Ehnes et la Cinquième de Beethoven
avec l’Orchestre du CNA
Vous aimez nos spectacles? Faites un don déductible du revenu imposable! Faire un don
- l'Orchestre du CNA
18 sep - 9 oct 2021 90 minutes sans entracte.
La glorieuse Symphonie no 5 de Beethoven est une œuvre pénétrante, qui inspire et enchante toujours, plus de deux siècles après sa première représentation en 1808.
L’artiste en résidence de l’Orchestre du CNA James Ehnes fait son retour à la Salle Southam pour interpréter l’entraînante Introduction et Rondo capriccioso en la mineur, de Camille Saint-Saëns. Cette œuvre a été commandée de façon audacieuse par le violoniste prodige Pablo de Sarasate à l’âge de 15 ans. James Ehnes plongera ensuite dans la délicate Nocturne de Lili Boulanger, composée initialement pour le violon et le piano, et dont les arrangements ont été réalisés spécialement pour cette prestation par l’incomparable Sarah Slean.
Suivra Strum, l’œuvre de Jessie Montgomery pour orchestre à cordes débordante d’énergie et de vie. La composition s’inspire du folklore américain pour créer un récit nostalgique qui se transforme en célébration colorée. James Ehnes conclura le programme avec Zigeunerweisen, de Pablo de Sarasate, une composition qui est tour à tour mélodramatique et désinvolte.
Veuillez noter que l'heure de début du concert est à 18 h.
Cette diffusion en direct sera disponible sous la forme d'une vidéo à la demande avec billet, et les détenteurs de billets pourront la revoir jusqu'au 9 octobre 2021.
Artistes
-
Avec Orchestre du CNA
Since its debut in 1969, the National Arts Centre (NAC) Orchestra has been praised for the passion and clarity of its performances, its visionary educational programs, and its prominent role in nurturing Canadian creativity. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, reaching and representing the diverse communities we live in with daring programming, powerful storytelling, inspiring artistry, and innovative partnerships.
Alexander Shelley began his tenure as Music Director in 2015, following Pinchas Zukerman’s 16 seasons at the helm. Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra, and former Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra (2009–2017), he has been in demand around the world, conducting the Rotterdam Philharmonic, DSO Berlin, Leipzig Gewandhaus, and Stockholm Philharmonic, among others, and maintains a regular relationship with the Deutsche Kammerphilharmonie and the German National Youth Orchestra.
Each season, the NAC Orchestra features world-class artists such as the newly appointed Artist-in-Residence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki, and Principal Guest Conductor John Storgårds. As one of the most accessible, inclusive, and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
FermerMédias du CNA avec Orchestre du CNA
-
_cropped__square.jpg)
Chef d'orchestre Alexander Shelley
Alexander Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s NAC Orchestra in September 2015. The ensemble has since been praised as being “transformed... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen) and Shelley’s programming credited for turning the orchestra into “one of the more audacious in North America” (Maclean’s).
Shelley is a champion of Canadian creation; recent hallmarks include the multimedia projects Life Reflected and UNDISRUPTED,and three major new ballets in partnership with NAC Dance for Encount3rs. He is passionate about arts education and nurturing the next generation of musicians. He is an Ambassador for Ottawa’s OrKidstra, a charitable social development program that teaches children life skills through making music together.
Alexander Shelley is also the Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra and, starting with the 2024–2025 season, Artistic and Music Director of Artis-Naples and the Naples Philharmonic in Florida, USA. In the spring of 2019, he led the NAC Orchestra on its critically acclaimed 50th Anniversary European tour, and in 2017, he led the Orchestra in a tour across Canada, celebrating Canada’s 150th anniversary. Most recently, he led the Orchestra in its first performance at New York’s Carnegie Hall in 30 years.
He has made eight recordings with the NAC Orchestra, including the JUNO-nominated New Worlds, Life Reflected, ENCOUNT3RS, The Bounds of Our Dreams, and the acclaimed Clara, Robert, Johannes four-album series, all with Canadian label Analekta.
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc)
Alexander Shelley a reçu le titre de directeur musical de l’Orchestre du CNA en septembre 2015. Depuis, l’ensemble a été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen), et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord (magazine Maclean’s) pour sa programmation.
