2024-06-12 19:302024-06-16 22:0060Canada/Eastern🎟 CNA : You used to call me Marie...
https://nac-cna.ca/fr/event/33716
Événement en personne
Une production de A Savage Society et du Théâtre autochtone du CNA
Une épique histoire d’amour métisse.
Une histoire d’amour, une fresque historique et un hommage aux danses et chansons métisses, You used to call me Marie… donne vie aux récits des femmes Callihoo de l’Alberta. La musique emplit la salle et les chevaux s’animent à mesure que l’histoire de Marie Callihoo s’écrit à travers les...
Tai Amy Grauman (MFA) is Métis Cree with ties to Haudenosaunee voyageurs from Ardrossan Alberta. She is a Callihoo as well as a Beauregard and her family comes from a community in Alberta formerly known as St. Paul des Métis. She is the first elected Provincial Women’s Representative as part of the first Otipemisiawk Métis Government within Alberta.
“I have done a lot but I think the people who got me here are more important than what I have accomplished.
First of all, my Mom and Dad are my foundation. They gave me the space to experience the wonderful and magical world of theatre. Thank you for the ponies, the music and dance lessons and all the love that made all my beautiful dreams come to life.
I would also like to thank Savage Society for everything they have done for me. I would not have this artistic career without their unfaltering support. Kevin and Chelsea, thank you for teaching me the true meaning of loyalty, mentorship, community and how powerful storytelling can be.
Last but definitely not least, I would like to thank the Métis Nation of Alberta and Audrey Poitras for her 28 years of leadership. I would not be here today without all the Métis leaders in Alberta who came before me. Thank you for giving us our stories back.”
Tai Amy Grauman est une métisse crie qui a des liens avec les voyageurs haudenosaunees d’Ardrossan, en Alberta. Callihoo et Beauregard, elle est issue d’une famille originaire de Saint-Paul (anciennement Saint-Paul-des-Métis), en Alberta. Elle est la première représentante pour les femmes élue du premier gouvernement métis Otipemisiwak de l’Alberta.
« J’ai une vie bien remplie. Mais ces accomplissements ne sont rien sans le précieux soutien de mes proches.
Il y a tout d’abord mes parents, qui sont mon socle. Ils m’ont laissée libre de découvrir la beauté et la magie du théâtre Merci pour les leçons de danse, de musique et d’équitation et pour tout cet amour qui m’a permis de réaliser mes beaux rêves d’enfant.
J’aimerais également remercier l’équipe de la Savage Society pour tout ce qu’elle a fait pour moi. Ma carrière artistique n’aurait pas été la même sans son soutien sans faille. Kevin et Chelsea, merci de m’avoir appris le véritable sens des mots « loyauté, mentorat et communauté » et de m’avoir rappelé le pouvoir des contes.
Enfin, et surtout, je tiens à remercier la Nation métisse de l’Alberta et Audrey Poitras pour ses 28 ans de leadership. Je ne serais pas ici sans le travail incroyable de tous les leaders métis qui m’ont précédée. Grâce à vous, nous nous sommes réapproprié nos histoires. »
Une production de A Savage Society et du Théâtre autochtone du CNA
Une épique histoire d’amour métisse.
Une histoire d’amour, une fresque historique et un hommage aux danses et chansons métisses, You used to call me Marie… donne vie aux récits des femmes Callihoo de l’Alberta. La musique emplit la salle et les chevaux s’animent à mesure que l’histoire de Marie Callihoo s’écrit à travers les générations et le temps.
Autour de huit histoires d’amour, nous suivons le destin d’Iskwewo, de Napew et de Mistatim (cheval en michif) alors qu’émerge sous nos yeux la Nation métisse dans les plaines. Ces histoires d’amour racontées par des femmes métisses de l’Alberta – le commerce des fourrures, la gouvernance et l’organisation des années 1930 à nos jours – lèvent peu à peu le voile sur des générations de femmes Callihoo.
Ne manquez pas cette nouvelle création alliant danse et musique en direct – du violon français à la country contemporaine!
Note : La performance du 16 juin sera interprétée en langue des signes américaine (ASL).
Tai Amy Grauman (MFA) is Métis Cree with ties to Haudenosaunee voyageurs from Ardrossan Alberta. She is a Callihoo as well as a Beauregard and her family comes from a community in Alberta formerly known as St. Paul des Métis. She is the first elected Provincial Women’s Representative as part of the first Otipemisiawk Métis Government within Alberta.
“I have done a lot but I think the people who got me here are more important than what I have accomplished.
First of all, my Mom and Dad are my foundation. They gave me the space to experience the wonderful and magical world of theatre. Thank you for the ponies, the music and dance lessons and all the love that made all my beautiful dreams come to life.
I would also like to thank Savage Society for everything they have done for me. I would not have this artistic career without their unfaltering support. Kevin and Chelsea, thank you for teaching me the true meaning of loyalty, mentorship, community and how powerful storytelling can be.
Last but definitely not least, I would like to thank the Métis Nation of Alberta and Audrey Poitras for her 28 years of leadership. I would not be here today without all the Métis leaders in Alberta who came before me. Thank you for giving us our stories back.”
Tai Amy Grauman est une métisse crie qui a des liens avec les voyageurs haudenosaunees d’Ardrossan, en Alberta. Callihoo et Beauregard, elle est issue d’une famille originaire de Saint-Paul (anciennement Saint-Paul-des-Métis), en Alberta. Elle est la première représentante pour les femmes élue du premier gouvernement métis Otipemisiwak de l’Alberta.
