interprète Michael Oesterle immigre au Canada en 1982 et vit à Montréal depuis 1996. Parmi les nombreux prix qu’il a remportés mentionnons: le Prix Gaudeamus, le Grand prix du Concours national CBC/Radio-Canada des jeunes compositeurs et les Prix Jules-Léger et Victor-Martyn-Lynch-Staunton du Conseil des arts du Canada. Les œuvres de Oesterle ont été commandées et jouées par de nombreux solistes et ensembles à travers le monde: l’ECM+, l’Ensemble Modern (Francfort), le Nouvel Ensemble Moderne (Montréal), le violoncelliste Yegor Dyachkov, l’Ives Ensemble (Amsterdam), les sopranos Karina Gauvin et Suzie Leblanc, l’Ensemble Intercontemporain (Paris), le Quatuor Bozzini, Groundswell, le Manitoba Chamber Orchestra, Soundstreams Canada, l’Asko/Schoenberg Ensemble (Amsterdam), et les Percussions de Strasbourg. De plus, les orchestres symphoniques de Montréal, Toronto, Vancouver ainsi que le National Arts Orchestra, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique de la Radio de Berlin ont commandé et joué ses œuvres. Oesterle a composé pour divers projets en collaboration avec l’artiste peintre Christine Unger, les artistes Wanda Koop et Bonnie Baxter, ainsi que les chorégraphes Isabelle Van Grimde, Barbara Bourget et Dominique Porte. De même, il collabore régulièrement avec le réalisateur Christopher Hinton. Il a composé la musique de plusieurs de ses films dont cNOTE, qui a gagné, en 2005, le prix Génie du meilleur court métrage d’animation. En 1997, il fonde l’ensemble Kore avec le pianiste Marc Couroux et, de 2001 à 2004, il est compositeur en résidence à l’Orchestre Métropolitain.
(1912-2000)
Barbara Lally Pentland was born in Winnipeg, Manitoba, in 1912. She began to study piano at age nine. Three years later she expressed a desire to become a professional composer, even though only a handful of composers were writing in Canada at that time and none of them were women.
Her parents hoped that she would focus on performance rather than composition, which they considered to be an inappropriate career choice for a woman.
Pentland was accepted at the Juilliard Graduate School in New York City in 1936 on full fellowship. She was exposed to many styles of music during her time in New York City.
In the early 1940s, Pentland taught theory and composition at the Royal Conservatory of Music in Toronto and attended the Tanglewood Music Center where she studied with Aaron Copland and Paul Hindemith. In 1949 Pentland became a faculty member in the music department at the University of British Columbia.
The famed Canadian pianist Glenn Gould recorded her work Ombres (1964) — yet it was omitted from the album when it was released. The recording finally appeared on Sony’s re-release of the album 25 years later. The exclusion is symbolic of the composer’s ostracization that occurred throughout most of her career as she struggled to gain professional recognition. She found particular difficulty as a ‘woman’ composer writing contemporary music.
Toward the end of her career, Pentland finally received recognition and significant accolades. She became first composer to receive the Order of British Columbia, she was appointed a Member of the Order of Canada, became an Honorary Member of the Canadian Music Centre, and received honorary Doctorates from Winnipeg’s University of Manitoba, and Vancouver’s Simon Fraser University. In celebration of her 75th birthday the city of Vancouver announced “Barbara Pentland Day”.
© 2015-2018 Dr. Réa Beaumont
(1912–2000)
Barbara Lally Pentland naquit à Winnipeg (Man.) en 1912. Elle commença à étudier le piano à 3 ans, et manifesta le désir de devenir compositrice trois ans plus tard, en dépit du fait qu’il n’y avait alors qu’une poignée de compositeurs au Canada et qu’aucun d’entre eux n’était de sexe féminin.
Les parents de Pentland souhaitaient qu’elle se consacre à l’interprétation plutôt qu’à la composition, qu’ils considéraient comme un choix de carrière inapproprié pour une femme.
Pentland obtint néanmoins une bourse d’études supérieures de l’École Juilliard en 1936. Elle put se familiariser avec une variété de styles musicaux pendant son séjour à New York.
