2024-11-20 20:002024-11-22 23:0060Canada/Eastern🎟 CNA : Dancers of Damelahamid
https://nac-cna.ca/fr/event/36099
Événement en personne
Raven Mother est un nouveau spectacle de danse de la compagnie Dancers of Damelahamid qui rend hommage à la regrettée Aînée Margaret Harris (1931-2020). Il illustre la grande influence qu’elle a eue sur la revitalisation des danses autochtones de la côte nord-ouest et le rôle primordial des femmes dans la protection du savoir culturel. Cette création se veut une célébration des mères en tant que gardiennes de ces...
Un projet développé avec le soutien du Fonds national de création du Centre national des Arts.
Un mot du Théâtre autochtone et de Danse CNA
hOOlmah! Way'!
Le Théâtre autochtone et Danse CNA se réjouissent d’accueillir la compagnie Dancers of the Damelahamid, qui nous fait l’honneur de revenir au CNA avec cette magnifique pièce en hommage à l’aînée Margaret Harris.
Comme beaucoup de femmes de son temps, l’aînée Margaret Harris a préservé le savoir et l’histoire portés par les pratiques culturelles durant une période où celles-ci étaient bannies. Grâce à elle, nous pouvons toutes et tous partager et célébrer la richesse et la beauté de la culture qu’elle a mis tant de soin à protéger et qu’elle a désormais transmise aux prochaines générations de sa famille.
C’est également un grand honneur pour le Centre national des Arts d’avoir contribué à donner pleinement corps à la vision audacieuse des artistes grâce au soutien du Fonds national de création.
Installez-vous confortablement et admirez les remarquables masques sculptés, les magnifiques tenues cérémonielles, les motifs détaillés et la chorégraphie saisissante.
Kevin Loring (Nlaka’pamux, Lytton First Nation) is a Canadian playwright, actor, and director, currently serving as the first Artistic Director of Indigenous Theatre at the National Arts Centre. He has received numerous accolades, including the Governor General’s Award for English-language drama and the Jessie Richardson Award for Outstanding Original Script for Where the Blood Mixes (2009), which also received a nomination for the Dora Mavor Moore Award for Outstanding New Play. His 2019 work, Thanks for Giving, was shortlisted for the Governor General’s Award for Drama.
Loring began his studies at Cariboo College (now Thompson Rivers University) and completed his theatre education at Studio 58, Langara College. He was recognized as a distinguished alumnus by Thompson Rivers University in 2015 and later awarded an honorary doctorate in 2024. In 2017, he received the REVEAL Indigenous Arts Award from the Hnatyshyn Foundation, and in 2021, he was recognized with an honorary doctorate from the University of Ottawa.
As an actor, Loring’s stage credits include Saint Carmen of the Main, The Ecstasy of Rita Joe, and an all-Indigenous production of King Lear at the National Arts Centre in 2012. He has appeared in film and television series, including Arctic Air, Health Nutz, Pathfinder and Bones of Crows. His writing credits feature Little Red Warrior and His Lawyer, Battle of the Birds, and The Boy Who Was Abandoned. In 2023, he collaborated with true-crime author Peter Edwards on Lytton: Climate Change, Colonialism and Life Before the Fire, reflecting on the community’s history and its significance to the Nlaka’pamux people after the devastating wildfire in 2021.
Loring has served as co-curator of the Talking Stick Festival, Artist in Residence at the Vancouver Playhouse Theatre, and current Artistic Director of Savage Society in Vancouver.
Membre de la Première Nation Nlaka’pamux de Lytton, Kevin Loring est un dramaturge, un acteur et un metteur en scène canadien; il est le premier et l’actuel directeur artistique du Théâtre autochtone du Centre national des Arts. Il a reçu diverses récompenses, notamment le Prix littéraire du Gouverneur général en théâtre de langue anglaise et le Prix Jessie-Richardson du meilleur texte original pour sa pièce Where the Blood Mixes (2009), qui a également été mise en nomination pour un prix Dora Mavor Moore de la meilleure nouvelle pièce. En 2019, sa pièce Thanks for Giving a été finaliste aux Prix littéraires du Gouverneur général dans la catégorie théâtre de langue anglaise.
Après des études au Collège Cariboo (aujourd’hui l’Université Thompson Rivers), Kevin Loring parfait sa formation au Studio 58 du Collège Langara. L’Université Thompson Rivers lui a remis un Prix de distinction en 2015, avant de lui décerner un doctorat honorifique en 2024. En 2017, il a remporté le prix en art autochtone REVEAL de la Fondation Hnatyshyn et a reçu en 2021 un doctorat honorifique de l’Université d’Ottawa.
Au théâtre, on a pu le voir dans Saint Carmen of the Main, The Ecstasy of Rita Joe, et la production entièrement autochtone de King Lear au Centre national des Arts (2012). Au cinéma et à la télévision, il a joué dans Arctic Air, Health Nutz, Pathfinder (Le sang du guerrier, en VF) et Bones of Crows (L’ombre des corbeaux, en VF). Comme auteur, on lui doit notamment Little Red Warrior and His Lawyer, Battle of the Birds et The Boy Who Was Abandoned. En 2023, il a coécrit avec l’auteur spécialiste en affaires criminelles Peter Edwards, Lytton: Climate Change, Colonialism and Life Before the Fire, un ouvrage qui retrace l’histoire de Lytton et de la communauté Nlaka’pamux et s’interroge sur l’avenir de la ville après l’incendie dévastateur de 2021.
Kevin Loring a œuvré comme coorganisateur du Festival Talking Stick, artiste résident au Vancouver Playhouse Theatre et directeur artistique de la Savage Society à Vancouver.
Directrice administrative, Théâtre Autochtone du CNA
Lori Marchand
Lori Marchand took up her role as the first Managing Director of Indigenous Theatre at the National Arts Centre (NAC) in April 2018, where she is ensuring First Nations, Métis and Inuit stories are brought to the national stage. Ms. Marchand is a nationally recognized leader within the professional theatre community who made a significant impact as Executive Director of Western Canada Theatre (WCT) in Kamloops, BC, for 19 seasons. A member of the Syilx First Nation, she has played a key role in the encouragement, development and production of Indigenous work.
Ms. Marchand graduated from UBC in 1985 with a degree in English literature. After experience with the BC Native Women’s Society, as Executive Director of the Ontario Native Women’s Association and then as a human rights officer with the Ontario Human Rights Commission, she returned to her love of theatre in 1989.
After a decade of theatre roles in Alberta and Saskatchewan, she returned to Kamloops in 1999 to join Western Canada Theatre. Her leadership in making live theatre accessible, innovative, powerful and financially sustainable has helped make WCT the southern Interior’s largest professional theatre company; a company recognized for developing new work and new talent, producing work of exceptional caliber and, through partnerships and touring, impacting the national stage.
Her contributions in BC and nationally also include serving in many capacities for the Professional Association of Canadian Theatres, helping to drive policy relevant to all theatre practitioners in Canada. She was an active member of the BC Arts Council from 2010 to 2017, chairing the strategic planning and program committees and serving as vice-chair.
Ms. Marchand was recognized for her commitment to live theatre and the production of Indigenous work that has contributed to the arts and to Reconciliation with a Doctor of Letters, honoris causa, from Thompson Rivers University in June 2018 and with the Mallory Gilbert Leadership Award for outstanding leadership in Canadian Theatre in June 2021.
Lori Marchand a pris ses fonctions comme première directrice générale du théâtre autochtone au Centre national des Arts (CNA) en avril 2018, où elle veille à ce que les histoires des Premières Nations, des Métis et des Inuits soient portées sur la scène nationale. Mme Marchand est un leader reconnu à l’échelle nationale au sein de la communauté théâtrale professionnelle, ayant eu un impact important en tant que directrice générale du Western Canada Theatre (WCT) à Kamloops, en Colombie-Britannique, pendant 19 saisons. Membre de la Première nation de Syilx, elle a joué un rôle essentiel dans l’encouragement, le développement et la production d’œuvres autochtones.
