≈ 1h45 · Avec entracte
Dernière mise à jour: 9 novembre 2022
Programme
MOZART Symphonie no 39, K. 543
MOZART Requiem, K. 626
Notes de programme
Le programme de l’OCNA de ce soir associe deux œuvres remarquables de Mozart : la Symphonie no 39 en mi bémol majeur, son avant-dernière composition du genre, et son Requiem, auquel il travaillait mais qu’il a laissé inachevé à sa mort en 1791. Le fait de regrouper ces œuvres puissantes dans un même concert met clairement en évidence l’inventivité et l’habileté du compositeur à écrire pour l’orchestre, et la raison pour laquelle il était considéré, de son vivant et par la suite, comme le maître incontesté de l’orchestration de la fin du XVIIIe siècle. En les entendant, on ne peut s’empêcher de spéculer sur ce que Mozart aurait pu produire d’autre s’il avait vécu plus de 35 ans.
Répertoire
Symphonie no 39 en mi bémol majeur, K. 543
I. Adagio – Allegro
II. Andante con moto
III. Allegretto – Trio – Menuetto
IV. Finale : Allegro
Mozart a composé sa Symphonie no 39 au cours de l’été 1788, période pendant laquelle il a également terminé la « Grande symphonie en sol mineur » (no 40) et la Symphonie « Jupiter » (no 41). Il n’existe que peu de traces de leur première exécution, voire aucune, mais il est vraisemblable qu’elles aient été présentées lors de concerts à Vienne à l’automne de cette année-là. (Mozart était un compositeur pragmatique et il est peu probable qu’il ait écrit des symphonies, qui étaient alors un genre de plus en plus prestigieux, sans la perspective d’un gain pécuniaire ou d’une reconnaissance quelconque.) Il se peut que ce manque d’information soit lié au contexte de l’époque : en effet, l’Autriche était alors en guerre contre la Turquie, ce qui avait poussé de nombreuses familles aristocratiques à quitter Vienne, réduisant ainsi les ressources et les possibilités d’organiser de grands concerts orchestraux.
D’une élégante grandeur, la Symphonie no 39 présente un dialogue animé et un vif éclat dramatique – des qualités que les critiques et les musicologues de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle vénéraient dans l’écriture orchestrale de Mozart. Son « univers sonore » se distingue par une chaleur et une douceur qu’on peut attribuer à la présence des clarinettes. (Mozart aimait depuis longtemps les qualités sonores et expressives de cet instrument, et c’est possiblement pour attirer davantage l’attention sur leur couleur particulière qu’il n’a pas inclus de hautbois dans cette symphonie.) Une introduction lente ouvre le premier mouvement de façon majestueuse; pendant un moment, elle prend une tournure plus sombre et, plus tard, s’achève de manière inattendue, après quoi le thème principal du mouvement proprement dit apparaît, tout en grâce ensoleillée et décontractée dans les violons. S’ensuit un vigoureux épisode orchestral, assurant la transition vers un second thème tout en douceur, mené par les clarinettes. À mesure que le mouvement progresse, c’est son caractère énergique qui est mis de l’avant et qui prévaut à la fin.
L’Andante du deuxième mouvement présente un thème élégant sur des rythmes pointés, d’abord exécuté par les cordes. Son exposition, qui fait subséquemment l’objet de variations, alterne avec deux épisodes contrastés de caractère orageux et turbulent – le second plus intense que le premier, commençant dans un registre aigu chez les violons et se prolongeant par une irrésistible progression d’harmonies. Tout au long du mouvement, on assiste à de saisissantes juxtapositions de timbres entre les cordes et les bois, ainsi qu’à leur constant dialogue.