Champion de la création au Canada, Shelley a signé récemment le projet multimédia Réflexions sur la vie, INCONDITIONNEL et RENCONTR3S, une collaboration avec Danse CNA comportant trois nouveaux ballets d’envergure.
Shelley s’attache à cultiver les talents de la relève : il est notamment un ambassadeur d’OrKidstra, un programme de développement social qui, à travers la musique, aide les jeunes d’Ottawa à acquérir des compétences essentielles.
Alexander Shelley est également premier chef d’orchestre associé du Royal Philharmonic Orchestra de Londres, et, à partir de la saison 2024-2025, directeur artistique et musical d’Artis-Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride (États-Unis). Il a dirigé l’Orchestre du CNA au printemps 2019 à l’occasion d’une tournée européenne très applaudie soulignant le 50e anniversaire de l’ensemble et, en 2017, dans le cadre d’une tournée aux quatre coins du Canada pour célébrer le 150e anniversaire du pays. Plus récemment, l’Orchestre a donné, sous sa baguette, son premier concert en 30 ans au Carnegie Hall de New York.
Shelley a fait paraître huit enregistrements avec l’Orchestre du CNA, dont Nouveaux Mondes (finaliste aux prix JUNO), Réflexions sur la vie, RENCONTR3S, Aux frontières de nos rêves, ainsi que la série louangée par la critique de quatre albums Clara, Robert, Johannes, tous parus sous l'étiquette canadienne Analekta.
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
FermerMédias du CNA avec Alexander Shelley
-
_james_ehnes_nov_2012_(c)_b_ealovega_(1)_cropped__square.jpg)
Violon James Ehnes
FermerJames Ehnes has established himself as one of the most sought-after musicians on the international stage. Gifted with a rare combination of stunning virtuosity, serene lyricism, and an unfaltering musicality, Ehnes is a favourite guest at the world’s most celebrated concert halls.
Recent orchestral highlights include the MET Orchestra at Carnegie Hall, the Gewandhausorchester Leipzig, San Francisco Symphony, London Symphony Orchestra, NHK Symphony Orchestra, and the Munich Philharmonic. Throughout the 2023–2024 season, Ehnes continues as Artist in Residence with the NAC Orchestra and as Artistic Partner with Artis–Naples.
Alongside his concerto work, Ehnes maintains a busy recital schedule. He performs regularly at Wigmore Hall, Carnegie Hall, the Amsterdam Concertgebouw, Verbier Festival, and Festival de Pâques in Aix-en-Provence. A devoted chamber musician, he is the leader of the Ehnes Quartet and the Artistic Director of the Seattle Chamber Music Society.
Ehnes has an extensive discography and has won many awards for his recordings, including two Grammys, three Gramophone Awards, and 11 Juno Awards. In June 2020 Ehnes launched a new online recital series entitled “Recitals from Home” in response to the COVID-19 pandemic and subsequent closure of concert halls. These recordings have been met with great critical acclaim by audiences worldwide and Ehnes was described by Le Devoir as being “at the absolute forefront of the streaming evolution.”
Ehnes studied with Sally Thomas at the Meadowmount School of Music and The Juilliard School, winning the Peter Mennin Prize for Outstanding Achievement and Leadership in Music upon his graduation in 1997. He is a Member of the Order of Canada and the Order of Manitoba, a Fellow of the Royal Society of Canada, and an honorary fellow of the Royal Academy of Music in London, where he is a Visiting Professor.
Ehnes plays the “Marsick” Stradivarius of 1715.
James Ehnes est un des musiciens les plus demandés au monde. Possédant une rare combinaison de virtuosité époustouflante, de lyrisme serein et de musicalité à toute épreuve, James Ehnes apparait régulièrement dans les plus grandes salles de concert du monde.
Parmi ses collaborations notoires récentes, on peut citer : l’Orchestre métropolitain au Carnegie Hall, l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, l’Orchestre symphonique de San Francisco, l’Orchestre symphonique de Londres, l’Orchestre symphonique de la NHK, et l’Orchestre philharmonique de Munich. Durant la saison 2023-2024, James Ehnes poursuit sa résidence artistique avec l’Orchestre du CNA et son partenariat artistique avec le centre Artis-Naples.