Mme Marchand a obtenu un diplôme en littérature de langue anglaise de l’Université de la Colombie-Britannique en 1985. Après avoir travaillé pour la BC Native Women’s Society, comme directrice générale de l’Ontario Native Women’s Association, puis comme agente des droits de la personne à la Commission ontarienne des droits de la personne, elle s’est remise à sa passion pour le théâtre en 1989.
Après une décennie de rôles théâtraux en Alberta et en Saskatchewan, elle est revenue à Kamloops en 1999 pour se joindre au Western Canada Theatre. Le leadership dont elle a fait preuve pour rendre le théâtre accessible, novateur, puissant et financièrement viable a contribué à faire du WCT la plus grande compagnie théâtrale professionnelle de l'Intérieur-Sud, une compagnie reconnue pour développer de nouvelles œuvres et de nouveaux talents, produire des œuvres de calibre exceptionnel et, grâce à des partenariats et des tournées, avoir un impact sur la scène nationale.
Ses contributions en Colombie-Britannique et à l’échelle nationale comprennent également de nombreuses fonctions au sein de l’Association professionnelle des théâtres canadiens, contribuant à l’élaboration de politiques pertinentes pour tous les praticiens du théâtre au Canada. Elle a été un membre actif du Conseil des arts de la Colombie-Britannique de 2010 à 2017, présidant les comités de planification stratégique et de programmation et occupant le poste de vice-présidente.
Mme Marchand a été récompensée pour son engagement envers le théâtre en direct et la production d’œuvres autochtones qui ont contribué aux arts et à la réconciliation par un doctorat en lettres, honoris causa, de l’Université Thompson Rivers en juin 2018 et avec le Mallory Gilbert Leadership Award pour son leadership exceptionnel dans le théâtre canadien en juin 2021.
Caroline Ohrt has held a variety of positions in various cultural organizations, acquiring a solid knowledge of the arts ecosystem, management and governance. She has built strong local, national and international professional network which allowed her to present the highest calibre artists from all over the world at the Place des Arts, Danse Danse’s home. While there, she developed many partnerships. She cultivated opportunities for artists and audiences to meet on multiple platforms, whether at the Musée d’art contemporain de Montréal, at the Arsenal art contemporain or virtually. She actively contributed to the growth of the organization and took to heart the support and development of artists, which remains a cornerstone of her work.
She has also held multiple positions in the world of contemporary arts, including with other dance organizations such as Compagnie Marie Chouinard and, more recently, at the Domaine Forget in Saint-Irénée. With a background in art history, Caroline has advised visual arts collectors and carried out assignments at the Montreal Museum of Fine Arts. She is recognized widely as a person in constant dialogue with the forces that shape contemporary creation.
Recognized for her innovative strategic vision, she is actively involved in the community through her participation on prominent boards and juries. She is vice-president of the Conseil des arts de Montréal and a board member of the École de danse contemporaine de Montréal. Her advice is highly valued for her keen understanding of the cultural milieu and artistic realities.
Le parcours de Caroline Ohrt aura forgé chez elle une solide connaissance de la danse, de l’écosystème des arts, de la gestion et de la gouvernance. Elle a su bâtir un réseau professionnel local, national et international qui lui a permis de présenter des artistes de haut calibre provenant de tous les coins du monde sur les différentes scènes de la Place des Arts.
Son passage à Danse Danse aura été marqué par le développement de partenariats structurants. Elle a cultivé des occasions de rencontres pour les artistes et les publics sur de multiples plateformes, que ce soit au Musée d’art contemporain de Montréal, à l’Arsenal art contemporain, ou de façon virtuelle. Elle a activement contribué à la croissance de l’organisme et a à cœur le soutien et le développement des artistes, pierre angulaire de son travail.
Connue dans le milieu des arts contemporains, elle a occupé de multiples fonctions et accompli des mandats auprès d’autres organismes de danse, notamment à la Compagnie Marie Chouinard et, plus récemment, au Domaine Forget de Saint-Irénée. Forte d’une formation en histoire de l’art, Caroline a aussi conseillé des collectionneurs en arts visuels et accompli des mandats au Musée des beaux-arts de Montréal. Elle est connue pour être une personne en constant dialogue avec les forces vives de la création actuelle.
Saluée pour sa vision stratégique novatrice, elle s’implique activement dans la communauté en participant à des conseils d’administration et des jurys de renom. Elle est actuellement vice-présidente du Conseil des arts de Montréal et administratrice de l’École de danse contemporaine de Montréal. Ses conseils sont recherchés pour sa fine compréhension du milieu culturel et des réalités artistiques.
Le mot de Margaret Grenier, directrice artistique et chorégraphe, Dancers of Damelahamid
Dancers of Damelahamid a vu le jour dans les années 1960, sous l’impulsion de mes parents, le chef Kenneth Harris et Margaret Harris. À l’époque, il s’agissait surtout de donner un nouvel élan à la danse après la levée de l’interdiction d’organiser des potlatchs (1884–1951). Je viens de cette lignée de danseurs et danseuses et mon rôle à la tête de la compagnie s’est développé au cours des 20 dernières années. En 2010, Dancers of Damelahamid a commencé à adopter des approches contemporaines pour créer des chorégraphies inspirées de nos danses ancestrales. C’est ainsi que nous établissons notre forme de danse culturelle et que nous abordons la décolonisation par la danse.
Raven Mother est une œuvre très personnelle pour notre famille et nous avons mis toute notre énergie dans la réalisation de ce projet. Elle rend hommage à l’héritage du travail de toute une vie que ma mère, Margaret Harris, a légué à sa famille et à la communauté de la danse en tant que femme crie mariée à un homme descendant d’une lignée de danse gitxsane. C’est une pièce qui souligne le rôle vital joué par les femmes dans cette pratique de la danse intergénérationnelle comme visionnaires, donneuses de soin et forces motrices qui ont assuré la survie de la pratique elle-même. C’est une œuvre qui illustre la beauté et les difficultés de ce parcours en tant que femmes, l’amour que nous portons à nos enfants et l’espoir qu’ils nous apportent.
Margaret Grenier is of Gitxsan and Cree ancestry. She is the Executive and Artistic Director for the Dancers of Damelahamid. She has produced the Coastal Dance Festival since 2008. Margaret’s multimedia choreographic works bridge Gitxsan and Cree dance forms with current expressions. Her works have toured internationally and include Setting the Path (2004) and Spirit and Tradition (2007), and Visitors Who Never Left (2009), Luu hlotitxw (2012), Flicker (2016), and Mînowin (2019). Mînowin premiered at the Mòshkamo Festival, National Arts Centre, Ottawa (2019) and at the Festival Internacional Cervantino in Guanajuato, Mexico. Margaret holds a M.A. from Simon Fraser University and a B.Sc. from McGill University. She was a sessional instructor for Simon Fraser (2007) and faculty at the Banff Centre (2013). She received the REVEAL Award (2017), the Walter Carsen Prize for Excellence in the Performing Arts (2020), DSA Distinction in Dance Award (2022), and the Isadora Award (2024).
