≈ 120 minutes · Avec entracte
Répertoire
Aino (Première canadienne)
Compositeur « incontestablement passionnant » (Opera News), « maîtrisant brillamment les timbres et les textures orchestrales » (Dallas Morning News) et « virtuose de l’orchestre moderne » (The New Yorker), Jimmy López Bellido (né en 1978) crée des œuvres qui sont interprétées par les plus grands orchestres du monde et dans des cadres aussi prestigieux que le Carnegie Hall, l’Opéra de Sydney, le Gewandhaus de Leipzig, le Kennedy Center, le Musikverein de Vienne, le Concertgebouw d’Amsterdam, la Konzerthaus de Berlin, le festival Nordic Music Days, les Jeux olympiques de la jeunesse de Singapour 2010, les Jeux panaméricains de Lima 2019, ainsi que les festivals de musique d’Aspen, de Tanglewood et de Grant Park. Aurora & Ad Astra, son plus récent album avec Andrés Orozco-Estrada, Leticia Moreno et l’Orchestre symphonique de Houston, a été lancé le 14 janvier 2022 sous étiquette Pentatone. Aurora a été finaliste aux prix Latin Grammy en 2022 dans la catégorie de la « meilleure composition classique contemporaine ». Jimmy López Bellido a achevé un mandat de trois ans au poste de compositeur en résidence de l’Orchestre symphonique de Houston au printemps 2020. Originaire de Lima, il a étudié au Conservatoire national de musique de la ville avant d’obtenir une maîtrise en musique de l’Académie Sibelius à Helsinki. Il a fait son doctorat en musique à l’Université de Californie à Berkeley.
Jimmy López a écrit le poème symphonique Aino en 2022. Fruit d’une commande conjointe de l’Orchestre de Paris, de l’Orchestre royal du Concertgebouw et de l’Orchestre symphonique de Chicago, l’œuvre est présentée en première canadienne ce soir. Le compositeur la décrit en ces termes :
Élégamment vêtue, Aino, inconsolable, contemple la mer. Ayant quitté la maison depuis trois jours, elle erre dans les bois. À l’aube, les yeux encore humides, elle aperçoit, au sommet d’un promontoire, trois belles jeunes filles qui se baignent dans l’eau. Enthousiasmée, Aino se débarrasse de ses vêtements et les rejoint, mais alors qu’elle atteint le sommet, le rocher commence à s’enfoncer, l’emportant au fond de la mer et, du même coup, réduisant au silence ses chagrins.
Dans la pure tradition du poème symphonique, Aino suit l’histoire de la jeune fille infortunée du même nom, telle qu’elle est racontée dans le quatrième poème du Kalevala (l’épopée nationale finlandaise). Mais si Aino est le personnage central de ce poème, elle n’en est certainement pas le seul. Il y a Joukahainen, son frère, qui promet sa main à Väinämöinen dans une tentative désespérée pour sauver sa propre vie. Il y a Väinämöinen, le grand et puissant prétendant, dont les formidables pouvoirs ne peuvent l’empêcher de perdre Aino. Il y a la mère d’Aino, dont la douleur de perdre sa fille l’amène à verser des fleuves de larmes qui finissent par donner naissance à des cascades, des montagnes et des forêts; et il y a le lièvre qui, parmi tous les animaux, se voit confier la lourde tâche de transmettre la nouvelle de la mort d’Aino.
J’ai découvert le Kalevala à travers l’œuvre [du compositeur finlandais Jean] Sibelius, mais ce n’est que lorsque j’ai déménagé à Helsinki que j’ai pleinement saisi la place unique qu’il occupe dans l’identité nationale de la Finlande. Il n’est donc pas étonnant que le chef d’orchestre Klaus Mäkelä ait évoqué l’histoire d’Aino comme source d’inspiration possible pour cette commande. Cette pièce est avant tout un cadeau à Klaus, à qui je suis profondément reconnaissant d’emmener ma musique avec lui partout où il va, mais c’est aussi un hommage au pays qui m’a accueilli en tant que jeune étudiant et avec lequel j’ai gardé des liens profonds et affectueux.