« J’ai une vie bien remplie. Mais ces accomplissements ne sont rien sans le précieux soutien de mes proches.
Il y a tout d’abord mes parents, qui sont mon socle. Ils m’ont laissée libre de découvrir la beauté et la magie du théâtre Merci pour les leçons de danse, de musique et d’équitation et pour tout cet amour qui m’a permis de réaliser mes beaux rêves d’enfant.
J’aimerais également remercier l’équipe de la Savage Society pour tout ce qu’elle a fait pour moi. Ma carrière artistique n’aurait pas été la même sans son soutien sans faille. Kevin et Chelsea, merci de m’avoir appris le véritable sens des mots « loyauté, mentorat et communauté » et de m’avoir rappelé le pouvoir des contes.
Enfin, et surtout, je tiens à remercier la Nation métisse de l’Alberta et Audrey Poitras pour ses 28 ans de leadership. Je ne serais pas ici sans le travail incroyable de tous les leaders métis qui m’ont précédée. Grâce à vous, nous nous sommes réapproprié nos histoires. »
Originally from Beardy’s & Okemasis Cree Nation in Treaty 6 territory, Aren Okemaysim is a nêhiyaw/Plains Cree multidisciplinary performing artist, sound designer and technician currently based in Treaty 4, Saskatchewan. Currently, he is the Head of Sound for Globe Theatre in Regina.
When he is not behind the console, he is either writing/performing with his okimawᐅᑭᒪᐤ solo project or somewhere across Turtle Island performing in plays as an actor. His most recent acting/design work includes: This Is How We Got Here (voiceover, Persephone Theatre); Oak Floors! A Heritage Cabaret (performer, All Terrain Theatre), Niizh (performer, Native Earth Performing Arts), The Call of the Lake (sound design/composition, Luminato Festival), The Mountaintop (sound design, Persephone Theatre) and many more. Aren would like to thank everyone at Savage Society, Tai, and the creative team for the opportunity and trust to be your Napew.
~kinanâskomitin
Originaire de la Première Nation crie de Beardy's et Okemasis (territoire du Traité n˚ 6), Aren Okemaysim est un artiste de scène multidisciplinaire, concepteur sonore et technicien nêhiyaw (cri des plaines). Il vit sur le territoire du Traité n˚ 4, en Saskatchewan. Il est actuellement chef sonorisateur au Globe Theatre, à Regina.
Quand il n’est pas derrière la console, il écrit, joue au théâtre ou sillonne les routes de l’île de la Tortue avec son projet solo okimawᐅᑭᒪᐤ. Parmi ses récentes collaborations, mentionnons This Is How We Got Here (voix hors champ, Persephone Theatre); Oak Floors! A Heritage Cabaret (interprétation, All Terrain Theatre), Niizh (interprétation, Native Earth Performing Arts); The Call of the Lake (conception sonore et composition, festival Luminato); ou encore The Mountaintop (conception sonore, Persephone Theatre). Il tient à remercier toute l’équipe de la Savage Society, Tai et l’équipe de création de lui avoir confié le rôle de Napew.
Cole Alvis (she\her) is a Turtle Mountain Michif (Métis) artist based in Tkarón:to with Chippewa, Irish & English ancestors. She is one of the leaders of lemonTree creations, manidoons collective, and AdHoc Assembly, and is on the board of the Dancers Of Damelahamid.
Previously, Cole performed in Louis Riel (Canadian Opera Company & National Arts Centre), directed the Dora-nominated bug by Yolanda Bonnell (manidoons collective & Luminato), Lilies by Michel Marc Bouchard (lemonTree creations, Why Not Theatre & Buddies in Bad Times Theatre) and, alongside co-director Michael Greyeyes, was Dora-nominated for the Indigenous opera double bill Two Odysseys: Pimooteewin / Gállábártnit (Signal Theatre, National Sami Theatre Beaivváš & Soundstreams). Recently, she directed Salt Baby by Falen Johnson (Theatre Aquarius), a digital presentation of Toka by Indrit Kasapi (lemonTree creations & Theatre Passe Muraille), and alongside Samantha Brown, co-directed White Girls In Moccasins by Yolanda Bonnell (manidoons collective & Buddies In Bad Times Theatre). Next: Cole co-directs, alongside Yvette Nolan (Algonquin), Three Fingers Back by Donna-Michelle St. Bernard (lemonTree creations & Tarragon Theatre).
Cole Alvis est une artiste métisse originaire de Turtle Mountain, avec des ascendances anglaises, irlandaises et chippewa. Établie à Tkarón:to, elle codirige la compagnie de théâtre lemonTree creations, le collectif manidoons et l’AdHoc Assembly, en plus de siéger au conseil d’administration de la compagnie Dancers Of Damelahamid.
Auparavant, Cole Alvis a joué dans l’opéra Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne et Centre national des Arts) et assuré la mise en scène du spectacle solo de Yolanda Bonnell, bug, cité pour un prix Dora (collectif manidoons et Luminato), et de la pièce Lilies de Michel Marc Bouchard (lemonTree creations, Why Not Theatre et Buddies in Bad Times Theatre). Elle a également mis en scène, aux côtés de Michael Greyeyes, l’opéra autochtone Two Odysseys: Pimooteewin / Gállábártnit finaliste aux prix Dora (Signal Theatre, National Sami Theatre Beaivváš et Soundstreams). Récemment, elle a mis en scène Salt Baby de Falen Johnson (Theatre Aquarius) et la présentation numérique de la pièce Toka d’Indrit Kasapi (lemonTree creations et Théâtre Passe Muraille) et cosigné avec Samantha Brown la mise en scène de la pièce White Girls in Moccasins écrite par Yolanda Bonnell (manidoons collective et Buddies In Bad Times Theatre). Prochainement, Cole Alvis signera avec l’artiste algonquine Yvette Nolan la mise en scène de la pièce Three Fingers Back de Donna-Michelle St. Bernard (lemonTree creations et Tarragon Theatre).
