Storgårds & Bruckner

Premier chef invité de l’Orchestre philharmonique de la BBC et de l’Orchestre du Centre national des Arts, John Storgårds mène de front une carrière de chef d’orchestre et de violoniste virtuose, et est renommé pour ses programmes innovants. Il assure également depuis 25 ans la direction artistique de l’Orchestre de chambre de Laponie (OCL), renommé partout dans le monde pour ses prestations audacieuses et ses enregistrements primés.

Sur la scène internationale, Storgårds se produit régulièrement avec l’Orchestre du Gewanhaus de Leipzig, les orchestres philharmoniques de Munich et de Radio France, la Staatskapelle de Dresde, l’Orchestre symphonique de la WDR de Cologne, le London Philharmonic, l’Orchestre symphonique de la radio de Vienne de même que les principaux orchestres scandinaves, y compris l’Orchestre philharmonique d’Helsinki, dont il a été chef attitré de 2008 à 2015. En Amérique du Nord, il est fréquemment invité des orchestres symphoniques de Boston et Chicago, des orchestres de Toronto, Montréal, Saint-Louis, Cincinnati, Detroit et Dallas, du National Symphony de Washington DC ainsi que de l’Orchestre de Cleveland et du New York Philharmonic.

La discographie primée du maestro comporte des enregistrements d’œuvres de Schumann, Mozart, Beethoven et Haydn, mais aussi des raretés de Holmboe et Vask, où on peut l’entendre comme soliste au violon. Avec le BBC Philharmonic, il a gravé sous étiquette Chandos l’intégrale des symphonies de Nielsen (2015) et de Sibelius (2014). Parmi ses enregistrements les plus récents, on trouve celui, encensé par la critique, de la Dixième symphonie de Mahler avec l’Orchestre de chambre de Laponie, paru chez BIS, une symphonie achevée et arrangée pour cet ensemble par Michelle Castelletti. Il y a également l’enregistrement de la Symphonie no 11, « L’année 1905 », de Shostakovich avec l’Orchestre philharmonique de la BBC, qui fait partie d’une collection de symphonies du compositeur enregistrées chez Chandos. Parmi d’autres enregistrements, signalons divers albums d’œuvres de Nørgård, George Antheil, Korngold, Aho et Rautavaara (cité pour un GRAMMY et lauréat du prix Gramophone en 2012).

Lauréat de la médaille d’argent et du prix Krystian Zimerman lors du Concours International de Piano Frédéric-Chopin à Varsovie en 2015, le pianiste Charles Richard-Hamelin se démarque aujourd’hui comme l’un des plus importants de sa génération. Il s’est aussi fait remarquer à l’échelle internationale en 2014 en recevant le deuxième prix au Concours Musical International de Montréal ainsi que le troisième prix au Seoul International Music Competition. Charles Richard-Hamelin a été récipiendaire de l’Ordre des Arts et des Lettres du Québec et du prestigieux Career Development Award offert par le Women’s Musical Club of Toronto.

Il a été l’invité de plusieurs grands festivals tels La Roque d’Anthéron en France, le Festival du Printemps de Prague, le Festival Chopin et son Europe à Varsovie et le Festival George Enescu à Bucarest. En tant que soliste, il a pu se faire entendre avec une cinquantaine d’ensembles dont les principaux orchestres symphoniques canadiens (Montréal, Toronto, CNA, Métropolitain, Québec, Vancouver, Edmonton, Calgary...) ainsi qu’avec l’Orchestre Philharmonique de Varsovie, le Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra, l’Orchestre Symphonique de Singapour, le Korean Symphony Orchestra, l’OFUNAM (Mexique), les Violons du Roy et I Musici de Montréal. Il a collaboré avec des chefs de grande renommée comme Kent Nagano, Rafael Payare, Bernard Labadie, Antoni Wit, Vasily Petrenko, Jacek Kaspszyk, Aziz Shokhakimov, Peter Oundjian, Jacques Lacombe, Fabien Gabel, Carlo Rizzi, Alexander Prior, Giancarlo Guerrero, Christoph Campestrini, Lan Shui et Jean-Marie Zeitouni. Charles Richard-Hamelin est également actif comme chambriste au Canada et à l’étranger. À ce titre, il s’est produit en concert avec, entre autres, Andrew Wan, James Ehnes, Marie-Nicole Lemieux, Myriam Leblanc, le Quatuor Dover, le Nouveau Quatuor Orford, le Quatuor Apollon Musagète et le Quatuor Meccore. Diplômé de l’Université McGill, de la Yale School of Music et du Conservatoire de Musique de Montréal, il a étudié auprès de Paul Surdulescu, Sara Laimon, Boris Berman, André Laplante et Jean Saulnier. Il a été également pianiste au sein du Trio Hochelaga entre 2013 et 2015.