Dès que j’ai lu l’histoire d’Aino, j’ai été frappé par la richesse de son univers sonore qui, bien qu’il soit difficilement perceptible au début, s’amplifie au fur et à mesure que le poème progresse. Les sanglots oppressés d’Aino, la vision envoûtante des trois jeunes filles qui se baignent, le rocher qui coule au fond de la mer, le lièvre qui court à travers la forêt pour annoncer la nouvelle, la mère qui se lamente en apprenant le sort de sa fille, les cascades, les montagnes dorées et les arbres qui émergent de son flot ininterrompu de larmes et, enfin, les trois coucous qui lancent un chant lugubre au sommet de trois bouleaux. Tous ces éléments offrent une pléthore de sons séduisants, qui ont tous inspiré et orienté la façon dont j’ai orchestré la pièce. Le chant du coucou, en raison de sa cadence musicale universellement connue, fait une apparition proéminente au point culminant dans toutes les sections instrumentales, et sa présence se fait sentir jusqu’à la fin (sur le glockenspiel). Mais j’ai également choisi d’intégrer le chant du coucou à un motif musical antérieur : le « chant des trois jeunes filles » entonné, ainsi que je l’ai imaginé, au moment où elles incitent pour la première fois Aino à se joindre à elles, et représenté dans l’orchestre par deux violons solistes et un alto solo jouant une mélodie obsédante, évoquant le son d’un sifflet, sur des harmoniques aiguës.
Écrire Aino a été une merveilleuse incursion dans l’univers du Tondichtung ou poème symphonique, et à maints égards, la pièce se démarque du caractère impératif de mes autres compositions, fondées sur le rythme. Ici, au lieu d’essayer de raconter l’histoire en imposant mon point de vue, j’ai choisi de me taire et d’écouter ce que l’histoire avait à me dire. Cela semblait tout à fait approprié, étant donné que c’est en Finlande que j’ai appris l’art de l’écoute, et que le silence peut être tout aussi puissant qu’un tutti orchestral tonitruant.
Notice biographique et note de programme fournies par le compositeur (traduction de l’anglais)
Concerto pour piano no 1, « Latin » (Première canadienne)
I. Mambo
II. Andante moderato
III. Allegro Venezolano
« Pour moi, composer, créer, improviser, quel que soit le mot qu’on utilise, c’est au cœur de tout ce qui m’importe », déclarait la musicienne vénézuélienne Gabriela Montero (née en 1970) à la faveur d’un entretien accordé pour l’Orchestre symphonique de Bournemouth. « Être en vie, c’est être créatif. Avoir un message [à transmettre] est vital à mes yeux. » Comme elle le précise dans la présentation écrite de l’enregistrement de son concerto « Latin », paru en 2019, elle considère que son rôle premier consiste à « raconter des histoires qui reflètent le large éventail de l’expérience humaine à travers le temps et l’espace. Chaque époque et chaque continent a son histoire à relater, qu’elle soit réjouissante ou troublante, de l’Europe de la Renaissance à l’Amérique contemporaine, et la musique est un excellent véhicule non seulement pour la raconter, mais aussi pour produire une forme unique de commentaire social. »
Gabriela Montero a composé son Concerto pour piano no 1, « Latin », en 2016 – sa première œuvre orchestrale complète après ses débuts officiels de compositrice avec le poème symphonique Ex Patria dans un arrangement pour piano seul, en 2011. Alors qu’Ex Patria était explicitement conçu pour illustrer et dénoncer la descente du Venezuela dans le chaos, la corruption et la violence, elle décrit son concerto « Latin » comme « une toute autre bête. C’est une pièce complexe et exigeante, mais d’une autre façon. Elle ne cherche pas à provoquer, mais vous invite plutôt à découvrir les subtilités, les dichotomies et les couleurs de l’Amérique latine à travers le langage musical contemporain. » Mais l’œuvre comporte aussi une part sombre. « Il y a tant de beauté et de possibilités en Amérique latine, mais notre tragédie est qu’en même temps, des ombres comme la corruption et la violence pèsent constamment sur nous, minant ces capacités. Cette métaphore est une ligne constante dans mon concerto latin », explique-t-elle. Dans un autre entretien, elle résume l’œuvre comme une « réflexion en clair-obscur sur ce que nous sommes en tant que continent, sombre et lumineux. On y retrouve tous les rythmes, le charme et la sensualité que les gens aiment de l’Amérique latine, mais malheureusement, ces caractéristiques empêchent le reste du monde de remarquer ce qui s’y passe réellement. »
En ce qui concerne les détails musicaux, voici ce qu’elle écrit :
Dans un processus d’osmose musicale, conséquence naturelle du monde globalisé et interconnecté dans lequel nous vivons aujourd’hui, mon Concerto pour piano no 1, le concerto « Latin », rend hommage aux traditions musicales qui m’ont façonnée, tout en invitant les idiomes culturels de mon continent natal dans les salles de concert d’Europe et du monde entier. Le formalisme européen et la spontanéité de l’identité riche et rythmée de l’Amérique latine fusionnent dans une danse complémentaire à la fois joyeuse et macabre.