Musique et composition; violon, mandoline, banjo; cheffe de l’ensemble
Kathleen Nisbet
Kathleen Nisbet is a fiddle player, multi-instrumentalist, singer and composer from Vancouver, BC. Classically trained early on, she returned to her Métis roots, pursuing more traditional folk music. Since then she has worked with artists in a variety of genres. A regular accompanist with V’ni Dansi, Métis traditional dance, credits also include work with the Arts Club, Pacific Theatre, Mortal Coil, Citadel Theatre and Mascall Dance. Kathleen is an active member of Vancouver’s thriving bluegrass, old-time and folk scene. She performs and tours internationally with her band Viper Central and is known for her live music productions including the East Van Opry.
KathleenNisbet est une violoniste, multi-instrumentiste, chanteuse et compositrice de Vancouver, en Colombie-Britannique. Après une formation classique, elle renoue avec ses racines métisses et se tourne vers la musique folk traditionnelle. Sa pratique l’amène à travailler avec des artistes de tous horizons. Accompagnatrice attitrée de la compagnie de danse traditionnelle métisse V’ni Dansi, elle a également collaboré avec l’Arts Club Theatre, le Pacific Theatre, Mortal Coil Performance, le Citadel Theatre et Mascall Dance. La musicienne est une figure active de la scène rétro, bluegrass et folk en plein essor de Vancouver. Elle parcourt le monde avec son groupe Viper Central et est connue pour ses productions musicales, notamment East Van Opry.
Musique et composition; clavier, guitare, cheffe de chant et ensemble
Krystle Pederson
Krystle Pederson is a Saskatchewan-based Cree/Métis actor/singer/songwriter performing across North America and New Zealand. Krystle is a recipient of the CBC Future 40 Award, short-listed for the Saskatchewan Arts Award, and a nominee for a YWCA Women of Distinction Award. Krystle’s acting credits include a supporting role in Run: Broken Yet Brave, CBC Gem Series: Zarqa (Season 1), RMTC: The (Post) Mistress, NAC: Gabriel Dumont Wild West Show, Persephone Theatre: Reasonable Doubt, MTYP: Frozen River, Caravan Farm Theatre: The Nutcracker, IMAGO: The Flood. This will be Krystle’s first appearance with Savage Society and she is excited to be a part of this production and hopes you enjoy the show!
Krystle Pederson est une actrice et auteure-compositrice-interprète crie et métisse. La Saskatchewanaise s’est produite partout en Amérique du Nord et en Nouvelle-Zélande. Finaliste aux prix Femme de mérite du YWCA, elle a remporté le prix Future 40 de CBC et s’est vu nommée sur la courte liste des prix du Conseil des arts de la Saskatchewan. Elle a fait des apparitions dans le film Run: Broken Yet Brave et dans la première saison de la série télévisée Zarqa (CBC Gem). Au théâtre, on a pu l’applaudir dans The (Post) Mistress (Royal Manitoba Theatre Centre), Wild West Show de Gabriel Dumont (Centre national des Arts), Reasonable Doubt (Persephone Theatre), Frozen River (Manitoba Theatre for Young People), Casse-Noisette (Caravan Farm Theatre) et The Flood (Imago Theatre). Elle est très honorée de cette première collaboration avec la Savage Society.
Andrea Menard is a Métis actor and singer-songwriter from Treaty 1 territory and the Homeland of the Métis. She is a 5-time Gemini-nominated actress, a 15-time Canadian music award winner, and was recently named Métis Artist of the Year at the Summer Solstice Indigenous Music Awards in Ottawa. Theatre: Rubaboo (Grand Theatre/Arts Club/Citadel); Anne of Green Gables, Stories from the Red Dirt Road (Charlottetown Festival); The Orchard, Thanks For Giving (Arts Club); Great Expectations, Evita, Only Drunks and Children Tell the Truth (Persephone); The Velvet Devil, (NAC) The Velvet Devil, Wizard of Oz, Governor of the Dew, (Globe Theatre) The Velvet Devil, 400 Kilometers, Wawatay (GTNT); The Rez Sisters, Joni Mitchell: River, Godspell (PTE); Street Wheat, The Selkie Wife, The Shipbuilder (Dancing Sky). Film & TV: Sullivan’s Crossing, Blackstone; Supernatural; Hard Rock Medical; Moccasin Flats, Rabbit Fall, The Velvet Devil.
Andrea Menard est une actrice et une auteure-compositrice-interprète métisse du territoire du Traité n˚ 1 et de la terre ancestrale des Métis. Cinq fois finaliste aux prix Gemini, elle a remporté quinze prix musicaux et été nommée Artiste métisse de l’année au gala des prix Solstice d'été pour la musique autochtone, à Ottawa. Théâtre : Rubaboo (Grand Theatre, Arts Club et Citadel Theatre); Anne of Green Gables, Stories from the Red Dirt Road (Festival de Charlottetown); The Orchard, Thanks For Giving (Arts Club); Great Expectations, Evita, Only Drunks and Children Tell the Truth (Persephone Theatre); The Velvet Devil (Centre national des Arts); The Velvet Devil, Wizard of Oz, Governor of the Dew (Globe Theatre); The Velvet Devil, 400 Kilometers, Wawatay (GTNT); The Rez Sisters, Joni Mitchell: River, Godspell (Prairie Theatre Exchange); Street Wheat, The Selkie Wife, The Shipbuilder (Dancing Sky). Cinéma et télévision : Sullivan’s Crossing, Blackstone, Supernatural, Hard Rock Medical, Moccasin Flats, Rabbit Fall et The Velvet Devil.
