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  Directeur artistique et PDG - Royal Winnipeg Ballet du Canada André Lewis, C.M., O.M., M.S.M.

  

  Directeur artistique et PDG - Royal Winnipeg Ballet du Canada André Lewis, C.M., O.M., M.S.M.

  In 2025, André Lewis will celebrate 50 years with Canada’s Royal Winnipeg Ballet. Under his dynamic leadership, the RWB has secured a place among the world’s premiere dance companies and its School has established an equally respected international reputation. Lewis has become the face of the RWB, its inspirational guide, and its conscience.

  Born in Gatineau, Québec, Lewis began ballet training at the Classical Ballet Studio in Ottawa. In 1975, he was accepted into the Professional Division of the Royal Winnipeg Ballet School. After completing his training under the direction of David Moroni he joined the Company as a Corps de Ballet member and was promoted to Soloist in 1982. During his career, Lewis worked with many eminent teachers, coaches and choreographers including Galina Yordanova, Rudi Van Dantzig, Jiří Kylián and Agnes de Mille. As a dancer, Lewis was well known for his strength as a soloist and as a partner. He has said that partnering with the inspiring Evelyn Hart was a career highlight.

  During his tenure with the Company, under the mentorship of then Artistic Director Arnold Spohr, Lewis was identified by RWB leadership as an exceptional individual whose passion for the art form, commitment to excellence and bold artistic vision could provide strong, dedicated leadership to an organization as prestigious as the RWB. On his retirement from dance in 1990, he was welcomed into the position of Associate Artistic Director before assuming the role of Artistic Director in 1996. From the moment he became Artistic Director, Lewis has been the driving force behind innovative works and classical recreations. He has commissioned both new and experienced choreographers to create original works, while maintaining a distinct Canadian identity, which have been shared with generations of dance enthusiasts in Manitoba, across our country and around the globe. In 2018, Lewis was also appointed the RWB’s Chief Executive Officer.

  En 2025, André Lewis célèbrera ses 50 ans au sein du Royal Winnipeg Ballet (RWB) du Canada. Sous sa direction dynamique, le RWB s'est taillé une place au rang des plus grandes compagnies de danse du monde, et son école s'est forgé une réputation internationale tout aussi prestigieuse. André Lewis est devenu le visage du RWB, son guide et sa conscience.

  Né à Gatineau, au Québec, il a débuté sa formation en ballet au Classical Ballet Studio d'Ottawa. En 1975, il a été admis dans la division professionnelle de l’école du Royal Winnipeg Ballet. Après avoir achevé sa formation sous la houlette de David Moroni, il a rejoint la compagnie comme membre du corps de ballet et a été promu soliste en 1982. Au cours de sa carrière, il a travaillé avec bon nombre de figures majeures de la danse, dont les chorégraphes Galina Yordanova, Rudi Van Dantzig, Jiří Kylián et Agnes de Mille. Renommé pour sa force de danseur aussi bien comme soliste qu’à titre de partenaire, il évoque sa danse en couple avec l’inspirante Evelyn Hart comme un haut fait de sa carrière.

  Au cours des années où il a dansé avec la compagnie, sous le mentorat du directeur artistique d’alors, Arnold Spohr, André Lewis a été salué par la direction du RWB comme une personne exceptionnelle dont la passion pour sa discipline artistique, la quête d’excellence et la vision artistique audacieuse pouvaient fournir une direction forte et dévouée à une organisation aussi prestigieuse que le RWB. Après avoir pris sa retraite de la danse en 1990, il a été accueilli au poste de directeur artistique associé avant d'assumer le rôle de directeur artistique en 1996. Sitôt qu’il a repris la direction artistique de la compagnie, il s’est fait le catalyseur d’œuvres novatrices et de réinterprétations des classiques. Il a demandé à des chorégraphes de la relève et d’expérience de créer des œuvres originales, tout en préservant une identité canadienne distincte, qui ont fait les délices du public de la danse au Manitoba, dans tout le pays et dans le monde entier sur plusieurs générations. En 2018, André Lewis a également été nommé chef de la direction du RWB.

  Médias du CNA avec André Lewis, C.M., O.M., M.S.M.