Directrice générale et artistique de la compagnie Dancers of Damelahamid, Margaret Grenier produit également le Coastal Dance Festival, qui a lieu chaque année depuis 2008. Ses chorégraphies qui mêlent danses gitxsanes et cries à des modes d’expression actuels contribuent à redéfinir la danse autochtone contemporaine. Titulaire d’une maîtrise en enseignement des arts de l’Université Simon Fraser, elle détient également un baccalauréat ès sciences de l’Université McGill avec une majeure en géographie et une mineure en sciences de l’environnement. Elle possède par ailleurs une solide expérience en tant qu’oratrice et conférencière : elle a mené des ateliers et des classes de maître dans le cadre de programmes de formation en danse et a été chargée de cours à l’Université Simon Fraser (2007) ainsi que professeure au Centre des arts de Banff (2013). Margaret Grenier a de plus fait des présentations à la Conférence mondiale des peuples autochtones sur l’éducation en Australie (2008 et 2023), au Pérou (2011) et à Hawaï (2015). Elle a reçu le prix Reveal (2017) et le prix d’excellence Walter Carsen pour les arts de la scène (2020).
Raven Mother est un nouveau spectacle de danse de la compagnie Dancers of Damelahamid qui rend hommage à la regrettée Aînée Margaret Harris (1931-2020). Il illustre la grande influence qu’elle a eue sur la revitalisation des danses autochtones de la côte nord-ouest et le rôle primordial des femmes dans la protection du savoir culturel. Cette création se veut une célébration de nos mères en tant que gardiennes de ces formes d’art et figures inspirantes pour la prochaine génération de femmes. Raven Mother met en lumière le profond leadership de nos mères, leur contribution essentielle à cette résurgence ainsi que la force et la transformation de cette renaissance.
Production la plus ambitieuse de Dancers of Damelahamid à ce jour, Raven Mother marquera l’aboutissement du travail artistique et culturel de plusieurs générations. Sur scène, mouvement, chant, tenues cérémonielles, sculpture et conception se mêlent à la trame narrative. La crête du Corbeau, représentée sous de multiples formes, incarne la transformation, le renforcement de la culture, le dévoilement d’un nouvel esprit et le souffle nouveau d’une promesse faite aux enfants des générations à venir.
Raven Mother parle de nos réalités actuelles en s’appuyant sur un riche héritage d’enseignements et d’idées. L’innovation suppose la révélation des vérités d’aujourd’hui afin de garantir l’endurance culturelle et la subsistance intergénérationnelle. Le spectacle incarne le souvenir concret de l’esprit d’une femme, marquant le tournant entre les générations et l’apparition d’un rôle nouveau pour nos filles : une force capable de prôner la vision de leurs grands-mères.
Margaret Grenier is of Gitxsan and Cree ancestry. She is the Executive and Artistic Director for the Dancers of Damelahamid. She has produced the Coastal Dance Festival since 2008. Margaret’s multimedia choreographic works bridge Gitxsan and Cree dance forms with current expressions. Her works have toured internationally and include Setting the Path (2004) and Spirit and Tradition (2007), and Visitors Who Never Left (2009), Luu hlotitxw (2012), Flicker (2016), and Mînowin (2019). Mînowin premiered at the Mòshkamo Festival, National Arts Centre, Ottawa (2019) and at the Festival Internacional Cervantino in Guanajuato, Mexico. Margaret holds a M.A. from Simon Fraser University and a B.Sc. from McGill University. She was a sessional instructor for Simon Fraser (2007) and faculty at the Banff Centre (2013). She received the REVEAL Award (2017), the Walter Carsen Prize for Excellence in the Performing Arts (2020), DSA Distinction in Dance Award (2022), and the Isadora Award (2024).
Directrice générale et artistique de la compagnie Dancers of Damelahamid, Margaret Grenier produit également le Coastal Dance Festival, qui a lieu chaque année depuis 2008. Ses chorégraphies qui mêlent danses gitxsanes et cries à des modes d’expression actuels contribuent à redéfinir la danse autochtone contemporaine. Titulaire d’une maîtrise en enseignement des arts de l’Université Simon Fraser, elle détient également un baccalauréat ès sciences de l’Université McGill avec une majeure en géographie et une mineure en sciences de l’environnement. Elle possède par ailleurs une solide expérience en tant qu’oratrice et conférencière : elle a mené des ateliers et des classes de maître dans le cadre de programmes de formation en danse et a été chargée de cours à l’Université Simon Fraser (2007) ainsi que professeure au Centre des arts de Banff (2013). Margaret Grenier a de plus fait des présentations à la Conférence mondiale des peuples autochtones sur l’éducation en Australie (2008 et 2023), au Pérou (2011) et à Hawaï (2015). Elle a reçu le prix Reveal (2017) et le prix d’excellence Walter Carsen pour les arts de la scène (2020).
Andrew spent 20 years training with the company and has performed with the company since 2004. Andrew has worked with cedar and textiles, creating the sets for the Dancers of Damelahamid productions since 2004 and for the annual Coastal Dance Festival since 2008. Andrew oversees all the technical and set requirements for the Dancers of Damelahamid and is the Production Manager for the Coastal Dance Festival. Andrew has a BSc from McGill University and Masters in Environmental Education from Simon Fraser University.
Depuis 20 ans, Andrew Grenier se forme aux côtés de Dancers of Damelahamid, avec qui il se produit depuis 2004. Dès cette même année, il crée les décors des productions de la compagnie, puis, à partir de 2008, ceux du Coastal Dance Festival, en utilisant des étoffes et du bois de cèdre. Il veille à tous les besoins techniques et scéniques de la compagnie, en plus d’œuvrer comme directeur de production pour le Coastal Dance Festival. Andrew Grenier est titulaire d’un baccalauréat ès sciences de l’Université McGill et d’une maîtrise en éducation environnementale de l’Université Simon Fraser.
Hawilkwalał, Rebecca, is of Kwakiuł, Dzawada’enuwx, and Sḵwx̱̱wú7mesh ancestry. She is a multidisciplinary artist with a BA from the University of British Columbia. Rebecca is the Artistic Associate for the Dancers of Damelahamid and the Festival Associate for the Coastal Dance Festival. Rebecca has been dancing with the company since 2014 and is a pow-wow dancer with over 20 years of experience. She is the Regalia Designer for the company’s productions Flicker (2016), Mînowin (2019), Spirit and Tradition Remount (2020), and Raven Mother (2024). She began fashion design in 2021, debuting at New York Fashion Week (2022) followed by SWAIA Santa Fe Indian Market, Vancouver Fashion Week, Vancouver Indigenous Fashion Week, and Indigenous Fashion Arts Toronto. Her work has been on exhibit at the American Museum for Natural History in New York, the Bill Reid Gallery, Museum of Vancouver, YVR Airport, and featured in Vogue and Elle Canada. She was the recipient of the YVR Emerging Artist Award, 2021.
Hawilkwalał Rebecca Baker-Grenier, est d’ascendance kwakiuł, musgamagw dzawada’enuwx et sḵwx̱wú7mesh. Artiste multidisciplinaire, elle détient un baccalauréat ès arts de l’Université de la Colombie-Britannique. Elle est directrice artistique associée de la compagnie Dancers of Damelahamid et directrice associée du Coastal Dance Festival. Interprète de danses de pow-wow depuis plus de 20 ans, Rebecca Baker-Grenier se produit au sein de Dancers of Damelahamid depuis 2014 et a créé les tenues cérémonielles de plusieurs productions de la compagnie : Flicker (2016), Mînowin (2019), Spirit and Tradition Remount (2020) et Raven Mother (2024). Elle s’est initiée à la création de mode en 2021 aux côtés de Pam Baker et a suivi le programme de haute couture autochtone du Centre des arts de Banff en 2022. En 2021, elle a obtenu une bourse d’études pour artistes émergents de la YVR Art Foundation et l’année suivante, elle a présenté sa première collection à la Fashion Week de New York. Sa plus récente collection, « we are warriors », a été dévoilée lors du SWAIA Fashion Show du Santa Fe Indian Market (août 2023), avant d’être présentée à la Vancouver Fashion Week et à la Vancouver Indigenous Fashion Week (2023) ainsi que dans le cadre du festival Indigenous Fashion Arts de Toronto (mai 2024). Exposées à la galerie Bill Reid, au Musée de Vancouver et à l’aéroport de Vancouver, ses créations sont également mises à l’honneur dans les pages de Vogue, Vogue Italia et Elle Canada. Son œuvre « Held by Generations » sera présentée au musée américain d’histoire naturelle de New York en 2024–2025.
