La bourse ThisGen 2024

Arthi Chandra est une metteuse en scène, écrivaine et artiste de théâtre de Vancouver. Elle est directrice artistique du Library Performance Collective. Sa pratique est enracinée dans la conception de nouvelles œuvres textuelles et d’adaptations de pièces contemporaines et classiques. Son travail se concentre sur l’identité queer, la joie et les fêtes.

Parmi ses œuvres récentes, citons Antigonick (Festival Shaw; stagiaire Neil Munro), Done/Undone (Bard on the Beach) et HOT DYKE PARTY (Library Performance). Arthi Chandra enseigne également la conception et la mise en scène (Studio 58, Université métropolitaine de Toronto, VanArts). Elle est artiste résidente au Arts Club et artiste associée au Theatre Replacement. Elle est diplômée de l’École des arts contemporains de l’Université Simon Fraser.

Forte de plus de 25 ans de carrière, Roshanak Jaberi est chorégraphe, metteuse en scène, interprète, productrice et directrice artistique fondatrice du Jaberi Dance Theatre. Travaillant à l’intersection du spectacle et de la politique, elle a une pratique artistique interdisciplinaire et a présenté son travail à l’international. Guidée par des valeurs de recherche, de collaboration et d’intersectionnalité, elle choisit des projets où artistes, activistes, universitaires et leaders communautaires se réunissent autour de problèmes mondiaux contemporains. Roshanak Jaberi a reçu plusieurs prix et nominations pour ses œuvres sur les planches et ses films qui ont été décrits comme « audacieux », « évocateurs » et « incroyablement poignants » (Samer Muscati, Human Rights Watch).

Lauréate de la bourse ISPA Performing Arts Global Fellowship (2020, 2021) et de la Bourse Chalmers de recherche artistique (2019), Roshanak Jaberi est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts avec distinction de l’Université York. Elle a été conférencière invitée et son travail a été cité dans des cours d’éducation des adultes et de pédagogie critique à l’Université de Toronto.

Ashley Au est une bassiste, compositrice, artiste du son, arrangeuse et créatrice queer de Winnipeg. Musicienne aux multiples facettes, elle se spécialise dans la contrebasse acoustique et électrique. Pendant la majeure partie de la dernière décennie, elle a joué, tourné et enregistré un peu partout sur la planète. En tant que compositrice et artiste du son, elle a vu ses œuvres figurer dans diverses créations théâtrales, des installations, des opéras et des spectacles de danse autant à l’échelle nationale qu’internationale.

En tant qu’administratrice, Ashley Au a travaillé dans l’édition littéraire, les arts visuels, la danse et, bien sûr, la musique. Elle est actuellement directrice artistique du Festival Cluster New Music + Integrated Arts et productrice de théâtre pour le Festival Pride Winnipeg. Ses projets actuels et passés comprennent, entre autres, des collaborations avec le chanteur principal de The Weakerthans John K. Samson; Christine Fellows; Carly Dow; le créateur de tendances americana de renommée internationale Scott Nolan; le compositeur et trompettiste de jazz Chuck Copanace; le Royal Manitoba Theatre Centre; le Prairie Theatre Exchange; le Weather Parade Dance Theatre; le Citadel Theatre; Winnipeg’s Contemporary Dancers; et le groupe de hip-hop Super Duty Tough Work, finaliste au Prix Polaris.

Samay Arcentales Cajas est une artiste de médias numériques et une créatrice vidéo queer kichwa de Toronto. Elle explore les relations entre les humains et le territoire, les nouvelles dimensions médiatiques de la cosmologie autochtone et l’art immersif comme espace d’émancipation. Ses œuvres ont été présentées partout au « Canada » et à l’étranger, notamment à ImagineNATIVE, au centre culturel Xpace, au Tarragon Theatre, au Toronto Queer Film Festival, à la Quadriennale de Prague 2023 et au Performance Space New York. L’artiste a remporté deux prix consécutifs landJAM+ (le Eastside Games Choice Award en 2022 et le prix de la meilleure exécution de projet interactif en 2021). Elle cumule également différentes casquettes côté technologie et travaille sur des projets dans tout le pays en plus de soutenir son entreprise familiale, Pacha Indigenous Art Collection.

Meghan Cheng est une artiste en nouveaux médias et une violoniste de Toronto. Elle détient une maîtrise en beaux-arts de l’Université York et un baccalauréat en musique de l’École de musique Berklee.