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  Chorégraphe Galina Yordanova

  

  Chorégraphe Galina Yordanova

  The late Galina Yordanova trained for nine years at Baku in the USSR and for five years with the Bolshoi Ballet where she received her teacher’s diploma in 1960. She held diplomas in Choreography and Teacher Training from the G.I.T.S. in Moscow. In 1960, Madame Yordanova was Ballet Mistress of the Varna Norodna Opera in Bulgaria where she staged a number of classics including Romeo and Juliet, Raymonda, Le Corsaire, Coppélia, Les Sylphides, Giselle and Nutcracker. She has also worked extensively with the Ballet der Deutschen Oper, Berlin and with companies in Madrid and Valencia, Spain and in Nagoya and Kyoto, Japan.

  In 1980, Yordanova began to spend a portion of each year in Winnipeg, teaching at the Royal Winnipeg Ballet School’s Professional Division Summer Session. Her expert teaching of the Russian style was an important component of the development of the teaching style of the school.

  In 1995, she joined the artistic faculty as resident Guest Teacher. She worked extensively with the RWB dancers to prepare them for the Company’s 1987 premiere of Swan Lake, which she staged in the Russian style. In 1990, Yordanova shared her expertise and talent in the staging of the RWB’s premiere of La Bayadère, Act II, featuring members of the Company together with young artists from the Royal Winnipeg Ballet School.

  In celebration of the 25th Anniversary of the RWB School in 1996, she staged Don Quixote, with the School’s entire student body performing alongside Company members who were school graduates in the lead roles.

  For the RWB’s 1999–2000 season, Galina Yordanova, along with Nina Menon, choreographed a new version of Nutcracker for the Company which premiered in Ottawa at the NAC on December 2, 1999.

  La regrettée Galina Yordanova a étudié pendant neuf ans à Bakou, dans l’URSS d’alors, et pendant cinq ans au Ballet Bolchoï, où elle a obtenu son brevet d’enseignante en 1960. Elle détient des diplômes en chorégraphie et en formation des enseignants du G.I.T.S. de Moscou. Dès 1960, Yordanova exerce les fonctions de maîtresse de ballet à l’Opéra Varna Norodna, en Bulgarie, où elle monte plusieurs classiques, tels Roméo et Juliette, Raymonda, Le Corsaire, Coppélia, Les Sylphides, Giselle et Casse-Noisette. Elle travaille également abondamment avec le Ballet de l’Opéra allemand de Berlin et diverses compagnies de danse espagnoles (de Madrid et Valence) et japonaises (de Nagoya et Kyoto).

  À partir de 1980, elle passe quelques mois chaque année à Winnipeg; elle y donne des cours pendant la session d’été de la Division professionnelle de l’École du Royal Winnipeg Ballet (RWB). Son enseignement extrêmement solide du style russe contribue grandement à l’élaboration du style de l’École.

  En 1995, elle devient membre à temps plein du personnel artistique de l’École, à titre de professeure en résidence. Elle travaille en profondeur avec les danseurs du RWB afin de les préparer en vue de la première du Lac des cygnes, production qu’elle monte en 1987 pour la compagnie, dans le style russe. En 1990, Yordanova met ses connaissances et son talent au service du RWB pour la première de l’Acte II de La Bayadère, mettant en vedette des membres de la compagnie et de jeunes artistes de l’École du Royal Winnipeg Ballet.

  En 1996, afin de souligner le 25^e anniversaire de l’École du RWB, elle monte Don Quichotte, spectacle auquel tous les élèves participent, aux côtés des danseurs de la compagnie qui sont diplômés de l’École, lesquels tiennent les rôles principaux.

  Au cours de la saison 1999–2000 du RWB, Galina Yordanova chorégraphie pour la compagnie, avec Nina Menon, une nouvelle version de Casse‑Noisette qui est créée au CNA le 2 décembre 1999.

