Programme
Dernière mise à jour: 8 février 2023
SAMY MOUSSA Symphonie no 2* (20 min)
ÉDOUARD LALO Symphonie espagnole pour violon et orchestre, op. 21 (31 min)
I. Allegro non troppo
II. Scherzando: Allegro molto
III. Intermezzo: Allegretto non troppo
IV. Andante
V. Rondo: Allegro
Entracte
SERGEI PROKOFIEV (compilation de Gustavo Gimeno) : Suite de Roméo et Juliette (43 min)
I. Montaigus et Capulets (Suite no 2 – no 1)
II. Juliette, jeune fille (Suite no 2 – no 2)
III. Danse (Suite no 2 – no 4)
IV. Masques (Suite no 1 – no 5)
V. Scène du balcon de Roméo et Juliette (Suite no 1 – no 6)
VI. Mort de Tybalt (Suite no 1 – no 7)
VII. Roméo et Juliette avant de se séparer (Suite no 2 – no 5)
VIII. Roméo sur la tombe de Juliette (Suite no 2 – no 7)
IX. La mort de Juliette (Suite no 3 – no 6)
*Commande de l’Orchestre symphonique de Toronto
Note du président-directeur géneral, TSO
Bienvenue : C’est toujours un plaisir d’accueillir le public de la Salle Southam à un concert de l’Orchestre symphonique de Toronto (TSO). Cette année, c’est doublement le cas, car votre Orchestre du CNA se produit au même moment sur notre propre scène, le Roy Thomson Hall (RTH). Cet échange est donc véritablement réciproque. Au RTH, notre public entendra le programme auquel vous avez eu droit les 9 et 10 février. Vous écouterez le programme que notre public a entendu les 8 et 9 février. Mais tandis que nos auditoires renoueront avec Alexander Shelley, qui dirige l’Orchestre du CNA à Toronto depuis 2016, vous entendrez pour la toute première fois un TSO dirigé par Gustavo Gimeno!
Les orchestres adoptent forcément la coloration dynamique de leurs salles de concert et emportent ce son unique avec eux en tournée. De même, au fil du temps, lorsque l’alchimie fonctionne, leur personnalité en vient à refléter la relation entre l’orchestre et son directeur musical – et là encore, les deux auditoires ont de quoi se délecter.
Le programme de ce soir comprend la Symphonie n° 2 du compositeur canadien Samy Moussa (une commande du TSO), la violoniste espagnole virtuose María Dueñas dans la Symphonie espagnole de Lalo, et une suite tirée du ballet Roméo et Juliette de Prokofiev, compilée par le maestro Gimeno lui-même. Vous entendrez donc une œuvre nouvelle commandée à un compositeur canadien dynamique et inventif, en pleine ascension sur la scène mondiale; un classique bien-aimé du répertoire du violon entre les mains d’une soliste extraordinaire – et extraordinairement jeune – qui fait ses débuts au Canada; et un chef-d’œuvre du canon orchestral que vous redécouvrirez sous un nouveau jour.
Nous nous rendrons ensuite au Carnegie Hall pour la 21e fois depuis 1968, puis au Symphony Center de Chicago (le jour de la Saint-Valentin), pour la première fois en 100 ans d’histoire de notre orchestre. Merci de vous joindre à nous ce soir.
