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  chef d'orchestre Alexander Shelley

  

  chef d'orchestre Alexander Shelley

  “A natural communicator, both on and off the podium” (The Telegraph), Alexander Shelley performs across six continents with the world’s finest orchestras and soloists.

  With a conducting technique described as “immaculate” (Yorkshire Post) and a “precision, distinction and beauty of gesture not seen since Lorin Maazel” (Le Devoir), Shelley is known for the clarity and integrity of his interpretations and the creativity and vision of his programming. To date, he has spearheaded over 40 major world premieres, highly praised cycles of Beethoven, Schumann and Brahms symphonies, operas, ballets, and innovative multi-media productions.  

  Since 2015, he has served as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra and Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra. In April 2023, he was appointed Artistic and Music Director of Artis–Naples in Florida, providing artistic leadership for the Naples Philharmonic and the entire multidisciplinary arts organization. The 2024-2025 season is Shelley’s inaugural season in this position.  

  Additional 2024-2025 season highlights include performances with the City of Birmingham Symphony Orchestra, the Colorado Symphony, the Warsaw Philharmonic, the Seattle Symphony, the Chicago Civic Orchestra, and the National Symphony of Ireland. Shelley is a regular guest with some of the finest orchestras of Europe, the Americas, Asia and Australasia, including Leipzig’s Gewandhaus Orchestra, the Konzerthausorchester Berlin, the Orchestre de la Suisse Romande, the Helsinki, Hong Kong, Luxembourg, Malaysian, Oslo, Rotterdam and Stockholm philharmonic orchestras and the Sao Paulo, Houston, Seattle, Baltimore, Indianapolis, Montreal, Toronto, Munich, Singapore, Melbourne, Sydney and New Zealand symphony orchestras. 

  In September 2015, Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra, the youngest in its history. The ensemble has since been praised as “an orchestra transformed ... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen), and his programming is credited for turning the orchestra “almost overnight ... into one of the more audacious orchestras in North America” (Maclean’s). Together, they have undertaken major tours of Canada, Europe, and Carnegie Hall, where they premiered Philip Glass’s Symphony No. 13.

  They have commissioned ground-breaking projects such as Life Reflected and Encount3rs, released multiple JUNO-nominated albums and, most recently, responded to the pandemic and social justice issues of the era with the NACO Live and Undisrupted video series.

  In August 2017, Shelley concluded his eight-year tenure as Chief Conductor of the Nurnberger Symphoniker, a period hailed by press and audiences alike as a golden era for the orchestra.  

  Shelley’s operatic engagements have included The Merry Widow and Gounod’s Romeo and Juliet (Royal Danish Opera), La bohème (Opera Lyra/National Arts Centre), Louis Riel (Canadian Opera Company/National Arts Centre), lolanta (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), Così fan tutte (Opera National de Montpellier), The Marriage of Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck), and both Le nozze di Figaro and Don Giovanni in semi-staged productions at the NAC. 

  Winner of the ECHO Music Prize and the Deutsche Grunderpreis, Shelley was conferred with the Cross of the Federal Order of Merit by German President Frank-Walter Steinmeier in April 2023 in recognition of his services to music and culture. 

  Through his work as Founder and Artistic Director of the Schumann Camerata and their pioneering “440Hz” series in Dusseldorf, as founding Artistic Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen’s “Zukunftslabor” and through his regular tours leading Germany’s National Youth Orchestra, inspiring future generations of classical musicians and listeners has always been central to Shelley’s work. 

  He regularly gives informed and passionate pre- and post-concert talks on his programs, as well as numerous interviews and podcasts on the role of classical music in society. In Nuremberg alone, over nine years, he hosted over half a million people at the annual Klassik Open Air concert, Europe’s largest classical music event. 

  Born in London in October 1979 to celebrated concert pianists, Shelley studied cello and conducting in Germany and first gained widespread attention when he was unanimously awarded first prize at the 2005 Leeds Conductors’ Competition, with the press describing him as “the most exciting and gifted young conductor to have taken this highly prestigious award.”

  The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).

  Décrit comme « un communicateur né, sur scène comme dans la vie » (The Telegraph), Alexander Shelley se produit sur six continents avec les plus grands ensembles et solistes de la planète.

  Reconnu pour sa technique de direction « impeccable » (Yorkshire Post) et pour « la précision, la distinction et la beauté de sa gestique […] quelque chose que l’on n’a plus vraiment vu depuis Lorin Maazel » (Le Devoir), le maestro est aussi célébré pour la clarté et l’intégrité de ses interprétations et pour la créativité et l’audace de sa programmation. Il a à ce jour dirigé plus de 40 premières mondiales d’envergure, des cycles acclamés des symphonies de Beethoven, de Schumann et de Brahms, des opéras, des ballets et des productions multimédias novatrices.

  Il est depuis 2015 directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et premier chef associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres. En avril 2023, il a été nommé directeur artistique et musical d’Artis—Naples en Floride, prenant ainsi les rênes artistiques de l’Orchestre philharmonique de Naples et de tous les volets de cette organisation multidisciplinaire. La saison 2024–2025 est sa première à ce poste.

  Alexander Shelley se produira également cette saison avec l’Orchestre symphonique de la Ville de Birmingham, l’Orchestre symphonique du Colorado, l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique national d’Irlande. Il est régulièrement invité par les plus grands orchestres d’Europe, d’Amérique, d’Asie et d’Australasie, dont l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre de la Suisse Romande, les orchestres philharmoniques d’Helsinki, de Hong Kong, du Luxembourg, de Malaisie, d’Oslo, de Rotterdam et de Stockholm et les orchestres symphoniques de Sao Paulo, de Houston, de Seattle, de Baltimore, d’Indianapolis, de Montréal, de Toronto, de Munich, de Singapour, de Melbourne, de Sydney et de Nouvelle-Zélande.

