Nico Muhly (né en 1981) est un compositeur américain et un collaborateur recherché dont les influences vont du minimalisme américain à la tradition chorale anglicane. Il a reçu des commandes du Metropolitan Opera, du Carnegie Hall, de la cathédrale Saint-Paul et d’autres institutions, et a écrit plus de 80 œuvres de concert. Il collabore fréquemment avec le chorégraphe Benjamin Millepied et, en tant qu’arrangeur, il s’est associé à Sufjan Stevens, Anohni and the Johnsons et plusieurs autres. Pour la scène et l’écran, il a notamment composé la musique de la reprise de The Glass Menagerie à Broadway et des partitions pour plusieurs films, dont The Reader (Le Liseur en v.f.), qui a remporté un Oscar. Né dans le Vermont, il a étudié la composition à Juilliard avant de travailler comme éditeur et chef d’orchestre pour Philip Glass.

Son sextuor, Balance Problems (2013), lui a été commandé par Linda et Stuart Nelson pour yMusic et a donné son titre à un album de l’ensemble paru en 2014, produit par Son Lux (Ryan Lott). Le compositeur explique que le titre (« problèmes d’équilibre » en français) traduit le défi que posait l’écriture d’une pièce pour la combinaison inusitée d’instruments de l’ensemble yMusic, en particulier une pièce « très rapide et très chargée, dans laquelle chaque instrument est clair et toutes les lignes sont distinctes ».

La musique de Balance Problems est minimaliste, caractérisée par des passages répétitifs qui créent un arrière-plan pulsé de timbres et de textures en constante évolution. Sur cette base motrice se superposent divers motifs mélodiques et rythmiques ainsi que des effets sonores; le violoncelle et la trompette entonnent des mélodies aériennes. Plus tard, dans un épisode contrasté, une guitare acoustique porte la ligne motrice, tandis que la flûte et la clarinette jouent des sons soutenus. Les autres instruments s’y joignent bientôt pour compléter la texture délicate, et la musique hypnotique aboutit finalement à un passage éthéré. Avec une dissonance grinçante, le violon relance le « moteur » et les instruments génèrent de nouvelles strates de sons. Soudain, un claquement puissant du violoncelle déclenche une explosion d’énergie, et l’ensemble s’élance vers la conclusion du morceau.

Mark Dancigers (né en 1981) est un compositeur de musique de chambre et orchestrale qui œuvre également pour le ballet et la danse contemporaine. Il est aussi le guitariste électrique du groupe de musique de chambre NOW Ensemble, contribuant à introduire cet instrument dans de nouveaux contextes musicaux. Sa musique a fait l’objet de sept albums publiés sous l’étiquette New Amsterdam par divers artistes, dont yMusic et Michi Wiancko. Il a étudié la composition musicale à Yale, à la Yale School of Music et à l’Université de Princeton. Il est actuellement professeur adjoint au New College of Florida, où il a dirigé le New Music New College de 2020 à 2022.

Son sextuor Everness (2013) figure sur l’album Balance Problems de yMusic, publié en 2014. Dans un entretien qu’il accordait à textura en octobre 2014, CJ Camerieri, le trompettiste de l’ensemble, commentait la pièce en ces termes :

Empruntant son titre à un poème du même nom de Jorge Luis Borges, Everness de Mark Dancigers est un autre exemple de la façon dont nos compositeurs utilisent l’instrumentation unique de yMusic pour créer de nouvelles textures et couleurs. Borges écrit dans son poème « les labyrinthes […] n’ont pas de fin », et depuis le solo de violon d’ouverture jusqu’au choral final d’une beauté envoûtante, en passant par l’arpège répété des bois, cette pièce utilise l’orchestration inusitée de l’ensemble pour produire ces labyrinthes et y naviguer.

Everness s’articule en quatre sections distinctes qui présentent toutes, dans une certaine mesure, des motifs en ostinato, des passages arpégés et des mélodies soutenues. La première, qui porte la mention « élégante », présente un solo de violon lyrique sur un accompagnement d’alto et de violoncelle, avec des notes longuement tenues teintées par des notes pincées à la main gauche. Des arpèges descendants aux vents et au violon mènent à la deuxième section, que le compositeur décrit comme « suspendue, flottante, articulée ». Ici, l’ensemble exécute des passages doucement chuchotés, sauf le violon qui entonne une longue et poignante mélodie toute en sauts. La troisième section se caractérise par des arpèges « audacieux » qui, après avoir été brièvement joués par les cordes, sont repris par la flûte et la clarinette, tandis que le trio à cordes se faufile dans un « labyrinthe » contrapuntique. Dans le choral final, les voix individuelles se dissolvent peu à peu dans une sublime harmonie.