Concevant des installations audiovisuelles pour des spectacles, des galeries et des espaces publics, Meghan Cheng explore comment la technologie peut être utilisée pour mettre en relief l’expérience humaine et la nature qui nous entoure. Elle a créé des installations pour InterAccess, ArtworxTO, Gallery 345 et le Festival Vector, pour ne citer que ceux-là. Elle a collaboré avec des artistes comme Thin Edge New Music Collective, Barbra Lica et Abigail Richardson-Schulte.

Meghan Cheng a été artiste en résidence au Centre des arts de Banff (2017), à ONCulture (2022) et au CreateSpace de STEPS (2022). Elle a reçu une subvention du Conseil des arts de l’Ontario pour les nouveaux médias en 2023 et une subvention de perfectionnement professionnel Chalmers du Conseil des arts de l’Ontario en 2018.

Sarah Uwadiae est une artiste multidisciplinaire nigériane vivant à Calgary. Elle est scénographe, costumière de théâtre et cinéaste (réalisatrice, scénariste et productrice). Ses courts métrages lui ont valu plusieurs prix et ont été projetés dans des festivals aux quatre coins du monde. Elle a également conçu des décors et des costumes pour des productions théâtrales partout au Canada. Elle a contribué aux œuvres suivantes : Death and the King’s Horseman, Wedding Band (Festival de Stratford); Trouble in Mind (Royal Manitoba Theatre Centre et Citadel Theatre); The Mountaintop, The Fiancée (Persephone Theatre); Steel Magnolia (Calgary Theatre). Étant immigrante, elle est inspirée par les expériences des communautés africaines et noires et souhaite faire rayonner ces histoires méconnues qu’on entend moins et qui poussent à la solidarité. Côté réalisation, on lui doit Catharsis, To Belong et Home. Sarah Uwadiae s’intéresse à la mise en scène au théâtre et aime les récits et les collaborations créatives. Elle est également la créatrice et l’animatrice du balado Afros in the Diaspora.

Omar Elerian est un metteur en scène, un conseiller dramaturgique et un artiste de théâtre indépendant d’origine italienne et palestinienne. Il s’est formé en Italie avant de décrocher un diplôme de l’École internationale de théâtre Jacques Lecoq de Paris en 2005. De 2012 à 2019, il a été metteur en scène résident associé au Bush Theatre, où il a commandé et mis en scène quelques-uns des plus grands succès du théâtre.

En tant que metteur en scène pour le Bush Theatre, il a contribué à l’énorme succès qu’a été Misty d’Arinzé Kene (Bush Theatre, West End et off-Broadway), ainsi qu’à NASSIM de Nassim Soleimanpour (Bush Theatre, Traverse Theatre et off-Broadway), Going Through d’Estelle Savasta et Islands de Caroline Horton. En tant que metteur en scène associé, il a travaillé aux côtés de Madani Younis sur The Royale de Marco Ramirez, Leave Taking de Winsome Pinnock et Perseverance Drive de Robin Soans. En dehors de ses œuvres pour le Bush Theatre, il a aussi mis en scène le spectacle finaliste aux Olivier Awards You’re Not Like The Other Girls Chrissy de Caroline Horton et co-créé le spectacle in situ de Freedom Studios The Mill: City of Dreams avec Madani Younis. Plus récemment, il a travaillé à la mise en scène de The Return of Danton du dramaturge syrien Mudar Alhaggi, dont la première s’est tenue au Kammerspiele de Munich; sur The Chairs d’Eugène Ionesco au Almeida Theatre; sur le spectacle finaliste aux Olivier Awards Two Palestinians go dogging de Sami Ibrahim au Royal Court et sur As You Like It pour la Royal Shakespeare Company à Stratford-upon-Avon.

Katie Mitchell a dirigé plus de 100 productions en 30 ans de carrière. Elle orchestre des productions théâtrales, des opéras et des spectacles cinématographiques en direct (une combinaison unique de techniques vidéo et théâtrales). Depuis 2012, elle présente des œuvres pionnières à l’intersection du théâtre et de l’écologie. Au Royaume-Uni, elle a mis en scène des spectacles dans tous les grands théâtres, notamment la Royal Shakespeare Company, le National Theatre et le Royal Court.

Depuis 2008, elle partage son temps entre le Royaume-Uni et le continent européen, dans des pays comme l’Allemagne, la France, les Pays-Bas et les pays scandinaves. Elle est actuellement metteuse en scène résidente à la Schaubuhne (Berlin) et au Deutsches Schauspielhaus (Hambourg). Elle a reçu l’Ordre de l’Empire britannique (OBE) en 2009, la President’s Medal de la British Academy en 2017 pour ses contributions au monde du théâtre et un Tonic Award en 2018 pour ses représentations de la femme et la manière dont elle encourage les talents féminins.