En plus de ses concertos, il jongle avec un programme chargé de récitals. Il donne régulièrement des concerts au Wigmore Hall, au Carnegie Hall, au Concertgebouw d’Amsterdam, au Verbier Festival et au Festival de Pâques, à Aix-en-Provence. Chambriste passionné, il œuvre comme violon solo du Quatuor Ehnes et directeur artistique de la Seattle Chamber Music Society.
James Ehnes a remporté de nombreux prix pour sa riche discographie, dont deux prix Grammy, trois prix Gramophone et onze prix Juno. En juin 2020, il lance une nouvelle série de récitals en ligne, « Recitals from Home », pour pallier la fermeture des salles de spectacle pendant la pandémie de COVID-19. Ces enregistrements sont acclamés par la critique et le public du monde entier; Le Devoir qualifiant même cette initiative de « symbole absolu de cette évolution [vers la diffusion en continu] ».
Il a étudié auprès de Sally Thomas à la Meadowmount School of Music et à l’école Juilliard, dont il sort en 1997 avec le prix Peter-Mennin en reconnaissance de ses réalisations exceptionnelles et de son leadership en musique. Décoré de l’Ordre du Canada et de l’Ordre du Manitoba, il est membre de la Société royale du Canada et membre honoraire de la Royal Academy of Music, à Londres, où il est professeur invité.
James Ehnes joue sur un Stradivarius « Marsick » de 1715.
-
Compositeur Camille Saint-Saëns
Compositeur Camille Saint-SaënsFermerCamille Saint-Saëns (1835–1921)
Camille Saint-Saëns was a French composer, and was active as a pianist, organist, and writer. A formidable figure in 19th century French music, he composed works in every genre, including operas, ballet music, sacred and secular choral works, songs and solo piano pieces, chamber music, symphonies and concertos…even a film score. His music is often described as “neoclassical”, exhibiting qualities such as clarity, balance, order, and precision (considered hallmarks of the French art music tradition), combined with his distinctive use of harmonic colour and mastery of counterpoint. Among his works best-known to audiences today are the “Organ” Symphony, Third Violin Concerto, Fourth Piano Concerto, the suite Le carnaval des animaux, and the opera Samson et Dalila.
Born in Paris on October 9, 1835, Saint-Saëns was a musical child prodigy, making his public début at the Salle Pleyel as the soloist in Beethoven’s Piano Concerto No. 3 and Mozart’s Piano Concerto No. 15. He entered the Paris Conservatoire in 1848, studying piano and later, composition and orchestration. In 1853, he became the organist at the Church of Saint-Merri, eventually moving on to La Madeleine in 1857, where he remained for 20 years. From the 1860s until the end of his life, he established an international reputation as a highly regarded composer and virtuoso pianist, performing on concert tours in England, southern Europe, Scandinavia, South America, East Asia, and the United States.
Saint-Saëns’s talents attracted the admiration and friendship of many notable musicians and composers, including Pauline Viardot, Gioachino Rossini, Hector Berlioz, and Franz Liszt. Beyond his own works, the composer actively promoted—through performance and his writings—the music of several of his contemporaries, including Robert Schumann and Liszt. He was also instrumental in the revival of French interest in the music of J.S. Bach and Mozart. In 1871, Saint-Saëns founded, with his colleague Romain Bussine, the Société Nationale de Musique, to support and perform the music of living French composers.
A life-long traveller, Saint-Saëns had a special fondness for Algiers and spent much time there and in Egypt in the early 20th century. Meanwhile, he continued to compose, conduct, and perform, receiving many honours for his contributions. In August 1921, he gave his final public performances as a pianist and as a conductor. A few months later, on December 16, he died in Algiers.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Camille Saint-Saëns (1835–1921)
Camille Saint-Saëns est un compositeur, un pianiste, un organiste et un auteur français. Figure de proue de la musique française du XIXe siècle, il compose des œuvres de tous genres, notamment des opéras, de la musique pour ballet, des œuvres chorales sacrées et profanes, des chansons et des pièces pour piano solo, de la musique de chambre, des symphonies, des concertos et même… de la musique de film! Sa musique est souvent qualifiée de « néoclassique », car elle présente certaines des caractéristiques de ce style comme la clarté, l’équilibre, l’ordre et la précision (des particularités de la musique savante française), combinées à une utilisation particulière de la couleur harmonique et à une maîtrise du contrepoint. Parmi ses œuvres les plus connues aujourd’hui, on retrouve la « Symphonie avec orgue », le Concerto no 3 pour violon, le Concerto no 4 pour piano, la suite Le Carnaval des animaux et l’opéra Samson et Dalila.