  Alexander Shelley a succédé à Pinchas Zukerman à titre de directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada en septembre 2015, devenant le plus jeune chef à occuper ce poste dans l’histoire de l’ensemble. Ce dernier a depuis été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen) et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord pour sa programmation (Maclean’s). Le maestro a mené ses troupes dans des tournées d’envergure au Canada, en Europe et au Carnegie Hall, où il a dirigé la première de la Symphonie no 13 de Philip Glass.

  À la tête de l’Orchestre du CNA, Alexander Shelley a commandé des œuvres révolutionnaires, dont Réflexions sur la vie et RENCONTR3S, et fait paraître plusieurs albums finalistes aux prix JUNO. En réaction à la pandémie et aux questions de justice sociale qui dominent notre époque, il a lancé les séries vidéo L’OCNA en direct et INCONDITIONNEL. 

  En août 2017 se concluait le mandat du maestro Shelley à la direction de l’Orchestre symphonique de Nuremberg, période décrite comme un âge d’or par la critique et le public.

  Sur la scène lyrique, Alexander Shelley a dirigé La veuve joyeuse et le Roméo et Juliette de Gounod (Opéral royal danois), La bohème (Opera Lyra / Centre national des Arts), Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne / Centre national des Arts), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Così fan tutte (Opéra Orchestre National Montpellier), Les noces de Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck) ainsi que Les noces de Figaro et Don Giovanni en version semi-scénique au CNA.

  Lauréat du prix ECHO et du Deutsche Grunderpreis, le chef s’est vu décerner en avril 2023 la Croix fédérale du Mérite par le président allemand Frank-Walter Steinmeier en reconnaissance de ses services à la musique et à la culture.

  À titre de fondateur et directeur artistique de la Schumann Camerata et de sa série avant-gardiste 440Hz à Düsseldorf et de directeur artistique du projet Zukunftslabor de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, ainsi que par ses nombreuses tournées à la tête de l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne, il cherche constamment à inspirer les futures générations d’instrumentistes et d’adeptes de musique classique.

  Alexander Shelley fait régulièrement des présentations instructives et passionnées sur ses programmes avant et après les concerts. Il participe aussi à de nombreuses entrevues et produit des balados sur le rôle de la musique classique dans la société. Seulement à Nuremberg, il a accueilli en neuf ans plus d’un demi-million de personnes aux concerts annuels du Klassik Open Air, le plus grand événement de musique classique d’Europe.

  Né à Londres en octobre 1979 et fils de célèbres pianistes concertistes, Alexander Shelley a étudié le violoncelle et la direction d’orchestre en Allemagne. Il s’est d’abord signalé en remportant à l’unanimité le premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. La critique l’a décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux ».

  Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D.  (hc).

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  Productrice du contenu créatif et metteure en scène Donna Feore

  

  Productrice du contenu créatif et metteure en scène Donna Feore

  Donna Feore is one of Canada’s most versatile creative talents and has been highly praised for her work with the Stratford Festival. She directed and choreographed last season’s smash hit, The Sound of Music, which enjoyed an extended run. This came on the heels of her 2014 production of the popular and critical hit Crazy for You, which itself followed her hugely acclaimed production of Fiddler on the Roof.

  She returns to the NAC, having recently acted as Creative Producer & Director for the NAC-commissioned Dear Life and Director for Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream. Other directing credits include Tom Stoppard’s Rock & Roll and It’s a Wonderful Life for Canadian Stage, and Lecture on the Weather by John Cage and A Soldier’s Tale with F. Murray Abraham for the Detroit Symphony.

  Selected opera credits include staging and choreography for the Canadian Opera Company’s Siegfried, which she remounted for the Opéra National de Lyon. Also for the COC: Tosca, Red Emma and Oedipus Rex, which earned her a Dora Mavor Moore Award for Best Choreography.

  Selected film and television credits include Mean Girls, Eloise, Treading Water, Politics is Cruel, Martin and Lewis and Stormy Weather. In 2016, Ms. Feore will direct and choreograph a completely reimagined version of A Chorus Line for the Stratford Festival.

  Talent créateur parmi les plus polyvalents au pays, Donna Feore a été chaudement applaudie pour ses réalisations au Festival de Stratford. Elle a signé la mise en scène et la chorégraphie du très populaire The Sound of Music – qui a tenu longtemps l’affiche la saison dernière. Elle a présenté, en 2014, Crazy for You, succès retentissant acclamé par la critique et le public, tout comme Fiddler on the Roof, qui l’a précédé.

  Pour l’Orchestre du CNA, elle a assuré récemment la production du contenu créatif et la mise en scène (m.e.s.) de Dear Life, une commande du CNA, ainsi que la m.e.s. du Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn. Toujours à titre de metteure en scène, elle a contribué aux productions Rock & Roll (Tom Stoppard) et It’s a Wonderful Life pour Canadian Stage, et collaboré avec F. Murray Abraham à Lecture on the Weather de John Cage et A Soldier’s Tale pour l’Orchestre symphonique de Detroit.

  Sur la scène opératique, elle a été metteure en scène et chorégraphe dans la production de Siegfried de la Canadian Opera Company (COC), qui a ensuite gagné la scène de l’Opéra National de Lyon. Pour la COC, elle a aussi monté Tosca, Red Emma et OEdipus Rex, qui lui a valu un prix Dora dans la catégorie Meilleure chorégraphie.

  Aux petit et grand écrans, elle a collaboré notamment à Mean Girls, Eloise, et Treading Water, Politics is Cruel, Martin and Lewis et Stormy Weather. En 2016, elle assurera la m.e.s. et la chorégraphie d’une version réinventée de la pièce A Chorus Line pour le Festival de Stratford.

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  chanteuse et compositrice, Qiksaaktuq Tanya Tagaq

  

  chanteuse et compositrice, Qiksaaktuq Tanya Tagaq

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  chef de l'improvisation et compositrice, Qiksaaktuq Christine Duncan

  

  chef de l'improvisation et compositrice, Qiksaaktuq Christine Duncan

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  compositeur, Qiksaaktuq Jean Martin

  

  compositeur, Qiksaaktuq Jean Martin

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  compositrice, Dear Life Zosha Di Castri

  

  compositrice, Dear Life Zosha Di Castri

  Zosha Di Castri is a Canadian composer/pianist living in New York. Her work (which has been performed in Canada, the U.S., South America and Europe) extends beyond purely concert music, including projects with electronics, sound arts, and collaborations with video and dance.