Elle est actuellement professeure de mise en scène théâtrale à l’Université Royal Holloway, où elle donne un cours de maîtrise, et professeure invitée à l’Université Columbia.

Maiko Yamamoto est une créatrice d’œuvres expérimentales, interculturelles et avant-gardistes de Vancouver. Nombre de ses œuvres sont le fruit de collaborations et comprennent des projets de théâtre, d’art public et d’installations-performances.

Elle a cofondé en 2003 la compagnie vancouvéroise Theatre Replacement et a créé pour cette dernière plus de 20 œuvres qui ont été présentées dans des festivals et des salles de spectacle partout dans le monde, notamment BIOBOXES: Artifacting Human Experience, Yu-Fo, Train, Sexual Practices of the Japanese, Dress me up in your love, Town Choir, MINE et Best Life. Elle assure également la programmation et la production de la plateforme PushOFF, et a lancé en 2018 COLLIDER, un programme de résidences artistiques axé sur les projets expérimentaux.

Maiko Yamamoto enseigne l’interprétation et mentore des artistes de différentes compagnies et organisations, au Canada et ailleurs. Elle a accompagné des artistes dans leurs créations par le biais d’initiatives comme MAKE, un programme de résidences mené par quatre organisations artistiques irlandaises; le programme d’interprétation de l’École nationale de théâtre du Canada; le programme de résidence You Can Be My Wingman d’Action Hero; et la bourse ThisGen du Why Not Theatre. Elle lui arrive aussi de travailler comme programmatrice et d’écrire sur le théâtre pour diverses publications.

Maiko détient un baccalauréat en beaux-arts, concentration théâtre, de l’École des arts contemporains de l’Université Simon Fraser, et une maîtrise en arts visuels de l’Université Emily Carr. Elle prépare actuellement une nouvelle création avec sa collaboratrice et amie de longue date Veda Hille.

Gareth Fry est un concepteur sonore, surtout connu pour son travail d’avant-garde dans le monde du théâtre. Au Canada, on a pu entendre ses œuvres dans Harry Potter and the Cursed Child (Mirvish), Draw Me Close (Soulpepper/ONF); Barbershop Chronicles (Fuel/National Theatre); Black Watch (National Theatre of Scotland); et The Oresteia (National Theatre). Il a également réalisé des conceptions sonores pour de nombreuses expositions, notamment David Bowie Is, Alice: Curiouser and Curiouser et Diva au V&A, et pour des événements comme la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de 2012.

Il est un spécialiste du son spatial et binaural, qu’il a utilisé dans The Encounter de Complicité, de nombreuses expériences de réalité virtuelle, des balados et des campagnes publicitaires, notamment pour Bose, Volvo et Land Rover. Son travail en réalité virtuelle a été présenté aux festivals de Tribeca, Vienne et Sundance. Gareth Fry a cofondé l’Association of Sound Designers, dont il a été président pendant 6 ans et qui œuvre au soutien des gens travaillant dans la conception sonore pour le théâtre ou désirant entrer dans le milieu. Il est l’auteur du livre Sound Design for the Stage, publié en 2019 par Crowood Press. Il a reçu les récompenses suivantes : deux prix Tony, deux prix Drama Desk, deux prix Helpmann, trois Olivier Awards et un Evening Standard Award.

Andy Moro est le codirecteur artistique, avec Tara Beagan, de la troupe ARTICLE 11, qui doit son nom à l’article de la Déclaration des Nations Unies sur les droits des peuples autochtones.

Au théâtre : The Unnatural and Accidental Women (CNA); The Herd (Tarragon Theatre); Rise Red River (ARTICLE 11 Theatre Cercle Moliere, Prairie Theatre Exchange); PISUWIN (Atlantic Ballet) Sleuth, Extractionist, Gaslight (Vertigo Theatre), NOMADA (Diana Lopez Soto), F WORD (Downstage, Alberta Theatre Projects), Ministry of Grace, Reckoning, ROOM, Declaration, Deer Woman (ARTICLE 11); Little Women, Honour Beat (Theatre Calgary); Hookman (Université de Calgary et Chromatic); Post Mistress, Rez Sisters (Royal Manitoba Theatre Centre); Blackhorse (Caravan); The Herd (Citadel et Tarragon); Frozen River (Manitoba Theatre for Young People); Third Colour, Spacegirl, War Being Waged (Prairie Theatre Exchange); Ministry of Grace, Time Stands Still, O’Kosi (MT7); Sky Dancers (A'nó:wara Dance Theatre); Raven Mother (Dancers of Damelahamid); Finding Wolastoq Voice (Theatre New Brunswick); Blood Water Earth, Blood Tides, The Mush Hole (Kaha:wi Dance Theatre).

