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  Avec Orchestre du CNA

  

  Avec Orchestre du CNA

  Since its debut in 1969, the National Arts Centre (NAC) Orchestra has been praised for the passion and clarity of its performances, its visionary educational programs, and its prominent role in nurturing Canadian creativity. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, reaching and representing the diverse communities we live in with daring programming, powerful storytelling, inspiring artistry, and innovative partnerships.

  Alexander Shelley began his tenure as Music Director in 2015, following Pinchas Zukerman’s 16 seasons at the helm. Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra, and former Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra (2009–2017), he has been in demand around the world, conducting the Rotterdam Philharmonic, DSO Berlin, Leipzig Gewandhaus, and Stockholm Philharmonic, among others, and maintains a regular relationship with the Deutsche Kammerphilharmonie and the German National Youth Orchestra.

  Each season, the NAC Orchestra features world-class artists such as the newly appointed Artist-in-Residence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki, and Principal Guest Conductor John Storgårds. As one of the most accessible, inclusive, and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.

  Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.

  Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.

  Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.

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  Chef d'orchestre Daniel Bartholomew-Poyser

  

  Chef d'orchestre Daniel Bartholomew-Poyser

  A passionate communicator, Daniel Bartholomew-Poyser brings clarity and meaning to the concert hall, fostering deep connections between audiences and performers. He is concurrently the Principal Youth Conductor and Creative Partner of the National Arts Centre Orchestra, the Principal Education Conductor and Community Ambassador of the Toronto Symphony Orchestra, Artist in Residence and Community Ambassador of Symphony Nova Scotia, and Resident Conductor of Engagement and Education of the San Francisco Symphony. 

  Daniel served as Assistant Conductor of the Kitchener-Waterloo Symphony and Associate Conductor of the Thunder Bay Symphony Orchestra. He has performed with the Vancouver Symphony Orchestra, Edmonton Symphony Orchestra, Calgary Philharmonic Orchestra, and was Cover Conductor with the Washington National Opera in 2020. 

  Daniel is the host of Canadian Broadcasting Company’s (CBC’s) nationally broadcast weekly radio show Centrestage. 

  He was also the subject of an award-winning, full-length CBC documentary called Disruptor Conductor, focussing on his concerts for neurodiverse, prison, African diaspora, and LGBTQ2S+ populations. 

  Daniel earned his Bachelor degrees in Music Performance and Education from the University of Calgary, and his Master of Philosophy in Performance from the Royal Northern College of Music in Manchester, England.

  Communicateur passionné, Daniel Bartholomew-Poyser apporte clarté et sens à la salle de concert, tissant des liens profonds entre le public et les interprètes. Il œuvre actuellement comme premier chef des concerts jeunesse et partenaire de création de l'Orchestre du Centre national des Arts, premier chef des concerts éducatifs et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, artiste en résidence et ambassadeur communautaire de l’ensemble Symphony Nova Scotia, et chef résident des concerts éducatifs et de rayonnement de l’Orchestre symphonique de San Francisco. 

  Il a œuvré comme chef d’orchestre adjoint de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo et chef d’orchestre associé de l’Orchestre symphonique de Thunder Bay. Il s’est produit avec l’Orchestre symphonique de Vancouver, l’Orchestre symphonique d’Edmonton, l’Orchestre philharmonique de Calgary, et a été chef d’orchestre substitut avec le Washington National Opera en 2020. 

  Il anime l’émission de radio hebdomadaire Centrestage de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC), diffusée à l’échelle nationale. 

  Il a également fait l’objet d’un documentaire primé de la CBC intitulé Disruptor Conductor, portant sur ses concerts destinés aux populations neuroatypiques, aux détenus, à la diaspora africaine et aux membres des communautés 2SLGBTQ+. 

  Détenteur de baccalauréats en Musique (interprétation) et en Éducation de l’Université de Calgary, il a obtenu sa maîtrise en Philosophie (interprétation musicale) du Royal Northern College of Music de Manchester, en Angleterre.  

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  Baryton-basse Joel Allison

  

  Baryton-basse Joel Allison

  The young Canadian Bass-Baritone Joel Allison has been praised for his “ beautiful, rich, ringing tone….exceptionally promising.” (Musical Toronto). He has performed throughout Canada with leading ensembles including the National Arts Centre Orchestra, Saskatoon Opera, Saskatoon Symphony, National Academy Orchestra, Theatre of Early Music, Talisker Players and Tafelmusik Baroque Orchestra and Chamber Choir.