  Ms. Di Castri's orchestral compositions have been commissioned by the San Francisco Symphony, New World Symphony and Esprit Symphony, and have been featured by the Orchestre symphonique de Montréal, Amazonas Philharmonic and the Cabrillo Festival Orchestra, among others. She has also worked with many leading new music groups including Talea Ensemble, Wet Ink and the NEM.

  Zosha Di Castri was the recipient of the Jules Léger Prize for New Chamber Music for her work Cortège in 2012. She completed a Bachelor of Music at McGill University, and in 2009, participated in the NAC Composer Program as part of the Summer Music Institute. She has a doctorate from Columbia University in composition. She is now Assistant Professor of music at Columbia.

  Zosha Di Castri est une compositrice et pianiste canadienne établie à New York. Ses œuvres ont été jouées au Canada, aux États-Unis, en Amérique du Sud et en Europe. Sa démarche dépasse les limites de la musique de concert, englobant aussi des projets qui intègrent l'électronique et l'art sonore, ainsi que des collaborations en vidéo et en danse.

  L'Orchestre symphonique de San Francisco, le New World Symphony et l'Esprit Orchestra ont commandé des œuvres à M^me Di Castri. Sa musique pour orchestre a aussi été interprétée par l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre philharmonique de l'Amazonas et le Cabrillo Festival Orchestra, entre autres. L'artiste a également collaboré avec de nombreuses formations de musique nouvelle de premier plan, dont l'Ensemble Talea, Wet Ink et le Nouvel Ensemble Moderne (NEM).

  Zosha Di Castri a remporté en 2012 le prix Jules-Léger de la nouvelle musique de chambre pour Cortège. Elle est titulaire d'un baccalauréat en musique de l'Université McGill et d'un doctorat en composition musicale de l'Université Columbia, où elle est actuellement professeure adjointe en musique. Elle a participé en 2009 au Programme des compositeurs de l'Institut estival de musique du CNA.

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  soprano, Dear Life Nathalie Paulin

  

  soprano, Dear Life Nathalie Paulin

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  auteure, Dear Life Alice Munro

  

  auteure, Dear Life Alice Munro

  Alice Munro was born on July 10, 1931 and raised on a farm outside of Wingham, Ontario. She attended the University of Western Ontario where she studied English and published her first short story in the university’s literary magazine. She married James Munro in 1951 and moved to Victoria, British Columbia where she had three children and co-owned a bookshop with her husband.

  Her first book of short stories was published in 1968 and since then she has published fifteen more. Her work frequently appears in magazines including The New Yorker, The Atlantic Monthly, and The Paris Review. She divorced in 1972 and moved back to Ontario to take up a post as writer-in-residence at the University of Western Ontario, a position she later held at the university of British Columbia and at the University of Queensland.

  She married Gerald Fremlin in 1976 and moved to his hometown of Clinton, Ontario, not far from Wingham. Gerald died in April 2013. On December 10, 2013, she was awarded the Nobel Prize in Literature. Ms. Munro has recently announced her retirement from writing and continues to live in Clinton.

  Née le 10 juillet 1931, Alice Munro a grandi sur une ferme près de Wingham (Ontario). Elle a étudié en littérature anglaise à l’Université Western Ontario, où elle a publié sa toute première nouvelle dans la revue littéraire de l’établissement. En 1951, elle a épousé James Munro. Le couple est parti s’établir à Victoria (Colombie-Britannique) où Alice a eu trois enfants et a été copropriétaire, avec James, d’une librairie.

  Son premier recueil, paru en 1968, a été suivi de quinze autres. Ses oeuvres sont souvent publiées dans des magazines comme The New Yorker, The Atlantic Monthly et The Paris Review. L’auteure a divorcé en 1972 et est retournée s’installer en Ontario pour devenir auteure en résidence à l’Université Western Ontario, un poste qu’elle a également occupé plus tard à l’Université de la Colombie-Britannique et à l’Université du Queensland.

  Elle s’est remariée avec Gerald Fremlin en 1976 et a déménagé dans la petite ville natale de son nouvel époux, Clinton (Ontario), non loin de Wingham. Gerald est décédé en avril 2013. Le 10 décembre de la même année, Alice Munro remportait le prix Nobel de littérature. Celle qui vit toujours à Clinton a annoncé récemment qu’elle renonçait à l’écriture.

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  narratrice (voix enregistrée), Dear Life Martha Henry

  

  narratrice (voix enregistrée), Dear Life Martha Henry

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  Magnum Photos, photographe, Dear Life Larry Towell

  

  Magnum Photos, photographe, Dear Life Larry Towell

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  auteure, adaptation Dear Life Merilyn Simonds

  

  auteure, adaptation Dear Life Merilyn Simonds

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  compositrice, My Name is Amanda Todd Jocelyn Morlock

  

  compositrice, My Name is Amanda Todd Jocelyn Morlock

  The late Jocelyn Morlock (1969–2023) was one of Canada’s leading composers, who wrote compelling music that has been recorded extensively and receives numerous performances and broadcasts throughout North America and Europe. Born in Winnipeg, she studied piano at Brandon University, and later earned a master’s degree and a Doctorate of Musical Arts from the University of British Columbia, where she was recently an instructor and lecturer of composition. The inaugural composer-in-residence for Vancouver’s Music on Main Society (2012–14), she took on the same role for the Vancouver Symphony Orchestra from 2014 to 2019.

  Jocelyn had close ties with the National Arts Centre Orchestra, who in 2015, commissioned My Name is Amanda Todd, a powerful work about the teen from Port Coquitlam, BC, who took her own life due to cyberbullying. It subsequently won the 2018 JUNO Award for Classical Composition for the Year.