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  Chorégraphe Nina Menon

  

  Chorégraphe Nina Menon

  Nina Menon joined the Royal Winnipeg Ballet after graduating from the Royal Conservatory of The Hague and the Royal Winnipeg Ballet School’s Professional Division. As a member of the corps de ballet, she danced numerous soloist roles and, in 1990, she made her choreographic debut at the Royal Winnipeg Ballet’s choreographic workshop. The success of this ballet and others, plus the commissioning by the Royal Winnipeg Ballet of her popular ballet La Soif, led Artistic Director André Lewis to appoint Nina Menon Resident Choreographer.

  Highlights of Menon’s residency include Drunken Butterflies, a ballet choreographed to polish composer Henryk Mikolaj Gorecki. This ballet explores the life of an immigrant family through dance and film. In 1999, she collaborated with Galina Yordanova on the Royal Winnipeg Ballet’s new version of Nutcracker which premiered in Ottawa at the NAC. In the same season, Menon shared with the world her East Indian ancestral roots by creating a ballet to The Gita Govinda. Collaborating with composer Mychael Danna (Felicia’s Journey, Monsoon Wedding, Vanity Fair), Menon’s ballet, The Gitagovinda, told an ancient story from her personal connection with the poem. The sacred poem was passed down to the choreographer by her grandmother.

  During her residency, Nina Menon choreographed several ballets for the Professional Division students and taught dance at the Royal Winnipeg Ballet’s Recreational Division. She now lives in Montreal with life partner Mark Godden and their two sons. She teaches ballet at Sheila Parkins Dance Academy and several Montessori schools. In her spare time, she loves to garden.

  Nina Menon se joint au Royal Winnipeg Ballet (RWB) après avoir obtenu son diplôme du Conservatoire royal de La Haye et de la Division professionnelle de l’École du RWB. À titre de membre du corps de ballet, elle interprète de nombreux rôles solistes et, en 1990, elle effectue ses débuts comme chorégraphe dans le cadre de l’atelier chorégraphique du RWB. Impressionné par le succès remporté par ce ballet et par d’autres créations de Menon, dont le ballet La Soif – chaleureusement accueilli par le public –, que lui avait commandé le RWB, le directeur artistique André Lewis la nomme chorégraphe en résidence.

  Pendant sa résidence, Menon crée notamment Drunken Butterflies, ballet réglé sur une musique du compositeur polonais Henryk Mikolaj Gorecki. Cette œuvre explore la vie d’une famille d’immigrants à travers la danse et le cinéma. En 1999, la chorégraphe collabore avec Galina Yordanova à la création d’une nouvelle version de Casse‑Noisette que le RWB présente en première au CNA. Au cours de la même saison, elle partage avec le public ses lointaines origines de l’est de l’Inde en signant un ballet inspiré du Gita Govinda, en collaboration avec le compositeur Mychael Danna (Felicia’s Journey, Monsoon Wedding, Vanity Fair). Le ballet de Menon, intitulé The Gitagovinda, représente les impressions personnelles de la chorégraphe sur ce poème sacré que lui a transmis sa grand-mère.

  Toujours pendant sa résidence, Menon chorégraphie plusieurs ballets pour les élèves de la Division professionnelle et enseigne la danse à la Division récréative du RWB. Elle vit actuellement à Montréal avec son conjoint Mark Godden et leurs deux fils. Elle enseigne le ballet à l’Académie de danse Sheila Parkins et dans plusieurs écoles Montessori. Dans ses temps libres, elle adore faire du jardinage.

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  Concepteur des costumes Paul Daigle

  

  Concepteur des costumes Paul Daigle

  Paul Daigle has a first-hand understanding of the intricacies of designing for dance. A graduate of the Royal Winnipeg Ballet School, Daigle went on to perform for two seasons with the Royal Winnipeg Ballet before leaving in 1988 to pursue a career in design.

  Daigle has established a very creative and productive relationship with choreographer Mark Godden. Together they have collaborated on a variety of creations for the Royal Winnipeg Ballet, including sets and costumes for Sequoia, Godden’s 1989 Clifford E. Lee Choreographic Award winning ballet, Godden’s two award-winning pas de deux, Myth and La Princesse et le Soldat, as well as Forms of Distinction, Rapsodie espagnole, and seven one-act Godden ballets: Symphony No. 1, Angels in the Architecture, Dame aux Fruits, La Folía, A Darkness Between Us, Shepherd’s Wake and Miroirs.

