Paris, 9 octobre 1835
Alger, 16 décembre 1921

La carrière de Camille Saint-Saëns est l’une des plus étonnantes de l’histoire de la musique. Il avait l’oreille absolue, une mémoire infaillible, et des dons de virtuose au piano et à l’orgue. Il est le premier compositeur d’envergure qui ait écrit de la musique de film. Il a composé ses premières pièces à cinq ans, et plus de huit décennies plus tard, produisait encore de la musique « aussi naturellement qu’un pommier donne des pommes », ainsi qu’il l’affirmait lui-même. À part la musique, il s’est passionné pour les mathématiques, l’astronomie, la géologie et l’archéologie, faisant montre d’une impressionnante érudition dans ces domaines.

Saint-Saëns était aussi un grand voyageur. De sa France natale, il s’est rendu jusqu’à San Francisco et Singapour. Il s’est pris d’affection pour l’Afrique du Nord (il est mort à Alger), et a donné des concerts dans toute l’Europe, de Londres à Saint-Pétersbourg. Lors de son deuxième séjour en Russie, en 1887, il avait pour compagnons de voyage les célèbres virtuoses français Paul Taffanel (flûte), Ernest Gillet (hautbois) et Paul Turban (clarinette). Avant d’entreprendre ce voyage, qui comportait aussi des concerts au Danemark, Saint-Saëns a écrit le Caprice sur des airs danois et russes pour ce trio d’instruments à vent avec piano. Il se trouve que la tsarine Marie Feodorovna, dédicataire de l’œuvre, était également une princesse danoise.

Cette pièce, dont l’exécution dure onze minutes, se présente sous la forme de deux séries de variations, la première sur un air russe (d’abord à la flûte en ré mineur), la seconde sur un air danois (au hautbois, en fa majeur), en plus d’une introduction. Les quatre instruments interviennent en parts égales dans de charmantes idées mélodiques et des éclairs de virtuosité. 

Traduit d’après Robert Markow

Tourcoing, 5 avril 1869
Royan, 23 août 1937

Albert Roussel est venu tard à la musique. Comme Rimski-Korsakov, il a servi dans la marine de son pays avant de démissionner en 1894, à 25 ans, pour suivre son penchant naturel pour la musique. Il a étudié pendant une dizaine d’années, principalement comme élève de Vincent d’Indy à la Schola Cantorum de Paris. Des leçons de celui-ci, il a retenu un sens aigu de la construction musicale solide et logique, ainsi que des bases théoriques approfondies. Son style est difficile à classer : d’une œuvre à l’autre, on peut trouver dans sa musique des formes néoclassiques et des textures équilibrées, des éléments impressionnistes, des sonorités orchestrales sensuelles, des gammes et des rythmes orientaux, et des techniques aussi modernes que la polytonalité et la polyrythmie. Le Divertissement affiche les qualités typiquement françaises d’élégance, de raffinement et d’équilibre. Est-ce par pure coïncidence ou par choix délibéré que l’opus 6 du compositeur, écrit en 1906, réunit six instruments, et que son exécution dure un peu plus de six minutes?

 L’union du piano avec un quintette d’instruments à vent a rarement été accomplie dans les annales de la composition musicale. À part Poulenc, le seul autre compositeur auquel les mélomanes peuvent penser spontanément dans ce type de répertoire est Vincent d’Indy. Les connaisseurs les plus avertis citeront peut-être les noms de Hans Huber, Gordon Jacob, Joseph Jongen, Paul Juon, Ludwig Thuille (dont le sextuor, comme celui de Roussel, est l’opus 6) et Louise Farrenc, dont le Sextuor de 1852 pourrait bien être la première œuvre du genre. 

Le Divertissement de Roussel est un simple rondo avec un thème principal dynamique et guilleret, alternant avec deux idées lyriques contrastées (ABACA), dont la première est exposée par le hautbois sur des timbres langoureux, et la seconde, par le cor. Les cinq instruments à vent ont chacun leurs passages en solo, en plus de s’unir dans des combinaisons qui varient constamment.

Traduit d’après Robert Markow

Paris, 7 janvier 1899
Paris, 30 janvier 1963

Dans les années 1920, Francis Poulenc s’est joint à cinq autres compositeurs parisiens – Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud et Germaine Tailleferre – qui se faisaient appeler les Nouveaux jeunes. Un article de journal paru en 1920 les a surnommés Les Six, et c’est désormais sous ce nom qu’ils se sont fait connaître. Tournant le dos à l’impressionnisme vaporeux de Debussy, au mysticisme chromatique de Franck et au romantisme tardif de Richard Strauss et Mahler, leur musique renouait plutôt avec la sobriété et la limpidité du classicisme français, en y intégrant des influences de jazz et de music-hall, et en y incorporant l’humeur badine et légère d’un groupe d’amis en goguette dans le Montmartre de l’époque.

Poulenc a écrit son Sextuor entre 1930 et 1932, et l’a remanié en 1938–1939. C’est une composition substantielle, l’une des plus longues de sa production pour formations de chambre. L’œuvre est devenue non seulement l’un des piliers du répertoire pour petits ensembles du XX^e siècle, mais aussi l’exemple le plus célèbre, et de loin, d’une œuvre écrite pour la combinaison du piano avec un quintette d’instruments à vent. Comme la plupart des pièces de chambre de Poulenc, le Sextuor est en trois mouvements. Le premier est un vif Allegro qui pétille de thèmes savoureux et d’humour taquin. La section centrale contient une nouvelle idée sur un tempo lent et langoureux. On retrouve ici la piété expressive et l’humeur méditative caractéristiques du style de Poulenc. Du point de vue harmonique, le début de la reprise est marquant : alors que l’exposition s’ouvrait dans la tonalité de la, ce matériau revient en ré pour les vents, tandis que l’accompagnement au piano reste en la – un superbe exemple de ce que les musicologues appellent « harmonie non fonctionnelle ». Le deuxième mouvement est un charmant divertissement avec une section médiane enjouée. Le troisième mouvement, un rondo, se conclut par un long postlude qui développe plus avant le thème langoureux de la section centrale du premier mouvement.

Traduit d’après Robert Markow