  “With its shimmering sheets of harmonics” (Georgia Straight) and an approach that is “deftly idiomatic” (Vancouver Sun), Morlock’s music has received numerous national and international accolades, including Top 10 at the 2002 International Rostrum of Composers, the Mayor’s Arts Award for Music in Vancouver (2016) and the JUNO award for Classical Composition of the Year (My Name Is Amanda Todd, 2018).

  Most of Morlock’s compositions are for small ensembles, many of them for unusual combinations like piano and percussion (Quoi?), cello and vibraphone (Shade), bassoon and harp (Nightsong), and an ensemble consisting of clarinet/bass clarinet, trumpet, violin and double bass (Velcro Lizards). Cobalt, a concerto for two violins and orchestra, was her first commission for the National Arts Centre Orchestra, in 2009. Her first full-length CD, also titled Cobalt, was released on the Centrediscs label in 2014.

  La regrettée Jocelyn Morlock (1969-2023) était l’une des compositrices les plus en vue du Canada. On lui doit une œuvre fascinante qui a fait l’objet d’un grand nombre d’enregistrements et a été jouée et diffusée à de nombreuses reprises en Amérique du Nord et en Europe. Née à Winnipeg, elle a étudié le piano à l’Université de Brandon, avant d’obtenir une maîtrise et un doctorat en musique de l’Université de la Colombie-Britannique, où elle a récemment œuvré comme chargée de cours et enseigné la composition. Première compositrice en résidence de la Music on Main Society de Vancouver (2012-2014), elle a assumé le même rôle auprès de l’Orchestre symphonique de Vancouver de 2014 à 2019.

  Jocelyn entretenait des liens étroits avec l’Orchestre du Centre national des Arts qui, en 2015, lui avait commandé My Name is Amanda Todd, une œuvre puissante sur l’adolescente de Port Coquitlam, en Colombie-Britannique, qui s’est enlevé la vie après avoir subi de la cyberintimidation. L’œuvre a ensuite remporté le prix JUNO 2018 à titre de composition classique de l’année.

  Ses « harmonies chatoyantes » (Georgia Straight) et son approche « adroitement personnelle » (Vancouver Sun) ont valu à Jocelyn Morlock de nombreux prix, au pays comme à l’étranger : classement parmi les 10 finalistes à la Tribune internationale des compositeurs en 2002; le Mayor’s Arts Award dans la catégorie Musique, à Vancouver (2016); et le Prix JUNO de la Composition classique de l’année pour My Name Is Amanda Todd (2018).

  La plupart des compositions de Jocelyn Morlock sont destinées à de petits ensembles, plusieurs d’entre elles pour des combinaisons inhabituelles, telles piano et percussions (Quoi?), violoncelle et vibraphone (Shade), ou basson et harpe (Nightsong). Velcro Lizards a été composée pour un ensemble formé d’une clarinette ou d’une clarinette basse, d’une trompette, d’un violon et d’une contrebasse. Cobalt, sa première œuvre commandée par l’Orchestre du Centre national des Arts, a été créée par ce dernier en 2009; ce concerto pour deux violons et orchestre figure sur son premier album complet, aussi intitulé Cobalt, paru sous étiquette Centrediscs en 2014.

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  27 novembre 1996 – 10 octobre 2012 Amanda Todd

  

  27 novembre 1996 – 10 octobre 2012 Amanda Todd

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  compositrice, Bondarsphere Nicole Lizée

  

  compositrice, Bondarsphere Nicole Lizée

  Called a “brilliant musical scientist” and lauded for “creating a stir with listeners for her breathless imagination and ability to capture Gen-X and beyond generation”, Montreal based composer Nicole Lizée creates new music from an eclectic mix of influences including the earliest MTV videos, turntablism, rave culture, Hitchcock, Kubrick, 1960s psychedelia and 1960s modernism. She is fascinated by the glitches made by outmoded and well-worn technology and captures these glitches, notates them and integrates them into live performance.

  Nicole’s compositions range from works for orchestra and solo turntablist featuring DJ techniques fully notated and integrated into a concert music setting, to other unorthodox instrument combinations that include the Atari 2600 video game console, omnichords, stylophones, Simon™, and karaoke tapes. In the broad scope of her evolving oeuvre she explores such themes as malfunction, reviving the obsolete, and the harnessing of imperfection and glitch to create a new kind of precision.

  In 2001 Nicole received a Master of Music degree from McGill University. After a decade and a half of composition, her commission list of over 40 works is varied and distinguished (the Kronos Quartet, BBC Proms, l’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal, CBC, Radio-Canada, the San Francisco Symphony, NYC’s Kaufman Center, Darcy James Argue’s Secret Society, So Percussion, Eve Egoyan, Gryphon Trio, MATA Festival, TorQ Percussion, Fondation Arte Musica/Musée des beaux-arts de Montréal, ECM+, Continuum, Soundstreams, SMCQ, Arraymusic, Kitchener-Waterloo Symphony). Her music has been performed worldwide in renowned venues including Carnegie Hall (NYC), Royal Albert Hall (London), Muziekgebouw (Amsterdam) and Cité de la Musique (Paris) – and in festivals including the BBC Proms (UK), Huddersfield (UK), Bang On a Can (USA), All Tomorrow’s Parties (UK), X Avant (Canada), Luminato (Canada), C3 (Berlin), Ecstatic (NYC), Switchboard (San Francisco), Casalmaggiore (Italy), and Dark Music Days (Iceland).

  Nicole was awarded the prestigious 2013 Canada Council for the Arts Jules Léger Prize for New Chamber Music. She is a Civitella Ranieri Foundation Fellow (New York City/Italy). In 2015 she was selected by acclaimed composer and conductor Howard Shore to be his protégée as part of the Governor General’s Performing Arts Awards Mentorship Program. 

  This Will Not Be Televised, her seminal piece for chamber ensemble and turntables, placed in the 2008 UNESCO International Rostrum of Composers’ Top 10 Works. Her work for piano and notated glitch, Hitchcock Études, was chosen by the International Society for Contemporary Music and featured at the 2014 World Music Days in Wroclaw, Poland. Additional awards and nominations include a Prix Opus (2013), two Prix collégien de musique contemporaine, (2012, 2013) and the 2002 Canada Council for the Arts Robert Fleming Prize for achievements in composition.