Le président-directeur général, TSO,
Mark Williams
Répertoire
Symphony no 2 (TSO Commission)
La création mondiale de la Symphonie n° 2 de Samy Moussa, en mai dernier, a été l’un des moments forts de sa résidence d’un an, en 2020–2021, à titre de premier artiste Spotlight de l’Orchestre symphonique de Toronto (TSO) – une nomination qui lui a procuré un accès sans précédent aux ressources artistiques de l’Orchestre. « Un aspect intéressant de cette pièce est son instrumentation », faisait remarquer, à cette occasion, le compositeur natif de Montréal et domicilié à Berlin. « Le TSO m’a donné toute latitude pour remplir cette commande, ce qui était merveilleux, parce que ça m’a permis d’y mettre tout ce que je voulais et d’omettre ce que je ne voulais pas. De plus, en composant pour le TSO, je savais que l’Orchestre était en mesure d’exécuter tout ce que j’avais en tête, ce qui a été pour moi très libérateur. »
Qu’en est-il de ce qu’il ne voulait pas? « En premier lieu, pas de trombones, a-t-il précisé. Pour deux raisons : pour rompre l’habitude de compter sur des instruments particuliers pour véhiculer un certain type d’énergie, et parce que je travaille prochainement à un concerto pour trombone : je voulais me donner le temps de m’ennuyer de l’instrument pour mieux y revenir! »
D’autres choix en ont découlé. Les trompettes sont remplacées par des bugles, et un euphonium (tuba ténor) a été ajouté à la liste habituelle des instruments symphoniques. Comme il l’a expliqué : « J’ai eu l’occasion unique de créer un nouveau son pour la section des cuivres.Contrairement aux trompettes et aux trombones, les bugles ont une perce conique; l’euphonium et le tuba sont aussi des instruments à perce conique. En ce qui concerne les percussions, je voulais également un son groupé, donc uniquement des instruments producteurs de sons à hauteur déterminée – pas de grosse caisse,de castagnettes, de cymbales ou de gongs. À la place, on a le marimba, le xylophone, le vibraphone, les crotales et le glockenspiel. C’était très important pour ma vision esthétique de la pièce. »
La partition de vingt minutes s’articule en trois mouvements, selon le compositeur, mais la musique ne s’interrompt pas, sauf pour un court moment vers la fin. « Observez le choral des cuivres au début. Il revient fréquemment, y compris, bien sûr, à la fin. »
Son utilisation du verbe « observer » est éclairante : elle montre qu’il est conscient de la façon dont la musique symphonique en direct s’adresse aussi bien aux yeux qu’aux oreilles. « L’euphonium est magnifique, dit-il, de par sa sonorité, sa forme et sa position; le petit tuba et le grand tuba côte à côte, dans un chœur de huit instruments de la même famille de cuivres à perce conique. Et lorsque les cordes et les cuivres échangent comme un double chœur, c’est auditif mais aussi visuel, ce qui est à la fois beau et enrichissant. »
Comme compositeur, Samy Moussa se distingue par des approches audacieuses de l’harmonie et du timbre, associées à un refus sans compromis de se répéter, ce qui donne lieu à un flux d’univers sonores en constante évolution, d’une vivacité unique, qui lui a attiré une succession de commandes par des diffuseurs et des ensembles aussi variés que l’Orchestre symphonique de Dallas, l’Orchestre philharmonique de Bruxelles, l’Orchestre symphonique allemand (DSO), l’Orchestre symphonique de Toronto TSO), l’Orchestre symphonique de Montréal, et l’Orchestre symphonique de la Radio bavaroise.
Son catalogue de compositions publiées (une quarantaine au dernier décompte) va de l’opéra et l’oratorio aux œuvres solistes pour accordéon, piano et violoncelle. Parmi ces compositions, on compte une dizaine de pièces pour orchestre seul, et cinq autres pour orchestre et soliste. Les travaux en cours dans son calendrier de composition comprennent des commandes pour le Wiener Philharmoniker et pour l’Opéra et ballet national des Pays-Bas. (En ce qui concerne le concerto pour trombone et orchestre susmentionné, sa création est prévue pour le 14 avril 2023 par l’Orchestre national de Lyon, avec Jörgen van Rijen au trombone et Gemma New à la direction d’orchestre.)
Également chef d’orchestre accompli, Samy Moussa s’est produit à ce titre avec l’Orchestre symphonique de Vancouver, l’Opéra de Calgary, l’Orchestre Haydn (Bolzano) et Les Violons du Roy.
Note de programme de David S. Perlman (traduit de l’anglais)
Symphonie espagnole pour violon et orchestre, op. 21
I. Allegro non troppo
II. Scherzando : Allegro molto
III. Intermezzo : Allegretto non troppo
IV. Andante
V. Rondo : Allegro
Édouard Lalo appartient à un groupe de compositeurs qui, pour le meilleur ou pour le pire, ne sont largement connus que par une seule œuvre – dans son cas, le spectaculaire chef-d’œuvre pour violon et orchestre que vous entendrez dans le cadre du présent concert.