Rebecca Sadowski is a Métis/queer performer and choreographer based in amiskwacîwâskahikan (Edmonton) and is thrilled to be touring with Savage Society this season. Rebecca is an artistic member of the Good Women Dance Collective and curates dance programming for the local Nextfest Festival. She teaches dance with DancED Movement Project and works as an Indigenous Narratives Coordinator with the City of Edmonton. Recent credits include: Ayita (Skirtsafire Festival), Two-Headed Half-Hearted (Northern Light Theatre) BEARS (Punctuate Theatre) Minosis Gathers Hope (Alberta Aboriginal Arts) and has recently toured a piece to the Dancing on the Edge Festival. Rebecca has produced several dance films including THE SASH MAKER with Native Earth Performing Arts, as well as BREAKING BAPTIST with the Catalyst Theatre. Rebecca has a passion for sharing Indigenous narratives and historic arts. She strives to decolonize spaces and continues to deepen her connection to her Métis roots by sharing family stories, jigging, and finger-weaving sashes. She is so grateful for her family and her fiancée for their encouragement in her performance and choreographic pursuits.
Rebecca Sadowski est une interprète et chorégraphe métisse queer qui a élu domicile à Amiskwacîwâskahikan (Edmonton). Fière de tourner avec la Savage Society, elle membre du Good Women Dance Collective et responsable de la programmation du volet danse du festival Nextfest d’Edmonton. Elle enseigne également la danse au sein de la compagnie DancED Movement Project et travaille à la Ville d’Edmonton comme coordinatrice des récits autochtones. Parmi ses récentes collaborations, citons Ayita (Festival Skirtsafire), Two-Headed Half-Hearted (Northern Light Theatre), BEARS (Punctuate Theatre), Minosis Gathers Hope (Alberta Aboriginal Arts) et ASMR (Festival Dancing on the Edge). Elle a également produit plusieurs films de danse, y compris The Sash Maker (Native Earth Performing Arts) et Breaking Baptist (Catalyst Theatre). Passionnée d’histoires autochtones et d’arts traditionnels, Rebecca Sadowski aspire à décoloniser les espaces et à renouer avec ses racines métisses grâce aux histoires familiales, à la gigue et au tissage à la main. Elle remercie sa famille et sa financée de la soutenir dans sa carrière artistique.
Lois Anderson is a Vancouver based director and writer. She has served as an artistic advisor for The National Arts Centre. Lois received a Jessie Award for her adaptation of Pericles and The Critic’s Choice Award for her adaptation of Lysistrata. She was a co-founder of Cirque Poule, an all-female clown circus, and is an original member of The Leaky Heaven Circus. Lois was an original creator/performer of Flying Blind which toured Australia and Canada, and has been an Artistic Associate with Runaway Moon, a puppet company that focuses on community engagement. Lois directed the NAC Grand Acts of Great Hope film entitled Siiye’yu which documented the collaboration of Coast Salish performance company Tsatsu Stalqayu and Mortal Coil. She directed the film Transcendence, based on the writings of Anosh Irani for Indian Summer Festival 2021. With Quelemia Sparrow she wrote Lysistrata and Camas Lilies for The Canadian Theatre Review, reflecting on their creative process during the adaptation of Lysistrata at Sen’a’kw. The article won the Nathan Cohen Award for Critical Essay, 2020. Recent work includes Buffoon, Henry V, Gertrude and Alice and Sunny Drake’s Childish.
Lois Anderson est une metteuse en scène et une écrivaine établie à Vancouver. Elle a été conseillère artistique pour le Centre national des Arts. Ses adaptations lui ont valu un prix Jessie (Pericles) et un Prix de la critique (Lysistrata). Cofondatrice de Cirque Poule, une troupe clownesque entièrement féminine, elle est la membre fondatrice du Leaky Heaven Circus. Elle s’est produite en Australie et au Canada avec Flying Blind (création et interprétation) et a été associée artistique de Runaway Moon, une compagnie qui utilise les arts de la marionnette pour aller à la rencontre des communautés. Dans le cadre de la série Envolées d’espoir du CNA, elle réalise un documentaire, Siiye’yu, sur la collaboration entre Mortal Coil et la compagnie salish de la côte, Tsatsu Stalqayu. Elle passe de nouveau derrière la caméra pour Transcendence, un film basé sur les écrits du romancier Anosh Irani qui a été présenté lors de l’édition 2021 du Festival Indian Summer. Avec Quelemia Sparrow, elle cosigne pour le magazine The Canadian Theatre Review un article intitulé Lysistrata and Camas Lilies sur l’adaptation de la pièce Lysistrata, à Sen̓ákw. L’article reçoit le Prix Nathan-Cohen pour l’excellence en écriture critique en 2020. Récemment, elle a signé les mises en scène de Buffoon, Henry V,Gertrude and Alice, ainsi que celle du projet Child-ish de Sunny Drake.
Born and raised in Italy, Cecilia Vadala has a background in Philosophy and Art History. A graduate of the MFA program in Theatre Design and Production from the University of British Columbia, Cecilia designs for stage and screen, focusing on the scenic design practice.