  Joel’s operatic roles include “Basilio” in Il Barbiere di Siviglia with Saskatoon Opera; “Prince Gremin” in Eugene Onegin with Opera Muskoka; “Antonio” in Le Nozze di Figaro with Boris Brott Music Festival;  and the title role in Imeneo by Handel with UofT Opera.

  Joel holds a BMus. in vocal performance from the University of Ottawa and is currently pursuing a Master’s in Opera Performance at the University of Toronto under the tutelage of Daniel Taylor. He was the winner of the 2016/17 Jim and Charlotte Norcop prize in Art Song.

  Le jeune baryton-basse canadien Joel Allison a été salué pour sa « merveilleuse voix d’une richesse exceptionnelle » (Musical Toronto). Il s’est exécuté aux quatre coins du pays avec des ensembles de renommée tels que l’Orchestre du Centre national des Arts, le Saskatoon Opera, l’Orchestre symphonique de Saskatoon, l’Orchestre académique national, le Theatre of Early Music, les Talisker Players, ainsi que l’Orchestre baroque et le chœur de musique de chambre Tafelmusik.

  Parmi les rôles d’opéra que Joel a joués, notons Bazile dans Le Barbier de Séville avec le Saskatoon Opera; prince Grémine dans Eugène Onéguin avec l’Opera Muskoka; Antonio dans Le Mariage de Figaro dans le cadre du Brott Music Festival; et le rôle-titre d’Imeneo de Haendel avec l’Opéra de l’Université de Toronto.

  Joel est titulaire d’un baccalauréat en musique, volet chant, de l’Université d’Ottawa et est en voie d’obtenir une maîtrise en interprétation opéra de l’Université de Toronto, sous la tutelle de Daniel Taylor. Il a remporté le prix Jim and Charlotte Norcop 2016-2017 en musique lyrique.

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  Compositrice Errollyn Wallen

  

  Compositrice Errollyn Wallen

  Errollyn Wallen (Born in 1958)

  Errollyn Wallen—"renaissance woman of contemporary British music" (The Observer)—is as respected as a singer-songwriter of pop-influenced songs as she is a composer of contemporary new music. The motto of Errollyn’s Ensemble X, “we don’t break down barriers in music… we don’t see any”, reflects her genuine, free-spirited approach. Commissions have ranged from the BBC to the Royal Opera House, for BBC’s The Last Night of the Proms (2020), the London Symphony Orchestra, Leipzig Ballet, and, most recently, the pop band, Clean Bandit. Her new EP Peace on Earth has just been released by the Choir of King’s College, Cambridge. Errollyn has won numerous awards for her music including the Ivor Novello Award for Classical Music. In 2007 she was awarded an MBE and in 2020 awarded a CBE, both for services to music.

  Errollyn Wallen (née en 1958)

  Errolyn Wallen – « esprit universel de la musique britannique actuelle » (The Observer) – est reconnue comme auteure-compositrice-interprète d’influence pop et compositrice de musique nouvelle. « Nous ne transcendons par les frontières musicales… nous n’en voyons aucune » est la devise de la formation de Wallen, Ensemble X, et reflète bien son approche authentique et libre d’esprit. La BBC (notamment pour The Last Night of the Proms 2020), le Royal Opera House, le London Symphony Orchestra, le Ballet de Leipzig et tout récemment le groupe pop Clean Bandit lui ont commandé des œuvres. Son plus récent microalbum, Peace on Earth, enregistré par le Chœur du King’s College de Cambridge, vient de paraître. Wallen a obtenu de nombreuses distinctions pour ses compositions, y compris le prix Ivor Novello en musique classique; membre de l’Ordre de l’Empire britannique depuis 2007, elle en a été faite commandeur en 2020 pour son apport à la musique.  

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  Compositrice Julia Perry

  

  Compositrice Julia Perry

  Julia Perry (1924–1979)

  Julia Amanda Perry was an American composer, conductor, and teacher. She achieved acclaim for works that blended 20th-century European techniques with the music idioms of her Black American heritage. Her compositions include three operas, 14 choral works, 12 symphonies, many vocal works, and several chamber works for eclectic instrumental combinations.

  Born in Lexington, Kentucky on March 25, 1924, Perry grew up in Akron, Ohio, playing violin and piano. She went on to study piano, voice, and composition at Westminster Choir College, where she earned her bachelor and master of music degrees, and received conducting training at The Juilliard School. Her works from this period are mostly songs and choral music, which are heavily influenced by spirituals. Some short pieces incorporate aspects of the blues.