Son talent n’a été apprécié que dans les vingt-cinq dernières années de sa vie, en raison surtout des goûts musicaux français de l’époque qui privilégiaient la légèreté et la grâce au détriment de la profondeur et du sérieux, et qui préféraient la musique vocale, notamment l’opéra, au genre purement instrumental. On a si longtemps tenu son œuvre pour négligeable que lui-même a effectivement renoncé à composer pendant près de dix ans, dans les années 1860 et au début des années 1870.
L’inspiration lui est revenue en bonne partie grâce au violoniste Pablo de Sarasate, qui était né en Espagne mais vivait à Paris depuis l’âge de onze ans. En 1874, Lalo, dont les ancêtres espagnols remontaient au XVe siècle, composa pour Sarasate son Concerto pour violon en fa majeur, après quoi ils commencèrent immédiatement à travailler ensemble, cette fois sur la Symphonie espagnole, que Sarasate créa à Paris et fit ensuite tourner, établissant pour la première fois la réputation du compositeur à l’étranger.
La Symphonie espagnole connut un succès immédiat, et on lui attribue le mérite d’avoir lancé une tendance hispanisante dans les œuvres françaises : l’opéra Carmen de Bizet (créé moins d’un mois plus tard), la Rhapsodie espagnole, Alborada del gracioso et le Boléro de Ravel, et Ibéria de Debussy.
En ce qui concerne le titre de l’œuvre, la version originale comportait quatre mouvements, soit un de plus que la forme typique d’un concerto du XIXe siècle, ce qui est l’une des raisons pour lesquelles Lalo a choisi de l’appeler une symphonie, plutôt qu’un concerto ou une suite. « Artistiquement, un titre ne signifie rien […] mais, commercialement, un titre usé, inapproprié produit toujours un effet défavorable », faisait-il observer, non sans ironie. « J’ai tenu, envers et contre tous, au titre […] tout d’abord parce qu’il me semblait exprimer le plus clairement mes intentions musicales – c’est-à-dire le déploiement d’un violon solo planant au-dessus de la forme rigide de la symphonie traditionnelle – et ensuite parce que ce titre était moins banal que tous ceux qui me furent proposés. »
Le premier mouvement est le plus substantiel et le plus traditionnellement symphonique des quatre originaux (l’Intermezzo a été ajouté plus tard). Une brève introduction orchestrale met la table pour la première entrée du soliste. Le rythme d’une fougueuse danse espagnole s’installe ensuite. Le second thème apporte un parfum de mélancolie sans ralentir la musique pour autant.
Le deuxième mouvement est un scherzo vif, enjoué, s’apparentant à une valse, dans lequel le style folklorique espagnol déploie toute la force de ses saveurs épicées. Les délicates textures orchestrales comprennent des cordes en pizzicato (pincées), imitant habilement le son d’une guitare espagnole.
L’intermezzo qui suit dans la version interprétée ce soir a été, curieusement, écarté de la plupart des concerts pendant soixante ans. (L’exemple le plus ancien que nous ayons trouvé est un disque Victor de 1933 de Yehudi Menuhin, alors âgé de dix-sept ans, qui l’avait inclus dans un enregistrement avec l’Orchestre symphonique de Paris sous la direction de Georges Enesco.) Sa réintroduction fait que l’œuvre tranche encore plus, sans doute, sur la « forme symphonique rigide » à laquelle s’opposait Lalo, mais, pourvu que le soliste soit à la hauteur, elle constitue un pont narratif convaincant entre le scherzo enjoué et les mouvements qui suivent.
Le quatrième mouvement s’ouvre sur un thème grave, presque hymnique de l’orchestre, que le soliste reprend et poursuit avec une ardeur croissante, avant de retrouver un calme apaisant à la fin du mouvement. Dans le finale qui suit, le caractère virtuose de la pièce se déploie dans toute sa fougue – d’abord lentement mais, pour finir, en surpassant les mouvements précédents par des airs irrésistibles, des teintes somptueuses, de l’esprit à revendre, un violon solo spectaculaire et une énergie pure, exubérante.