  La compositrice montréalaise Nicole Lizée crée de la musique nouvelle inspirée par un mélange éclectique d’Influences incluant les premières vidéos MTV, le turntablism, la culture rave, le glitch, Hitchcock, Kubrick, David Lynch, le courant psychédélique et le modernisme des années 1960. Elle est fascinée par les erreurs faites par les technologies démodées et bien usées, erreurs qu’elle « glitche », note et intègre dans des exécutions en direct.

  Les compositions de Nicole vont des œuvres pour orchestre et platiniste solo faisant appel à des techniques de DJ entièrement notées et intégrées dans un contexte de musique de concert, à d’autres combinaisons instrumentales inorthodoxes incluant la console de jeux vidéo Atari 2600, des omnichords, des stylophones et des pistes de karaoké. Dans son œuvre en évolution, dont la palette est vaste, elle explore des thèmes tels que la dysfonction, la résurrection d’éléments désuets et l’exploitation de l’imperfection et du glitch pour créer une nouvelle forme de précision.

  Nicole a obtenu une maîtrise en musique de l’Université McGill en 2001. Elle fait carrière de compositrice depuis une quinzaine d’années, et la liste de ses commandes, aussi variée que distinguée, dépasse les 40 œuvres et inclut des commanditaires tels le Kronos Quartet, les BBC Proms, l’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal, Radio-Canada/CBC, le San Francisco Symphony, le Kaufman Center, la Darcy James Argue’s Secret Society, Sō Percussion, Eve Egoyan, le Gryphon Trio, le MATA Festival, TorQ Percussion, la Fondation Arte Musica / le Musée des beaux-arts de Montréal, l’ECM+, Continuum, Soundstreams, l’Australian Art Orchestra, Standing Wave, la SMCQ, Arraymusic et le Kitchener-Waterloo Symphony. Sa musique a été exécutée partout dans le monde dans des salles incluant le Carnegie Hall (New York), le Royal Albert Hall (Londres), le Muziekgebouw (Amsterdam) et la Cité de la Musique (Paris) – ainsi que dans des festivals d’envergure y compris les BBC Proms (R.-U.), Huddersfield (R.-U.), Bang On a Can (É.-U.), All Tomorrow’s Parties (R.-U.), Barbican (R.-U.), X Avant (Canada), Luminato (Canada), Switchboard (San Francisco), C3 (Berlin), Ecstatic (New York), Casalmaggiore (Italie), Sonorities (Irlande), Melbourne Festival (Australie) et Dark Music Days (Islande).

  Nicole a remporté en 2013 le Prix Jules-Léger pour la musique de chambre du Conseil des Arts du Canada. Elle est une Civitella Ranieri Foundation Fellow (CRF 2010).

  Sa pièce pour piano et glitch noté, Hitchcock Études, a été sélectionnée par la Société internationale pour la musique contemporaine pour exécution lors des Journées mondiales de la musique 2014 en Pologne. This Will Not Be Televised, son œuvre phare pour ensemble de chambre et platines, s’est classée parmi les 10 œuvres retenues à l’édition 2008 de la Tribune internationale de compositeurs de l’UNESCO.

  Elle a reçu des subventions du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec, de la SOCAN, de FACTOR et de BravoFACT. Ses autres distinctions et nominations incluent un Prix Opus (2013), le Prix collégien de musique contemporaine à deux reprises (2012, 2013) et le Prix Robert-Fleming 2002 du Conseil des Arts du Canada pour réalisation dans le domaine de la composition.

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  astronaute, neurologue, photographe Dr. Roberta Bondar

  

  astronaute, neurologue, photographe Dr. Roberta Bondar

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  compositeur, I Lost My Talk John Estacio

  

  compositeur, I Lost My Talk John Estacio

  John Estacio ranks as one of Canada’s most frequently performed composers. His symphonic and operatic works have been praised for their assured command of lyricism, depth of expression, and brilliant dynamism.

  He has served as Composer in Residence for the Calgary Philharmonic Orchestra and the Edmonton Symphony Orchestra. His orchestral music has been performed in Singapore, China, Europe, the United Kingdom, and throughout the United States. His first of five operas, Filumena, was filmed for television and commemorated on a stamp issued by Canada Post.

  His orchestral writing has caught the ear of choreographers and the film world. The Cincinnati Ballet commissioned a full-length score for King Arthur’s Camelot, and his music for The Secret of the Nutcracker earned him an Alberta Media Production Industries Association award for best original film score.

  His Trumpet Concerto, commissioned by an unprecedented consortium of 19 Canadian orchestras, was recorded by the Mulhouse Symphony Orchestra in France. He has finished his fifth opera, The Cipher Clerk, and has recently completed new works for the Calgary Philharmonic Orchestra, the National Arts Centre Orchestra, and the Edmonton Symphony Orchestra.

  The five-time Juno-nominated composer was appointed to the Order of Canada in 2021 and is a recipient of the Lieutenant Governor of Alberta Award for Arts. He recently received an Honorary Doctorate in Music from Wilfrid Laurier University.

  John Estacio est l’un des compositeurs canadiens les plus souvent joués. La critique a vanté le lyrisme maîtrisé, la profondeur d’expression et le brillant dynamisme de ses œuvres symphoniques et opératiques.

  John Estacio a été compositeur en résidence pour l’Orchestre philharmonique de Calgary et l’Orchestre symphonique d’Edmonton. Ses œuvres orchestrales ont été jouées à Singapour, en Chine, en Europe, au Royaume-Uni et aux quatre coins des États-Unis. Le premier de ses cinq opéras, Filumena, a été filmé pour la télévision et commémoré par un timbre de Postes Canada.