Raven is an emerging choreographer, Indigenous contemporary dance artist, singer, and visual artist in formline design. She is a 4th year Indigenous Studies student at UBC and the Artistic and Administrative Assistant for Dancers of Damelahamid. Her silk screened limited edition prints are available at Lattimer gallery and Coastal Peoples Gallery in Vancouver. Raven’s work is also available at MOA Gift shop, and has been on display at her exhibition at the Dance Centre where her up-cycled mini collection was featured. Her films Spanochnonga and Lax Yip were commissioned by FORM and have been screened at FORM 2022 and 2023, Matriarchs Uprising 2024, Weesageechak 2023, live at Vines 2023, New Works 2023, and more. Her current project Wolverine is an in-the-works EP, music video, and choreographed performance supported by the Raven Spirit Dance Pakitinam mentorship program. The short experimental film was supported by Co Erasga and premiered at What Lab salon studio spring series.
Raven Grenier a été formée dès son plus jeune âge par ses grands-parents, les Aînés Kenneth et Margaret Harris. Elle a participé aux productions Setting the Path (2004) et Sharing the Spirit (2007) ainsi qu’à la tournée de la compagnie en Nouvelle-Zélande en 2008 et à l’Exposition universelle de Shanghai, en Chine, en 2010. On a également pu la voir dans Visitors Who Never Left (2009), Dancing our Stories (2010), Spirit Transforming (2012 et 2015) et Flicker (2016). Chanteuse et artiste visuelle, Raven Grenier est aussi une danseuse accomplie, qui participe à des championnats au sein de la Nora Pickett Irish Dance Academy. Elle termine actuellement son baccalauréat en arts à l’Université de la Colombie-Britannique.
Jeff is a four-time Jessie Award winning lighting designer for his work on Carousel Theatre’s Pharaoh Serket & the Lost Stone of Fire, Patrick Street Theatre’s Floyd Collins, Pi Theatre’s Blasted and Arts Club’s Hand to God. He is a graduate of SFU’s School for the Contemporary Arts, attended the Banff Centre for the Performing Arts and is a member of the Associated Designers of Canada.
Établi à Vancouver, Jeff Harrison est le lauréat de quatre prix Jessie pour ses conceptions d’éclairages dans les productions PharaohSerket & the Lost Stone of Fire (Carousel Theatre), Floyd Collins (Patrick Street Theatre), Blasted (Pi Theatre) et Hand to God (Arts Club). Il est membre de l’Association des designers canadiens (AIEST, section locale ADC659). Il a également conçu les éclairages de Little Red Warrior & His Lawyer (Savage Society), Beautiful Man (Pi Theatre), Batboy the Musical et The Full Monty (Patrick Street Theatre), Children of God (Urban Ink), Beneath Springhill (Arts Club) et Women of the Fur Trade (Théâtre autochtone du CNA).
Andy Moro is the artistic co-director of ARTICLE11 with Tara Beagan, upholding the 11th Article of the UN’s Declaration on the Rights of Indigenous Peoples.
Current and recent work includes: The Unnatural & Accidental Women (NAC); Rise Red River (ARTICLE 11/Theatre Cercle Moliere/Prairie Theatre Exchange); PISUWIN (Atlantic Ballet); Sleuth, Extractionist, Gaslight (Vertigo Theatre); NOMADA (Diana Lopez Soto); F WORD (Downstage/Alberta Theatre Projects); Ministry of Grace, Reckoning, ROOM, Declaration, Deer Woman (ARTICLE11); Little Women, Honour Beat; (Theatre Calgary); Hookman (University of Calgar/Chromatic); The Last Epistle of Tightrope Time (NAC/Neptune Theatre); Post Mistress, Rez Sisters (Royal Manitoba Theatre Centre); Blackhorse (Caravan Theatre); The Herd (Citadel Theatre/Tarragon Theatre); Frozen River (Manitoba Theatre for Young People); Third Colour, Spacegirl, War Being Waged (Prairie Theatre Exchange); Ministry of Grace, Time Stands Still, O’Kosi (MT7); Sky Dancers (A'nó:wara Dance Theatre); Minowin and Raven Mother (Dancers of Damelahamid); Finding Wolastoq Voice (Theatre New Brunswick); Blood Water Earth, Blood Tides, The Mush Hole (Kaha:wi Dance Theatre).
Film & Video: RECKONING (ARTICLE 11); Road to Hasalala Danxalax (Chan Ctr/Marion Newman). Upcoming: The Ring Cycle: Das Rheingold for Edmonton Opera.
Andy is of mixed Euro/Omushkegowuk descent, and is currently based in Calgary.
Andy Moro est le codirecteur artistique, avec Tara Beagan, de la troupe ARTICLE 11, qui doit son nom à l’article de la Déclaration des Nations Unies sur les droits des peuples autochtones.
Au théâtre : The Unnatural and Accidental Women (CNA); The Herd (Tarragon Theatre); Rise Red River (ARTICLE 11 Theatre Cercle Moliere, Prairie Theatre Exchange); PISUWIN (Atlantic Ballet) Sleuth, Extractionist, Gaslight (Vertigo Theatre), NOMADA (Diana Lopez Soto), F WORD (Downstage, Alberta Theatre Projects), Ministry of Grace, Reckoning, ROOM, Declaration, Deer Woman (ARTICLE 11); Little Women, Honour Beat (Theatre Calgary); Hookman (Université de Calgary et Chromatic); Post Mistress, Rez Sisters (Royal Manitoba Theatre Centre); Blackhorse (Caravan); The Herd (Citadel et Tarragon); Frozen River (Manitoba Theatre for Young People); Third Colour, Spacegirl, War Being Waged (Prairie Theatre Exchange); Ministry of Grace, Time Stands Still, O’Kosi (MT7); Sky Dancers (A'nó:wara Dance Theatre); Raven Mother (Dancers of Damelahamid); Finding Wolastoq Voice (Theatre New Brunswick); Blood Water Earth, Blood Tides, The Mush Hole (Kaha:wi Dance Theatre).
Film et vidéo : RECKONING (ARTICLE 11); Road to Hasalala Danxalax (Chan Ctr/Marion Newman). À venir : The Ring Cycle: Das Rheingold pour l'Edmonton Opera.
Andy est d'origine mixte Euro/Omushkegowuk et vit actuellement à Calgary.
Charles Koroneho works in the fields of performance and culture. He explores cultural collaboration and the intersection between dance, theatre, visual arts and design. His projects are presented as performances, research workshops and arts collaborations exploring the collision between Maori cosmology, New Zealand society and global cultures.
Koroneho is a graduate of the New Zealand School of Dance and Elam School of Fine Arts, University of Auckland. He shares his vision of dance and performance by providing movement, improvisation and creative workshops for dancers, actors and performance artists. He supports the arts community as a choreographer, collaborative director, cultural consultant and mentor.
Charles Koroneho travaille dans les domaines du spectacle et de la culture. Il explore la collaboration culturelle et l’intersection des pratiques de la danse, du théâtre, des arts visuels et de la conception. Ses projets prennent la forme de représentations, d’ateliers de recherche et de collaborations artistiques qui explorent le choc entre la cosmologie maorie, la société néo-zélandaise et les cultures du monde entier.