Note de programme de Don Anderson (traduit de l’anglais)
Suite de Roméo et Juliette (Compilation de G. Gimeno)
I. Montaigus et Capulets (Suite no 2 – no 1)
II. Juliette, jeune fille (Suite no 2 – no 2)
III. Danse (Suite no 2 – no 4)
IV. Masques (Suite no 1 – no 5)
V. Scène du balcon de Roméo et Juliette (Suite no 1 – no 6)
VI. Mort de Tybalt (Suite no 1 – no 7)
VII. Roméo et Juliette avant de se séparer (Suite no 2 – no 5)
VIII. Roméo sur la tombe de Juliette (Suite no 2 – no 7)
IX. La mort de Juliette (Suite no 3 – no 6)
On peut probablement affirmer sans risque de se tromper que les pièces de William Shakespeare ont inspiré plus de musique que n’importe quelle autre œuvre littéraire, et aucune davantage que Roméo et Juliette, l’histoire poignante des amants maudits de la vieille Vérone, créée dans les années 1590. Au cours des siècles suivants, au moins soixante autres compositeurs ont écrit de la musique directement inspirée par la pièce.
Quelques-unes de ces mises en musique sont encore interprétées régulièrement, notamment l’opéra I Capuleti e i Montecchi (Les Capulets et les Montaigus, 1830) de Vincenzo Bellini; le Roméo et Juliette en cinq actes de Charles Gounod (1867); et le Roméo et Juliette (1839) d’Hector Berlioz, une « symphonie dramatique » dans laquelle alternent des segments vocaux basés sur la traduction française de la pièce par Émile Deschamps et des mouvements orchestraux. Trente ans après Berlioz, Tchaïkovsky, alors tout jeune, s’est attaqué à l’épineuse question de la mise en musique des mots de Shakespeare en créant un cadre strictement orchestral, évoquant les émotions essentielles de la pièce sans tenter une narration directe et descriptive.
Les trois grandes partitions de ballet de Tchaïkovsky – Le Lac des cygnes, La Belle au bois dormant et Casse-Noisette – sont arrivées plus tard, inspirant de nombreux praticiens soviétiques de l’époque, dont aucun n’a consacré plus d’efforts à cette tâche que Sergueï Prokofiev. Les premiers exemples, comme Chout (Le Bouffon, 1915) et Le Pas d’acier (1927), sont des exercices froids et motoristes, résolument modernes. Avec Le Fils prodigue (1929), il commence à adopter une approche plus chaleureuse et, en 1934, la Compagnie d’opéra et de ballet de Leningrad (rebaptisée plus tard le Kirov, puis le Mariinsky) lui commande un ballet basé sur Roméo et Juliette.
Prokofiev décidera d’en faire un ballet intégral d’une ampleur comparable à celui de Tchaïkovsky : lui et le directeur de la compagnie, Sergueï Radlov, passeront des mois à œuvrer à l’argument du ballet, allant jusqu’à tenter, à un moment donné, de lui donner une fin heureuse. « Au dernier acte, Roméo arrive une minute plus tôt, trouve Juliette vivante et tout se termine bien », écrit Prokofiev. « Les motifs de cette modification quelque peu barbare sont purement chorégraphiques : les vivants peuvent danser, mais on ne s’attend guère à ce que les agonisants en fassent autant sur leur lit de mort. »
La genèse de l’œuvre jusqu’à sa réalisation a été semée d’embûches. La direction du Kirov, nouvellement installée, avait des doutes sur la possibilité de tirer un ballet de l’œuvre de Shakespeare et s’est retirée du projet. Prokofiev a alors conclu un accord avec le Théâtre Bolchoï pour que le ballet soit présenté à Moscou, et il a achevé la partition en septembre 1935, au terme de cinq mois d’efforts inspirés. Mais la direction du Bolchoï l’a également rejetée, la jugeant « impropre à la danse ».