Né à Paris le 9 octobre 1835, Saint-Saëns est un enfant prodige qui fait ses débuts à la Salle Pleyel comme soliste dans le Concerto pour piano no 3 de Beethoven et le Concerto pour piano no 5 de Mozart. En 1848, il entre au Conservatoire de Paris, où il étudie le piano et plus tard, la composition et l’orchestration. En 1853, il devient organiste à l’église Saint-Merri, avant de se déplacer, en 1857, à l’église de la Madeleine, où il restera pendant 20 ans. Des années 1860 jusqu’à la fin de sa vie, il jouit d’une réputation internationale en tant que compositeur de renom et pianiste virtuose. Il effectue des tournées en Angleterre, en Europe méridionale, en Scandinavie, en Amérique du Sud, en Asie de l’Est et aux États-Unis.
Le talent de Saint-Saëns suscite l’admiration et l’amitié de nombreux musiciens et compositeurs célèbres, notamment Pauline Viardot, Gioachino Rossini, Hector Berlioz et Franz Liszt. En plus de ses propres œuvres, le compositeur fait activement la promotion – dans ses concerts et ses écrits – de la musique de plusieurs de ses contemporains, comme Robert Schumann et Liszt. Il joue aussi un rôle central dans le regain d’intérêt pour la musique de Bach et de Mozart en France. En 1871, Saint-Saëns fonde, avec son collègue Romain Bussine, la Société nationale de musique, dont la mission est de promouvoir la musique de compositeurs français vivants et d’aider ces derniers à se produire.
Voyageur de longue date, Saint-Saëns a une affection particulière pour Alger. Au début du XXe siècle, il passe beaucoup de temps là-bas ainsi qu’en Égypte. Entre-temps, il continue de composer, de diriger des orchestres et de se produire en concert, remportant au passage de nombreux honneurs pour ses accomplissements. En août 1921, il donne ses derniers concerts comme pianiste et chef d’orchestre. Il meurt quelques mois plus tard, le 16 décembre, à Alger.
Rédigée par Hannah Chan-Hartley, Ph. D.
-
Compositrice Lili Boulanger
Compositrice Lili BoulangerFermerLili Boulanger (1893–1918) was a French composer. An immense musical talent from a young age, she became the first woman to win the prestigious Prix de Rome in 1913. Despite suffering chronic illness, she composed prolifically, creating substantial, potently expressive works for choir, voice, piano, chamber ensemble, and orchestra, and was at work on an opera when intestinal tuberculosis claimed her life at only 24 years old. Her distinctive style bears qualities typical of early 20th century French music, influenced, notably, by Gabriel Fauré and Claude Debussy in her synthesis of tonal and modal harmony, combined with her imaginative use of instrumental colour and layered textures.
Born Marie-Juliette Olga in Paris, August 21, 1893, Lili Boulanger grew up in an eminent musical family; her father was French composer Ernest Boulanger and her older sister Nadia, also a composer, later became a significant teacher to many of the 20th century’s leading composers (and a tireless advocate for Lili’s music). Her musical talent showed at age two and was nurtured with lessons in violin, piano, voice, and harp. Although her fragile health condition (due to a weakened immune system from bronchial pneumonia contracted in 1895) precluded her from receiving a complete education at the Paris Conservatoire, she studied composition privately with Georges Caussade. In January 1912, she was admitted to Paul Vidal’s composition class, and after failing to win the Prix de Rome that year, won it in 1913 with her cantata Faust et Hélène. This led to her signing a contract with the publisher Ricordi, who, guaranteeing her a monthly income, enabled her to focus entirely on composing.