Récipiendaire de plusieurs Prix Opus et Prix Félix, Charles Richard-Hamelin enregistre depuis 2015 exclusivement sous l’étiquette Analekta. Sa discographie comprend plusieurs disques en solo, une intégrale des dix sonates pour violon et piano de Beethoven avec Andrew Wan et deux projets avec orchestre (concertos de Chopin avec l’OSM – Nagano et concertos de Mozart nos 22 et 24 avec Les Violons du Roy – Cohen). Ses albums ont reçu de nombreuses critiques élogieuses ici (Le Devoir, La Presse, The WholeNote) comme à l’international (Gramophone, Diapason, Télérama, BBC Music Magazine, Crescendo).

(Née en 1985)

Outi Tarkiainen est née à Rovaniemi en Laponie finlandaise, un lieu qui s’est révélé une source inépuisable d’inspiration pour elle. Outi a longtemps été attirée par la force expressive de la voix humaine, mais a aussi écrit, outre des œuvres pour voix, des œuvres pour chambre, pour instruments solos et pour orchestre et soliste. « Je vois la musique comme une force de la nature qui peut imprégner une personne et même changer des destinées entières. »

Elle a reçu des commandes d’orchestres comme l’Orchestre symphonique de San Francisco, l’Orchestre symphonique de la BBC, l’Orchestre philharmonique de la BBC, le Royal Stockholm Philharmonic et l’Orchestre symphonique de la radio finlandaise. Sa musique a d’ailleurs été interprétée par les Orchestres de Saint-Louis, Detroit, Houston et bien d’autres. Ses premières œuvres avec des orchestres de jazz ont donné naissance à Into the Woodland Silence (2013), qui combine le mysticisme naturel de la compositrice aux textures singulières typiques des formations orchestrales de jazz. Parmi les œuvres notoires d’Outi figurent un cycle de mélodies d’orchestre comportant des textes de poètes sámi The Earth, Spring’s Daughter (2015), le concerto pour saxophone Saivo (2016, sélectionné pour le prix musical du conseil nordique) et Midnight Sun Variations, qui a été présenté pour la toute première fois aux BBC Proms en 2019 (sélectionné pour le prix de composition musicale de la Fondation Prince Pierre de Monaco). Son premier opéra intégral, A Room of One’s Own (2021), est une commande du Théâtre Hagen en Allemagne – qui en a également assuré la première représentation.

Outi a étudié la composition à la Sibelius Academy d’Helsinki, à l’École Guildhall de Londres et à l’Université de Miami. Elle a été compositrice résidente du Festival de Musique Classique d’Uzerche en France et cometteure en scène artistique du Silence Festival en Laponie.

Rédigé par Andrew Mellor

Wolfgang Amadeus Mozart

(1756–1791)

Nous devons au compositeur autrichien Wolfgang Amadeus Mozart une abondante production dans pratiquement tous les genres musicaux de son temps. Il a écrit des opéras, des concertos, des symphonies (et d’autres types de pièces instrumentales), des quatuors à cordes et autres œuvres pour ensembles de chambre constitués de différentes combinaisons d’instruments, de la musique vocale sacrée et profane, de la musique de danse, et des pièces solistes pour instruments à clavier. Bon nombre de ses œuvres les plus importantes sont encore fréquemment jouées, de nos jours, dans les salles d’opéra et de concert. La beauté des mélodies, l’élégance de l’architecture et de la forme, et la richesse des textures et des harmonies, combinées à une approche du discours fortement influencée par l’opéra italien, caractérisent son style de maturité.

Mozart naît à Salzbourg le 27 janvier 1756. Son père, Leopold, violoniste et compositeur, reconnaît très tôt les talents musicaux de son fils, et se consacre dès lors à son éducation (de même qu’à celle de Nannerl, la sœur de Wolfgang), dans laquelle la musique occupe une grande place. Au cours des dix années suivantes, Leopold emmène ses deux enfants dans de longues tournées à travers l’Europe, au cours desquelles le jeune Mozart se produit (y compris dans ses propres compositions) au clavecin et au violon, tant dans les riches demeures de l’aristocratie qu’à la faveur de concerts publics. Après avoir assumé pendant trois ans le rôle de konzertmeister (violon solo) « honoraire » à la cour de Salzbourg, Mozart acquiert le statut d’employé rémunéré en 1772. À ce poste, il remplit d’abord ses fonctions avec ardeur, produisant de la musique aussi bien pour l’église que pour la cour; avec le temps, toutefois, son enthousiasme pour ce dernier rôle s’effrite en raison des contraintes que lui impose son employeur, l’archevêque Hieronymus Colloredo, en limitant l’exécution de pièces instrumentales. Sans se laisser démonter, Mozart n’en continue pas moins de composer de la musique profane, instrumentale et vocale, pour différents mécènes. En 1777, il demande à Colloredo de le relever de ses fonctions, mais ce dernier le met plutôt à pied. Il reviendra néanmoins en 1779 comme organiste de la cour, après avoir tenté en vain de décrocher un poste ailleurs.