En écrivant mon concerto, j’ai cherché à décrire le caractère complexe et souvent contradictoire de l’Amérique latine, de l’exubérance rythmique aux prémonitions infernales. Contrairement à ma précédente composition pour piano et orchestre, la très polémique et spécifiquement vénézuélienne Ex Patria (2011), portrait musical d’un pays en plein effondrement, le concerto « Latin » puise dans l’esprit du continent sud-américain au sens large. Pour chaque évocation d’une festivité de façade, par exemple dans le Mambo du premier mouvement, on trouve des courants sous-jacents de déstabilisation. L’Allegro Venezolano du troisième mouvement, qui cite l’air vénézuélien bien connu « Pajarillo », est parfois interrompu par les arts obscurs de la magie noire – un rappel symbolique des forces malveillantes qui, trop souvent, tiennent notre continent en otage de la tyrannie sous ses multiples formes.
Note de programme compilée et mise en forme par Hannah Chan-Hartley (traduction de l’anglais)
Daphnis et Chloé
Tableau I (Une prairie à la lisière d’un bois sacré) –
Tableau II (Camp des pirates) –
Tableau III (Paysage du premier tableau, à la fin de la nuit)
La « symphonie chorégraphique » Daphnis et Chloé de Maurice Ravel (1875-1937) est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre du compositeur français. Bien qu’elle soit plus souvent jouée dans les salles de concert sous la forme d’extraits arrangés en deux suites orchestrales, la partition complète vaut largement le détour. Même en l’absence des tableaux visuels et de la danse, Daphnis et Chloé, qui met à contribution un grand orchestre avec une section de percussions élargie et un chœur, est un ravissement pour les oreilles – un tour de force de couleurs orchestrales vibrantes, de mélodies sensuelles, d’harmonies somptueuses et de rythmes captivants.
La genèse et la production originale de Daphnis et Chloé se sont heurtées à de nombreux obstacles. Commandée par Serge Diaghilev et les Ballets russes, cette œuvre marquait le premier grand projet de collaboration de Ravel. Le chorégraphe Michel Fokine avait déjà adapté en 1907 la « romance » originale de l’auteur grec du IIe siècle Longus, alors destinée au théâtre impérial Mariinsky de Saint-Pétersbourg. Lorsque Ravel s’est engagé dans la production des Ballets russes, il a fait savoir qu’il avait largement contribué à la « retouche » du livret de Fokine. Le processus s’est révélé ardu, notamment en raison de la barrière linguistique : « Fokine ne parle pas un mot de français et je ne sais que jurer en russe », se remémorait le compositeur. Ils avaient aussi des perspectives divergentes sur l’aspect visuel et la sonorité que devrait prendre le ballet. Fokine voulait un archaïsme plus littéral, où la danse pourrait évoquer l’aspect physique et charnel des « danses anciennes dépeintes en rouge et noir sur les vases attiques ». Ravel souhaitait plutôt créer « une vaste fresque musicale, moins soucieuse d’archaïsme que de fidélité à la Grèce de [ses] rêves, qui s’apparente assez volontiers à celle qu’ont imaginée et dépeinte les artistes français de la fin du XVIIIe siècle ».