During her first residency in Rome, Lili completed several works, including the song cycle Clarières dans le ciel. The outbreak of World War I forced her to return to Paris, where she and Nadia established the Comité Franco-Américain du Conservatoire National to provide support—sending material goods and forwarding mail—to musician soldiers. She went back to Rome in February 1916, where she made progress on several large-scale works, including her opera La princesse Malein. However, by the end of the year, she was greatly weakened by illness and was home in Paris again, where she spent her final years finishing compositions she had begun earlier. She died on March 15, 1918, in Mézy-sur-Seine.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Lili Boulanger (1893–1918) est une compositrice française. Faisant preuve d’un immense talent musical dès sa tendre enfance, elle devient la première femme à remporter le prestigieux prix de Rome en 1913. Bien qu’atteinte d’une maladie chronique, elle est une compositrice prolifique qui crée des œuvres expressives et puissantes pour chorale, voix, piano, ensemble de musique de chambre et orchestre. Elle travaille sur un opéra lorsqu’elle est emportée par la tuberculose intestinale, à l’âge de 24 ans seulement. Son style distinctif, caractéristique de la musique française du début du XXe siècle, est notamment influencé par Gabriel Fauré et Claude Debussy en ce qui a trait à la synthèse de l’harmonie tonale et modale, combinée à une utilisation créative de la couleur instrumentale et des textures superposées.
Née Marie-Juliette Olga à Paris, le 21 août 1893, Lili Boulanger grandit dans une famille de musiciens : son père est le compositeur français Ernest Boulanger et sa sœur aînée Nadia, également compositrice, enseignera plus tard à de nombreux musiciens éminents du XXe siècle (en plus d’être une fervente défenseure des œuvres de Lili). Son talent musical s’exprime dès l’âge de deux ans et est nourri par des leçons de violon, de piano, de chant et de harpe. Son état de santé fragile, qu’elle doit à un système immunitaire affaibli par une bronchopneumonie contractée en 1895, l’empêche de bénéficier d’une éducation complète au Conservatoire de Paris, mais elle suit des cours privés de composition auprès de Georges Caussade. En janvier 1912, elle est admise dans la classe de composition de Paul Vidal. Si elle ne remporte pas le prix de Rome cette année-là, elle l’obtient l’année suivante pour sa cantate Faust et Hélène. Elle signe ensuite un contrat avec l’éditeur de musique Ricordi, ce qui lui garantit un revenu mensuel et lui permet de se consacrer entièrement à la composition.
Au cours de sa première résidence à Rome, Lili termine plusieurs œuvres, dont le cycle de mélodies Clarières dans le ciel. Le déclenchement de la Première Guerre mondiale l’oblige à rentrer à Paris, où sa sœur Nadia et elle mettent sur pied le Comité franco-américain du Conservatoire national afin de venir en aide aux soldats musiciens en leur acheminant des biens et du courrier. Elle retourne à Rome en février 1916, où elle progresse dans la création de nombreuses œuvres d’envergure, comme son opéra La Princesse Maleine. Or, vers la fin de l’année, elle est extrêmement affaiblie par la maladie et revient à Paris, où elle passera les dernières années de sa vie et où elle mettra la touche finale aux compositions qu’elle a déjà commencées. Elle meurt le 15 mars 1918, à Mézy-sur-Seine.
Rédigée par Hannah Chan-Hartley, Ph. D.
-
Compositrice Jessie Montgomery
Jessie Montgomery is an acclaimed composer, violinist, and educator. She is the recipient of the Leonard Bernstein Award from the ASCAP Foundation, the Sphinx Medal of Excellence, and her works are performed frequently around the world by leading musicians and ensembles. Her music interweaves classical music with elements of vernacular music, improvisation, poetry, and social consciousness, making her an acute interpreter of 21st-century American sound and experience. Her profoundly felt works have been described as “turbulent, wildly colorful and exploding with life” (The Washington Post).
Jessie was born and raised in Manhattan’s Lower East Side in the 1980s during a time when the neighborhood was at a major turning point in its history. Artists gravitated to the hotbed of artistic experimentation and community development. Her parents – her father a musician, her mother a theater artist and storyteller – were engaged in the activities of the neighborhood and regularly brought Jessie to rallies, performances, and parties where neighbors, activists, and artists gathered to celebrate and support the movements of the time. It is from this unique experience that Jessie has created a life that merges composing, performance, education, and advocacy.
Since 1999, Jessie has been affiliated with The Sphinx Organization, which supports young African-American and Latinx string players. She currently serves as composer-in-residence for the Sphinx Virtuosi, their Organization’s flagship professional touring ensemble. She was a two-time laureate of the annual Sphinx Competition and was awarded their highest honor, the Sphinx Medal of Excellence. She has received additional grants and awards from the ASCAP Foundation, Chamber Music America, American Composers Orchestra, the Joyce Foundation, and the Sorel Organization.