Charles Koroneho est diplômé de la New Zealand School of Dance et de la Elam School of Fine Arts de l’Université d’Auckland. Il transmet sa vision de la danse et des spectacles grâce à des ateliers de mouvement, d’improvisation et de création destinés à des interprètes de danse, des actrices et des acteurs, ainsi que des artistes de performance. Il soutient la communauté artistique en tant que chorégraphe, collaborateur à la mise en scène, consultant culturel et mentor.
Directrice artistique et chorégrapheMargaret Grenier
Directrice générale et artistique de la compagnie Dancers of Damelahamid, Margaret Grenier produit également le Coastal Dance Festival, qui a lieu chaque année depuis 2008. Ses chorégraphies qui mêlent danses gitxsanes et cries à des modes d’expression actuels contribuent à redéfinir la danse autochtone contemporaine. Titulaire d’une maîtrise en enseignement des arts de l’Université Simon Fraser, elle détient également un baccalauréat ès sciences de l’Université McGill avec une majeure en géographie et une mineure en sciences de l’environnement. Elle possède par ailleurs une solide expérience en tant qu’oratrice et conférencière : elle a mené des ateliers et des classes de maître dans le cadre de programmes de formation en danse et a été chargée de cours à l’Université Simon Fraser (2007) ainsi que professeure au Centre des arts de Banff (2013). Margaret Grenier a de plus fait des présentations à la Conférence mondiale des peuples autochtones sur l’éducation en Australie (2008 et 2023), au Pérou (2011) et à Hawaï (2015). Elle a reçu le prix Reveal (2017) et le prix d’excellence Walter Carsen pour les arts de la scène (2020).
Concepteur des décors et œuvres d’artAndrew Grenier
Depuis 20 ans, Andrew Grenier se forme aux côtés de Dancers of Damelahamid, avec qui il se produit depuis 2004. Dès cette même année, il crée les décors des productions de la compagnie, puis, à partir de 2008, ceux du Coastal Dance Festival, en utilisant des étoffes et du bois de cèdre. Il veille à tous les besoins techniques et scéniques de la compagnie, en plus d’œuvrer comme directeur de production pour le Coastal Dance Festival. Andrew Grenier est titulaire d’un baccalauréat ès sciences de l’Université McGill et d’une maîtrise en éducation environnementale de l’Université Simon Fraser.
Conceptrice et créatrice des tenues cérémoniellesRebecca Baker-Grenier
Hawilkwalał Rebecca Baker-Grenier, est d’ascendance kwakiuł, musgamagw dzawada’enuwx et sḵwx̱wú7mesh. Artiste multidisciplinaire, elle détient un baccalauréat ès arts de l’Université de la Colombie-Britannique. Elle est directrice artistique associée de la compagnie Dancers of Damelahamid et directrice associée du Coastal Dance Festival. Interprète de danses de pow-wow depuis plus de 20 ans, Rebecca Baker-Grenier se produit au sein de Dancers of Damelahamid depuis 2014 et a créé les tenues cérémonielles de plusieurs productions de la compagnie : Flicker (2016), Mînowin (2019), Spirit and Tradition Remount (2020) et Raven Mother (2024). Elle s’est initiée à la création de mode en 2021 aux côtés de Pam Baker et a suivi le programme de haute couture autochtone du Centre des arts de Banff en 2022. En 2021, elle a obtenu une bourse d’études pour artistes émergents de la YVR Art Foundation et l’année suivante, elle a présenté sa première collection à la Fashion Week de New York. Sa plus récente collection, « we are warriors », a été dévoilée lors du SWAIA Fashion Show du Santa Fe Indian Market (août 2023), avant d’être présentée à la Vancouver Fashion Week et à la Vancouver Indigenous Fashion Week (2023) ainsi que dans le cadre du festival Indigenous Fashion Arts de Toronto (mai 2024). Exposées à la galerie Bill Reid, au Musée de Vancouver et à l’aéroport de Vancouver, ses créations sont également mises à l’honneur dans les pages de Vogue, Vogue Italia et Elle Canada. Son œuvre « Held by Generations » sera présentée au musée américain d’histoire naturelle de New York en 2024–2025.
Compositrice et chanteuseRaven Grenier
Raven Grenier a été formée dès son plus jeune âge par ses grands-parents, les Aînés Kenneth et Margaret Harris. Elle a participé aux productions Setting the Path (2004) et Sharing the Spirit (2007) ainsi qu’à la tournée de la compagnie en Nouvelle-Zélande en 2008 et à l’Exposition universelle de Shanghai, en Chine, en 2010. On a également pu la voir dans Visitors Who Never Left (2009), Dancing our Stories (2010), Spirit Transforming (2012 et 2015) et Flicker (2016). Chanteuse et artiste visuelle, Raven Grenier est aussi une danseuse accomplie, qui participe à des championnats au sein de la Nora Pickett Irish Dance Academy. Elle termine actuellement son baccalauréat en arts à l’Université de la Colombie-Britannique.
Adjoint à la compositionTed Hamilton
Concepteur des éclairagesJeff Harrison
Établi à Vancouver, Jeff Harrison est le lauréat de quatre prix Jessie pour ses conceptions d’éclairages dans les productions PharaohSerket & the Lost Stone of Fire (Carousel Theatre), Floyd Collins (Patrick Street Theatre), Blasted (Pi Theatre) et Hand to God (Arts Club). Il est membre de l’Association des designers canadiens (AIEST, section locale ADC659). Il a également conçu les éclairages de Little Red Warrior & His Lawyer (Savage Society), Beautiful Man (Pi Theatre), Batboy the Musical et The Full Monty (Patrick Street Theatre), Children of God (Urban Ink), Beneath Springhill (Arts Club) et Women of the Fur Trade (Théâtre autochtone du CNA).
Concepteur des projectionsAndy Moro
Andy Moro est le codirecteur artistique, avec Tara Beagan, de la troupe ARTICLE 11, qui doit son nom à l’article de la Déclaration des Nations Unies sur les droits des peuples autochtones.
Au théâtre : The Unnatural and Accidental Women (CNA); The Herd (Tarragon Theatre); Rise Red River (ARTICLE 11 Theatre Cercle Moliere, Prairie Theatre Exchange); PISUWIN (Atlantic Ballet) Sleuth, Extractionist, Gaslight (Vertigo Theatre), NOMADA (Diana Lopez Soto), F WORD (Downstage, Alberta Theatre Projects), Ministry of Grace, Reckoning, ROOM, Declaration, Deer Woman (ARTICLE 11); Little Women, Honour Beat (Theatre Calgary); Hookman (Université de Calgary et Chromatic); Post Mistress, Rez Sisters (Royal Manitoba Theatre Centre); Blackhorse (Caravan); The Herd (Citadel et Tarragon); Frozen River (Manitoba Theatre for Young People); Third Colour, Spacegirl, War Being Waged (Prairie Theatre Exchange); Ministry of Grace, Time Stands Still, O’Kosi (MT7); Sky Dancers (A'nó:wara Dance Theatre); Raven Mother (Dancers of Damelahamid); Finding Wolastoq Voice (Theatre New Brunswick); Blood Water Earth, Blood Tides, The Mush Hole (Kaha:wi Dance Theatre).
Film et vidéo : RECKONING (ARTICLE 11); Road to Hasalala Danxalax (Chan Ctr/Marion Newman). À venir : The Ring Cycle: Das Rheingold pour l'Edmonton Opera.
Andy est d'origine mixte Euro/Omushkegowuk et vit actuellement à Calgary.
Collaborateur à la mise en scèneCharles Koroneho
Charles Koroneho travaille dans les domaines du spectacle et de la culture. Il explore la collaboration culturelle et l’intersection des pratiques de la danse, du théâtre, des arts visuels et de la conception. Ses projets prennent la forme de représentations, d’ateliers de recherche et de collaborations artistiques qui explorent le choc entre la cosmologie maorie, la société néo-zélandaise et les cultures du monde entier.