  Son écriture orchestrale a retenu l’attention de chorégraphes et cinéastes : le Ballet de Cincinnati lui a commandé la musique du ballet intégral King Arthur’s Camelot, et sa trame sonore pour The Secret of the Nutcracker a été sacrée meilleure bande originale de film par l’AMPIA (Alberta Media Production Industries Association).

  Son Concerto pour trompette, commandé par un consortium formé de 19 orchestres canadiens (du jamais vu!), a été enregistré par l’Orchestre symphonique de Mulhouse, en France. Après avoir terminé son cinquième opéra, The Cipher Clerk, John Estacio a composé des œuvres pour l’Orchestre philharmonique de Calgary, l’Orchestre du Centre national des Arts et l’Orchestre symphonique d’Edmonton.

  Finaliste à cinq reprises aux prix Juno, il est devenu membre de l’Ordre du Canada en 2021 et a reçu le Prix du Lieutenant-gouverneur de l’Alberta pour les arts. Il s’est récemment vu décerner un doctorat honorifique en musique de l’Université Wilfrid Laurier.

  Médias du CNA avec John Estacio

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  comédienne, I Lost My Talk Monique Mojica

  

  comédienne, I Lost My Talk Monique Mojica

  Monique Mojica (Guna and Rappahannock nations) Actor/ playwright Monique Mojica is passionately dedicated to a theatrical practice as an act of healing, of reclaiming historical/ cultural memory and of resistance. Spun directly from the family-web of New York’s Spiderwoman Theater, her theatrical practice embraces not only her artistic lineage through mining stories embeded in the body, but also the connection to stories coming through land and place.

  Monique’s first play Princess Pocahontas and the Blue Spots was produced in 1990 and is widely taught in curricula internationally. She was a co-founder of Turtle Gals Performance Ensemble with whom she created The Scrubbing Project, the Dora-nominated The Triple Truth and The Only Good Indian. In 2007, she founded Chocolate Woman Collective to develop the play Chocolate Woman Dreams the Milky Way, a performance created by devising a dramaturgy specific to Guna cultural aesthetics, story narrative and literary structure.

  Monique has taught Indigenous Theatre in theory, process and practice at the University of Illinois, the Institute of American Indian Arts, McMaster University and is a former co- director of the Centre for Indigenous Theatre. She has lectured on embodied research and taught embodied performance workshops throughout Canada, the U.S., Latin America and Europe.

  She was most recently seen onstage in Kaha:wii Dance Theatre’s world premiere of Re-Quickening choreographed by Santee Smith and with the National Arts Centre Orchestra in I Lost My Talk as part of the Life Reflected series.

  Upcoming projects include Side Show Freaks & Circus Injuns co-written with Choctaw playwright, LeAnne Howe and directed by Jorge Luis Morejón with an illustrious collaborative team of Indigenous artists from diverse disciplines. 

  Monique Mojica (nations kuna et rappahannock), est une actrice et auteure qui se passionne pour la pratique théâtrale, qu’elle voit comme un acte de guérison, de résistance et de revendication de la mémoire historique et culturelle. S’inscrivant dans la lignée du Spiderwoman Theatre de New York, sa pratique personnelle tire parti de son héritage artistique en mettant au jour les histoires du corps, mais aussi le lien aux histoires qui émanent de la terre et des lieux.

  Sa première pièce, Princess Pocahontas and the Blue Spots, a été produite en 1990 et fait partie de nombre de programmes d’enseignement à l’international.  Elle est l’une des cofondatrices du collectif Turtle Gals Performance Ensemble, avec qui elle a créé The Scrubbing Project, The Triple Truth (finaliste pour un prix DORA) et The Only Good Indian. Elle a fondé le Chocolate Woman Collective en 2007 pour développer la pièce Chocolate Woman Dreams the Milky Way, une production épousant une approche dramatique étroitement liée à l'esthétique, aux formes narratives et aux structures littéraires propres à la culture kuna.

  Monique Mojica a enseigné la théorie, les procédés et les pratiques du théâtre autochtone à l'Université de l'Illinois, à l'Institute of American Indian Arts et à l'Université McMaster, en plus d’être codirectrice du Centre for Indigenous Theatre. Elle a prononcé des conférences sur la recherche incarnée et a donné des ateliers d’interprétation incarnée au Canada, aux États-Unis, en Amérique latine et en Europe.

  Ses prestations les plus récentes sur scène comprennent la première mondiale de Re-Quickening, du Kaha:wii Dance Theatre, dans une chorégraphie de Santee Smith, et l’interprétation d’I Lost My Talk avec l’Orchestre du Centre national des Arts dans le cadre de la série Réflexions sur la vie.

  Parmi ses projets à venir, mentionnons Side Show Freaks & Circus Injuns, une pièce coécrite avec la dramaturge choctaw LeAnne Howe et mise en scène par Jorge Luis Morejón, qui présente une impressionnante équipe d’artistes autochtones oeuvrant dans diverses disciplines.

  Médias du CNA avec Monique Mojica

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  poète, I Lost My Talk Rita Joe, C.M.

  

  poète, I Lost My Talk Rita Joe, C.M.

  Rita Joe was a famous Mi’kmaw poet who celebrated her language, culture and way of life. Rita Bernard was born in 1932 in Whycocomagh, Nova Scotia. Orphaned at the age of ten, she soon found herself at the Shubenacadie Residential School. Forbidden to speak her language, she endured mental and physical abuse and left at age 16. She soon met Frank Joe and they married and started a family.

  Rita Joe began writing in the mid-1970s. She wrote seven books, including Poems of Rita Joe (1978), Song of Eskasoni (1988) and The Blind Man’s Eyes (published posthumously in 2015).

  In 1989, Rita Joe was inducted into the Order of Canada and in 1992, she became a member of the Queen’s Privy Council. She received an Aboriginal Achievement Award in 1997 and doctorates from several East Coast universities. Rita’s husband, Frank, died in 1989 and a year later she was diagnosed with Parkinson’s disease. She kept writing until her death in 2007, five days after her 75th birthday.

  Upon her death, the Globe and Mail named her the Poet Laureate of the Mi’kmaq people.