Le menuet qui suit est une danse robuste et majestueuse, tandis que dans le trio, une clarinette occupe le devant de la scène avec une mélodie charmante pendant que l’autre jacasse en arrière-plan. Construit sur un seul thème animé, l’Allegro final déborde de dynamisme et d’esprit. Les cordes et les instruments à vent s’engagent dans un dialogue dramatique, d’égal à égal, qui façonne la structure du mouvement. Les surprises ne manquent pas : brusques arrêts, changements soudains de tonalité et de dynamique, et même un choral mystérieux mettant en valeur les clarinettes et le basson, viennent conclure cette exquise symphonie dans l’allégresse, avec brio.
Requiem en ré mineur, K. 626 (version complétée par Robert D. Levin)
Peu d’œuvres du canon de la musique classique occidentale captivent et fascinent autant que le Requiem de Mozart. Laissé inachevé à la mort du compositeur le 5 décembre 1791, les spécialistes, les interprètes, les compositeurs et compositrices et le public ont depuis été interpellés par la mystique entourant sa création, par la question « qu’aurait fait Mozart » s’il avait survécu et, bien sûr, par la puissance de la musique elle-même, qui a été achevée plusieurs fois, dont au moins six au cours des 50 dernières années. Ce soir, nous entendrons une version moderne achevée en 1994 par le compositeur, musicologue et pianiste américain Robert D. Levin.
Des musicologues, dont Simon P. Keefe[PC1] dans sa pénétrante étude sur le contexte de la création du Requiem de Mozart, ont souligné la difficulté, voire l’impossibilité, de nos jours, de séparer les faits des couches de fiction et de quasi-fiction qui se sont accumulées au fil du temps en ce qui concerne la « légende » du Requiem. Ce que nous savons avec certitude, c’est qu’il lui a été commandé anonymement par le comte Franz de Walsegg (1763-1827), probablement au cours de l’été 1791, à la mémoire de son épouse décédée plus tôt dans l’année, le 14 février, à l’âge de vingt ans. L’avocat de Walsegg, Johann Sortschan, ou son directeur commercial, Franz Anton Leitgeb, ont facilité la transaction. Mozart a probablement œuvré au Requiem entre septembre et novembre, mais de façon sporadique, car il était accaparé par les créations et les représentations de La clemenza di Tito et Die Zauberflöte (La Flûte enchantée), ainsi que par d’autres projets de composition et des visites à sa famille à Baden. On ne sait pas s’il a continué à y travailler après le 20 novembre, date à laquelle il a été cloué au lit par la maladie qui allait l’emporter.
Le Requiem de Mozart suit le format liturgique standard : Introit, Kyrie, une Séquence composée de six sections, l’Offertorium, le Sanctus, le Benedictus, l’Agnus Dei et la Communio. À sa mort, Mozart avait achevé la partition complète de l’Introit et avait écrit les parties vocales, la basse continue et plusieurs passages orchestraux pour le Kyrie, la Séquence (jusqu’aux huit premières mesures du Lacrimosa) et l’Offertorium. Soucieuse de voir la commande honorée, Constanze, la veuve de Mozart, a fait appel à Joseph Eybler (1765-1846), puis à Franz Xaver Süssmayr (1766-1803), deux compositeurs autrichiens associés de son époux. Lorsque la partition achevée fut remise à Walsegg, le manuscrit comprenait l’Introit et le Kyrie de Mozart, des ajouts instrumentaux au Kyrie d’une main inconnue, la Séquence et l’Offertorium de la main de Süssmayr mais intégrant l’œuvre de Mozart et une partie de l’orchestration d’Eybler, et le Sanctus, le Benedictus et l’Agnus Dei de Süssmayr, avec une partie de l’Introit et du Kyrie de Mozart repris pour la Communio. L’œuvre a été jouée à plusieurs reprises, dont une fois au profit de Constanze et de ses enfants, avant d’être publiée en 1800.
