The pandemic forced many projects to stop in mid-flight, rehearsals ground to a halt and venues closed. Since then, artists have been champing at the bit to return to the stage. However, after this long hiatus, that return will be difficult for artists who haven’t been able to rehearse or experiment with presenting their work on stage.
Resuming creative work
In the summer of 2021, some 30 artists from across Canada will receive support from the NAC to develop their projects through creative residencies that will include access to rehearsal space. This program reiterates the NAC’s commitment to supporting the revival of the performing arts across the country.
An inside look at the creative process
Want to know more about the artists we support and their projects? Gain a better understanding of the artistic process? A series of testimonials will be posted on this page.
“Artists and creators across the country have seen opportunities to create new works dwindle due to the global Covid-19 pandemic. The launch of this new multi-disciplinary summer residency program is a crucial step on the journey back to live, in-person performances.”
Caleigh Crow is a queer Métis writer and performer from Mohkinstsis. Previous playwriting topics include: a talking crow and a grocery clerk, the mass coronal ejection of 1859, the Antifa Supersoldier, the intersection between 12th century Franciscan nuns and Britney Spears, remote viewing, witch revenge, and a landlord musical.
She is the co-founder and Artistic Lead of Thumbs Up Good Work Theatre. Caleigh also plays bass guitar in the band Pope Joan. Her work tends towards themes of metaphysics, class struggle, magic, and joy.
Caleigh Crow est une écrivaine, interprète et metteuse en scène métisse queer originaire de Mohkinstsis. Elle a écrit des pièces sur différents thèmes, dont un corbeau qui parle et un commis d’épicerie, l’éruption solaire massive de 1859, le « super-soldat antifasciste », le point de rencontre entre des religieuses franciscaines du XIIe siècle et Britney Spears, la vision à distance, la vengeance d’une sorcière, et une comédie musicale sur un propriétaire d’immeuble.
Elle est cofondatrice et directrice artistique du Thumbs Up Good Work Theatre. Elle tient aussi la basse au sein du groupe Pope Joan. Sa démarche s’oriente vers les thématiques de la métaphysique, de la lutte des classes, de la magie et de la joie.
Originally from Treaty 4 territory Saskatchewan, Jeanette Kotowich creates work that reflects Nêhiyaw/Métis cosmology within Indigenous performance, Indigenous futurism and contemporary dance. Her creations have been presented at theatres and festivals across so-called Canada, including Kwê at Matriarchs Uprising and The Dance Centre’s Dance In Vancouver. Jeanette’s been creating a series of short experimental dance films during the pandemic. She has been an artist-in-residence at Raven Spirit Dance, NAC Indigenous Theatre, Shadbolt Centre and The Dance Centre. In the summer of 2020, she conducted land-based research in her home province of Saskatchewan, fusing interdisciplinary collaboration, decolonial practices and embodied research towards the creation of Kisiskâciwan.
Originaire du territoire du Traité no 4 en Saskatchewan, Jeanette Kotowich crée des œuvres qui transposent la cosmologie métisse-nêhiyaw dans les arts vivants autochtones, le futurisme autochtone et la danse contemporaine. Ses créations ont été présentées un peu partout dans ce pays qu’on appelle le Canada, notamment Kwê au festival Matriarchs Uprising et au Dance Centre de Vancouver. Pendant la pandémie, elle s’est lancée dans la réalisation de courts métrages expérimentaux de danse. Elle a participé à plusieurs résidences artistiques au Raven Spirit Dance, Théâtre autochtone du CNA, Shadbolt Centre et Dance Centre. Au cours de l’été 2020, elle mène des travaux de recherche dans sa province natale, la Saskatchewan, misant sur les collaborations interdisciplinaires, les pratiques de travail décoloniales et la recherche incarnée. De ce travail est né le spectacle Kisiskâciwan.
Ryan is Nēhiyawi/Cree/ᓀᐦᐃᔭᐃ from Amiskwacîwâskahikan (Edmonton, Alberta) whose family comes from the Michel Band First Nation. Ryan has worked as an actor, producer, director, manager and event creator for over 25 years. His company, Cunning Concepts & Creations, produces and tours the award-winning production HUFF, written and performed by Cliff Cardinal. Originally produced by Native Earth Performing Arts under the Artistic Direction of Ryan Cunningham. Most recently Ryan has acted with Crows Theatre (Julius Caesar), The Shaw Festival (An Octoroon, Madness of King George, Grand Hotel, Oh, What a Lovely War) and can be seen playing the role of Darcy Douglas in all five seasons of the award-winning APTN series, Blackstone. An alumni of the RBC Director Development Residency at Canadian Stage and current Artist in Residence at the Canadian Stage-University of Toronto, BMO Lab. He has been nominated for the KLM Hunter Artist Award and the inaugural Johanna Metcalf Performing Arts Prize.