The New York Philharmonic has selected Jessie as a featured composers for their Project 19, which marks the centennial of the ratification of the 19th Amendment, granting equal voting rights in the United States to women. Other forthcoming works include a nonet inspired by the Great Migration, told from the perspective of Montgomery’s great-grandfather William McCauley and to be performed by Imani Winds and the Catalyst Quartet; a cello concerto for Thomas Mesa jointly commissioned by Carnegie Hall, New World Symphony, and The Sphinx Organization; and a new orchestral work for the National Symphony.
Jessie Montgomery est une compositrice, violoniste et éducatrice primée. Lauréate du prix Leonard-Bernstein de la Fondation ASCAP et de la médaille d’excellence Sphinx, elle a composé des œuvres qui sont fréquemment interprétées par des musiciens et ensembles de premier plan partout dans le monde. Fine interprète de la vie et de l’expérience sonore des Américains au XXIe siècle, elle entremêle dans ses compositions musique classique, musique populaire, improvisation, poésie et conscience sociale. Le Washington Post a qualifié ses œuvres de « turbulentes, merveilleusement colorées et débordantes de vie ».
Montgomery est née et a grandi dans le Lower East Side de Manhattan. Dans les années 1980, ce quartier en pleine effervescence était le foyer par excellence de l’expérimentation artistique et du développement communautaire. Les parents de la compositrice – son père, musicien, et sa mère, conteuse et artiste de théâtre – participaient activement à la vie de leur quartier et emmenaient fréquemment leur fille aux manifestations, spectacles et soirées où se rassemblaient artistes, activistes et membres de la communauté pour faire la fête et appuyer les idées du temps. Forte de cette expérience inusitée, Montgomery s’est créé une existence qui allie composition, prestation, éducation et militantisme.
Montgomery collabore depuis 1999 avec l’organisation Sphinx, qui appuie les jeunes cordistes d’origine afro-américaine et latino-américaine. Elle est actuellement compositrice en résidence auprès de Sphinx Virtuosi, l’ensemble professionnel de tournées principal de l’organisation. Elle a d’ailleurs deux fois remporté le Concours Sphinx annuel et a obtenu sa plus haute distinction, la médaille d’excellence Sphinx. Montgomery a en outre reçu des récompenses de la Fondation ASCAP, de l’organisation Musique de chambre États-Unis, de l’Orchestre des compositeurs américains, de la Fondation Joyce et de l’organisation Sorel, notamment.
Jessie Montgomery a été choisie comme compositrice-vedette pour le Projet 19 du New York Philharmonic, qui soulignera le 100e anniversaire de la ratification du 19e amendement de la Constitution des États-Unis, lequel accorde aux femmes le droit de vote. Parmi ses autres projets en cours, notons un nonette évoquant la grande migration afro-américaine selon le point de vue de l’arrière-grand-père de la compositrice, William McCauley, qui sera interprété par Imani Winds et le quatuor Catalyst; un concerto pour violoncelle écrit pour Thomas Mesa dans le cadre d’une commande conjointe de Carnegie Hall, de l’Orchestre symphonique New World et de l’organisation Sphinx; et une nouvelle œuvre orchestrale pour le National Symphony.
FermerMédias du CNA avec Jessie Montgomery
-
Compositeur Pablo de Sarasate
Compositeur Pablo de SarasateFermerPablo de Sarasate (1844–1908)
Pablo de Sarasate was a Spanish violinist and composer. He was one of the 19th century’s most famous virtuoso violinists, performing regularly throughout Europe, North America, and South America. His friendship and close association with notable composers led to new works written for him to perform, which he popularized, along with concert pieces he composed, on his various tours. These works—charming and colourful, while also demanding technical brilliance—have since become a core part of the violin repertory, and continue to be beloved by violinists and audiences today.
Sarasate (christened Martín Melitón Sarasate y Navascuéz) was born in Pamplona on March 10, 1844. A child prodigy, he made his first public performance at age eight, and his talents attracted the attention and support of the Spanish elite and royalty. Following his studies with Jean-Delphin Alard at the Paris Conservatoire, Sarasate toured extensively as a concert violinist. By the early 1870s, he was famous in France, Belgium, England, the United States, and Argentina. In 1876, he gave his first performance in Vienna, an important debut in the German-speaking lands, where he eventually established his reputation and would visit annually.