Dans sa version moderne, Robert Levin s’est efforcé de coller le plus possible à la partition autographe de Mozart de même qu’aux ajouts de Süssmayr, tout en améliorant ces derniers; comme il l’a souligné, « le but était non pas de tout refaire mais de réviser le moins possible, en m’attachant à respecter le caractère, la texture, le chant omniprésent, la continuité et la structure de la musique de Mozart. La version traditionnelle a été conservée dans la mesure où elle correspond à l’idiome mozartien. » Parmi les contributions du compositeur américain, on trouve une fugue élaborée sur l’« Amen » final du Lacrimosa, ce qui permet de conclure la Séquence en apothéose. (On peut douter que Mozart aurait écrit une fugue à cet endroit, mais M. Levin a peut-être pris ce risque en se basant sur la découverte, en 1962, d’une esquisse de Mozart pour une fugue sur l’« Amen ».) Il a également allongé la fugue de Süssmayr sur « Hosanna » pour donner au Benedictus une fin grandiose et triomphante.
Pour être efficace, une version achevée du Requiem de Mozart doit confirmer ce qui en fait déjà l’attrait évident, c’est-à-dire l’utilisation sensible et judicieuse que le compositeur fait des instruments de l’orchestre et de leurs timbres distincts pour créer des sons destinés à produire un effet dramatique. Tout au long de l’œuvre, l’orchestre ne se limite pas à soutenir le chœur et les solistes, mais contribue activement au contenu et à la signification du texte chanté. Par moments, l’orchestre vient souligner le texte en l’illustrant, mais à d’autres occasions, il en bouscule le sens par des contrastes inattendus dans les nuances, les modulations harmoniques, le caractère mélodique et l’énergie rythmique. Bien qu’il s’inspire de messes de requiem antérieures, le Requiem de Mozart semble donc posséder une intensité particulière en raison de la relation dialectique entre les voix et l’orchestre, qui lui confère, comme l’a fait remarquer Simon P. Keefe, une aura globale quelque peu troublante. Elle soulève probablement plus de questions qu’elle n’offre de réponses sur la vie, la mort et l’au-delà. Et l’état d’(in)achèvement de ce Requiem nous confronte à cette ambiguïté – c’est là que réside l’incomparable puissance de l’œuvre, et sa « légende ».
Notes de programme par Hannah Chan-Hartley (traduit de l’anglais)
[PC1]https://en.wikipedia.org/wiki/Simon_P._Keefe (Translator’s Note)
Artistes
Bernard Labadie est reconnu dans le monde entier comme l’un des plus grands chefs d’orchestre du répertoire baroque et classique, une réputation qu’il s’est faite notamment grâce à son travail avec Les Violons du Roy (dont il a été le directeur musical de sa création jusqu’en 2014) et La Chapelle de Québec. Il a effectué régulièrement, avec ces deux ensembles, des tournées au Canada, aux États-Unis et en Europe dans les plus grandes salles et les plus grands festivals : la Salle Carnegie, la Salle Avery Fisher, la Salle de concert Walt Disney, le Centre Kennedy, le Barbican, le Concertgebouw, le Festival de Salzbourg, etc. Lors de la saison 2018-19, il est devenu premier chef d’orchestre de l’Orchestre de St Luke pour un mandat de quatre ans.
M. Labadie est un habitué des estrades des plus grands orchestres nord-américains, dont les orchestres symphoniques d’Atlanta, de Chicago, de Detroit, de Toronto, de Boston, du Colorado, de Houston, de Saint-Louis, de Pittsburgh et de San Francisco; les orchestres de Cleveland et de Philadelphie; les orchestres philharmoniques de Los Angeles et de New York; la Société Handel and Haydn et l’Orchestre symphonique de Montréal. Ces dernières saisons, des publics de partout dans le monde ont pu voir et entendre le maestro à l’œuvre alors qu’il dirigeait l’Orchestre symphonique Bayerischen Rundfunks, l’Academy of Ancient Music, l’Orchestre de l’âge des Lumières, le BBC Royal Scottish National Orchestra, l’Orchestre symphonique de Melbourne, l’Orchestre du Collegium Vocale Gent, l’Orchestre royal du Concertgebouw, la Royal Northern Sinfonia, l’Orchestre de chambre de Suède, le WDR Sinfonieorchester (Cologne) et l’Orchestre de chambre de Zurich.