As a designer, Cecilia considers herself a visual storyteller. Her aesthetic is suggestive and evocative. In her work, the space is another character that evolves and tells a story on its own. As an artist, Cecilia explores the connections between emotions and materials, feelings, and textures, often introducing a sensorial component to her designs.
Selected theatre credits: Gertrude and Alice (Scenic Designer, 2024), Blue Stockings (Scenic Designer, 2023), Black and Rural (Scenic and Costume Designer, 2023), Echoes From Far Away Cities (Scenic Designer, 2023), Emilia (Scenic and Costume Designer, 2021), Anna Bella Eema (Scenic and Costume Designer, 2020), Timothy Findley’s The Wars (Scenic Designer, 2019), Hosanna (Scenic Designer, 2019).
Originaire d’Italie, Cecilia Vadala a fait des études en philosophie et histoire de l’art. Titulaire d’une maîtrise en beaux-arts, scénographie et production de l’Université de la Colombie-Britannique, elle œuvre aussi bien au théâtre qu’au petit et au grand écran.
Celle qui se définit comme une conteuse visuelle cultive une esthétique à la fois suggestive et évocatrice. Dans son travail, l’espace devient un personnage à part entière, qui évolue et raconte une histoire. En tant qu’artiste, elle explore les liens entre les émotions et les matériaux, les sentiments et les textures, en introduisant souvent une dimension sensorielle dans ses créations.
Parmi ses collaborations au théâtre, mentionnons Gertrude and Alice (scénographie, 2024), Blue Stockings (scénographie, 2023), Black and Rural (scénographie et costumes, 2023), Echoes From Far Away Cities (scénographie, 2023), Emilia (scénographie et costumes, 2021), Anna Bella Eema (scénographie et costumes, 2020), Timothy Findley’s The Wars (scénographie, 2019) et Hosanna (scénographie, 2019).
Evan Ducharme is Métis from St. Ambroise, MB (Treaty 1). With both ancestral and contemporary Michif knowledge, their work examines Metis history and its cultural iconography with a subversion of colonial notions of gender, queerness, and relations to place.
Ducharme’s work has been featured in National Geographic, FASHION Magazine, Vogue.com, Quelemia Sparrow’s Skyborn, and The Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute exhibition In America: A Lexicon of Fashion.
Ducharme currently lives and creates with gratitude on their home territories in Winnipeg, MB (Treaty 1).
Métis de St. Ambroise, au Manitoba (territoire du Traité no 1), Evan Ducharme s’inspire des savoirs ancestraux et contemporains michifs pour raconter l’histoire des Métis et leur iconographie culturelle avec un regard décalé sur les notions coloniales liées au genre, à l’identité queer et aux relations aux lieux.
On a notamment pu voir son travail dans le National Geographic, le Fashion Magazine, la production Skyborn de Quelemia Sparrow, l’exposition America: A Lexicon of Fashion au Costume Institute du Metropolitan Museum of Art et sur le site Web de Vogue.
Evan Ducharme vit et travaille sur ses terres natales situées sur le territoire du Traité no 1, à Winnipeg.
Alaia Hamer is a Vancouver theatre designer who originally grew up on the Gulf Islands. Her recent projects include costume design for Million Dollar Quartet, The Cull, Beneath Springhill, The Birds and the Bees (Arts Club); East Van Panto: Beauty and the Beast, The Little Mermaid; (Theatre Replacement); Cinderella (Gateway); HMS Pinafore, Carmen Up Close and Personal (Vancouver Opera); Beautiful Man (PI Theatre); assistant costume design for Romeo and Juliet, Coriolanaus, Taming of the Shrew, Macbeth (Bard on the Beach); set design for God Said This (Pacific Theatre); and Seventeen (Western Gold). She has worked on a variety of smaller shows throughout Vancouver and has a passion for costuming dance. Alaia is a graduate of the UBC Theatre Design program (2017) and holds an English literature degree (2012).
Alaia Hamer est une conceptrice de théâtre de Vancouver. Originaire des îles Gulf, elle a signé les costumes de Million Dollar Quartet, The Cull, Beneath Springhill, The Birds and the Bees (Arts Club); East Van Panto: Beauty and the Beast, The Little Mermaid (Theatre Replacement); Cinderella (Gateway); HMS Pinafore, Carmen Up Close and Personal (Opéra de Vancouver); Beautiful Man (PI Theatre). Elle a également été assistante à la conception des costumes pour Romeo and Juliet, Coriolanaus, Taming of the Shrew et Macbeth (Bard on the Beach), et a réalisé la scénographie des pièces God Said This (Pacific Theatre) et Seventeen (Western Gold). Cette passionnée de costumes de danse a travaillé sur divers projets de petite envergure à Vancouver. Diplômée en littérature anglaise (2012), elle a suivi le programme en conception théâtrale de l’Université de la Colombie-Britannique (2017).
Jeff is a four-time Jessie Award winning lighting designer for his work on Carousel Theatre’s Pharaoh Serket & the Lost Stone of Fire, Patrick Street Theatre’s Floyd Collins, Pi Theatre’s Blasted and Arts Club’s Hand to God. He is a graduate of SFU’s School for the Contemporary Arts, attended the Banff Centre for the Performing Arts and is a member of the Associated Designers of Canada.