According to critical reports, Sarasate’s violin playing was distinguished by a purity and sweetness in tone, and an astounding technical facility that he made to look effortless. Inspired by his abilities and showmanship, several composers wrote and dedicated works to him, including Max Bruch (Violin Concerto No. 2, Scottish Fantasy), Camille Saint-Saëns (Violin Concerto Nos. 1 and 3, Introduction and Rondo Capriccioso), Éduoard Lalo (Violin Concerto in F major, Symphonie espagnole), and Henryk Wieniawski (Violin Concerto No. 2). Sarasate himself composed 54 works, many of them based on popular and folk melodies, all of them vehicles for his virtuosic style.
In 1904, Sarasate became one of the first violin virtuosos to make gramophone recordings, releasing nine of them, including one of him playing an abridged version of Zigeunerweisen, one of his most popular showpieces. Beyond his solo career, he was an avid player of string quartets. Sarasate died in Biarritz on September 20, 1908, from chronic bronchitis.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Pablo de Sarasate (1844–1908)
Pablo de Sarasate est un violoniste et compositeur espagnol. L’un des virtuoses du violon les plus célèbres du XIXe siècle, il se produit régulièrement dans toute l’Europe, l’Amérique du Nord et l’Amérique du Sud. Il entretient des amitiés et des liens étroits avec des compositeurs connus, qui créent de nouvelles œuvres spécialement pour lui. Au cours de ses nombreuses tournées, il popularise ces pièces, de même que ses propres compositions. Ces œuvres – charmantes et colorées, quoique très exigeantes sur le plan technique – sont maintenant des pièces phares du répertoire du violon, appréciées encore aujourd’hui des violonistes et du public.
Pablo de Sarasate, de son nom complet Martín Melitón Pablo de Sarasate y Navascués, est né à Pampelune le 10 mars 1844. Enfant prodige, il se produit en public pour la première fois à l’âge de huit ans, et son talent attire l’attention et le concours de l’élite espagnole et de la famille royale. Après des études auprès de Jean-Delphin Alard au Conservatoire de Paris, Pablo de Sarasate effectue de nombreuses tournées à titre de violoniste de concert. Dès le début des années 1870, il est connu en France, en Belgique, en Angleterre, aux États-Unis et en Argentine. En 1876, il donne son premier concert à Vienne, des débuts importants en terre germanophone, où il se forgera peu à peu une réputation et reviendra chaque année.
Selon des rapports critiques, le jeu de Pablo de Sarasate se démarque par la pureté et par la douceur de son ton, et par son incroyable aisance technique. Inspirés par son talent et son sens du spectacle, plusieurs compositeurs créent des œuvres spécialement pour lui, notamment Max Bruch (Concerto pour violon no 2, Fantaisie écossaise), Camille Saint-Saëns (Concertos pour violon no 1 et 3, Introduction et Rondo Capriccioso), Édouard Lalo (Concerto pour violon en fa majeur, Symphonie espagnole) et Henryk Wieniawski (Concerto pour violon no 2). Pablo de Sarasate compose lui-même 54 œuvres, dont plusieurs inspirées de mélodies populaires et traditionnelles, qui sont toutes des véhicules pour sa virtuosité.
En 1904, Pablo de Sarasate est l’un des premiers violonistes virtuoses à contribuer à des enregistrements pour gramophone. Il en fera paraître neuf, dont un où il interprète une version abrégée de Zigeunerweisen, l’une de ses pièces les plus populaires. En plus de sa carrière solo, il se produit souvent dans des quatuors à cordes. Il décède à Biarritz, le 20 septembre 1908, d’une bronchite chronique.
Rédigée par Hannah Chan-Hartley, Ph. D.
Ne manquez pas les prochains spectacles Inscrivez-vous à l’infolettre pour recevoir des rappels de spectacles et des offres
-
La voiture officielle de l'Orchestre du CNA
Merci à nos partenaires
Le Fonds Janice et Earle O'Born pour l’excellence dans les arts de la scène
Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LLD (hc).