Au début des années 1940, Pentland enseignait la théorie et la composition musicales au Conservatoire royal de musique de Toronto tout en poursuivant ses études auprès d’Aaron Copland et Paul Hindemith au Centre de musique Tanglewood. Elle se joignit au corps professoral du département de musique de l’Université de Colombie-Britannique en 1949.
Le célèbre pianiste canadien Glenn Gould enregistra sa pièce Ombres (1964) en vue d’un album, mais elle en fut toutefois écartée. Sony publia finalement l’enregistrement original 25 ans plus tard à l’occasion de la réédition de cet album. Cette exclusion est le reflet de l’ostracisme dont Pentland fut victime tout au long de sa carrière, malgré ses efforts pour être reconnue comme compositrice professionnelle. Il était difficile pour elle de prendre sa place à titre de compositrice de musique actuelle.
Pentland reçut la reconnaissance qu’elle méritait vers la fin de sa carrière : première compositrice à rejoindre les rangs de l’Ordre de la Colombie-Britannique, elle fut nommée membre de l’Ordre du Canada et membre honoraire du Centre de musique canadienne. L’Université du Manitoba (Winnipeg) et l’Université Simon-Fraser (Vancouver) lui offrirent chacune un doctorat honorifique. La Ville de Vancouver fit du 75e anniversaire de la compositrice la « Journée Barbara Pentland ».
© 2015-2018 Réa Beaumont, Ph. D.
Bryn Lutek is a versatile Canadian percussionist who is quickly establishing himself in both contemporary and orchestral idioms. In the spring of 2020, after completing his Master's degree at the University of Toronto in the studios of Aiyun Huang and Charles Settle, Bryn was named Principal Percussionist of L'Orchestre Symphonique de Quebéc. As an orchestral percussionist he has also performed with the Toronto Symphony Orchestra and L’Orchestre Métropolitain.
Bryn is passionate about collaborating with his peers to extend the percussion and chamber music repertoire; to that end he has recently given world premieres of two works for percussion trio and electronics - entasi iii by Joshua Biggs, and Layers by Hunter Brown - alongside fellow percussionists Louis Pino and Tyler Cunningham. Bryn has also given premieres of music by Kotoka Suzuki, Stephanie Orlando, Amy Thompson, and Ania Vu, and he is currently working with Louis Pino on a new piece for snare drum, interactive electronics, and video.
As a researcher Bryn was awarded a Social Sciences and Humanities Research Council of Canada Graduate Scholarship in 2019 and his work has been accepted to the TENOR International Conference on Technologies for Music Notation & Representation; his research interests centre around the history and aesthetics of electronic music and media.
Prior to attending the University of Toronto, Bryn received his Artist Diploma from the Glenn Gould School of the Royal Conservatory of Music Toronto and his Bachelor’s Degree from McGill University.
Bryn Lutek est un percussionniste canadien des plus polyvalents qui prend sa place dans le monde de la musique actuelle et symphonique. Il a été nommé percussionniste solo de l’Orchestre symphonique de Québec au printemps 2020, après avoir terminé une maîtrise à l’Université de Toronto auprès d’Aiyun Huang et Charles Settle. Il s’est produit à titre de percussionniste symphonique avec l’Orchestre symphonique de Toronto et l’Orchestre Métropolitain.
Lutek collabore passionnément avec ses collègues afin de développer le répertoire pour percussions et orchestre de chambre; il a d’ailleurs récemment œuvré à la création mondiale de deux œuvres pour trio de percussions et instruments électroniques – entasi iii de Joshua Biggs et Layers de Hunter Brown – en compagnie des percussionnistes Louis Pino et Tyler Cunningham. Lutek a également créé des œuvres de Kotoka Suzuki, Stephanie Orlando, Amy Thompson et Ania Vu. Il collabore actuellement avec Louis Pino à une nouvelle œuvre pour caisse claire, instruments électroniques interactifs et composantes vidéo.
Lutek a obtenu une bourse d’études supérieures du Conseil de recherches en sciences humaines du Canada en 2019. Il a présenté ses travaux au colloque international sur les technologies de notation et de représentation musicales TENOR; ses recherches portent sur l’histoire et l’esthétique de la musique électronique et des médias.
Avant d’étudier à l’Université de Toronto, Bryn Lutek a obtenu un diplôme d’artiste de l’École Glenn-Gould (Conservatoire royal de musique de Toronto) et un baccalauréat de l’Université McGill.