Établi à Vancouver, Jeff Harrison est le lauréat de quatre prix Jessie pour ses conceptions d’éclairages dans les productions PharaohSerket & the Lost Stone of Fire (Carousel Theatre), Floyd Collins (Patrick Street Theatre), Blasted (Pi Theatre) et Hand to God (Arts Club). Il est membre de l’Association des designers canadiens (AIEST, section locale ADC659). Il a également conçu les éclairages de Little Red Warrior & His Lawyer (Savage Society), Beautiful Man (Pi Theatre), Batboy the Musical et The Full Monty (Patrick Street Theatre), Children of God (Urban Ink), Beneath Springhill (Arts Club) et Women of the Fur Trade (Théâtre autochtone du CNA).
Aaron Macri is an Edmonton-based composer and sound designer. He has created music and sound design for theatre, dance, television and video for over twenty years. His work has been on stages across Canada and off-Broadway, as well as nationally broadcast. Tiny Plastic Men on Superchannel and CAUTION: May Contain Nuts on APTN. Aaron has worked with Savage Society in the past as a tour technical director for a previous version of, You used to call me Marie. He’s happy to be joining Savage Society again this time as a sound designer for this latest production of the show.
Aaron Macri est un compositeur et un concepteur sonore d’Edmonton. Actif depuis plus de 20 ans, il compose pour le théâtre, la danse, la télévision et l’audiovisuel. On a pu entendre ses créations sur les scènes de tout le Canada, dans les productions Off-Broadway et dans les séries télévisées Tiny Plastic Men (Superchannel) et CAUTION: May Contain Nuts (APTN). Directeur technique de la première tournée de You used to call me Marie… (Savage Society), il rejoint de nouveau l’équipe pour assurer la conception sonore de la nouvelle mouture de la pièce.
Candelario Andrade is a video editor and media designer based in Vancouver. Recent theatre design credits include: Women Of The Fur Trade (NAC, Native Earth, GCTC); Zahak (The Biting School); Julius Caesar (Bard on the Beach); I Carry Your Heart With Me (egg theatre); Little Red and His Lawyer (Savage Society/Belfry/NAC); Tree Drum (Theatre Terrific); Mom’s the Word Talking Turkey (Arts Club); White Girls in Moccasins (The Frank); Six of One (Studio 58); White Noise (Savage Society/Firehall); Clean/Espejos (Neworld) and DYMISH (Theatre Replacement). Recent editing credits include Bard on The Beach feature film Done/Undone; Belfry Theatre digital productions (2020-2021), as well as the short films: Common Law; a film about a uterus and The Day My Cat Saved My Life. In recent years, Cande has edited several short films and projects for Mochizuki Studios and has worked as an editor and promo producer for Knowledge Network and the Vancouver International Film Festival.
Candelario Andrade est un monteur et un concepteur de médias établi à Vancouver. Parmi ses récentes contributions en conception, mentionnons Women Of The Fur Trade (CNA, Native Earth, GCTC); Zahak (The Biting School); Julius Caesar (Bard on the Beach); I Carry Your Heart With Me (Egg Theatre); Little Red and His Lawyer (Savage Society, Belfry Theatre et CNA); Tree Drum (Theatre Terrific); Mom’s the Word Talking Turkey (Arts Club); White Girls in Moccasins (The Frank); Six of One (Studio 58); White Noise (Savage Society et Firehall); Clean/Espejos (Neworld) et DYMISH (Theatre Replacement). Comme monteur, il a travaillé sur le long métrage Done/Undone (Bard on The Beach), les productions numériques du Belfry Theatre (2021–2021), et les courts métrages Common Law, A film about a uterus et The Day My Cat Saved My Life. Récemment, Candelario Andrade a réalisé le montage de plusieurs courts métrages et projets pour le studio Mochizuki et a travaillé comme monteur et producteur promotionnel pour la chaîne de télévision Knowledge Network, et le Festival international du film de Vancouver.
Stephanie Elgersma is a Studio 58 graduate who mainly works in puppetry in both Canada and the UK. As a puppet maker, she has worked for Wilton’s Music Hall, The Old Vic, Birmingham Rep, Disney Paris, and Nick Barnes Puppets (UK), as well as The Cultch, Brock University, Ghost River Theatre, Carousel Theatre, and the National Arts Centre (CA). She last worked for Savage Society on the puppets in their show Skyborn in 2020. She is now based in Vancouver where she builds and directs puppets for theatre and teaches puppetry at Studio 58.
Diplômée du Studio 58, Stephanie Elgersma travaille principalement dans le théâtre de marionnettes au Canada et au Royaume-Uni. Elle a collaboré avec le Wilton’s Music Hall, The Old Vic, le Birmingham Repertory Theatre, Disney Paris, Nick Barnes Puppets, The Cultch, l’Université Brock, le Ghost River Theatre, le Carousel Theatre et le Centre national des Arts. Sa dernière collaboration avec la Savage Society remonte à 2020 pour le spectacle Skyborn. Elle vit maintenant à Vancouver où elle fabrique et manipule des marionnettes pour le théâtre. Elle enseigne également l’art de la marionnette au Studio 58.
Rebecca Eamon Campbell is a freelance stage manager based out of Kemptville, Ontario. She has worked in stage management and fundraising with performing arts organizations across the country including Bard on the Beach, Firehall Theatre, Pi Theatre, Alberta Theatre Projects, Globe Theatre, Soulpepper, National Arts Centre, Ottawa Fringe, St. Lawrence Shakespeare Festival, and the Upper Canada Playhouse. Rebecca worked for the NAC Foundation for 10 years and taught at Queens University for eight years. Most recently, she was Stage Manager for The Waltz (GCTC) and will be in Gananoque this summer at the Thousand Islands Playhouse for Mary’s Wedding and Sequence.