Son abondante discographie inclut un grand nombre d’enregistrements acclamés par la critique et parus chez Dorian, ATMA et Virgin Classics. À titre d’exemple, mentionnons celui d’Apollo e Dafne de Handel et un enregistrement collaboratif du Requiem de Mozart réalisé avec Les Violons du Roy et La Chapelle de Québec. Tous deux ont d’ailleurs remporté un prix Juno du Canada. Parmi ses autres enregistrements figurent tous les concertos pour violoncelle de C.P.E. Bach avec Truls Mørk et Les Violons du Roy parus chez Virgin Classics; tous les concertos pour pianos de J.S. Bach avec Alexandre Taraud parus chez Virgin Classics également; et les concertos pour piano de Hayden avec Marc-André Hamelin pour soliste parus chez Hyperion. Bernard Labadie a par ailleurs reçu le Prix Samuel de Champlain à Paris. Le gouvernement canadien l’a également fait officier de l’Ordre du Canada et sa province d’appartenance l’a nommé chevalier de l’Ordre national du Québec.
La carrière de Jane Archibald l’a menée du Canada à San Francisco en passant par l’Opéra d’État de Vienne et d’autres grandes maisons d’opéra sur les deux continents.
Pour la saison 2022–23, Jane a chanté le rôle principal dans Salome à la Fondazione Lirico Sinfonico Petruzzelli e Teatro di Bari. En concert, elle a également interprété les solos de soprano dans la Symphonie no 9 de Beethoven, avec Rune Bergmann et l’Orchestre philharmonique de Calgary; dans Requiem de Mozart, avec Bernard Labadie et l’Orchestre du Centre national des Arts; dans Exsultate, jubilate de Mozart, avec Kent Nagano et l’Orchestre symphonique de Montréal; dans Requiem, avec Michael Francis et l’Orchestre symphonique de Toronto; dans des œuvres d’Haydn et de Beethoven, avec Carlo Felice Genova, Riccardo Minasi et l’Orchestra dell’Opera; et dans La damoiselle élue de Debussy et Correspondances de Dutilleux, avec chef l’illustre Ludovic Morlot et l’Orchestre symphonique de Seattle.
Son talent artistique a suscité l’engouement en Europe et en Amérique du Nord : elle joue le rôle principal dans Daphne à l’Oper Frankfurt; Tytania dans Le Songe d’une nuit d’été, au Deutsche Oper Berlin; Roxana dans King Roger, à l’Oper Frankfurt; le rôle principal dans Alcina, au Glyndebourne; Marie dans La fille du régiment, au Wiener Staatsoper; Mathilde dans Guillaume Tell, à l’Opéra National de Lyon; le rôle principal dans Semele avec l’Orchestre philharmonique de Shanghai, au Shanghai Symphony Hall; Ginevra dans Ariodante au Palau de les Arts Reina Sofía. Parmi ses autres contrats d’opéra, on compte Donna Anna dans Don Giovanni; Konstanze dans Die Entführung aus dem Serail; le rôle principal dans Lucia di Lammermoor à l’Opernhaus Zürich; Adele dans Die Fledermaus et Ophélie dans Hamlet au Metropolitan Opera; Olympia dans Les contes d’Hoffmann, Zerbinetta dans Ariadne auf Naxos et Cleopatra dans Giulio Cesare in Egitto à l’Opéra National de Paris; Sophie dans Der Rosenkavalier au Teatro alla Scala et au Deutsche Oper Berlin; Zerbinetta dans Ariadne auf Naxos au Bayerische Staatsoper, au Baden-Baden Festspielhaus et au Covent Garden du Royal Opera House; ainsi que Mathilde dans Guillaume Tell et Donna Anna dans Don Giovanni au Theater an der Wien.