Olivia Yelim Cho is a Korean-Canadian cellist from Vancouver, BC. She is currently pursuing her undergraduate degree with Richard Aaron at the University of Michigan, where she is a James B. Angell Scholar. Formerly a student at the Vancouver Academy of Music (VAM) in the Young Artist Collegiate Program, Olivia began her musical studies at the age of five under the tutelage of Joseph Elworthy. Additional teachers include baroque and modern cellist Kristin von der Goltz, whom Olivia worked with during a study-abroad in early 2020, and Wolfgang Emanuel Schmidt, whom she studied with on fellowship at the 2019 Aspen Music Festival and School (AMFS).
Olivia is very interested in musical outreach and exploring the influence of music on society. She feels that musicians have a responsibility to use their voice in advocating for social justice. This past July, Olivia worked with her sister to organize a socially-distanced benefit concert, titled con moto, which raised funds for local groups supporting Black Lives Matter and Indigenous Lives. Olivia also enjoys performing in venues such as senior homes, hospitals, and churches, as well as working with younger musicians. She is currently a teaching assistant for the new VAM Aldo Parisot Cello Ensemble, and has previously mentored young musicians in the 2018 Vancouver Quiring Chamber Music Camp.
In 2020, Olivia was named by CBC Music as one of “30 hot Canadian classical musicians under 30.” She also received the Isabel Overton Bader Award at the 2020 Bader & Overton Canadian Cello Competition. In 2017, she attended the Orford Music Academy on full scholarship and the AMFS as a recipient of the Emerging Artist Grant from VAM. Further notable events include a recital for the Vancouver Women’s Musical Society (2017), her solo debut at Vancouver’s Orpheum Theatre with the VAM Symphony Orchestra (2014) as the youngest-ever winner of the Kay Meek Competition, and receiving first prize in the Canadian Music Competition (2013).
Olivia Yelim Cho est une violoncelliste canado-coréenne de Vancouver (C.-B.). Lauréate de la bourse James B. Angell, elle effectue actuellement un baccalauréat auprès de Richard Aaron à l’Université du Michigan. Elle a commencé ses études en musique avec Joseph Elworthy à 5 ans, et étudié à l’Académie de musique de Vancouver (AMV) (programme préuniversitaire des jeunes artistes). Elle a en outre participé à un programme à l’étranger avec Kristin von der Goltz, violoncelliste spécialiste de la musique baroque et moderne, et obtenu une bourse de l’École du Festival de musique d’Aspen (EFMA) pour un programme avec Wolfgang Emanuel Schmidt.
Cho est passionnée de rayonnement musical et explore l’influence de la musique sur la société. Selon elle, les musiciens ont la responsabilité de faire entendre leur voix en faveur de la justice sociale. En juillet dernier, elle et sa sœur ont organisé con moto, un concert respectant la distanciation physique visant à ramasser des fonds pour des organisations locales soutenant Black Lives Matter et Indigenous Lives. La violoncelliste prend en outre plaisir à se produire dans des centres pour personnes âgées, des hôpitaux et des églises ainsi qu’à collaborer avec de jeunes musiciens. Elle est actuellement auxiliaire d’enseignement de l’ensemble de violoncelles Aldo Parisot de l’AMV, et a encadré des instrumentistes en herbe au camp de musique de chambre Quiring de Vancouver en 2018.
Cho compte parmi les « Trente artistes classiques de moins de 30 ans les plus en vue » en 2020, selon CBC Music. Elle a remporté le prix Isabel-Overton-Bader au Concours de violoncelle canadien Bader & Overton 2020. En 2017, elle a obtenu une bourse de l’Académie Orford Musique et participé au programme de l’EFMA à titre d’Artiste émergente boursière de l’AMV. Elle s’est produite en récital pour la Vancouver Women’s Musical Society (2017) et a fait ses débuts en solo au Orpheum Theatre de Vancouver avec l’Orchestre symphonique de l’AMV (2014). Lauréate du premier prix au Concours de musique du Canada en 2013, Olivia Yelim Cho est la plus jeune personne à avoir remporté le Concours Kay-Meek.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the U.K. and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the U.S. Shelley’s leadership is complemented by Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen, and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the United Kingdom, Europe, and Asia.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
“A natural communicator, both on and off the podium” (The Telegraph), Alexander Shelley performs across six continents with the world’s finest orchestras and soloists.