En juin 1781, alors qu’il se trouve à Vienne à la demande de Colloredo, Mozart voit finalement exaucé son vœu d’être libéré du service de l’archevêque. Il amorce dans la capitale autrichienne une carrière de professeur, claviériste et compositeur indépendant. En août 1782, il épouse Constanze Weber; le couple aura six enfants, dont quatre mourront toutefois en bas âge. De 1784 à 1788, il vit la période la plus féconde et fructueuse de son existence, alors qu’il dirige lui-même des concerts, devient un claviériste très recherché pour les concerts publics et privés, et crée quelques-unes de ses œuvres les plus remarquables (dont douze concertos pour piano, six quatuors à cordes dédiés à Haydn, les opéras Le nozze di Figaro et Don Giovanni, et ses trois dernières symphonies). Sa musique est alors largement diffusée et jouée. En dépit de ces succès, Mozart connaîtra toutefois, par la suite, de graves difficultés financières, dues en partie au coût du maintien de son statut social dans la société viennoise. Dans les dernières années de sa courte existence, il achèvera, entre autres, son Quintette avec clarinette et ses opéras Die Zauberflöte et La clemenza di Tito. Mozart travaille à l’écriture d’un Requiem qui lui a été secrètement commandé par le comte Walsegg-Stuppach quand il succombe à la maladie, à Vienne, le 5 décembre 1791, laissant cet ultime chef-d’œuvre inachevé.

par Hannah Chan-Hartley (traduit de l’anglais)

Anton Bruckner

(1824–1896)

Le musicien autrichien Anton Bruckner était un compositeur, enseignant et organiste virtuose mondialement connu. Son répertoire de composition est très vaste : des œuvres pour orgue, piano et ensemble de chambre (y compris pour quintettes à cordes), mais aussi des œuvres importantes pour voix et instruments, des œuvres chorales autant sacrées que profanes et neuf symphonies qui, avec ses œuvres sacrées, sont ses créations les plus connues aujourd’hui. Ses symphonies renferment les traditions formelles de l’ère classique à la Ludwig van Beethoven et Franz Schubert, tout en penchant pour l’innovation et pour les techniques d’harmonie et d’orchestration de Richard Wagner, l’une de ses idoles. Sa musique tout entière est également façonnée par la ferveur de sa foi catholique.

Né à Ansfelden, près de Linz, le 4 septembre 1824, Bruckner participe aux activités musicales de son village dès son plus jeune âge. Ses parents l’envoient chez son cousin Johann Baptist Weiss pour étudier le violon, le piano et la composition. Après la mort de son père en 1837, il devient choriste dans l’abbaye augustinienne de Saint-Florian. Pendant trois ans, en plus du chant et de son enseignement formel, il étudie le violon et l’orgue et joue du piano lors des concerts de chambre de l’abbaye. À partir de 1841, il enseigne dans différents villages. En 1845, il revient à Saint-Florian, où il reste pendant une décennie en tant que maître d’école assistant et enseignant de chant. En 1850, il devient provisoirement l’organiste du monastère. Malgré cette vie bien occupée, il trouve le temps de composer. À cette époque, il crée surtout des œuvres chorales et des cantates profanes.

En 1855, Bruckner devient l’organiste Dom-und-Stadtpfarrkirchen à Linz; il se lance également avec une assiduité étonnante dans une étude rigoureuse des harmonies et des contrepoints auprès du théoricien viennois Simon Sechter, jusqu’en 1861. Pendant toute cette période, il s’abstient de composer. De 1861 à 1863, il étudie la forme et l’orchestration avec Otto Kitzler, qui lui fait découvrir les drames musicaux de Wagner. Il termine par la suite plusieurs de ses œuvres importantes, dont la Symphonie no 1, qu’il achève en 1866.

Bruckner s’installe à Vienne en 1868 pour enseigner au conservatoire de la ville, où il restera jusqu’à sa retraite en 1891. Il a également travaillé comme organiste à la Hofkapelle et a acquis une réputation internationale en tant que virtuose, faisant des tournées de Nancy à Paris en 1869, puis à Londres en 1871. En tant que compositeur, il se concentre sur l’écriture de symphonies et termine les numéros 2 à 5 entre 1871 et 1876. La première de sa Symphonie no 3 (dédiée à Wagner) est un désastre : contrecoup d’un débat politico-musical du côté du public et des établissements viennois conservateurs qui qualifient son œuvre de « décadente » du fait de son influence wagnérienne. Bruckner entreprend alors de réviser ses partitions. Toutefois, vers le milieu des années 1880, Bruckner trouve du soutien pour sa création du côté des jeunes compositeurs et musiciens issus des groupes comme du côté du Cercle viennois Richard Wagner, dont Gustav Mahler fait partie. Les représentations de sa Symphonie no 7, mais également de sa Symphonie no 3 (dont celle au Metropolitan Opera de New York) assoient sa réputation de compositeur. Souffrant d’une santé précaire vers la fin de sa vie, Bruckner s’éteint le 11 octobre 1896, alors qu’il travaillait sur la finale de sa Symphonie no 9.

Rédigé par Hannah Chan-Hartley