  “I was only a housewife with a dream to bring laughter to the sad eyes of my people”

  La regrettée Rita Joe est une illustre poète mi’kmaq qui célébrait sa langue, sa culture et son mode de vie. Née en 1932 à Whycocomagh en Nouvelle-Écosse et orpheline à dix ans, la jeune Rita Bernard est envoyée au pensionnat de Shubenacadie, où on lui interdit de parler sa langue et où elle subit des abus psychologiques et physiques. Elle en sort à 16 ans et rencontre, peu de temps après, Frank Joe avec qui elle se marie et fonde une famille.

  Elle se met à l’écriture au milieu des années 1970. Elle signera sept ouvrages dont Poems of Rita Joe (1978), Song of Eskasoni (1988) et The Blind Man’s Eyes (publié à titre posthume en 2015).

  En 1989, Rita Joe est décorée de l’Ordre du Canada; en 1992, elle devient membre du Conseil privé de la reine; et en 1997, elle reçoit un Prix national d’excellence décerné aux autochtones. Plusieurs universités de la côte Est lui ont attribué un doctorat honorifique. Un an après le décès de son mari, survenu en 1989, elle apprend qu’elle est atteinte de la maladie de Parkinson. Elle écrira jusqu’à sa mort en 2007, cinq jours après son 75^e anniversaire.

  Après son décès, le Globe and Mail l’a nommée Poète lauréate du peuple mi’kmaq.

  « Je n’étais qu’une femme au foyer rêvant de faire rire les yeux tristes de mon peuple »

  Médias du CNA avec Rita Joe, C.M.

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  cinéaste, I Lost My Talk Barbara Willis Sweete

  

  cinéaste, I Lost My Talk Barbara Willis Sweete

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  chorégraphe du film, I Lost My Talk Santee Smith

  

  chorégraphe du film, I Lost My Talk Santee Smith

  Santee Smith / Tekaronhiáhkhwa is a multidisciplinary artist from the Kahnyen’kehàka Nation, Turtle Clan, Ohswé:ken/Six Nations of the Grand River. Transformation, energetic exchange and fostering mind-heart connections through performance and design is her lifelong work. Santee trained at Canada’s National Ballet School; holds Physical Education and Psychology degrees from McMaster University and a M.A. in Dance from York University.

  Premiering her first production Kaha:wi – a family creation story in 2004, one year later she founded Kaha:wi Dance Theatre which has grown into an internationally renowned company. Santee’s work speaks about identity, teachings and way of life within Onkwehonwe:neha, creativity and Indigenous artistic process. She is a sought-after teacher and speaker on the performing arts, Indigenous performance, and culture.

  Smith is faculty at the Banff Centre for Arts & Creativity’s World Indigenous Dance Residency 2024 and curator and visionary of Inviting the Land to Shape Us series of land-based workshops and creation labs focused on Indigenous performance research.

  Recently, she premiered Dora Award nominated multimedia production SKéN:NEN at TOLive 2024 and toured award-winning The Mush Hole embodying the truths of Canada’s oldest and standing Indian Residential School, The Mohawk Institute.

  Santee Smith / Tekaronhiáhkhwa est une artiste multidisciplinaire kahnyen’kehàka du clan de la Tortue des Six Nations de la rivière Grand (Ohswé:ken, Ontario). Depuis le début de sa carrière, elle s’intéresse à la transformation, à l’échange d’énergie et aux liens entre le cœur et l’esprit. Formée à l’École nationale de ballet du Canada, elle est titulaire de diplômes en éducation physique et en psychologie de l’Université McMaster ainsi que d’une maîtrise en danse de l’Université York.

  Elle présente sa première œuvre, Kaha:wi, un récit de création familial, en 2004. Un an plus tard, elle fonde la troupe Kaha:wi Dance Theatre, dont la renommée est devenue internationale. Son travail porte sur l’identité, les enseignements et le mode de vie de l’Onkwehonwe’néha, la créativité et les pratiques artistiques autochtones. Elle est en outre une enseignante et une conférencière recherchée dans le domaine des arts du spectacle, de la culture et des arts de la scène autochtones.

  Elle fait partie de l’équipe d’encadrement du programme d’artiste en résidence (danse autochtone) du Centre des arts de Banff. Elle est également la programmatrice et la visionnaire de la série d’ateliers « Inviter la terre à nous façonner » et des laboratoires de création sur la recherche dans le domaine des arts du spectacle autochtones.

  Récemment, elle a présenté pour la première fois à TO Live SKéN:NEN, une production multimédia finaliste aux prix Dora, et accompagné en tournée l’équipe de la pièce primée The Mush Hole relatant les expériences des pensionnaires de l’Institut Mohawk – le plus ancien pensionnat autochtone au Canada.

  Médias du CNA avec Santee Smith

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  conception visuelle et scénique, Réflexions sur la vie Normal Studio

  

  conception visuelle et scénique, Réflexions sur la vie Normal Studio

  Normal is a visual design studio founded in Montreal in 2009 by Mathieu St-Arnaud and Philippe Belhumeur. The two creative directors joined forces to offer their television and performing arts clients both their expertise in integrated technology and their visual approach. They were joined in 2013 by Sébastien Grenier-Cartier as partner and managing director.    In 10 years, the studio has designed and produced more than 300 multimedia environments (combining video, staging and special effects) that are both groundbreaking and engaging, for shows and events in the performing arts, entertainment and architectural projection sectors.    At the forefront of its field in Montreal, Normal Studio is known for its boundless creativity and technological vision. The studio has collaborated with close to 200 local and international artists and companies to create the visual and technological environments of such works as the breathtaking settings of Cirque du Soleil’s Toruk – The First Flight and Sép7imo Día: No Descansaré, and the wildest imaginings of Michel Lemieux and Victor Pilon of 4D Art, creators of the Cité Mémoire projection circuit, the multimedia shows Temporel and Icarus, the exhibition Dreamscapes, and the film 360 Continuum at the Rio Tinto Alcan Planetarium in Montreal. Other notable projects include the visual design of the dystopian film Fahrenheit 451 by Rahmin Bahrani, produced by HBO Films; the projections for storyteller Fred Pellerin’s Christmas Tales with the Orchestre symphonique de Montréal; and the set design for Canada’s National Arts Centre Orchestra’s contemporary symphonic concerts Life Reflected and The Man with the Violin, to name just a few.    Normal Studio is a team of 33 people and a dozen freelancers and external suppliers to the Quebec design and multimedia industry. Its team of experts is composed of multidisciplinary talents in animation, illustration, design, staging, technical direction, computer science and new technology who share a commitment to creative excellence and a desire to present the extraordinary to the audiences of multimedia works and experiences. 