  During the 1997–1998 RWB season, he redesigned the sets for Antony Tudor’s The Leaves Are Fading and the costumes for Paquita. He also collaborated with Mark Godden on two new works, The Rite of Spring and Anywhere But London.

  During the 1998–1999 season, Daigle designed the scenery and costumes for Mark Godden’s first full-length ballet, Dracula. In 2003, he went on to win the Manitoba Motion Picture Industry Association Blizzard Award for best costume design for Guy Maddin’s film adaptation of Godden’s Dracula.

  Daigle designed the costumes for the RWB’s Nutcracker, which premiered at Ottawa’s NAC on December 2, 1999. In 2003, he was reunited with Mark Godden to create the scenery and costume design for Godden’s full-length creation The Magic Flute, which premiered in Winnipeg.

  Daigle has created set and costume designs for numerous ballet and theatre companies including Ballet British Columbia, Ballet Jörgen, Atlantic Ballet Theatre of Canada, Alberta Ballet, Les Grands Ballets Canadiens, Kiev Ballet, Compañía Nacional de Danza (Mexico City), Theatre New Brunswick (Fredericton), Neptune Theatre (Halifax) and Theatre Aquarius (Hamilton). Daigle has had the honour to design new creations for world renowned choreographers Mark Morris, Kevin O’Day and Alexei Ratmansky.

  Paul Daigle’s most recent work includes costume designs for Mark Godden’s Svengalli and costume designs for Michael Pink’s critically acclaimed full-length production of La Boheme for Milwaukee Ballet which premiered in October 2012.

  Ancien danseur, Paul Daigle a une approche privilégiée de la création de costumes et de décors pour la danse. Diplômé de l’École du Royal Winnipeg Ballet (RWB), il a dansé pendant deux saisons avec la compagnie avant de poursuivre, en 1988, une carrière d’artiste-créateur.

  Daigle entretient depuis plusieurs années une collaboration prolifique et empreinte de créativité avec le chorégraphe Mark Godden. Ils ont fait équipe dans le cadre de plusieurs créations du RWB, dont Sequoia de Godden (scénographie et costumes), ballet couronné du prix de chorégraphie Clifford E. Lee en 1989; les pas de deux primés de Godden, en l’occurrence Myth et La Princesse et le Soldat; Forms of Distinction, Rapsodie espagnole; et sept ballets en un acte de Godden, Symphonie n^o 1, Angels in the Architecture, La Dame aux Fruits, La Folía, A Darkness Between Us, Shepherd’s Wake et Miroirs.

  Au cours de la saison 1997–1998 du RWB, il a remodelé les décors de The Leaves Are Fading d’Antony Tudor et les costumes de Paquita. Il a également collaboré avec Godden à deux nouvelles œuvres, Le Sacre du printemps et Anywhere But London.

  Durant la saison 1998–1999, Daigle a conçu les décors et les costumes du premier ballet intégral de Godden, Dracula. En 2003, la Manitoba Motion Picture Industry Association lui a décerné son prix Blizzard des meilleurs costumes pour l’adaptation cinématographique du Dracula de Godden par Guy Maddin.

  Il a conçu les costumes du spectacle Casse‑Noisette du RWB, créé au CNA le 2 décembre 1999. En 2003, il a collaboré de nouveau avec Godden aux décors et costumes d’une production intégrale du chorégraphe, La Flûte enchantée, présentée en première à Winnipeg.

  Daigle crée des costumes et des décors pour beaucoup d’autres compagnies de ballet et de théâtre, notamment le Ballet British Columbia, le Ballet Jörgen, l’Atlantic Ballet Theatre du Canada, l’Alberta Ballet, Les Grands Ballets Canadiens, le Ballet de Kiev, la Compañía Nacional de Danza (Mexico), le Theatre New Brunswick (Fredericton), le Neptune Theatre (Halifax) et le Theatre Aquarius (Hamilton). Récemment, il a eu l’honneur de signer de nouvelles créations pour les chorégraphes Mark Morris, Kevin O’Day et Alexeï Ratmansky, artistes de renommée mondiale.