Ryan est un Nēhiyawi/Cri/ᓀᐦᐃᔭᐃ d’Amiskwacîwâskahikan (Edmonton, Alberta) dont la famille vient de la Première Nation Michel. Il travaille comme acteur, producteur, metteur en scène et créateur d’événements depuis plus de 25 ans. Sa compagnie, Cunning Concepts & Creations, assure la production et les tournées de HUFF. Cette pièce primée, écrite et interprétée par Cliff Cardinal, a été produite pour la première fois par Native Earth Performing Arts sous la direction artistique de Ryan. Tout récemment, Ryan a joué pour le Crows Theatre (Julius Caesar) et le Festival Shaw (An Octoroon, Madness of King George, Grand Hotel, Oh, What a Lovely War). Il interprète aussi le rôle de Darcy Douglas dans les cinq saisons de Blackstone, série primée d’APTN. Ryan est un ancien du programme de résidence RBC en mise en scène de Canadian Stage et est actuellement artiste en résidence au BMO Lab de Canadian Stage et de l’Université de Toronto. Il a été finaliste pour le Prix K.M. Hunter aux artistes et le Prix inaugural Johanna Metcalf des arts de la scène.
Stacy Da Silva – Sunrise Eagle Woman - is a mixed-blood Cree (from Saddle Lake First Nation, Alberta) and Portuguese woman. She resides in Calgary, Alberta.
Stacy uses her passion for storytelling, theatre and arts to share her culture and promote healing and self-empowerment.
Stacy has been in Film and Television for over twenty years. Her first appearance began on the popular Canadian CBC broadcast North of 60. She starred in the film Hank Williams First Nation(2005) which earned her Best Actress and the American Indian Movie Award at the American Indian Film Festival. Her recent works include the new APTN television show Tribal (2020) and the short films; Broken Records (2019), Lost (2019), Parent Council (2019), The Root of the Problem (2019) and The Healing (2018). Stacy also performs her One woman show –Dream Stealer, About the stages of life, finding balance from the medicine wheel and cultural teachings, and overcoming domestic violence.
Stacy’s recent theatrical appearances include Article 11 Theatre Company’s installation – The Room(2019) and Making Treaty 7 Cultural Society’s theatre production ofKiitistsinnoniks (Our Mothers) (2018).
Stacy has completed her actor training from the American Academy of Dramatic Arts in Hollywood, California and the Full Circle Native Theatre Ensemble program.
Stacy uses the arts as a medium to empower women and strengthen their mental wellness, promote women’s empowerment through body movement and dance, and discovery of self love. Stacy teaches motivational workshops to deal with issues around identity, self-esteem and personal growth.
Stacy’s future passions include furthering her craft in film production and creating opportunities for others within the Indigenous community.
Stacy Da Silva – Sunrise Eagle Woman (Femme-aigle du soleil levant) – est une femme d’origine crie (de la Première Nation de Saddle Lake, en Albera) et portugaise. Elle habite à Calgary (Alberta).
Stacy utilise sa passion pour la communication narrative, le théâtre et les arts pour faire connaître sa culture et promouvoir la guérison et l’autonomisation.
Stacy travaille à la télévision et au cinéma depuis plus de 20 ans. Elle a fait ses débuts dans la populaire série canadienne North of 60, sur les ondes de la CBC. Sa prestation dans le film Hank Williams First Nation (2005) lui a valu le prix de la meilleure actrice à l’American Indian Film Festival. Plus récemment, elle a joué dans la nouvelle série Tribal (2020) d'APTN ainsi que dans divers courts-métrages : Broken Records (2019), Lost (2019), Parent Council (2019), The Root of the Problem (2019) et The Healing (2018). Stacy joue aussi dans son propre spectacle solo, Dream Stealer, qui porte sur les différentes étapes de la vie, la recherche d’équilibre à l’aide de la roue médicinale et des enseignements culturels, et le chemin pour surmonter la violence conjugale.
Au théâtre, Stacy a récemment joué dans l’installation Room d’Article 11 (2019) et dans la production de Kiitistsinnoniks (Nos mères) de la Making Treaty 7 Cultural Society (2018).
Stacy a fait sa formation d’interprète à l’American Academy of Dramatic Arts de Hollywood (Californie) et au programme Ensemble de Full Circle.
Stacy se sert des arts pour donner de la force aux femmes, contribuer à leur bien-être mental et promouvoir leur autonomisation par le mouvement, la danse et l’amour de soi. Stacy donne des ateliers sur l’identité, l’estime de soi et la croissance personnelle.
Dans l’avenir, Stacy souhaite se perfectionner en production cinématographique et élargir le champ des possibles pour les autres Autochtones.