  Normal est un studio de design visuel fondé à Montréal en 2009 par Mathieu St-Arnaud et Philippe Belhumeur. Les deux directeurs de création se sont réunis afin d’offrir à leurs clients en télévision et arts de la scène à la fois leur force d’intégration technologique et leur approche visuelle. Ils ont été rejoint en 2013 par Sébastien Grenier-Cartier, comme associé et directeur général.

  En 10 ans, le studio a conçu et produit plus de 300 environnements multimédias (combinant vidéo, scénographie et effets spéciaux), à la fois audacieux et touchants pour des spectacles et des événements dans les domaines des arts de la scène, du divertissement et de la projection architecturale. 

  À l’avant-garde de ce pôle d’excellence à Montréal, Normal Studio est reconnu pour sa débordante créativité et son ambition technologique. Le studio a collaboré avec près de 200 artistes et compagnies locales et internationales pour concevoir les univers visuels et technologiques d’œuvres telles que les environnements époustouflants de Toruk – Le Premier Envol et Sep7imo Dia : No Descansaré du Cirque du Soleil, les rêves les plus fous de Michel Lemieux et Victor Pilon de 4D Art avec le parcours de projection Cité Mémoire, les pièces de théâtre Temporel et Icare, l’exposition Territoires Oniriques et le film 360 Continuum au Planétarium Rio Tinto Alcan de Montréal. À souligner également la conception visuelle du film dystopique Fahrenheit 451 de Rahmin Bahrani produit par HBO Films, les projections pour les contes de Noël de Fred Pellerin avec l’Orchestre Symphonique de Montréal et la scénographie des concerts symphoniques contemporains Réflexions sur la vie et The Man With the Violin de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada ; pour ne nommer que ceux-là. 

  Normal Studio, c’est une équipe de 33 personnes et une dizaine de pigistes et fournisseurs externes de l’industrie du design et du multimédia au Québec. Son équipe d’experts se compose de talents multidisciplinaires en animation, illustration, conception, mise en scène, direction technique, informatique et nouvelles technologies qui partagent l’envie de se dépasser créativement et éveiller l’extraordinaire chez les spectateurs des œuvres et expériences multimédias.

  Médias du CNA avec Normal Studio

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  conception sonore, Réflexions sur la vie Peter McBoyle

  

  conception sonore, Réflexions sur la vie Peter McBoyle

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  concepteur son associé, Réflexions sur la vie William Fallon

  

  concepteur son associé, Réflexions sur la vie William Fallon

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  conception des éclairages, Réflexions sur la vie Kimberly Purtell

  

  conception des éclairages, Réflexions sur la vie Kimberly Purtell

  Kimberly is a Toronto-based lighting designer for theatre, opera, and dance. Her designs have been critically acclaimed across Canada, the U.S., the U.K., China, Hong Kong, Taiwan, and Mongolia, as well as in Prague and Moscow. She has designed for the Stratford Festival, Shaw Festival, Canadian Stage Company, Soulpepper Theatre, Mirvish Productions, National Arts Centre, and the NAC Orchestra, as well as Pacific Opera Victoria, Opera Philadelphia, Arena Stage in Washington D.C., Tapestry Opera, Hamilton Opera, Edmonton Opera, Theatre Calgary, Manitoba Theatre Centre, Citadel Theatre, and Place des Arts, among many others.  She has also designed productions for the Pan Am Games and the Vancouver and Beijing Cultural Olympiads. 

  Kimberly has been nominated for numerous awards for excellence in lighting design and has received three Dora Mavor Moore Awards, the Pauline McGibbon Award, a Montreal English Theatre Award, a Sterling Award, a Toronto Theatre Critics Award, and an Ottawa Critics Circle Award. 

  Établie à Toronto, Kimberly Purtell est une conceptrice d’éclairages pour le théâtre, l’opéra et la danse. Louangées par la critique, ses conceptions ont été présentées au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Chine, à Hong Kong, à Taiwan, en Mongolie, à Prague et à Moscou. Elle a collaboré avec le Festival de Stratford, le Festival Shaw, la Canadian Stage Company, le Soulpepper Theatre, Mirvish Productions, le Centre national des Arts et l'Orchestre du Centre national des Arts, le Pacific Opera Victoria, l'Opera Philadelphia, l'Arena Stage de Washington D.C., le Tapestry Opera, le Hamilton Opera, l'Opéra d’Edmonton, le Theatre Calgary, le Manitoba Theatre Centre, le Citadel Theatre ou encore la Place des Arts. Elle a également conçu les éclairages des Jeux panaméricains et des Olympiades culturelles de Vancouver et de Beijing.

  Kimberly Purtell a été mise en nomination pour de nombreux prix d'excellence en conception d'éclairage et a reçu trois prix Dora Mavor Moore, le prix Pauline McGibbon, un prix du Théâtre anglais de Montréal, un prix Sterling, un prix des critiques de théâtre de Toronto et un prix du Cercle des critiques d'Ottawa.

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  assistante de la productrice du contenu créatif et metteure en scène, Réflexions sur la vie Ann Baggley

  

  assistante de la productrice du contenu créatif et metteure en scène, Réflexions sur la vie Ann Baggley

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  régisseuse, Réflexions sur la vie Susan Monis Brett

  

  régisseuse, Réflexions sur la vie Susan Monis Brett

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