Récemment nommée parmi les « 30 artistes classiques de moins de 30 ans à surveiller » par CBC, la mezzo-soprano Alex Hetherington s’est rapidement imposée comme une interprète de grand talent du répertoire lyrique et orchestral, tout en se spécialisant en musique contemporaine. Artiste en résidence à l’Ensemble Studio de la Compagnie d’opéra canadienne pour la deuxième année, elle s’est produite sur les plus grandes scènes du Canada.
À l’opéra, elle a fait ses débuts avec la Compagnie d’opéra canadienne dans le rôle de Mercédès dans Carmen, puis dans celui de l’assistante dans Salomé. Avec le Tapestry Opera, elle a incarné, en première, le rôle de Riley dans R.U.R. A Torrent of Light, opéra qui a remporté en 2022 le prix Dora Mavor Moore dans la catégorie de la meilleure prestation d’ensemble. Le public l’a également entendue dans les rôles de Rosina dans Le Barbier de Séville, Carmen dans La tragédie de Carmen (Opéra de l’Université de Toronto) et Nicklausse dans Les contes d’Hoffmann (Toronto City Opera). La mezzo-soprano s’est également produite en concert avec l'Orchestre du CNA (Requiem de Mozart et Golden Slumbers Kiss Your Eyes), l’Orchestre symphonique de Victoria (Songs from the House of Death), l’Orchestre symphonique de l’Université de Toronto (Neruda Songs), et l’Orchestre symphonique de Toronto (Tilly, dans The Bear).
Alex Hetherington est titulaire d’une maîtrise en chant lyrique de l’Université de Toronto, où elle a remporté le prix Jim and Charlotte Norcop in Art Song, et réalisé un projet de recherche et création dans lequel elle explore l’interprétation de mélodies à la lumière de la théorie moderne du genre. Dans ses temps libres, cette passionnée de musique contemporaine, de composition et de programmation de récitals novateurs lit, jardine et s’émerveille devant les chiens.
Le ténor canadien Andrew Haji prend rapidement sa place parmi les voix les plus sollicitées, tant sur la scène lyrique que dans les salles de concert. Il a remporté le Grand Prix de la 50e édition du Concours international de chant de ‘s-Hertogenbosch et le premier prix dans la catégorie oratorio au Concours musical international de Montréal. Récemment, il a interprété la Passion selon Saint Matthieu de J.S. Bach, accompagné de l’Orchestre du Centre national des Arts, et Le Messie de Handel, accompagné de l’Orchestre symphonique de Toronto. Parmi ses concerts récents et prévus, on compte La Création de Haydn, le Requiem de Verdi, la Messa di Gloria de Puccini, Carmina Burana d’Ordd, la Petite messe solennelle de Rossini et, de Mozart, le Requiem, la Messe en ut mineur et la Messe du couronnement.
Andrew Haji a fait partie de l’Ensemble Studio de la Compagnie d’opéra canadienne, où il a joué le comte Almaviva dans Le barbier de Séville et Ferrando dans Così fan tutte. Il a aussi incarné Alfredo dans La traviata et Tamino dans La Flûte enchantée au Centre des Quatre Saisons de Toronto. Par ailleurs, il a fait ses débuts dans les festivals en jouant dans Lucrèce Borgia de Donizetti, au Festival de Salzbourg. Il également interprété Hélios dans Herculanum de Félicien David au Festival de Wexford, et Rodolfo dans La bohème de Puccini à l’Opéra théâtre de Saint-Louis.
M. Haji détient un baccalauréat et une maîtrise de la faculté de musique de l’Université de Toronto. Il a participé sur invitation aux programmes destinés aux jeunes artistes du Projet pour jeunes chanteurs du Festival de Salzbourg, du Centre d’études en opéra en Italie, de la Music Academy of the West et de l’Accademia Europea dell’Opera. Il a également reçu différents prix au Concours de chant Marilyn Horne à Santa Barbara et au Concours annuel de l’Ensemble Studio de la COC.