Rebecca Eamon Campbell est une régisseuse indépendante installée à Kemptville, en Ontario. Elle a œuvré en régie et en collecte de fonds pour des organisations vouées aux arts de la scène partout au pays, notamment Bard on the Beach, le Firehall Theatre, le Pi Theatre, Alberta Theatre Projects, le Globe Theatre, la Soulpepper Company, le Centre national des Arts, le festival Fringe d’Ottawa, le St. Lawrence Shakespeare Festival et l’Upper Canada Playhouse. Elle a travaillé pour la Fondation du CNA pendant dix ans et a enseigné à l’Université Queens pendant huit ans. Après avoir assuré la régie pour The Waltz (Great Canadian Theatre Company), elle se rendra cet été à Gananoque avec l’équipe de Thousand Islands Playhouse pour présenter les pièces Mary’s Wedding et Sequence.
Michelle Olson is a member of the Tr’ondëk Hwëch’in First Nation and the Artistic Director of Raven Spirit Dance. She studied dance and performance at the University of New Mexico, the Aboriginal Arts Program at the Banff Centre and was an Ensemble Member of Full Circle First Nations Performance. Michelle works in areas of dance, theatre and opera as a choreographer, performer and movement coach and her work has been seen on stages across Canada. Selected choreography/theatre credits include Gathering Light (Raven Spirit Dance), Salmon Girl (TYA – Raven Spirit Dance), Map of the Land, Map of the Stars (Gwaandak Theatre), Frost Trees Exploding Moon (Raven Spirit Dance), Mozart’s Magic Flute (Vancouver Opera), The Ecstasy of Rita Joe (Western Canada Theatre/National Arts Centre), Death of a Chief (Native Earth Performing Arts/National Arts Centre) and Evening in Paris (Raven Spirit Dance). She was the recipient of the inaugural Vancouver International Dance Festival Choreographic Award. She graduated as a Certified Movement Analyst from Laban/Bartenieff and Somatic Studies Canada and is currently teaching at Langara’s Studio 58. She recently received her MFA in Directing from the University of British Columbia.
Michelle Olson est membre de la Première Nation de Tr’ondëk Hwëch’in et directrice artistique de Raven Spirit Dance. Elle a étudié la danse et l’art dramatique à l’Université du Nouveau-Mexique et au programme d’arts autochtones du Centre des arts de Banff. Elle a fait partie de Full Circle First Nations Performance. Elle est chorégraphe, interprète et conseillère en mouvement pour le théâtre, la danse et l’opéra. Son travail a été présenté sur les scènes de tout le Canada. Ses collaborations comprennent : Gathering Light (Raven Spirit Dance); Salmon Girl (Theatre for a Young Audience – Raven Spirit Dance); Map of the Land, Map of the Stars (Gwaandak Theatre); Frost Trees Exploding Moon (Raven Spirit Dance); Mozart’s Magic Flute (Opéra de Vancouver); The Ecstasy of Rita Joe (Western Canada Theatre et Centre national des Arts); Death of a Chief (Native Earth Performing Arts et Centre national des Arts) et Evening in Paris (Raven Spirit Dance). Elle est la première lauréate du prix de chorégraphie décerné par le Festival international de la danse de Vancouver. Analyste du mouvement agréée des programmes Laban/Bartenieff et Somatic Studies Canada, elle enseigne au Studio 58, qui est l’école de théâtre du Langara College. Elle est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en mise en scène de l’Université de la Colombie-Britannique.
Matt Oviatt is a professional live event contractor and member of IATSE Locals 118 & 250. He manages cycling events such as the Megavolt and the BC Bike Race, a 7-day mountain bike stage race, and has been technical director or production manager for many BC-based companies, including Ballet BC, Theatre Under The Stars, the Roundhouse, URP, Savage Society, Itsazoo Productions, and Dancers of Damelahamid. He is also a key member of the operations teams for Rifflandia, Harmony Arts, and Sunfest music festivals, among others. He’s pleased to be joining Savage Society again on You used to call me Marie..., and hopes you enjoy the performance.
Matt Oviatt est un entrepreneur d’événements en direct. Membre des sections locales 118 et 250 de l’AIEST, il est responsable de deux épreuves cyclistes : la Megavolt et la BC Bike Race, une course de cross-country sur sept jours. Il a également œuvré comme directeur technique et directeur de production pour Ballet BC, le Theatre Under The Stars, la Roundhouse, URP, la Savage Society, Itsazoo Productions et Dancers of Damelahamid. Il est un membre clé des équipes des opérations des festivals Rifflandia, Harmony Arts et Sunfest. Il est ravi de renouveler sa collaboration avec la Savage Society avec la pièce You used to call me Marie...
Yvonne Chartrand is a choreographer and dancer as well as a national award-winning master Métis jigger. Her ancestors come from the Mitchif (Métis) community of St. Laurent, Manitoba. In 2000, she co-founded V’ni Dansi (“come and dance” in Mitchif) where she continues to act as Artistic Director. Yvonne’s Métis dance work was passed to her through many Métis Elders; she is one of the only people in Canada who holds this traditional knowledge. As a cultural keeper, Yvonne is dedicated to preserving traditional Métis dance in Canada.
Her contemporary works are always informed by her Métis identity. As a contemporary dance choreographer, she has conceptualized and co-choreographed company group works: A Poet and Prophet 2003, Gabriel’s Crossing 2004, and The Crossing 2006. Her first full-length dance-theatre work Cooking It Up Métis 2013 created for young audiences.