Après de longues discussions, ils finirent par trouver un compromis. Ravel commença à composer la partition en 1909, mais ne l’acheva qu’en 1912, alors qu’il s’efforçait de revoir sa fin originale (datant de 1910) pour en faire quelque chose de plus satisfaisant et de plus exaltant. La production a également connu de nombreux problèmes, notamment le manque de temps pour les répétitions, mais enfin, le 8 juin 1912, le ballet a été présenté pour la première fois au Théâtre du Châtelet à Paris. Avec une « équipe de rêve » composée de Ravel, Fokine, Léon Bakst à la conception des décors et des costumes, Pierre Monteux à la direction d’orchestre, et les étoiles de la danse Vaslav Nijinsky et Tamara Kharsavina dans les rôles-titres, Daphnis et Chloé aurait pu être le point culminant de la saison des Ballets russes. Cependant, il a été éclipsé par la première érotique du Prélude à l’après-midi d’un faune de Claude Debussy, réalisée par Nijinski, qui avait fait scandale 10 jours plus tôt. De plus, la création de Daphnis partageait l’affiche avec une reprise du Prélude ainsi qu’avec Shéhérazade de Nikolaï Rimski-Korsakov et Le Spectre de la rose de Carl Maria von Weber, deux productions antérieures des Ballets russes très appréciées du public.
L’argument de Daphnis et Chloé raconte, en résumé, le développement d’un amour romantique entre un berger et une bergère, alors qu’ils surmontent diverses épreuves et tribulations au sein de leur communauté arcadienne. Daphnis est notamment confronté à la jalousie du chevrier Dorcon, alors qu’il rivalise avec lui dans un concours de danse pour gagner l’affection de Chloé, et soumis à la tentation, la lubrique Lycénion tentant de le séduire en exécutant une « danse des voiles ». Chloé est alors enlevée par des pirates, dont le chef malveillant Bryaxis la force à danser pour lui. Lorsque Daphnis découvre ce qui est arrivé à Chloé, il maudit les divinités qui auraient dû la protéger et s’effondre, inconscient, devant une grotte. Émues par la détresse de Daphnis, trois nymphes s’animent alors pour invoquer l’aide du dieu Pan, qui sauve Chloé de ses violents ravisseurs. À l’aube d’un nouveau jour, elle et Daphnis se retrouvent et leur amour peut enfin s’épanouir pleinement. En guise de remerciement à Pan, le couple mime l’histoire de l’amour non partagé du dieu pour Syrinx. La communauté se réunit ensuite pour célébrer l’événement par une danse bacchanale endiablée.
De nombreuses situations hautement érotiques et physiquement violentes du mythe original de Longus sont absentes de la version Fokine-Ravel, le compositeur préférant, malgré les protestations de Fokine, adopter une approche moins littérale; comme l’a fait remarquer la musicologue Deborah Mawer, Ravel considérait l’histoire comme une « idylle pastorale d’une pureté et d’une innocence classiques ». La musique n’en est pas moins très évocatrice et peut-être encore plus puissante sans les images, dans sa sensualité, sa portée dramatique et son atmosphère rêveuse, le reste étant laissé à notre imagination.
Abandonnant la structure traditionnelle des ballets composés de « numéros » distincts, la musique de Daphnis et Chloé se déploie de manière ininterrompue, même si trois « tableaux » sont identifiés pour clarifier les changements de décor. Les solos de danse alternent avec de longues sections mettant en scène le corps de ballet qui, avec le chœur sans paroles, fonctionne comme un chœur grec, commentant l’action des personnages principaux.
Tout au long du ballet, Ravel utilise des motifs musicaux récurrents pour identifier les personnages et les situations. Il introduit trois des thèmes principaux dès le début du premier tableau : après que les cordes en sourdine et les harpes ont superposé des quintes pour construire un accord, les cors entonnent d’abord une figure de bascule, associée au dieu Pan; une flûte, l’instrument de Pan, joue ensuite un air qui devient le thème des nymphes; le cor solo répond par un troisième air, le thème d’amour de Daphnis et Chloé. À mesure que le ballet progresse, il faut s’attendre à ce que ces motifs reviennent, souvent sous une forme différente, selon le contexte. Par exemple, le thème d’amour revient au fur et à mesure que l’affection entre les deux personnages principaux s’intensifie; ce qui est particulièrement frappant, comme l’a souligné Deborah Mawer, c’est la « restauration et l’intensification progressives du thème de l’amour » dans le « lever du jour » qui ouvre le troisième tableau, l’aube symbolisant aussi le plein réveil de l’amour entre Daphnis et Chloé lorsque le couple est réuni après le sauvetage de cette dernière.