Sans se décourager (et pour se doter d’une carte de visite dans l’espoir qu’elle allait raviver l’intérêt pour le ballet intégral), Prokofiev en a tiré un ensemble de dix transcriptions pour piano et deux suites orchestrales (une troisième allait suivre en 1946). Elles ont reçu un accueil chaleureux, ce qui a mené à une mise en scène partiellement réussie de l’œuvre intégrale en 1938 à Brno, en Tchécoslovaquie. Un an plus tard, le Kirov a accepté de monter la première production en Union soviétique, mais la saga n’était pas terminée pour autant. Le chorégraphe vedette du Kirov, Leonid Lavrovsky, a rendu visite à Prokofiev, a écouté le compositeur jouer toute la partition au piano, a beaucoup aimé ce qu’il a entendu, mais a suggéré des changements – que Prokofiev, dans un premier temps, a catégoriquement refusé d’envisager. Puis les membres de la compagnie de ballet et de l’orchestre du Kirov, qui avaient l’habitude d’offrir des divertissements pratiquement sans intrigue sur une musique forte et peu élaborée, ont contesté l’œuvre : deux semaines avant la date prévue de la première, l’équipe s’est réunie et a voté pour l’annulation de la production, « afin d’éviter un scandale », affirmait-on.
En dépit de ces difficultés et d’autres qui ont suivi, la première a bien eu lieu le 11 janvier 1940, récoltant un triomphe : on a aussitôt érigé la musique au rang de chef-d’œuvre. Selon les mots de Lavrovsky : « Prokofiev a développé et élaboré les principes symphoniques dans la musique de ballet. Il fut l’un des premiers compositeurs soviétiques à apporter sur la scène du ballet des émotions humaines et des images musicales d’une incontestable authenticité. La hardiesse de son traitement musical, les personnifications limpides, la diversité et la complexité des rythmes, le caractère inorthodoxe des harmonies – tous ces éléments concourent à transformer le spectacle en une entité dramatique. »
Pour chacune des trois suites individuelles que Prokofiev a compilées alors que le ballet intégral peinait encore à voir le jour, il a sélectionné des mouvements de la partition complète du ballet en fonction des besoins des concerts, sans se soucier de préserver le sens dramatique de l’œuvre. La présente interprétation puise dans les trois suites, rétablissant ainsi la ligne narrative et la puissance émotionnelle de la sublime partition intégrale.
— Note de programme de Don Anderson (traduit de l’anglais)
Gustavo Gimeno
Gustavo Gimeno est directeur musical depuis la saison 2020-2021 à l’Orchestre symphonique de Toronto (TSO) et depuis 2015 à l’Orchestre philharmonique du Luxembourg (OPL). À partir de la saison 2025-2026, il occupera le même poste au Teatro Real de Madrid, où il est présentement le directeur musical désigné.
Pour la saison 2022-2023, qui coïncide avec le 100e anniversaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, Gustavo Gimeno propose au public de grandes œuvres symphoniques comme la Symphonie no 4 de Bruckner, une suite tirée de Roméo et Juliette de Prokofiev et Schéhérazade de Rimski-Korsakov. L’Orchestre et lui partagent également la scène avec les solistes Yo-Yo Ma, Yuja Wang, Yefim Bronfman et Jean-Guihen Queyras. Par ailleurs, le TSO part en tournée avec Gimeno pour la première fois à l’hiver 2023 : il sera de retour au Carnegie Hall de New York, participera à son échange annuel avec l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada à Ottawa et jouera pour la première fois au Symphony Center de Chicago.
Aux côtés de l’Orchestre philharmonique du Luxembourg, Gimeno explore les répertoires, comme avec Une vie de héros de Strauss, la Symphonie no 6, « Tragique », de Mahler, le Concerto pour orchestre de Lutosławski et la Symphonie no 5 de Tchaïkovsky. Pour la saison 2022-2023, il part en tournée avec l’OPL en Suisse, en Autriche, en Hongrie et, pour la première fois, en Corée du Sud.
Cette saison, Gimeno et le TSO enregistreront la Turangalîla-Symphonie de Messiaen pour Harmonia Mundi, aux côtés du pianiste Marc-André Hamelin et de la joueuse d’ondes Martenot Nathalie Forget. Cette collaboration renforce les liens qui existent entre Gimeno et l’étiquette HM depuis avril 2022, lorsqu’il a enregistré le Stabat Mater de Rossini avec l’OPL, Maria Agresta (soprano), Daniela Barcellona (mezzo-soprano), René Barbera (ténor), Carlo Lepore (basse) et le Wiener Singverein. En août 2022, le second album de l’OPL sous l’étiquette HM comportait les deux ballets de Stravinsky (L’oiseau de feu et Apollon Musagète). Gimeno et l’OPL ont également une discographie conséquente chez Pentatone : une monographie du Concerto pour violon de Francisco Coll avec Patricia Kopatchinskaja, la Symphonie no 1 de Chostakovitch, la Symphonie no 1 de Bruckner, l’intégralité du ballet Daphnis et Chloé de Ravel, la Symphonie no 4 de Mahler, Le sacre du printemps de Stravinsky, la Petite messe solennelle de Rossini et la Symphonie en ré mineur de César Franck.