Le baryton-basse franco-canadien Philippe Sly s’est forgé une réputation internationale grâce à son « ton époustouflant et magnifique » et à sa « présence scénique captivante » (San Francisco Chronicle). Lauréat du prestigieux Concours Musical International de Montréal, il a aussi remporté les Auditions du Conseil National du Metropolitan Opera et le prix du concert de l’année dans la catégorie musique classique, romantique, postromantique et impressionniste lors de la 16e édition du Gala des prix Opus.
À la saison 2022–23, Philippe Sly fera ses débuts à l’Opernhaus Zürich avec Lakmé (Nilakantha) et au Bayeriche Staatsoper avec Semele (Cadmus). Il retournera également au Wiener Staatsoper avec Don Giovanni (Leporello). Côté concert, il chantera aux côtés de l’Orchestre Philharmonique de New York dans Passion selon Saint Matthieu et aux côtés du Centre national des Arts (Canada) dans le Requiem de Mozart.
La saison dernière, il a joué pour la première fois avec l’Opéra de Québec dans Don Giovanni (rôle principal) et au Matsumoto Festival dans Le nozze di Figaro, avant de revenir au Wiener Staatsoper pour chanter dans Le nozze di Figaro (rôle principal) et Don Giovanni (Leporello). Côté concert, il est apparu dans Passion selon Saint Matthieu, avec l’Orchestra of St. Luke’s, et dans Passion selon saint Jean et le Requiem (Mozart), avec Les Violons du Roy. En 2020–21, il a fait ses débuts au Wiener Staatsoper, avec Le nozze di Figaro, et est revenu à l’Orchestre Métropolitain et aux Violons du Roy pour leurs galas annuels.
Récemment, il a fait la première mondiale d’Into Oblivion de Harry Stafylakis avec l’Orchestre symphonique de Winnipeg et chanté le Requiem de Mozart avec l’Orchestre symphonique de Vancouver; l’Oratorio de Noël de Bach avec l’Orchestre symphonique de Montréal, sous la direction de Yannick Nézet-Séguin, et avec le Gulbenkian Orchestra (Portugal); Le Messie de Haendel avec la University Musical Society; et la Messe en do mineur de Mozart avec le Centre national des Arts (Canada) et la Maison symphonique de Montréal. De plus, il est retourné à l’Opéra de Paris (Garnier) pour Don Giovanni et Così fan tutte ainsi que pour Winterreise de Schubert avec le Chimera Project.
Ses enregistrements solos sont disponibles chez Analekta.
Fondée par Bernard Labadie en 1985, La Chapelle de Québec est un chœur de chambre national qui regroupe des chanteurs professionnels majoritairement recrutés à Québec, mais aussi ailleurs dans la province et le reste du Canada. Chaque saison, le chœur se rassemble pour donner deux ou trois concerts en compagnie de l’orchestre Les Violons du Roy et interpréter des œuvres incontournables du répertoire pour chœur et orchestre, notamment celles du XVIIIe siècle. Les interprétations des oratorios, cantates et messes de J.S. Bach, Handel, Mozart et Haydn de La Chapelle de Québec sont applaudies dans toute l’Amérique du Nord, où elles sont diffusées par Radio-Canada et la CBC ainsi que NPR aux États-Unis.
La Chapelle de Québec fait régulièrement des tournées à Toronto avec Les Violons du Roy pour interpréter Le Messie de Handel, et la Passion selon Saint Matthieu de J.S. Bach, en France pour un programme entièrement dédié à Vivaldi et aux États-Unis et à Toronto également pour interpréter le Requiem de Mozart. Le chœur est souvent invité à accompagner Bernard Labadie lors des concerts qu’il dirige et qui sont donnés par des orchestres américains. Il s’est entre autres produit avec l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, avec lequel il a interprété Le Messie de Handel en 2004 et Le Magnificat de J.S. Bach en 2006.