Yvonne’s solo work includes Marguerite in 2000, inspired by the lives of the Métis Women who endured the Resistances, Stories from St. Laurent, 2009. Her mentor Robin Poitras created the commissioned solo Sara Riel: The Long Journey 2014 with Edward Poitras. Her solo Eagle Spirit premiered in Vancouver at V’ni Dansi’s annual Louis Riel Day Celebration, 2016. In 2022, her collaboration with Rulan Tangen of Santa Fe’s Dancing Earth, La Mitchin di Mitchif, premiered in Vancouver. In 2023 she was honoured to choreograph the opera, Li Keur: Riel’s Heart of the North for the Manitoba Opera in Winnipeg.
Yvonne was awarded a 2011 Victor Martyn Lynch-Staunton Award from the Canada Council for the Arts.
Yvonne Chartrand est chorégraphe, danseuse et spécialiste primée en gigue métisse. Ses ancêtres sont originaires de la communauté michif (métisse) de Saint-Laurent, au Manitoba. Elle est la directrice artistique de la compagnie V’ni Dansi (« viens et danse » en michif), qu’elle a cofondée en 2000. Elle est l’une des seules personnes au Canada à détenir ce savoir traditionnel qui lui a été transmis par les personnes aînées métisses. Gardienne de la culture, Yvonne Chartrand est une fervente défenseuse de la danse traditionnelle métisse au Canada.
Son identité métisse s’exprime dans ses chorégraphies, même les plus contemporaines. Côté danse contemporaine, elle a signé la conception et participé à la chorégraphie de A Poet and Prophet (2003), Gabriel’s Crossing (2004) et The Crossing (2006). En 2013, elle a créé une première œuvre intégrale de danse-théâtre pour les jeunes publics, Cooking It Up Métis.
Parmi ses œuvres solos, mentionnons Marguerite (2000), une création sur le quotidien des femmes métisses pendant les résistances, et Stories from St. Laurent (2009). En 2014, sa mentore Robin Poitras et Edward Poitras chorégraphient pour elle le solo Sara Riel: The Long Journey (2014). Son spectacle solo, Eagle Spirit, a été créé à Vancouver en 2016 dans le cadre des festivités organisées chaque année par V’ni Dansi pour souligner le jour de Louis Riel. La première représentation de La Mitchin di Mitchif, fruit de sa collaboration avec Rulan Tangen de la compagnie de Santa Fe Dancing Earth, a eu lieu à Vancouver en 2022. L’année suivante, elle a signé la chorégraphie de l’opéra Li Keur: Riel’s Heart of the North pour l’Opéra du Manitoba, à Winnipeg.
Yvonne Chartrand a reçu le prix Victor-Martyn-Lynch-Staunton du Conseil des arts du Canada en 2011.
Jessica Campbell-Maracle (she/her) is a mixed Kanien’kéha:ka / settler theatre artist from Toronto. She is a graduate of Humber College’s Theatre Production Program (2017) and recently just graduated from the National Theatre School of Canada in the Production Design and Technical Arts New Pathways Program. Select theatre credits include Almighty Voice and His Wife (Soulpepper Theatre), Honour Beat (The Grand Theatre), The Breathing Hole / Aglu (National Arts Centre), John and Beatrice (National Theatre School of Canada).
Jessica Campbell-Maracle est une artiste de théâtre d’ascendance kanien’kehá:ka et coloniale originaire de Toronto. Diplômée du programme de production théâtrale du Humber College en 2017, elle vient de terminer ses études en création et production à l’École nationale de théâtre du Canada dans le cadre du programme New Pathways. Au théâtre, ses collaborations comprennent Almighty Voice and His Wife (Soulpepper Theatre), Honour Beat (The Grand Theatre), The Breathing Hole / Aglu (Centre national des Arts) et John and Beatrice (École nationale de théâtre du Canada).
Castor Angus (he/they) is stepping into the role of Apprentice Stage Manager, marking his debut with Savage Society. Castor currently resides on the land of the Songhees and Esquimalt nation (Victoria). Castor brings a wealth of experience in the theatre scene, having worked on productions of Rocky Horror Picture Show, The Birds, and Spongebob the Musical. In the latest phase of his career, he is the Arts Administrative Assistant at Pacific Opera Victoria for the upcoming year.
Outside of the hustle and bustle of the backstage, you can find Castor writing away on his laptop. As a writer, Castor caters to a younger audience, with his book about bears in Alaska designed for middle school and high school readers. Castor recently participated in Audible’s Indigenous Writing Circle, where he had the privilege of being mentored by Renulta Arluk. Embracing a journey filled with creativity and dedication, Castor continues to leave his mark both behind the scenes and on the literary stage.
Castor Angus effectue son premier stage à la régie avec la Savage Society. Il vit sur le territoire des Nations Songhees et Esquimalt (Victoria). Inconditionnel de la scène théâtrale, il a travaillé sur les productions Rocky Horror Picture Show,The Birds, et la comédie musicale Spongebob. Il a également été nommé assistant artistique et administratif au Pacific Opera Victoria.
Pour fuir l’agitation des coulisses, il se réfugie dans l’écriture de livres jeunesse. Il est l’auteur d’un livre pour les ados sur les ours en Alaska. Il a récemment pris part au Cercle d’écriture autochtone d’Audible, sous le mentorat de Renulta Arluk. Cet esprit créatif dévoué continue de laisser sa trace tant en coulisses que dans les librairies.
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