Ravel développe également les personnages à titre individuel par des danses distinctes pour chacun d’eux : les mouvements gracieux et les sauts légers de Daphnis sont d’abord évoqués par des phrases de flûte chantantes alternant avec des arpèges de cordes pincées, tandis que la maladresse de Dorcon est exprimée avec humour par des accents lourds et un air comiquement dissonant entonné par trois bassons. La musique de Chloé, qui s’apparente à une valse, est douce et élégante, tandis que la « danse des voiles » de la tentatrice Lycénion présente des figurations chromatiques « exotiques » et sinueuses à la clarinette, sa convoitise étant suggérée par une variante déformée du thème de l’amour au cor solo. Cette musique « tellurique » contraste vivement avec celle qui évoque l’univers spirituel du dieu Pan et des nymphes, riche de mystérieuses sonorités et de remarquables effets orchestraux.
On trouve également des danses substantielles pour le corps de ballet. Le premier tableau met en scène les membres de la communauté arcadienne dans une « danse religieuse » rituelle et une « danse générale » animée. Dans le deuxième tableau, les pillards exécutent une « danse guerrière » sauvage et vigoureuse, avec une longue section comprenant une mélodie exotique introduite par le piccolo qui, comme l’indique Deborah Mawer, « suggère la promiscuité des pirates qui veulent violer Chloé ». En révisant la « danse générale » finale, Ravel a ouvertement admis qu’il s’était inspiré de la pièce Shéhérazade de Rimski-Korsakov. Pour donner l’impression d’une fête bacchanale endiablée, la mélodie se dissout dans un tourbillon de pulsions rythmiques pures, auquel le chœur se joint en poussant des cris de joie.
Note de programme par Hannah Chan-Hartley (traduit de l’anglais)
Artistes
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Alexander Shelley a reçu le titre de directeur musical de l’Orchestre du CNA en septembre 2015. Depuis, l’ensemble a été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen), et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord (magazine Maclean’s) pour sa programmation.
Champion de la création au Canada, Shelley a signé récemment le projet multimédia Réflexions sur la vie, INCONDITIONNEL et RENCONTR3S, une collaboration avec Danse CNA comportant trois nouveaux ballets d’envergure.
Shelley s’attache à cultiver les talents de la relève : il est notamment un ambassadeur d’OrKidstra, un programme de développement social qui, à travers la musique, aide les jeunes d’Ottawa à acquérir des compétences essentielles.
Alexander Shelley est également premier chef d’orchestre associé du Royal Philharmonic Orchestra de Londres, et, à partir de la saison 2024-2025, directeur artistique et musical d’Artis-Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride (États-Unis). Il a dirigé l’Orchestre du CNA au printemps 2019 à l’occasion d’une tournée européenne très applaudie soulignant le 50e anniversaire de l’ensemble et, en 2017, dans le cadre d’une tournée aux quatre coins du Canada pour célébrer le 150e anniversaire du pays. Plus récemment, l’Orchestre a donné, sous sa baguette, son premier concert en 30 ans au Carnegie Hall de New York.
Shelley a fait paraître huit enregistrements avec l’Orchestre du CNA, dont Nouveaux Mondes (finaliste aux prix JUNO), Réflexions sur la vie, RENCONTR3S, Aux frontières de nos rêves, ainsi que la série louangée par la critique de quatre albums Clara, Robert, Johannes, tous parus sous l'étiquette canadienne Analekta.