La Chapelle de Québec a gagné un prix Juno pour son enregistrement du Requiem de Mozart, paru chez Dorian en 2002.
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
Orchestre du CNA
- Conducteur: Bernard Labadie
- Soloists: Jane Archibald, soprano; Alex Hetherington, mezzo-soprano; Andrew Haji, tenor; Philippe Sly, baritone; La Chapelle de Québec
- Premiers violons
Yosuke Kawasaki (violon solo)
Jessica Linnebach (violon solo associée)
Noémi Racine Gaudreault (assistante violon solo)
Jeremy Mastrangelo
Marjolaine Lambert
Emily Westell
Manuela Milani
Emily Kruspe
*Erica Miller
*Martine Dubé - Seconds violons
Mintje van Lier (solo)
Winston Webber (assistant solo)
Leah Roseman
Carissa Klopoushak
Frédéric Moisan
Zhengdong Liang
Karoly Sziladi
Mark Friedman
**Edvard Skerjanc
*Oleg Chelpanov
*Renée London
*Heather Schnarr - Altos
Jethro Marks (solo)
David Goldblatt (assistant solo)
David Marks (solo associé)
David Thies-Thompson
Paul Casey
*Alisa Klebanov - Violoncelles
Rachel Mercer (solo)
Julia MacLaine (assistante solo)
Timothy McCoy
Leah Wyber
Marc-André Riberdy
*Karen Kang - Contrebasses
Max Cardilli (assistant solo)
Vincent Gendron
Marjolaine Fournier
**Hilda Cowie
*Paul Mach - Flûtes
Joanna G'froerer (solo)
Stephanie Morin - Oboes/Hautbois
Charles Hamann (solo)
Anna Petersen - Cor Anglais
Anna Petersen - Clarinettes
Kimball Sykes (solo)
Sean Rice - Bassons
Darren Hicks (solo)
Vincent Parizeau - Cors
Lawrence Vine (solo)
Julie Fauteux (solo associée)
Elizabeth Simpson
Lauren Anker
Louis-Pierre Bergeron - Trompettes
Karen Donnelly (solo) - Steven van Gulik
- Trombones
**Donald Renshaw (solo)
*Steve Dyer (solo invité)
**Colin Traquair
*Charles Benaroya - Trombone basse
*David Pell - Tubas
Chris Lee (solo) - Timbales
*Michael Kemp (solo invité) - Percussion
Jonathan Wade - Orgue
* Thomas Annand - Musicothécaire principale
Nancy Elbeck - Musicothécaire adjoint
Corey Rempel - Chef du personnel
Meiko Lydall - Chef adjointe du personnel
Laurie Shannon
*Musiciens surnuméraires
**En congé
La Chapelle de Québec, choir
- Soprano
Anne-Marie Beaudette
Odéi Bilodeau-Bergeron
Lesley Bouza
Megan Chartrand
Rebecca Dowd Lekx
Paulina Francisco
Marie Magistry
Stephanie Manias
Emily Wall - Alto
April Babey
Charlotte Cumberbirch
Marie-Josée Goyette
Josée Lalonde
Claudia Lemcke
Rosalie Lane Lépine
Rachel Pelletier-Tremblay
Gena van oosten
Meagan Zantingh - Tenor
Kerry Bursey
Richard Duguay
Dominique Gagné
Aldéo Jean
Joé Lampron-Dandonneau
Patrick McGill
David Menzies
Arthur Tanguay-Labrosse - Bass
Martin Auclair
Ryne Cherry
John Giffen
Robert Huard
Emanuel Lebel
Bernard Levasseur
Phililppe Martel
Nathaniel Watson
- La voiture officielle de l'Orchestre du CNA