Film et vidéo : RECKONING (ARTICLE 11); Road to Hasalala Danxalax (Chan Ctr/Marion Newman). À venir : The Ring Cycle: Das Rheingold pour l'Edmonton Opera. Andy est d'origine mixte Euro/Omushkegowuk et vit actuellement à Calgary.

Rajha Shakiry est née en Irak et a fait ses études en Angleterre. Après un baccalauréat spécialisé en mathématiques, elle est retournée aux études en scénographie et a obtenu un diplôme de l’École d’art de Wimbledon en 2003. Depuis, elle a travaillé comme scénographe et artiste de théâtre indépendante et a obtenu une distinction à la maîtrise en scénographie de la Royal Central School of Speech and Drama.

Le travail de Rajha Shakiry a été présenté au Musée V&A en 2015, dans le cadre de l’exposition Make:Believe de la Society of British Theatre Designers . L’artiste a été sélectionnée comme finaliste aux côtés de 100 autres scénographes pour exposer son travail au World Stage Design en 2013. En 2011, Rajha Shakiry a également présenté son travail à Transformation & Revelation, l’exposition professionnelle nationale de la Society of British Theatre Designers of Design for Performance, et, en 2019, à la Quadriennale de Prague et à l’exposition Staging Places au V&A.

Madeline Sayet est une créatrice de théâtre de la Nation mohegan qui croit que les histoires que nous transmettons orientent, collectivement, nos possibilités d’avenir. Distinguée par le magazine Forbes comme étant l’une des 30 personnes de moins de 30 ans à surveiller à Hollywood et dans le monde du divertissement pour son travail en tant qu’autrice, metteuse en scène et interprète, elle est aussi membre de TED et National Directing Fellow, en plus de figurer sur la liste des 40 Autochtones de moins de 40 ans à surveiller et d’avoir reçu le White House Champion of Change Award des mains du président Obama. Elle œuvre comme professeure adjointe à l’Université d’État de l’Arizona et comme directrice générale du programme des arts de la scène autochtones à Yale.

En tant que dramaturge, on lui doit les pièces Where We Belong, The Neverland, Antigone or And Still She Must Rise Up, Daughters of Leda, Up and Down the River et The Fish. Sa pièce Where We Belong est actuellement en tournée nationale, dans une production de la Woolly Mammoth Theatre Company en association avec la Folger Shakespeare Library : elle a été jouée au Public Theater, au Shakespeare’s Globe, au Goodman Theater (finaliste aux prix Jeff pour la meilleure interprétation solo), au Seattle Rep (prix Heilman & Haver pour la meilleure pièce de la saison de théâtre 2022–2023 à Seattle), au Oregon Shakespeare Festival, au Baltimore Center Stage, au Portland Center Stage, au Hudson Valley Shakespeare Festival et à la Philadelphia Theatre Company.

Récemment, elle a signé les mises en scène de Wings of a Night Sky de Joy Harjo (Bard at the Gate), Tlingit Christmas Carol (Perseverance Theatre), Midsummer Night’s Dream (South Dakota Shakespeare), Henry IV (Connecticut Repertory Theatre), Whale Song (Perseverance Theatre), As You Like It (Delaware Shakespeare), The Winter’s Tale (HERE Arts), Poppea (Krannert Center, Illinois) et The Magic Flute (Glimmerglass). Where We Belong a été publiée par Methuen Drama/Bloomsbury.

Rez Sisters, 1939 (Festival de Stratford); T’əl - The Wild Man of the Woods (Royal Winnipeg Ballet); The Clearing (Festival Shaw); Whale Song, Devilfish (Perseverance Theater); The Winter’s Tale (HERE Arts Center); Seven Minutes (Waterwell); Where We Belong (Woolly Mammoth Theater, Baltimore Center Stage, Goodman Theater, The Public); Mrs. Warren’s Profession (The Gingold Group); Blues for an Alabama Sky (Keen Company, finaliste aux Drama Desk); Somewhere Over the Border (Syracuse Stage); Too Heavy For Your Pocket (George Street Playhouse); Skeleton Crew (Westport Country Playhouse); Father Comes Home… (Juilliard); Measure for Measure (Mobile Unit du Public Theater); Cymbeline (Yale Repertory Theater); The Taming of the Shrew, Measure for Measure (Frog and Peach Theater Co.); The Brobot Johnson Experience (The Bushwick Starr); Tricks the Devil Taught Me (Minetta Lane Theater); Coriolanus, The Seagull (École de théâtre de Yale); Roberto Zucco (Yale Cabaret).