With a conducting technique described as “immaculate” (Yorkshire Post) and a “precision, distinction and beauty of gesture not seen since Lorin Maazel” (Le Devoir), Shelley is known for the clarity and integrity of his interpretations and the creativity and vision of his programming. To date, he has spearheaded over 40 major world premieres, highly praised cycles of Beethoven, Schumann and Brahms symphonies, operas, ballets, and innovative multi-media productions.
Since 2015, he has served as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra and Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra. In April 2023, he was appointed Artistic and Music Director of Artis–Naples in Florida, providing artistic leadership for the Naples Philharmonic and the entire multidisciplinary arts organization. The 2024-2025 season is Shelley’s inaugural season in this position.
In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026-2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025.
Additional 2024-2025 season highlights include performances with the City of Birmingham Symphony Orchestra, the Colorado Symphony, the Warsaw Philharmonic, the Seattle Symphony, the Chicago Civic Orchestra, and the National Symphony of Ireland. Shelley is a regular guest with some of the finest orchestras of Europe, the Americas, Asia, and Australasia, including Leipzig’s Gewandhaus Orchestra, the Konzerthausorchester Berlin, the Orchestre de la Suisse Romande, the Helsinki, Hong Kong, Luxembourg, Malaysian, Oslo, Rotterdam and Stockholm philharmonic orchestras, and the Sao Paulo, Houston, Seattle, Baltimore, Indianapolis, Montreal, Toronto, Munich, Singapore, Melbourne, Sydney, and New Zealand symphony orchestras.
In September 2015, Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra, the youngest in its history. The ensemble has since been praised as “an orchestra transformed ... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen), and his programming is credited for turning the orchestra “almost overnight ... into one of the more audacious orchestras in North America” (Maclean’s). Together, they have undertaken major tours of Canada, Europe, and Carnegie Hall, where they premiered Philip Glass’s Symphony No. 13.
They have commissioned ground-breaking projects such as Life Reflected and Encount3rs, released multiple JUNO-nominated albums and, most recently, responded to the pandemic and social justice issues of the era with the NACO Live and Undisrupted video series.
In August 2017, Shelley concluded his eight-year tenure as Chief Conductor of the Nurnberger Symphoniker, a period hailed by press and audiences alike as a golden era for the orchestra.
Shelley’s operatic engagements have included The Merry Widow and Gounod’s Romeo and Juliet (Royal Danish Opera), La bohème (Opera Lyra/National Arts Centre), Louis Riel (Canadian Opera Company/National Arts Centre), lolanta (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), Così fan tutte (Opera National de Montpellier), The Marriage of Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck), and both Le nozze di Figaro and Don Giovanni in semi-staged productions at the NAC.
Winner of the ECHO Music Prize and the Deutsche Grunderpreis, Shelley was conferred with the Cross of the Federal Order of Merit by German President Frank-Walter Steinmeier in April 2023 in recognition of his services to music and culture.
Through his work as Founder and Artistic Director of the Schumann Camerata and their pioneering “440Hz” series in Dusseldorf, as founding Artistic Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen’s “Zukunftslabor” and through his regular tours leading Germany’s National Youth Orchestra, inspiring future generations of classical musicians and listeners has always been central to Shelley’s work.
He regularly gives informed and passionate pre- and post-concert talks on his programs, as well as numerous interviews and podcasts on the role of classical music in society. In Nuremberg alone, over nine years, he hosted over half a million people at the annual Klassik Open Air concert, Europe’s largest classical music event.
Born in London in October 1979 to celebrated concert pianists, Shelley studied cello and conducting in Germany and first gained widespread attention when he was unanimously awarded first prize at the 2005 Leeds Conductors’ Competition, with the press describing him as “the most exciting and gifted young conductor to have taken this highly prestigious award.”
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).
Décrit comme « un communicateur né, sur scène comme dans la vie » (The Telegraph), Alexander Shelley se produit sur six continents avec les plus grands ensembles et solistes de la planète.