  Perry also spent summers at the Berkshire Music Center in Tanglewood, Massachusetts, where in 1951, she studied composition with Luigi Dallapiccola. The following year, she received a Guggenheim fellowship to continue studies with him in Florence, Italy; another Guggenheim fellowship in 1954 enabled her to study with Nadia Boulanger in Paris, France. While in Europe, Perry developed an abstract style of which dissonant harmonies, shifting rhythms, and contrapuntal textures are prominent characteristics. She also became active as a conductor.

  In 1959, Perry returned to the United States. During the 1960s, her works were performed by the New York Philharmonic and other major orchestras to critical acclaim. She received numerous awards and accolades, including a National Institute of Arts and Letters Award in 1964. In response to the civil rights struggles of the 1960s, Perry sought to reference Black American musical idioms more explicitly in her compositions. Works like A Suite Symphony (1976), for example, draw on rock and roll and rhythm and blues.

  In 1971, Perry suffered the first of several strokes that left her paralyzed on the right side. Undaunted, she taught herself how to write with her left hand. She continued composing until her death, at age 55, on April 24, 1979, in Akron, Ohio.

  Julia Perry (1924–1979)

  Julia Amanda Perry était une compositrice, chef d’orchestre et enseignante américaine. Elle a été acclamée pour ses œuvres qui combinaient les techniques européennes du XXe siècle aux idiomes musicaux de son héritage noir américain. Parmi ses compositions, notons trois opéras, 14 œuvres chorales, 12 symphonies, de nombreuses œuvres vocales et plusieurs œuvres de musique de chambre pour des combinaisons instrumentales éclectiques.

  Née à Lexington, au Kentucky, le 25 mars 1924, Mme Perry a grandi à Akron, en Ohio, où elle jouait du violon et du piano. Elle a ensuite étudié le piano, le chant et la composition au Westminster Choir College, où elle a obtenu son baccalauréat et sa maîtrise en musique, et a reçu une formation de chef d’orchestre à l’école Juilliard. Ses œuvres de cette période sont principalement des chansons et de la musique chorale, fortement influencées par les spirituals. Certaines pièces courtes incorporent des aspects du blues.

  Perry a également passé des étés au Berkshire Music Center à Tanglewood, au Massachusetts, où elle a étudié la composition avec Luigi Dallapiccola en 1951. L’année suivante, elle reçoit une bourse Guggenheim pour poursuivre ses études avec lui à Florence, en Italie; une autre bourse Guggenheim en 1954 lui permet d’étudier avec Nadia Boulanger à Paris, en France. Pendant son séjour en Europe, Perry a développé un style abstrait dont les harmonies dissonantes, les rythmes changeants et les textures contrapuntiques sont les principales caractéristiques. C’est également à ce moment qu’elle lance sa carrière de chef d’orchestre.

  En 1959, Perry retourne aux États-Unis. Au cours des années 1960, ses œuvres sont interprétées par l’Orchestre philharmonique de New York et d’autres grands orchestres et sont saluées par la critique. Elle reçoit de nombreux prix et distinctions, dont un prix du National Institute of Arts and Letters en 1964. En réponse aux luttes pour les droits civiques des années 1960, Perry a cherché à faire référence aux idiomes musicaux noirs américains de manière plus explicite dans ses compositions. Des œuvres comme A Suite Symphony (1976), par exemple, s’inspirent du rock and roll et du rhythm and blues.

  En 1971, Perry a subi la première de plusieurs attaques cérébrales qui l’ont paralysée du côté droit. Imperturbable, elle apprend à écrire de la main gauche. Elle a continué à composer jusqu’à sa mort, à l’âge de 55 ans, le 24 avril 1979, à Akron, en Ohio.

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  Composeur Ralph Vaughan Williams

  

  Composeur Ralph Vaughan Williams

  Ralph Vaughan Williams (1872–1958)

  Arguably the most important English composer of his generation, Ralph Vaughan Williams was a key figure in 20th-century British music. He wrote music encompassing a huge range of genres, from works for stage, orchestra, band, choir, and chamber ensembles, to folk song arrangements, hymn tunes, carols, and songs, to scores for theatre, films, and radio. His works are characterized by a distinctive and emotionally powerful style that combines a reinvention and extension (rather than rejection) of developments in form and harmony in 19th century European art music with melodic writing shaped by the English folksong idiom. Beyond composition, he took on many roles during his life and career, including as conductor, teacher, and writer—fields in which his presence was deeply influential.