Charles Koroneho est diplômé de la New Zealand School of Dance et de la Elam School of Fine Arts de l’Université d’Auckland. Il transmet sa vision de la danse et des spectacles grâce à des ateliers de mouvement, d’improvisation et de création destinés à des interprètes de danse, des actrices et des acteurs, ainsi que des artistes de performance. Il soutient la communauté artistique en tant que chorégraphe, collaborateur à la mise en scène, consultant culturel et mentor.
Margaret Grenier is of Gitxsan and Cree ancestry. She is the Executive and Artistic Director for the Dancers of Damelahamid. She has produced the Coastal Dance Festival since 2008. Margaret’s multimedia choreographic works bridge Gitxsan and Cree dance forms with current expressions. Her works have toured internationally and include Setting the Path (2004) and Spirit and Tradition (2007), and Visitors Who Never Left (2009), Luu hlotitxw (2012), Flicker (2016), and Mînowin (2019). Mînowin premiered at the Mòshkamo Festival, National Arts Centre, Ottawa (2019) and at the Festival Internacional Cervantino in Guanajuato, Mexico. Margaret holds a M.A. from Simon Fraser University and a B.Sc. from McGill University. She was a sessional instructor for Simon Fraser (2007) and faculty at the Banff Centre (2013). She received the REVEAL Award (2017), the Walter Carsen Prize for Excellence in the Performing Arts (2020), DSA Distinction in Dance Award (2022), and the Isadora Award (2024).
Directrice générale et artistique de la compagnie Dancers of Damelahamid, Margaret Grenier produit également le Coastal Dance Festival, qui a lieu chaque année depuis 2008. Ses chorégraphies qui mêlent danses gitxsanes et cries à des modes d’expression actuels contribuent à redéfinir la danse autochtone contemporaine. Titulaire d’une maîtrise en enseignement des arts de l’Université Simon Fraser, elle détient également un baccalauréat ès sciences de l’Université McGill avec une majeure en géographie et une mineure en sciences de l’environnement. Elle possède par ailleurs une solide expérience en tant qu’oratrice et conférencière : elle a mené des ateliers et des classes de maître dans le cadre de programmes de formation en danse et a été chargée de cours à l’Université Simon Fraser (2007) ainsi que professeure au Centre des arts de Banff (2013). Margaret Grenier a de plus fait des présentations à la Conférence mondiale des peuples autochtones sur l’éducation en Australie (2008 et 2023), au Pérou (2011) et à Hawaï (2015). Elle a reçu le prix Reveal (2017) et le prix d’excellence Walter Carsen pour les arts de la scène (2020).
Conceptrice et créatrice des tenues cérémonielles et interprète
Rebecca Baker-Grenier
Hawilkwalał, Rebecca, is of Kwakiuł, Dzawada’enuwx, and Sḵwx̱̱wú7mesh ancestry. She is a multidisciplinary artist with a BA from the University of British Columbia. Rebecca is the Artistic Associate for the Dancers of Damelahamid and the Festival Associate for the Coastal Dance Festival. Rebecca has been dancing with the company since 2014 and is a pow-wow dancer with over 20 years of experience. She is the Regalia Designer for the company’s productions Flicker (2016), Mînowin (2019), Spirit and Tradition Remount (2020), and Raven Mother (2024). She began fashion design in 2021, debuting at New York Fashion Week (2022) followed by SWAIA Santa Fe Indian Market, Vancouver Fashion Week, Vancouver Indigenous Fashion Week, and Indigenous Fashion Arts Toronto. Her work has been on exhibit at the American Museum for Natural History in New York, the Bill Reid Gallery, Museum of Vancouver, YVR Airport, and featured in Vogue and Elle Canada. She was the recipient of the YVR Emerging Artist Award, 2021.
Hawilkwalał Rebecca Baker-Grenier, est d’ascendance kwakiuł, musgamagw dzawada’enuwx et sḵwx̱wú7mesh. Artiste multidisciplinaire, elle détient un baccalauréat ès arts de l’Université de la Colombie-Britannique. Elle est directrice artistique associée de la compagnie Dancers of Damelahamid et directrice associée du Coastal Dance Festival. Interprète de danses de pow-wow depuis plus de 20 ans, Rebecca Baker-Grenier se produit au sein de Dancers of Damelahamid depuis 2014 et a créé les tenues cérémonielles de plusieurs productions de la compagnie : Flicker (2016), Mînowin (2019), Spirit and Tradition Remount (2020) et Raven Mother (2024). Elle s’est initiée à la création de mode en 2021 aux côtés de Pam Baker et a suivi le programme de haute couture autochtone du Centre des arts de Banff en 2022. En 2021, elle a obtenu une bourse d’études pour artistes émergents de la YVR Art Foundation et l’année suivante, elle a présenté sa première collection à la Fashion Week de New York. Sa plus récente collection, « we are warriors », a été dévoilée lors du SWAIA Fashion Show du Santa Fe Indian Market (août 2023), avant d’être présentée à la Vancouver Fashion Week et à la Vancouver Indigenous Fashion Week (2023) ainsi que dans le cadre du festival Indigenous Fashion Arts de Toronto (mai 2024). Exposées à la galerie Bill Reid, au Musée de Vancouver et à l’aéroport de Vancouver, ses créations sont également mises à l’honneur dans les pages de Vogue, Vogue Italia et Elle Canada. Son œuvre « Held by Generations » sera présentée au musée américain d’histoire naturelle de New York en 2024–2025.
Compositrice et chanteuse, artiste de la côte nord-ouest et interprète
Raven Grenier
Raven is an emerging choreographer, Indigenous contemporary dance artist, singer, and visual artist in formline design. She is a 4th year Indigenous Studies student at UBC and the Artistic and Administrative Assistant for Dancers of Damelahamid. Her silk screened limited edition prints are available at Lattimer gallery and Coastal Peoples Gallery in Vancouver. Raven’s work is also available at MOA Gift shop, and has been on display at her exhibition at the Dance Centre where her up-cycled mini collection was featured. Her films Spanochnonga and Lax Yip were commissioned by FORM and have been screened at FORM 2022 and 2023, Matriarchs Uprising 2024, Weesageechak 2023, live at Vines 2023, New Works 2023, and more. Her current project Wolverine is an in-the-works EP, music video, and choreographed performance supported by the Raven Spirit Dance Pakitinam mentorship program. The short experimental film was supported by Co Erasga and premiered at What Lab salon studio spring series.
Raven Grenier a été formée dès son plus jeune âge par ses grands-parents, les Aînés Kenneth et Margaret Harris. Elle a participé aux productions Setting the Path (2004) et Sharing the Spirit (2007) ainsi qu’à la tournée de la compagnie en Nouvelle-Zélande en 2008 et à l’Exposition universelle de Shanghai, en Chine, en 2010. On a également pu la voir dans Visitors Who Never Left (2009), Dancing our Stories (2010), Spirit Transforming (2012 et 2015) et Flicker (2016). Chanteuse et artiste visuelle, Raven Grenier est aussi une danseuse accomplie, qui participe à des championnats au sein de la Nora Pickett Irish Dance Academy. Elle termine actuellement son baccalauréat en arts à l’Université de la Colombie-Britannique.
Nigel is of Gitksan and Cree ancestry. He has been a dancer and singer for Dancers of Damelahamid for all of its productions since Sharing the Spirit (2007). He created his first solo piece, Talking Past Each Other, in 2018. Nigel is also a lawyer at White Raven Law. His legal practice focuses on supporting Indigenous governments in asserting their Aboriginal rights and title, as well as navigating environmental, administrative, and natural resources law. Nigel holds a Bachelor of Arts in the History Honours program at the University of British Columbia and a Juris Doctor from the Peter A. Allard School of Law. He is a former Adjunct Professor at the Peter A. Allard School of Law, where he taught at the Indigenous Community Legal Clinic for several years. Nigel has also researched and published on Gitksan and Cree Indigenous legal orders. He is currently engaged in a three-year Cree language mentorship, funded by First People’s Cultural Council.