  Plus récemment, Daigle a créé les costumes de Svengali de Godden et ceux de La Bohème, production intégrale acclamée par la critique, chorégraphiée par Michael Pink pour le Milwaukee Ballet et créée en octobre 2012.

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  Scénographe Brian Perchaluk

  

  Scénographe Brian Perchaluk

  Brian Perchaluk is a set and costume designer based in Winnipeg. Born and raised in rural Manitoba, Perchaluk graduated from the University of Winnipeg and the National Theatre School of Canada and later went on to apprentice at the Banff Centre. His designs have been featured on stages across the country including the Neptune Theatre, Atlantic Ballet Theatre, Canadian Stage, Theatre Passe Muraille, the Grand Theatre, the Blyth Festival, the National Arts Centre, Persephone Theatre, Theatre Calgary, Alberta Theatre Projects, the Citadel Theatre, The Vancouver Playhouse, the Arts Club Theatre, the Belfry Theatre and two seasons each at the Stratford and Shaw Festivals.

  In Winnipeg, he has often worked for Prairie Theatre Exchange, Manitoba Theatre for Young People, Rainbow Stage, Le Cercle Molière, Manitoba Opera and the Royal Manitoba Theatre Centre, where he has designed more than 40 productions.

  Among his favourite credits are M. Butterfly for the Royal Manitoba Theatre Centre and the National Arts Centre, Les Misérables for the Neptune Theatre, Time and the Conways for the Shaw Festival, Nutcracker for the Royal Winnipeg Ballet and Hay Fever for Theatre Calgary.

  In 1999, Brian Perchaluk received a Gemini Award for outstanding production design for his work on Journey and in 2003 a Jessie Richardson Award for outstanding set design for Mary’s Wedding.

  Brian Perchaluk est un concepteur de décors et de costumes de Winnipeg. Il est né et a grandi dans la campagne manitobaine et a obtenu un diplôme de l’Université de Winnipeg et de l’École nationale de théâtre du Canada avant de faire son apprentissage au Centre des arts de Banff. Il a signé des scénographies qu’on a pu voir sur diverses scènes du pays, notamment le Neptune Theatre, l’Atlantic Ballet Theatre, la Canadian Stage, le Theatre Passe Muraille, le Grand Theatre, le Blyth Festival, le Centre national des Arts, le Persephone Theatre, le Theatre Calgary, l’Alberta Theatre Projects, le Citadel Theatre, le Vancouver Playhouse, l’Arts Club Theatre et le Belfry Theatre, et il a travaillé pendant deux saisons aux festivals de Stratford et Shaw.

  À Winnipeg, il a souvent collaboré avec le Prairie Theatre Exchange, le Manitoba Theatre for Young People, le Rainbow Stage, Le Cercle Molière, le Manitoba Opera et le Royal Manitoba Theatre Centre, où il a signé plus de 40 productions.

  Ses créations préférées sont M. Butterfly pour le Royal Manitoba Theatre Centre et le CNA, Les Misérables pour le Neptune Theatre, Time and the Conways pour le Festival Shaw, Casse-Noisette pour le Royal Winnipeg Ballet et Hay Fever pour Theatre Calgary.

  En 1999, Perchaluk a reçu un prix Gemini pour l’excellence de son travail de scénographe dans Journey et, en 2003, un prix Jessie Richardson est venu souligner la qualité de son travail dans Mary’s Wedding.

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  Concepteur d'éclairage Michael J. Whitfield

  

  Concepteur d'éclairage Michael J. Whitfield

  Michael J. Whitfield has an extensive background in lighting design for theatre, ballet and opera.

  A native of Victoria, B.C., Whitfield received his training in theatre at the University of Victoria, Villanova University and the University of Illinois. In 1974, he began a long association with the Stratford Festival, where he was for many years the Resident Lighting Designer and was responsible for the lighting design of a great variety of plays and musicals, including The Mikado, Amadeus and King Lear. He has worked extensively in Canadian regional theatre and his work is often seen at the Royal Manitoba Theatre Centre.