À l’opéra, Gimeno est invité à diriger les plus grandes œuvres dans des salles de renom comme le Liceu Opera de Barcelone, l’Opernhaus de Zürich, le Palau de les Arts Reina Sofia de Valence et le Teatro Real de Madrid. Il parcourt également le monde en tant que chef d’orchestre symphonique invité. Il se produira pour la première fois en 2022-2023 aux côtés de la Staatskapelle Berlin et de l’Orchestre philharmonique de Radio France. De plus, on réinvite régulièrement Gimeno à l’Orchestre royal du Concertgebouworkest. Ses projets de tournée l’amènent jusqu’au Japon ou à Taiwan.
María Dueñas
La violoniste espagnole María Dueñas captive son public par les accents chatoyants qu'elle tire de son instrument. Sa technique remarquable, sa maturité artistique et ses interprétations audacieuses ont suscité des critiques élogieuses et captivé les jurys des concours, sans compter qu’elle a reçu de nombreuses invitations à se produire auprès des plus grands orchestres et chefs d’orchestre au monde. La Frankfurter Allgemeine Zeitung complimente la « liberté et la joie » qui habitent ses prestations, tandis que The Strad l’a décrite comme une étoile « qui ne semble jamais s’arrêter de monter » après une série de victoires consécutives dans les concours internationaux. Elle a notamment remporté le premier prix, le prix du public, gagnant du même coup le cœur des internautes, lors d’une prestation diffusée en direct au Concours de violon Menuhin en 2021. Pour cette victoire, elle s’est vue prêter un Stradivarius de l’âge d’or du luthier provenant de la collection personnelle de Jonathan Mould.
María Dueñas vient de signer, en septembre 2022, un contrat d’exclusivité avec Deutsche Grammophon. Elle sortira son premier album avec la maison, une interprétation du Concerto pour violon de Beethoven en compagnie de l’Orchestre symphonique de Vienne et de Manfred Honeck, en mai 2023. Pour ce projet, elle a conçu ses propres cadences. Musicienne aux multiples facettes, María Dueñas s’est prise de passion pour la composition en écrivant des cadences pour les concertos pour violon de Mozart. En 2016, son morceau pour piano solo Farewell remportait d’ailleurs un prix au concours « Von fremden Ländern und Menschen » pour jeunes compositeurs. Enregistré par Evgeny Sinaiski, ce morceau a fait l’objet d’un vidéoclip, tourné pendant la pandémie.
María Dueñas est une musicienne de chambre dévouée qui a notamment joué aux côtés d’artistes tels que le baryton Matthias Goerne et le pianiste Itamar Golan. Elle a également interprété des œuvres écrites pour elle (et dédicacées à son nom) par le défunt compositeur catalan Jordi Cervelló, dont Milstein Caprice.
Née à Grenade en 2002, María Dueñas tombe amoureuse de la musique classique grâce aux enregistrements que ses parents lui font souvent écouter à la maison et aux concerts auxquels elle assiste dans sa ville natale. Elle commence le violon à l’âge de six ans et s’inscrit au Conservatoire de Grenade un an plus tard. En 2014, décrochant une bourse de Juventudes Musicales Madrid pour étudier à l’étranger, elle s’installe à Dresde pour suivre ses études à l’École de musique Carl Maria von Weber. Elle y est vite repérée par le violoniste Wolfgang Hentrich et le chef d’orchestre Marek Janowsky, qui l’invitent à faire ses débuts en tant que soliste avec l’Orchestre symphonique de San Francisco.