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
Les interprétations visionnaires et les talents de compositrice exceptionnels de Gabriela Montero lui ont valu les éloges de la critique et un public dévoué sur la scène internationale. Anthony Tommasini écrivait dans le New York Times que « son interprétation a tout ce qu’il faut : une rythmique éclatante et grandiose, des nuances subtiles, une puissance d’acier… un lyrisme émouvant… une expressivité sans fleur bleue. »
Pour la saison 2023-2024. Gabriela Montero joue son propre concerto « Latin » lors d’une longue tournée aux États-Unis avec l’Orquesta Sinfónica de Minería de Mexico et Carlos Miguel Prieto, ainsi qu’avec le New World Symphony, l’Orchestre symphonique national de la radio polonaise, l’Orchestre symphonique d’Anvers et l’Orchestre du CNA, avec lequel elle poursuit jusqu’en 2025 son partenariat créatif fécond.
Célébrée pour son talent exceptionnel et son don de l’improvisation, Gabriela Montero s’est produite avec plusieurs des grands orchestres du monde entier, dont l’Orchestre philharmonique de New York, l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, l’Academy of St Martin in the Fields et l’Orchestre symphonique Yomiuri du Japon. Diplômée et compositrice associée de la Royal Academy of Music à Londres, récitaliste et musicienne de chambre, elle a donné des concerts dans de hauts lieux dont le Wigmore Hall, Carnegie Hall, le Vienna Konzerthaus, l’Opéra de Sydney et la Salle de concert nationale de Taipei.
Cette artiste de studio à succès primée a récemment fait paraître un album sous Orchid Classics, où l’on trouve son propre Concerto pour piano no 1 (le concerto « Latin ») ainsi que le Concerto pour piano en sol majeur de Ravel, enregistrés en compagnie de l’Orchestre des Amériques à Frutillar, au Chili. Sa première composition officielle, Ex Patria, était un poème tonal illustrant et dénonçant la descente du Venezuela dans le chaos, la corruption et la violence.
Lauréate du quatrième Prix international Beethoven, Gabriela Montero est une grande défenseuse des droits de la personne dont la voix s’élève bien au-delà des salles de concert. Elle a aussi reçu le Prix Rockefeller 2012 pour sa contribution aux arts et a joué lors de l’investiture de Barack Obama en 2008.
Le Chœur Calixa-Lavallée est l'ensemble choral de marque du École de musique de l'Université d'Ottawa. La participation à cet ensemble, sous la direction de Laurence Ewashko, permet aux choristes d'élargir leurs connaissances de plusieurs façons : en interprétant un large répertoire de style varié, en aiguisant le sens de l'harmonisation, et en améliorant leur lecture à vue, leur connaissance des langues et des techniques vocales et chorales. Le Chœur Calixa-Lavallée se produit régulièrement pendant l'année scolaire, à la fois à l'Université et dans la région d'Ottawa.
SOPRANO
ALTO
TÉNOR
CONTREBASSE
Ancien chef de chœur des Petits chanteurs de Vienne et des Cantata Singers of Ottawa, Laurence Ewashko célèbre sa 32e saison d’activités chorales dans la région de la capitale nationale. En tant qu’animateur d’ateliers choraux, répétiteur et membre de jurys, il contribue grandement à faire connaître et aimer une musique vocale de qualité au Canada et ailleurs. Laurence a préparé des chœurs pour bon nombre de grands chefs d’orchestre, ce qu’il fait aussi régulièrement au Centre national des Arts.
Professeur titulaire d’études chorales à l’Université d’Ottawa, il dirige les deux chœurs de l’École de musique. Laurence a reçu le prestigieux prix Leslie Bell pour chefs de chœur et de nombreuses récompenses du Conseil des arts du Canada.
Nés en 1992 à l’occasion d’un événement diffusé en direct pour les 50 ans de Radio Canada International, les Ewashko Singers sont devenus l’un des ensembles vocaux les plus polyvalents de la région de la capitale nationale.
De Beethoven à Mahler ou Verdi en passant par Richard Rodgers et Howard Shore, ils interprètent avec talent un large éventail de styles musicaux dans plusieurs langues. Sous la houlette de Laurence Ewashko, directeur artistique, les Ewashko Singers mettent régulièrement en avant des compositeurs et jeunes talents canadiens. En plus de leurs propres concerts, ils se joignent souvent à d’autres chœurs et ensembles musicaux locaux. Récemment, ils se sont produits avec l’Orchestre du Centre national des Arts pour un enregistrement en direct de Golden slumbers kiss your eyes d’Ana Sokolović, récompensé d’un prix Juno, et pour une reprise de l’opéra Louis Riel d’Harry Somers dans le cadre des célébrations du 150e anniversaire du Canada.