Formation : maîtrise en beaux-arts de l’École de théâtre de Yale, baccalauréat en beaux-arts de la Parsons School of Design.

Simon Kenny est un scénographe et costumier britannique qui travaille dans les domaines du théâtre, de l’opéra et du spectacle. Son décor immersif pour la production off-broadway acclamée de Sweeney Todd a été sélectionné pour le prix Drama Desk de la meilleure scénographie pour une comédie musicale. Ses créations pour Black Men Walking ont été choisies pour représenter le Royaume-Uni à la Quadriennale de Prague de la scénographie et au Musée V&A, et ses créations pour The Wiz font maintenant partie de la collection permanente des arts du théâtre et du spectacle du Musée V&A.

Ses créations pour le théâtre ont figuré dans : The Real and Imagined History of the Elephant Man (Nottingham Playhouse); Family Tree (Actors Touring Company, tournée britannique); The Death of A Black Man (Hampstead Theatre); Noughts & Crosses (Pilot Theatre, tournée britannique); Nothello (Coventry City of Culture); Footfalls & Rockaby avec Siân Phillips (Jermyn Street); Blue/Orange, In The Next Room or the vibrator play, 4000 Miles, Red Light Winter (Theatre Royal Bath); Antigone (Mercury, Colchester); Giraffes Can’t Dance (Curve); plusieurs tournées au Royaume-Uni avec Eclipse, dont Black Men Walking (Royal Exchange) et The Gift (Stratford East); Red Dust Road (National Theatre of Scotland); Broken Glass (Watford Palace); Holes (Nottingham Playhouse, tournée britannique); Babette’s Feast (Print Room); Rose avec Janet Suzman (HOME); Twelfth Night, The Merchant of Venice (Shakespeare’s Globe); The Children (English Theatre Frankfurt); Ghosts (Theatr Clwyd); Island (National Theatre et tournée); et Border Force, un événement de Duckie qui était à la fois une installation, un spectacle et une soirée.

Ses créations pour comédie musicale ont figuré dans : The Lord of the Rings: A Musical Tale, Whistle Down the Wind (Watermill); The Light In the Piazza (Royal Academy of Music); The Lion de Benjamin Scheuer (Southwark Playhouse, Arizona Theatre Company); The Wiz (Hope Mill); Ghost Quartet de Dave Malloy (Boulevard); Assassins (Watermill/Nottingham Playhouse); Cabaret (English Theatre Frankfurt/Deutsches Theater Munich); Sweeney Todd, lauréat de nombreux prix et présenté dans un décor immersif bâti pour l’occasion (West End et off-Broadway, Tooting Arts Club); l’adaptation en folk opéra de The Selfish Giant d’Oscar Wilde par Guy Chambers (Vaudeville); The World Goes Round (Stephen Joseph); Billy The Kid (National Youth Music Theatre/Curve); Saturday Night Fever (Theatre Royal Bath, tournée britannique).

Ses créations pour l’opéra ont figuré dans : A Midsummer Night’s Dream et Le Nozze di Figaro (Nevill Holt Opera); The Cunning Little Vixen de Háry János (Festival Ryedale); et Vivienne (Royal Opera House : Linbury).

Hana S. Kim (elle) est une conceptrice de projections. 

Sur Broadway : The Outsiders, The Old Man And The Pool, Summer, 1976

Off-Broadway/New York : The Harder They Come (The Public Theater), The Visitor (The Public Theater, finaliste aux prix Lucille Lortel), Eve's Song (The Public Theater), Everything Rises (BAM), Magdalene (Festival Prototype)

À l’international : Mahabharata (Festival Shaw, Barbican)

Opéras : L’Orfeo (Opéra de Santa Fe), Sweet Land (The Industry), The Anonymous Lover (Opéra de Los Angeles)

Productions régionales : Geffen Playhouse, Festival Shakespeare de l’Oregon, South Coast Repertory, Magic Theatre, A.C.T, etc.

Prix : Prix Princess Grace, Prix Sherwood du Center Theatre Group, Prix Helen-Hayes, Distinguished Achievement Award du LA Drama Critics Circle, etc.