Reconnu pour sa technique de direction « impeccable » (Yorkshire Post) et pour « la précision, la distinction et la beauté de sa gestique […] quelque chose que l’on n’a plus vraiment vu depuis Lorin Maazel » (Le Devoir), le maestro est aussi célébré pour la clarté et l’intégrité de ses interprétations et pour la créativité et l’audace de sa programmation. Il a à ce jour dirigé plus de 40 premières mondiales d’envergure, des cycles acclamés des symphonies de Beethoven, de Schumann et de Brahms, des opéras, des ballets et des productions multimédias novatrices.
Il est depuis 2015 directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et premier chef associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres. En avril 2023, il a été nommé directeur artistique et musical d’Artis—Naples en Floride, prenant ainsi les rênes artistiques de l’Orchestre philharmonique de Naples et de tous les volets de cette organisation multidisciplinaire. La saison 2024–2025 est sa première à ce poste.
Alexander Shelley se produira également cette saison avec l’Orchestre symphonique de la Ville de Birmingham, l’Orchestre symphonique du Colorado, l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique national d’Irlande. Il est régulièrement invité par les plus grands orchestres d’Europe, d’Amérique, d’Asie et d’Australasie, dont l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre de la Suisse Romande, les orchestres philharmoniques d’Helsinki, de Hong Kong, du Luxembourg, de Malaisie, d’Oslo, de Rotterdam et de Stockholm et les orchestres symphoniques de Sao Paulo, de Houston, de Seattle, de Baltimore, d’Indianapolis, de Montréal, de Toronto, de Munich, de Singapour, de Melbourne, de Sydney et de Nouvelle-Zélande.
Alexander Shelley a succédé à Pinchas Zukerman à titre de directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada en septembre 2015, devenant le plus jeune chef à occuper ce poste dans l’histoire de l’ensemble. Ce dernier a depuis été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen) et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord pour sa programmation (Maclean’s). Le maestro a mené ses troupes dans des tournées d’envergure au Canada, en Europe et au Carnegie Hall, où il a dirigé la première de la Symphonie no 13 de Philip Glass.
À la tête de l’Orchestre du CNA, Alexander Shelley a commandé des œuvres révolutionnaires, dont Réflexions sur la vie et RENCONTR3S, et fait paraître plusieurs albums finalistes aux prix JUNO. En réaction à la pandémie et aux questions de justice sociale qui dominent notre époque, il a lancé les séries vidéo L’OCNA en direct et INCONDITIONNEL.
En août 2017 se concluait le mandat du maestro Shelley à la direction de l’Orchestre symphonique de Nuremberg, période décrite comme un âge d’or par la critique et le public.
Sur la scène lyrique, Alexander Shelley a dirigé La veuve joyeuse et le Roméo et Juliette de Gounod (Opéral royal danois), La bohème (Opera Lyra / Centre national des Arts), Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne / Centre national des Arts), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Così fan tutte (Opéra Orchestre National Montpellier), Les noces de Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck) ainsi que Les noces de Figaro et Don Giovanni en version semi-scénique au CNA.
Lauréat du prix ECHO et du Deutsche Grunderpreis, le chef s’est vu décerner en avril 2023 la Croix fédérale du Mérite par le président allemand Frank-Walter Steinmeier en reconnaissance de ses services à la musique et à la culture.
À titre de fondateur et directeur artistique de la Schumann Camerata et de sa série avant-gardiste 440Hz à Düsseldorf et de directeur artistique du projet Zukunftslabor de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, ainsi que par ses nombreuses tournées à la tête de l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne, il cherche constamment à inspirer les futures générations d’instrumentistes et d’adeptes de musique classique.
Alexander Shelley fait régulièrement des présentations instructives et passionnées sur ses programmes avant et après les concerts. Il participe aussi à de nombreuses entrevues et produit des balados sur le rôle de la musique classique dans la société. Seulement à Nuremberg, il a accueilli en neuf ans plus d’un demi-million de personnes aux concerts annuels du Klassik Open Air, le plus grand événement de musique classique d’Europe.
Né à Londres en octobre 1979 et fils de célèbres pianistes concertistes, Alexander Shelley a étudié le violoncelle et la direction d’orchestre en Allemagne. Il s’est d’abord signalé en remportant à l’unanimité le premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. La critique l’a décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux ».
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
Le Fond Janice et Earle O’Born pour l’excellence dans les arts de la scène
Le rôle de directeur musical de l’Orchestre du CNA est généreusement soutenu par Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D (hc)