  Born in Down Ampney, Gloucestershire on October 12, 1872, Vaughan Williams learned to play violin (later switching to viola), piano, and organ from a young age. He went on to study music at the Royal College of Music (RCM) and at Trinity College, Cambridge, including composition with Hubert Parry, Charles Wood, and Charles Villiers Stanford, as well as with Max Bruch in Berlin (1897), and with Maurice Ravel in Paris (1908). He had long desired to be a composer but his progress was slow and arduous, inhibited, not least, by unsupportive mentors and teachers. Eventually, he found his personal voice, emerging fully in what became one of his masterpieces: Fantasia on a Theme by Thomas Tallis (1910) for double string orchestra. By this point, he was also a leading activist in the collection of English folksong, and had established the Leith Hill Musical Festival, where he was principal conductor from 1905 to 1953.

  After serving in WWI, Vaughan Williams’s musical career resumed, and during the interwar years, he rose to prominence as a teacher (he joined the RCM’s staff), and was in demand as a composer-conductor. His compositions from this period also reflected a renewed vigour in their quality and sheer variety, with simple songs completed alongside important large-scale works for the stage and symphonies for orchestra. Alongside this work, his activities as educator, music activist, and arts administrator also continued, through WWII and afterwards. He died in London on August 26, 1958, revered and beloved by English music-lovers.

  Ralph Vaughan Williams (1872–1958)

  Probablement le plus important compositeur anglais de sa génération, Ralph Vaughan Williams est une figure majeure de la musique britannique du XXe siècle. Il a écrit des œuvres dans un grand nombre de genres musicaux, de la musique de scène aux compositions pour orchestre,   pour fanfare, pour chœur et pour ensembles de chambre, sans compter les arrangements d’airs folkloriques, les hymnes, les chants de Noël, les chansons, et les musiques pour le théâtre, le cinéma et la radio. Ses œuvres se caractérisent par un style distinctif et chargé d’émotion, associant une réinvention et un élargissement (plutôt qu’un rejet) des développements de la forme et de l’harmonie qui ont marqué la grande musique européenne du XIXe siècle avec un sens de la mélodie façonné par l’idiome folklorique anglais. En dehors de la composition, il a endossé de nombreux rôles au cours de sa vie et de sa carrière, dont ceux de chef d’orchestre, professeur et écrivain – autant de domaines dans lesquels il a exercé une profonde influence.

  Né à Down Ampney, dans le Gloucestershire, le 12 octobre 1872, Vaughan Williams apprend à jouer du violon (il passera plus tard à l’alto), du piano et de l’orgue à un âge précoce. Il poursuit ensuite ses études musicales au Royal College of Music (RCM) et au Trinity College de Cambridge, étudiant la composition sous la houlette d’Hubert Parry, Charles Wood et Charles Villiers Stanford, de même qu’auprès de Max Bruch à Berlin (1897) et de Maurice Ravel à Paris (1908). Depuis longtemps, son plus cher désir est d’être compositeur, mais ses progrès sont lents et ardus : il est inhibé, rien de moins, par des mentors et des professeurs qui n’encouragent pas du tout ses efforts. Il finira quand même par trouver une voix personnelle, qui s’épanouira pleinement dans ce qui deviendra l’un de ses chefs-d’œuvre : la Fantaisie sur un thème de Thomas Tallis (1910) pour orchestre à cordes. À ce stade, il se consacre aussi avec ferveur à la collection d’airs folkloriques anglais, et il fonde le Leith Hill Musical Festival, dont il sera le principal chef d’orchestre de 1905 à 1953.

  Après avoir combattu dans la Première Guerre mondiale, Vaughan Williams reprend sa carrière musicale, et dans l’entre-deux-guerres, il devient un professeur réputé (il se joint au corps professoral du RCM) et est de plus en plus demandé comme compositeur et chef d’orchestre. Ses compositions de cette période témoignent aussi d’une vigueur renouvelée qui se manifeste dans leur qualité et leur diversité pure, avec de simples chansons écrites parallèlement à des œuvres d’envergure pour la scène et d’importantes symphonies pour orchestre. En même temps, il poursuit ses activités d’éducateur, de champion de la musique et d’administrateur des arts, y compris pendant la Seconde Guerre mondiale et au-delà. Il décède à Londres le 26 août 1958, vénéré et adoré de tous les mélomanes anglais.