Danseur et chanteur principal de la compagnie depuis Sharing the Spirit (2007), Nigel Baker-Grenier s’est aussi produit dans Visitors Who Never Left (2009), Dancing Our Stories (2010) et Spirit and Tradition (2010). Son habileté à intégrer savoirs et entraînements ancestraux et contemporains l’a bien servi pour créer le rôle principal des pièces de danse contemporaine Spirit Transforming en 2012 et Flicker en 2016. Il a représenté Dancers of Damelahamid à la conférence sur le marché des arts de la scène en Australie en 2016 et à la Conférence mondiale des peuples autochtones sur l’éducation en 2014 et 2017. En tant que jeune conteur, il a aussi remporté le National Aboriginal Writing Challenge, un concours de rédaction de nouvelles pour les jeunes Autochtones, en 2008. Nigel Baker-Grenier continue de nourrir son intérêt pour les récits à l’université. Il détient deux diplômes de l’Université de la Colombie-Britannique : un baccalauréat ès arts spécialisé en histoire et un Juris Doctor (J.D.) axé sur les lois autochtones et les lois environnementales. Il a fait partie du comité du pow-wow Nehiyo-paskwa-itsimowan de 2014 à 2017 et a travaillé avec des jeunes Autochtones dans le cadre du programme Native Youth du Musée d’anthropologie de l’Université de la Colombie-Britannique, du programme Musqueam Youth et du camp d’été CEDAR.
David A. Boxley is a Tsimshian carver from Metlakatla, Alaska. He holds a Bachelor of Science Degree from Seattle Pacific University. He is a nationally recognized Indigenous artist showing and demonstrating his art in many parts of the United States and Europe and is the first Alaskan Tsimshian to achieve national prominence. Boxley's artworks are in the collections of the King and Queen of Sweden, the Emperor of Japan, the President of West Germany, the Mayor of Chongging (China), Microsoft, Walt Disney World, Knott's Berry Farm and numerous other private collectors of fine Northwest Coast art. He is particularly well respected as a totem pole carver, having carved 85 poles in the last 45 years. He has taught and demonstrated at numerous established museums and institutes around the world, including the Smithsonian Institute, Museum of Natural History, Burke Museum, Heard Museum, Glasgow Arts Center, Museum of Civilization, Disney World, the Alaska Native Heritage Center, and many more. Boxley is deeply involved in the rebirth of Tsimshian culture through organizing and hosting Potlatches in Alaska and Washington, and hosted the first Seattle Northwest Coast Potlatch in one hundred years in 1996. He was also responsible for reintroducing the potlatch back to his home village of Metlakatla, Alaska. David has been directly involved in the formation of four successful dance groups. He led the Tsimshian Haayuuk for 6 years, and now has a new group called the Git-Hoan. David has written over 40 songs in his Native language.
David A. Boxley est un sculpteur tsimshian originaire de Metlakatla, en Alaska. Il est titulaire d’un baccalauréat ès sciences de l’Université Seattle Pacific. Premier Tsimshian d’Alaska à acquérir une stature nationale en tant qu’artiste autochtone, il présente ses œuvres dans de nombreuses régions des États-Unis et d’Europe. Ses créations font partie des collections du roi et de la reine de Suède, de l’empereur du Japon, de l’ancien président d’Allemagne de l’Ouest, du maire de la ville chinoise de Chongqing, de Microsoft, de Walt Disney World, de Knott’s Berry Farm et de nombreux autres collectionneurs privés de la côte nord-ouest. Il est particulièrement reconnu pour ses talents de sculpteur de totems : il en a sculpté 85 au cours des 45 dernières années. Il a enseigné et fait des présentations dans un grand nombre de musées et d’instituts partout dans le monde, comme le musée d’histoire naturelle de la Smithsonian Institution, le musée Burke, le musée Heard, le Centre des arts contemporains de Glasgow, le Musée canadien de l’histoire, Disney World, l’Alaska Native Heritage Center et bien d’autres. Il participe ardemment à la revitalisation de la culture tsimshiane en organisant des potlatches en Alaska et dans l’État de Washington. En 1996, il a organisé à Seattle le premier potlatch de la côte nord-ouest en 100 ans. Il a également été responsable de la réintroduction de cette tradition dans son village d’origine, à Metlakatla, en Alaska. David Boxley a par ailleurs directement contribué à la formation de quatre groupes de danse à succès. À la tête de Tsimshian Haayuuk pendant six ans, il fait aujourd’hui partie d’un nouveau groupe nommé Git-Hoan. Il a écrit plus de 40 chansons dans sa langue maternelle.
David Robert Boxley est un sculpteur tsimshian reconnu originaire de Metlakatla, en Alaska. Il est le fils aîné du célèbre sculpteur David Albert Boxley. David Robert Boxley a commencé son apprentissage de la sculpture à six ans sous la tutelle de son père. C’est à peu près au même moment qu’il a également commencé à voyager partout aux États-Unis pour aider son père à installer des totems et à diffuser la culture des Tsimshians.
À l’âge adulte, il a continué à exprimer sa passion et son respect pour la culture de son peuple dans son art, ses spectacles culturels et ses cours. Son style élégant s’inspire d’une tradition bien établie de sculpture et de conception tsimshian et a été largement influencé par les enseignements de son père et de grands maîtres. Entre 2009 et 2011, David Robert Boxley a travaillé aux côtés de l’artiste haïda Robert Davidson, dont les conseils lui ont permis de parfaire son art jusqu’à devenir l’un des grands noms de l’art de la côte nord-ouest.
David Robert Boxley est un sculpteur tsimshian reconnu originaire de Metlakatla, en Alaska. Il est le fils aîné du célèbre sculpteur David Albert Boxley. David Robert Boxley a commencé son apprentissage de la sculpture à six ans sous la tutelle de son père. C’est à peu près au même moment qu’il a également commencé à voyager partout aux États-Unis pour aider son père à installer des totems et à diffuser la culture des Tsimshians.
À l’âge adulte, il a continué à exprimer sa passion et son respect pour la culture de son peuple dans son art, ses spectacles culturels et ses cours. Son style élégant s’inspire d’une tradition bien établie de sculpture et de conception tsimshian et a été largement influencé par les enseignements de son père et de grands maîtres. Entre 2009 et 2011, David Robert Boxley a travaillé aux côtés de l’artiste haïda Robert Davidson, dont les conseils lui ont permis de parfaire son art jusqu’à devenir l’un des grands noms de l’art de la côte nord-ouest.
Jim Charlie is a member of the Squamish Nation, whose territory stretches from North and West Vancouver to Whistler, BC. As the grandson of the late Dominique Charlie, an accomplished carver, Jim was educated in the histories and culture of the Salish peoples throughout his youth. He has been inspired by those traditions in his artwork. Charlie began carving in his adolescence and has been creating Northwest Coast art for over three decades almost exclusively with wood. Over the years, he has studied under Salish carvers Floyd Joseph and Jacob Lewis as well as the renowned Gitksan artist Phil Janze. Charlie’s work represents a variety of Northwest Coast legends and is notable for its broad and accessible style. He has exhibited pieces at the Seattle Art Fair and most recently completed a commission at the Vancouver International Airport.