Gabriella Smith (née en 1991) est une compositrice dont les œuvres invitent à trouver de la joie dans l’action climatique. Sa musique est le fruit d’un amour du jeu, de l’exploration de nouveaux sons instrumentaux et de la création d’arcs musicaux qui transportent le public dans des paysages sonores inspirés par la nature. Donnant une « sensation d’absolu » (Los Angeles Times), cette musique « transpire l’inventivité avec une personnalité engageante, une énergie communicative et des torrents de joie » (The New York Times). Gabriella Smith travaille actuellement à une œuvre de grande envergure pour le Kronos Quartet, commandée à l’occasion de la saison du 50^e anniversaire de l’ensemble, ainsi qu’à un album pour yMusic comprenant des enregistrements réalisés dans les fonds marins. Elle se produit régulièrement au sein du duo violoncelle-violon-voix-électronique qu’elle forme avec son collaborateur de longue date, le violoncelliste Gabriel Cabezas.

Commandée par le Barlow Endowment for Music Composition pour yMusic, Tessellations a été créée le 8 avril 2018 à The Cube, à Detroit. La pièce apparaît sur l’album Ecstatic Science de yMusic, paru en 2020. Elle s’ouvre sur un rythme groovy tapé sur la caisse du violoncelle, auquel les autres instruments ajoutent à leur tour leurs diverses exclamations, créant ainsi un passage motivique imbriqué, une mosaïque sonore ou « tessellation ». Ces sons initiaux (à hauteur non déterminée) présentent une qualité percussive ludique, les instrumentistes utilisant des techniques étendues – soufflements, glissandos et ricochets de l’archet. La texture s’étoffe progressivement en une musique tonale (glissandos allongés, cordes pincées), tandis que la trompette et la clarinette conservent des sons statiques. Par la suite, l’ensemble s’engage dans un nouveau passage (les instruments sont maintenant frottés à l’archet et soufflés), auquel un membre du sextuor ajoute une ligne de chant sans paroles. L’ensemble poursuit dans un autre passage de motifs superposés, clairement mélodiques à présent, qui se fondent « en harmonie ». Alors que des sons soutenus réapparaissent à la trompette et à la clarinette, la texture fluide des autres instruments se dissout progressivement dans le bruit, et la pièce s’achève sur le même rythme groovy martelé sur la caisse du violoncelle par lequel elle s’était amorcée.

Récemment saluée comme « l’une des compositrices les plus constamment inventives et imprévisibles actuellement en activité à New York » (The New York Times), et qualifiée de « Mozart post-millénaire de Brooklyn » (Time Out New York), Missy Mazzoli (née en 1980) a vu sa musique interprétée par le Kronos Quartet, le LA Opera, l’ensemble Eighth Blackbird, l’Orchestre symphonique de la BBC et le Scottish Opera, pour n’en citer que quelques-uns. En 2018, elle est devenue l’une des deux premières femmes, avec Jeanine Tesori, à recevoir une commande du Metropolitan Opera pour sa scène principale, et a été mise en nomination pour un prix Grammy. Elle est compositrice en résidence à l’Orchestre symphonique de Chicago, fonction qu’elle a déjà occupée de 2012 à 2015 à l’Opéra de Philadelphie.

Pièce-titre de l’album de yMusic paru en 2020, Ecstatic Science a été créée au Carnegie Hall de New York en décembre 2016. La compositrice décrit la pièce en ces termes :

Il y a beaucoup de mathématiques en jeu; les progressions d’accords sont allongées, multipliées, condensées et superposées. Les mélodies sont renversées et fractionnées dans le plus petit élément possible. L’horizontal devient vertical et le vertical s’étire systématiquement en une mélodie enchevêtrée. La « science » derrière les notes fournit un cadre pour une énergie persistante et bouillonnante, un échafaudage pour les gestes extatiques qui finissent par consumer tout le reste.

Deux idées musicales principales, introduites dès le début, forment la base de cette pièce. Le premier motif consiste en de longues notes tenues aux cordes, le violon jouant par intermittence des glissandos ascendants. À mesure que la musique progresse, cette mélodie d’abord lente est reprise par chacun des instruments à vent dans des versions plus rapides et plus reconnaissables, y compris une exécution pleine d’élan par les trois instruments. La seconde, contrairement à la première, est constituée de fragments pétillants et vifs joués par la flûte et la clarinette en alternance pour créer une seule ligne musicale. Commençant comme des interjections rapides en réponse à la première idée, les deux instruments jouent ensuite les parties de la mélodie seuls, l’un sans l’autre; à d’autres moments de la pièce, la trompette se joint à eux, et la clarinette exécute toutes les parties de la mélodie. Après leur développement extatique, les deux idées reviennent à leur « forme » initiale à la conclusion de l’œuvre.