En 2016, elle déménage à nouveau avec sa famille, cette fois en Autriche, pour étudier auprès du célèbre professeur de violon Boris Kuschnir à l’Université privée de musique et d’arts de Vienne et à l’Université de musique et d’arts du spectacle de Graz, à la recommandation de son mentor Vladimir Spivakov. Sa série de victoires commence en 2017, avec le Concours international Mozart de Zhuhai, et se poursuit en 2018 avec le Concours international de violon Vladimir Spivakov. En 2021, elle remporte non seulement le succès au Concours Menuhin, mais également le premier prix au Concours Getting to Carnegie, le grand prix au Concours international de violon Viktor Tretyakov et le prix d’avancement de carrière au Festival de musique de Rheingau. Elle figure également parmi les artistes de la nouvelle génération 2021-2023 selon la BBC Radio 3.
Orchestre symphonique de Toronto
Organisation artistique des plus réputées au Canada, l’Orchestre symphonique de Toronto (TSO) joue un rôle essentiel dans la vie culturelle de la Ville reine depuis 100 ans. Son directeur musical, Gustavo Gimeno, apporte toute l’étendue de sa vision artistique, de sa curiosité intellectuelle et de sa témérité à la programmation de cet orchestre de 93 interprètes. Cette saison, l’Orchestre met en avant des événements incontournables, une liste incroyable d’artistes invités de renom et des commandes spéciales auprès de compositrices et compositeurs émergents pour célébrer un siècle de création musicale. Le TSO rend ainsi hommage à son passé illustre tout en donnant le départ vers un avenir palpitant.
Le TSO met tout en œuvre pour proposer à la population torontoise, mais aussi au reste du pays, des prestations époustouflantes, des activités éducatives exceptionnelles et des initiatives de participation communautaire et de bien-être destinées à tous les publics, peu importe l’âge, l’appartenance ou la capacité physique. Le TSO prévoit notamment des journées portes ouvertes et des concerts gratuits au Roy Thomson Hall; des représentations décontractées pour un public neurodivergent; et un partenariat avec le Centre de toxicomanie et de santé mentale pour soutenir les Inuits, les Métis et les Premières Nations grâce à la narration et à la composition musicale.
Jouissant d’une grande notoriété dans le monde du disque, l’Orchestre compte à son actif cinq enregistrements récents à grand succès sous l’étiquette Chandos. Ambassadeur musical du Canada, le TSO organise également des tournées internationales aux États-Unis, en Europe, en Israël et en Asie. Le nom de l’Orchestre rime encore et toujours avec évolution, polyvalence musicale et distinction artistique.
ORCHESTRE SYMPHONIQUE DE TORONTO
Gustavo Gimeno, directeur musical
Violons
Jonathan Crow (violon solo, Chaise de violon solo Tom Beck)
Mark Skazinetsky (violon solo associé)
Marc-André Savoie (assistant violon solo)
+Etsuko Kimura (assistante violon solo)
Eri Kosaka (second violon solo)
Wendy Rose (second violon solo associée)
Atis Bankas
Yolanda Bruno
*Sydney Chun
Carol Lynn Fujino
Amanda Goodburn
Bridget Hunt
Amalia Joanou-Canzoneri
*Shane Kim
Leslie Dawn Knowles
Douglas Kwon
Luri Lee
Paul Meyer
Sergei Nikonov
Semyon Pertsovsky
Clare Semes
Peter Seminovs
Jennifer Thompson
Angelique Toews
James Wallenberg
Virginia Chen Wells
Altos
Michael Casimir (solo)
Rémi Pelletier (solo associé)
Theresa Rudolph (assistante solo)
Ivan Ivanovich
Gary Labovitz
Diane Leung
Charmain Louis
Mary Carol Nugent
Christopher Redfield
Ashley Vandiver
Violoncelles
Joseph Johnson (solo, Chaise de violoncelle solo soutenue par le Dr Armand Hammer)
Emmanuelle Beaulieu Bergeron (solo associée)
Winona Zelenka (assistante solo)
*Alastair Eng
Igor Gefter
Roberta Janzen
Song Hee Lee
Oleksander Mycyk
Lucia Ticho
Contrebasses
Jeffrey Beecher (solo)
Michael Chiarello (solo associé)
Theodore Chan
Timothy Dawson