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  Compositeur Dinuk Wijeratne

  

  Compositeur Dinuk Wijeratne

  Sri Lankan-born Dinuk Wijeratne is a JUNO, ECMA and SOCAN award-winning composer/conductor/pianist described as “exuberantly creative” (New York Times) and as “an artist who reflects a positive vision of our cultural future” (Toronto Star).  He is a lively disrupter who crosses traditionally held musical boundaries, equally at home with symphony orchestras and string quartets, Tabla players and DJs.  He has worked in international venues as poles apart as the Berlin Philharmonie and Amsterdam’s North Sea Jazz Festival.

  Dinuk has twice performed in Carnegie Hall with Yo-Yo Ma and the Silk Road Ensemble and alongside tabla legend Zakir Hussain. Dinuk has also appeared at the Kennedy Center for the Performing Arts, Opera Bastille, The Lincoln Center, Teatro Colón, and in venues in Sri Lanka, Japan, and the Middle East. He was featured as a main character in What Would Beethoven Do? – the documentary about innovation in classical music featuring Eric Whitacre, Bobby McFerrin, and Ben Zander. Dinuk has composed specially for almost all of the artists and ensembles with whom he has performed, to name a few: Suzie LeBlanc, Kinan Azmeh, David Jalbert, Sandeep Das, Ramesh Misra, Ed Hanley, Eric Vloeimans, Buck 65, the Gryphon Trio, the Apollo Saxophone Quartet, the Afiara and Cecilia String Quartets, and the symphony orchestras of Toronto, Vancouver, Calgary, Winnipeg, Nova Scotia, Buffalo, and KwaZulu Natal (South Africa).

  Dinuk grew up in Dubai and then studied  composition at the Royal Northern College of Music (U.K.). He  subsequently joined the Juilliard studio of Oscar-winner composer John Corigliano. Conducting studies followed at Mannes College under David Hayes,  and doctoral studies with composer Christos Hatzis at the University of Toronto.

  He is the recipient of the Canada Council Jean-Marie Beaudet award for orchestral conducting; the NS Established Artist Award; NS Masterworks nominations for his Tabla Concerto and piano trio Love Triangle; double Merritt Award nominations; Juilliard, Mannes & Countess of Munster scholarships; the Sema Jazz Improvisation Prize; the Soroptimist International Award for Composer-Conductors; and the Sir John Manduell Prize – the RNCM’s highest student honor. His music and collaborative work embrace the great diversity of his international background and influences.

  Dinuk Wijeratne (né en 1978), Canadien d’origine srilankaise, est un chef d’orchestre et pianiste primé, lauréat d’un prix JUNO, « créateur exubérant » (New York Times) et « artiste préfigurant notre avenir culturel » (Toronto Star). Transcendant les frontières dans ses projets collaboratifs, il est aussi à l’aise avec les orchestres symphoniques et les quatuors à cordes qu’avec les joueurs de tabla et les DJ; sur la scène internationale, on a pu le voir dans des cadres aussi différents que la scène de l’Orchestre philharmonique de Berlin et le Festival de jazz de la mer du Nord.

  Wijeratne s’est produit à Carnegie Hall, au Kennedy Center (Washington DC), à l’Opéra Bastille (Paris), au Lincoln Center (New York), au Teatro Colón (Buenos Aires), mais aussi au Sri Lanka, au Japon et partout au Moyen-Orient. Il a tenu la vedette dans What Would Beethoven Do?, un documentaire traitant de l’innovation en musique classique, aux côtés d’Eric Whitacre, Bobby McFerrin et Benjamin Zander. Il a composé pour presque tous les artistes et ensembles avec lesquels il a partagé la scène, notamment Yo-Yo Ma & the Silk Road Ensemble, Suzie LeBlanc, Kinan Azmeh, James Ehnes, Joseph Petric, David Jalbert, Zakir Hussain, Sandeep Das, Tim Garland, Ed Thigpen, Ramesh Misra, Eric Vloeimans, le trio Gryphon, TorQ Percussion, les quatuors à cordes Afiara, Danel et Cecilia, l’Orchestre philharmonique de KwaZulu-Natal (Afrique du Sud), et les orchestres symphoniques de l’Illinois, de Toronto, Vancouver, Calgary, Halifax, Winnipeg, Fresno et Buffalo.

  Titulaire d’un doctorat de l’Université de Toronto, Wijeratne a également étudié à l’École Juilliard, au Collège Mannes (É.-U.) et au Royal Northern College of Music (R.-U.). Sa musique et ses projets collaboratifs sont le reflet de la diversité de ses influences et origines internationales.  

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