  Whitfield is also much in demand as a lighting designer for opera and his designs have been featured at the San Francisco Opera, San Diego Opera Company, Houston Grand Opera, the Minnesota Opera, the Dallas Opera, the Welsh National Opera and for Canadian companies in Toronto, Montréal, Ottawa, Hamilton, Edmonton, Calgary, Banff and Vancouver. His lighting has been featured at the Canadian Opera Company for over 30 years, where designs included Wozzeck and Madama Butterfly.

  In the world of ballet, Brian Whitfield’s work has been represented by Alice and The Nutcracker at the National Ballet of Canada, The Merry Widow for the American Ballet Theatre and Romeo & Juliet at the Finnish National Ballet.

  For Canada’s Royal Winnipeg Ballet, his lighting design has also been seen in The Sleeping Beauty and Anne of Green Gables.

  Michael J. Whifield a une grande expérience de la conception des éclairages pour le théâtre, l’opéra et le ballet.

  Originaire de Victoria (C.-B.), il a reçu sa formation en théâtre à l’Université de Victoria, à l’Université Villanova et à l’Université de l’Illinois. En 1974, il a entamé une longue collaboration avec le Festival de Stratford, où il a été pendant plusieurs années concepteur des éclairages en résidence et chargé des lumières d’une grande variété de pièces et de comédies musicales, notamment The Mikado, Amadeus et King Lear. Il a aussi beaucoup travaillé pour les théâtres régionaux du Canada, et on a souvent pu applaudir son travail au Royal Manitoba Theatre Centre.

  Whitfield est également très recherché pour la conception des éclairages pour l’opéra, et ses créations ont été présentées à l’opéra de San Francisco, du Minnesota et de Dallas, à la Compagnie d’opéra de San Diego, au Grand opéra de Houston, à l’Opéra national du pays de Galles, ainsi que par des compagnies canadiennes à Toronto, Montréal, Ottawa, Hamilton, Edmonton, Calgary, Banff et Vancouver. La Compagnie d’opéra canadienne fait appel à ses talents depuis plus de 30 ans. Il a notamment signé pour elle les éclairages de Wozzeck et de Madame Butterfly.

  Dans le monde du ballet, Whitfield a créé les éclairages d’Alice et de Casse-Noisette pour le Ballet national du Canada, ceux de La Veuve joyeuse à l’American Ballet Theatre et ceux de Roméo et Juliette au Ballet national de Finlande.

  Pour le Royal Winnipeg Ballet du Canada, il a également conçu les éclairages de La Belle au bois dormant et d’Anne… la maison aux pignons verts.

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  Avec Royal Winnipeg Ballet du Canada

  

  Avec Royal Winnipeg Ballet du Canada

  Founded in 1939, the Royal Winnipeg Ballet holds the double distinction of being Canada’s premier ballet company and one of the oldest ballet companies in North America. Under the artistic direction of André Lewis, O.M., versatility, technical excellence and a captivating style are the trademarks of the Royal Winnipeg Ballet, qualities that have garnered both critical and audience acclaim. RWB’s superlative standards keep the Company in demand across North America. In addition to the Company, the RWB is home to the RWB School, consisting of both a professional division which trains young artists for a professional career in dance, and a recreational division which provides classes to over 1000 students each week.

  Fondé en 1939, le Royal Winnipeg Ballet (RWB) a le double privilège d’être la plus prestigieuse compagnie de ballet du Canada et la doyenne des compagnies du genre toujours en activité en Amérique du Nord. Sous la direction artistique d’André Lewis, O.M., le RWB se distingue par sa polyvalence, son excellence technique et son style captivant, qui lui valent d’être apprécié tant de la critique que du public. Les standards d’excellence du RWB expliquent son immense popularité partout en Amérique du Nord. En plus de la compagnie de ballet, le RWB héberge également l’École du RWB, qui consiste en une division professionnelle de formation des jeunes artistes pour une carrière professionnelle en danse et une division récréative offrant des cours à plus de 1000 élèves chaque semaine.

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  Avec Orchestre du CNA

  

  Avec Orchestre du CNA

  Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships. 

  Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the U.K. and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the U.S. Shelley’s leadership is complemented by Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor. 

  The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences. 

  A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the U.K., Europe, and Asia. 

  L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants. 

  Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence. 

   Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent. 

  Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.

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