M. López est « un compositeur au talent indéniable » (Opera News) doté d’un « grand contrôle des textures et des timbres orchestraux » (Dallas Morning News) ainsi que d’« une maîtrise virtuose de l’orchestre moderne » (The New Yorker). Ses œuvres ont été interprétées par les plus grands orchestres au monde dans des contextes prestigieux comme au Carnegie Hall, à l’Opéra de Sydney, au Gewandhaus de Leipzig, au Kennedy Center, au Musikverein de Vienne, au Concertgebouw, au Konzerthaus de Berlin, au Festival Nordic Music Days, aux Jeux Olympiques de la jeunesse de Singapour, en 2010, aux Jeux panaméricains de Lima, en 2019, et dans les Festivals de musique d’Aspen, de Tanglewood et de Grant Park.
Fiesta!, l’une de ses œuvres les plus connues, a été interprétée plus d’une centaine de fois aux quatre coins du monde. Son opéra intégral Bel Canto, une commande du Lyric Opera of Chicago dans le cadre de l’initiative Renée Fleming, s’inspire du roman à succès d’Ann Patchett. Présenté pour la première fois en décembre 2015, il a rencontré un franc succès : l’œuvre a été diffusée partout aux États-Unis dans Great Performances de PBS. Son oratorio Dreamers, écrit en collaboration avec l’auteur titulaire d’un prix Pullitzer Nilo Cruz, a été interprété pour la première fois par Ana María Martínez, Esa-Pekka Salonen et l’Orchestre Philharmonia en 2019.
L’album le plus récent de López, Aurora & Ad Astra, sur lequel ont participé Andrés Orozco-Estrada, Leticia Moreno et l’Orchestre symphonique de Houston, est sorti le 14 janvier 2022 sous Pentatone. L’album a été sélectionné pour un prix des Latin Grammy 2022 dans la catégorie des meilleures compositions classiques de l’ère contemporaine. Au printemps 2020, M. López a terminé sa résidence de trois ans en tant que compositeur à l’Orchestre symphonique de Houston. Celui qui est originaire de Lima a étudié au Conservatoire national de musique de la ville avant d’aller à la Sibelius Academy d’Helsinki pour une maîtrise en musique. M. López détient également un doctorat en musique de l’Université de Berkeley en Californie. Ses œuvres paraissent chez Filarmonika et Birdsong.
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
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Tobi Hunt McCoy poursuit sa collaboration saisonnière avec l’Orchestre du CNA à titre de régisseuse. Lors des saisons précédentes, elle a notamment été à la régie pour Le Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn avec Christopher Plummer en 2001 et Colm Feore en 2014. Pour l’Orchestre symphonique d’Edmonton, elle a assuré avec Jack Everly la coproduction de La belle époque de la radio, un concert Pops de musique des années 1940 qu’ils avaient produit ensemble en 2007 pour l’Orchestre du CNA.
En 2018, McCoy a fait ses débuts de comédienne à la Salle Southam en jouant son propre rôle dans L’Orchestre de la planète X de la Magic Circle Mime Co. Comme régisseuse, elle a fait un peu de tout : aidé Suzanne et la comtesse à expliquer les subtilités de l’amour conjugal au comte et à Figaro dans Les Noces de Figaro; gardé les yeux ouverts (pour la première fois de sa vie) pendant la scène des singes volants dans le Magicien d’Oz; demandé (par erreur!) à Patrick Watson de montrer une pièce d’identité en coulisses; retenu son souffle devant les prouesses des acrobates du Cirque à Broadway; continué d’exercer son français de la Colombie-Britannique grâce aux conseils des choristes d’Ottawa et acclamé Luke et la princesse Leia avec Charlie Ross, Émilie Fournier et Erik Ochsner dans le cadre du concert Pops Star Wars.
Dans son temps libre, elle s’occupe du département d’arts, d’anglais, de théâtre et de techniques de documentation au Lisgar Collegiate Institute.
- La voiture officielle de l'Orchestre du CNA