Chas Elliott
*David Longenecker
Flûtes
Kelly Zimba Lukić (solo, Chaise de flûte solo financée par le Comité des bénévoles du TSO)
Julie Ranti (solo associée)
Leonie Wall
Camille Watts
Piccolo
Camille Watts
Hautbois
*Sarah Jeffrey (solo)
Alex Liedtke (solo associé)
Cary Ebli
*Hugo Lee
Cor anglais
Cary Ebli
Clarinettes
Eric Abramovitz (solo, Chaise de clarinette solo financée par Sheryl L. et David W. Kerr)
Miles Jaques (solo associé, par intérim)
Joseph Orlowski
Clarinette basse
Miles Jaques
Bassons
Michael Sweeney (solo)
+Darren Hicks (solo associé)
Samuel Banks
Fraser Jackson
Contrebasson
Fraser Jackson
Cors
Neil Deland (solo)
Christopher Gongos (solo associé)
Audrey Good
Nicholas Hartman
*Gabriel Radford
Trompettes
Andrew McCandless (solo, Chaise de trompette solo financée par le Comité des bénévoles du TSO)
*Steven Woomert (solo associé)
*James Gardiner
James Spragg
Trombones
Gordon Wolfe (solo)
*Vanessa Fralick (solo associée)
Trombone basse
+Jeffrey Hall
Tuba
Mark Tetreault (solo)
Timbales
David Kent (solo)
Joseph Kelly (assistant solo)
Percussions
Charles Settle (solo)
Joseph Kelly
Harpe
Heidi Elise Bearcroft (solo)
Musicothécaires
Christopher Reiche Boucher (musicothécaire principal)
Andrew Harper (musicothécaire remplaçant)
Sandra Pearson (musicothécaire remplaçante)
Chef du personnel de l’Orchestre
David Kent
+En congé
*anciens membres de l’Orchestre symphonique des jeunes de Toronto
Chef lauréat
Sir Andrew Davis
Chef d’orchestre émérite
Peter Oundjian
Premier chef des concerts Pops
Steven Reineke
Premier chef des concerts éducatifs Barrett et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto
Daniel Bartholomew- Poyser
Chef d’orchestre en résidence RBC
Trevor Wilson
Chef de l’Orchestre symphonique des jeunes de Toronto
Simon Rivard (avec le soutien du Comité des bénévoles du TSO)
Compositeur-conseil
Gary Kulesha
Compositrice affiliée RBC
Alison Yun-Fei Jiang
Directeur musical
Gustavo Gimeno
Présidente
Catherine Beck
Président-directeur général
Mark Williams
Vice-présidente et cheffe du personnel
Roberta Smith
Vice-présidente, planification artistique
Loie Fallis
Directrice principale, éducation et mobilisation communautaire
Nicole Balm
Vice-présidente et gestionnaire principale
Dawn Cattapan
Directeur principal du développement
Robert Dixon
Vice-président du Marketing et des Communications
Patrick O’Herron
Directeur financier
Ziyad Mansour
TSO.CA
@TorontoSymphony
REMERCIEMENTS
Le TSO reconnait Mary Beck comme la patronne des musiciens et musiciennes pour son fidèle et généreux soutien.
Conseil des Arts du Canada
Conseil des arts de l’Ontario
Conseil des arts de Toronto
Gouvernement du Canada
Gouvernement de l'Ontario
Les prestations de Gustavo Gimeno bénéficient du soutien de Susan Brenninkmeyer, en mémoire de Hans Brenninkmeyer.
Nous remercions tous nos mécènes, bienfaiteurs et bienfaitrices, y compris le Cercle du directeur musical, les mécènes du Club Maestro, les entreprises et fondations partenaires, ainsi que les nombreux particuliers dont le généreux soutien est une source capitale de financement pour notre travail.
Nous reconnaissons que la ville de Toronto, notre domicile depuis un siècle, se trouve sur le territoire traditionnel de nombreuses Nations, y compris les Nations Mississauga de la rivière Credit, Anishnaabe, Chippewa, Haudenosaunee et Wendat, et que le territoire sur lequel nous avons été invités dans un esprit de paix, d’amitié et de respect mutuel est lié par une entente de partage « du plat à une cuillère ». À l'occasion des célébrations du centenaire de notre institution à vocation communautaire et éducative, nous sommes reconnaissants de vivre et de faire de la musique sur ce territoire.
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La voiture officielle de l'Orchestre du CNA
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Partenaire officiel