Jim Charlie est membre de la Nation des Squamish, dont le territoire s’étend du nord et de l’ouest de Vancouver à Whistler, en Colombie-Britannique. Petit-fils du regretté Dominique Charlie, un sculpteur accompli, Jim Charlie a été bercé par les histoires et la culture des peuples salish pendant toute sa jeunesse. Ces traditions ont inspiré ses créations artistiques. Il a commencé la sculpture à l’adolescence et crée depuis plus de 30 ans des œuvres d’art de la côte nord-ouest, quasiment exclusivement en bois. Au fil des années, il s’est formé aux côtés des sculpteurs salish Floyd Joseph et Jacob Lewis ainsi que de l’artiste gitksan de renom Phil Janze. Les œuvres de Jim Charlie illustrent plusieurs légendes de la côte nord-ouest et se démarquent par leur style polyvalent et accessible. Il a exposé des créations à la Seattle Art Fair et a récemment réalisé une commande pour l’aéroport international de Vancouver.
Compositrice et chanteuse, artiste de la côte nord-ouest et interprète
Raven Grenier
Raven is an emerging choreographer, Indigenous contemporary dance artist, singer, and visual artist in formline design. She is a 4th year Indigenous Studies student at UBC and the Artistic and Administrative Assistant for Dancers of Damelahamid. Her silk screened limited edition prints are available at Lattimer gallery and Coastal Peoples Gallery in Vancouver. Raven’s work is also available at MOA Gift shop, and has been on display at her exhibition at the Dance Centre where her up-cycled mini collection was featured. Her films Spanochnonga and Lax Yip were commissioned by FORM and have been screened at FORM 2022 and 2023, Matriarchs Uprising 2024, Weesageechak 2023, live at Vines 2023, New Works 2023, and more. Her current project Wolverine is an in-the-works EP, music video, and choreographed performance supported by the Raven Spirit Dance Pakitinam mentorship program. The short experimental film was supported by Co Erasga and premiered at What Lab salon studio spring series.
Raven Grenier a été formée dès son plus jeune âge par ses grands-parents, les Aînés Kenneth et Margaret Harris. Elle a participé aux productions Setting the Path (2004) et Sharing the Spirit (2007) ainsi qu’à la tournée de la compagnie en Nouvelle-Zélande en 2008 et à l’Exposition universelle de Shanghai, en Chine, en 2010. On a également pu la voir dans Visitors Who Never Left (2009), Dancing our Stories (2010), Spirit Transforming (2012 et 2015) et Flicker (2016). Chanteuse et artiste visuelle, Raven Grenier est aussi une danseuse accomplie, qui participe à des championnats au sein de la Nora Pickett Irish Dance Academy. Elle termine actuellement son baccalauréat en arts à l’Université de la Colombie-Britannique.
Mangyepsa Gyipaayg, whose English name is Kandi McGilton, is a Ts’msyen (Tsimshian) artist from Metlakatla, Alaska. Her work focuses primarily on beaded devilfish bags and Annette Island cedar bark weaving, and has included ancient designs of these traditional artforms in her work with Eighth Generation.
A self-taught beader, Kandi’s award-winning devilfish bags, which are traditional pieces of regalia, are known for their elegant aesthetic, tasteful color combinations, and creative use of space.
The endangered and unique Annette Island basketry style, preserved and taught to her by renowned Haida weaver Iilskyalas—Dr. Delores Churchill—features an intricate and visually-striking element called “false embroidery.” She also apprenticed with Haida weaver Holly Churchill and teaches Annette Island weaving when possible.
Mangyepsa Gyipaayg, dont le nom anglais est Kandi McGilton, est une artiste ts’msyen (tsimshian) de Metlakatla, en Alaska. Elle crée principalement des sacs « pieuvre » perlés et des objets tissés en écorce de cèdre de l’île Annette. Elle intègre des modèles anciens de ces formes d’art traditionnelles à son travail avec Eighth Generation.
Kandi McGilton a appris le perlage en autodidacte. Ses sacs « pieuvre » primés, qui font partie des tenues cérémonielles traditionnelles, sont réputés pour leur élégance, leurs associations de couleurs soignées et leur utilisation créative de l’espace.
L’art unique et menacé du tissage de paniers de l’île Annette est préservé par la tisserande haïda Iilskyalas de renom Delores Churchill qui l’a enseigné à l’artiste. Il se caractérise par un motif complexe et visuellement saisissant qu’on appelle « fausse broderie ». Kandi McGilton a également été l’apprentie de la tisserande haïda Holly Churchill et enseigne le tissage de l’île Annette dès qu’elle en a l’occasion.
Seattle Native Dylan Sanidad is an indigenous artist with roots from Haida, Tlingit, Tsimshian and Filipino culture. Being a part of dance group Git-Hoan “People of the Salmon” inspired Dylan to begin his journey of representing his cultural stories through traditional indigenous art. Dylan envisioned the creation of his designs to showcase his pride and representation of his indigenous culture. Traditional masks, rattles, paddles, bowls, and trays are some of the favorites he enjoys creating. His art continues the path of cultural revitalization and resilience of indigenous history.
Dylan shows his passion and love for the art with the energy he puts into all of his pieces. He enjoys following the traditional concepts of the art while also putting his own personal touch to the art. He enjoys telling stories through art and hopes to reach a new audience that isn’t familiar with the northwest coast art. “I enjoy showing this art because it shows my people are still here and surviving in the modern world.”
Né à Seattle, Dylan Sanidad est un artiste autochtone avec des racines haïda, tlingit, tsimshian et philippines. Faire partie du groupe de danse Git-Hoan (« peuple du saumon ») l’a incité à réfléchir à la représentation des histoires de sa culture grâce à l’art autochtone traditionnel. Ses créations visent à illustrer sa fierté et à représenter sa culture. Les masques, les hochets, les pagaies, les bols et les plateaux traditionnels font partie des objets qu’il préfère créer. Son art s’inscrit dans le processus de revitalisation et de résilience culturelle de l’histoire autochtone.
Sa passion pour l’art se traduit dans l’énergie qu’il met dans toutes ses œuvres. Il aime suivre les concepts traditionnels de l’art tout en y apportant sa touche personnelle. Il raconte des histoires grâce à ses créations et espère toucher de nouveaux publics qui ne connaissent pas l’art de la côte nord-ouest. « J’aime montrer cet art, car il prouve que mon peuple est toujours là et survit dans le monde moderne. »
Production / Département de la Production
Spike Lyne
Porte-parole culturelle
Mairi Brascoupé
Coordonnatrice d’éducation
Kerry Corbiere
Stratège communication
Ian Hobson
Stratège marketing
Marie-Pierre Chaumont
Agente supérieure du Marketing
Bridget Mooney
Équipe de Danse CNA
Productrice générale
Caroline Ohrt
Productrice principale
Tina Legari
Directeur technique
Brian Britton
Coordonnatrice des projets spéciaux et adjointe de la productrice générale
Mireille Nicholas
Chargée de compagnies
Sophie Anka
Associée en éducation et artiste-enseignante
Siôned Watkins
Stratège, marketing
Marie-Chantale Labbé-Jacques
Stratège, communication
Alexandra Campeau
Partenaire de la saison - Théâtre Autochtone du CNA
Partenaire hôtelier officiel - Théâtre Autochtone du CNA
Partenaire présentateur #ReconcileThis
Partenaire hôtelier officiel - Danse CNA
Alliance internationale des employés de scène et de théâtre
Reconnaître votre appui et votre passion
Chaque saison, des milliers de particuliers, d’entreprises et de fondations manifestent leur passion pour les arts de la scène au Canada en faisant un don au Centre national des Arts. Vos dons contribuent à mettre de l’avant des prestations remarquables sur la scène du pays, inspirent nos créateurs et offrent à nos jeunes des occasions d’apprentissage qui peuvent changer leur vie.
Nos fidèles mécènes méritent toute notre reconnaissance pour le rôle important qu’ils jouent. Accordez-vous une bonne main d’applaudissement.