Corey Payette is an interdisciplinary storyteller, writer, composer, singer, hand drummer, and director in music, theatre, and film. He is a member of the Mattagami First Nations, with French Canadian and Irish ancestry. Known for his deeply moving, large-scale original musical creations, Payette’s work challenges the public’s notion of what musicals can be, inserting Indigenous perspectives and narratives into mainstream spaces, igniting conversations that inspire social change. Payette’s work explores themes of colonization, Indigenous language revitalization, cultural healing, reconciliation between Indigenous and non-Indigenous peoples, and the complexity of historic and contemporary Indigenous experiences across music, theatre, and film. His musicals Children of God, Les Filles du Roi, Sedna, and Starwalker have won multiple awards and have toured extensively across Canada and those musical albums are available to stream and purchase online. He’s also performed his music in concerts around the world and made his Carnegie Hall debut in New York City in 2023. He has won numerous awards for his writing, direction, and music compositions and received the inaugural BC Reconciliation Award, created to honour those who have demonstrated exceptional leadership, integrity, respect, and commitment to furthering reconciliation with Indigenous peoples in the province of British Columbia. Corey has a long connection to the NAC, having attended the Canterbury School for the Arts in Ottawa and performed on the Fourth stage when he was 16 years old, was an artist-in-residence with English Theatre at the NAC directing Moonlodge (2016) and Children of God (2017), and associate artist in supporting the Indigenous Cycle which led to the creation of NAC’s Indigenous Theatre.
Corey Payette est un conteur, auteur, compositeur, chanteur, joueur de tambour à main et metteur en scène œuvrant en musique, en théâtre et en cinéma. Membre de la Première Nation Mattagami, il a également des racines canadiennes-françaises et irlandaises. Connu pour ses bouleversantes créations originales d’envergure, il élargit la définition de ce que peut être une comédie musicale, introduisant le grand public à des perspectives et des récits autochtones et suscitant le dialogue pour inciter au changement. Dans ses œuvres musicales, théâtrales et cinématographiques, il se penche sur les thèmes de la colonisation, de la revitalisation des langues autochtones, de la guérison culturelle, de la réconciliation entre les peuples autochtones et allochtones et de la complexité des expériences autochtones passées et présentes. Ses comédies musicales Children of God, Les Filles du Roi, Sedna et Starwalker ont reçu de nombreuses distinctions et tourné partout au Canada. Les albums qui en ont été tirés peuvent être achetés et écoutés en ligne. Corey Payette a aussi interprété ses compositions en concert dans le monde entier et a fait ses débuts au Carnegie Hall de New York en 2023. Il a été couronné de nombreux prix pour son écriture, sa mise en scène et ses compositions musicales et a reçu le tout premier prix BC Reconciliation, créé pour honorer les personnes faisant preuve d’un leadership, d’une intégrité, d’un respect et d’un dévouement exceptionnels dans le cadre du processus de réconciliation avec les peuples autochtones en Colombie-Britannique. Corey Payette entretient des liens de longue date avec le CNA, ayant été étudiant au programme de spécialisation en arts de l’école secondaire Canterbury à Ottawa et s’étant produit sur la scène de la Quatrième Salle à l’âge de 16 ans. Il a également été artiste en résidence pour le Théâtre anglais du CNA, où il a mis en scène Moonlodge (2016) et Children of God (2017), et artiste associé du Cycle autochtone, initiative qui a mené à la création du Théâtre autochtone du CNA.
Aria Evans is a queer, award winning interdisciplinary artist who’s practice spans dance; creation, performance and film. With a large-scale vision, collaboration is the departure point to their work created under their company POLITICAL MOVEMENT. Advocating for inclusion and the representation of diversity, Aria uses their artistic practice to question the ways we can coexist together.
Artiste interdisciplinaire queer ayant remporté plusieurs prix, Aria Evans embrasse danse, création, interprétation et cinéma. La collaboration avec une perspective à grande échelle est le point de départ des œuvres que crée sa compagnie, POLITICAL MOVEMENT. Préconisant l’inclusion et la représentation de la diversité, Evans remet en question, dans sa pratique artistique, les manières dont les êtres humains coexistent.
RALPH ESCAMILLAN is a queer, Canadian-Filipinx performance artist, choreographer and teacher based in Vancouver, BC. Ralph started his training in street dance styles, and is a graduate of Modus Operandi—a Vancouver-based Contemporary Dance program. He has danced/toured/created with Vancouver-based companies, Film and TV as well as a beacon for the Vancouver Ballroom Scene since 2017, through his other nonprofit VanVogueJam.
As the artistic director of FakeKnot, he develops collaborative performance works that have been presented both nationally and internationally. Having ancestral roots in the Philippines, he’s fascinated by inquiries into what it means to be North American, especially within the context of cultural traditions, dance, music and costume in an increasingly interconnected global community. The exploration of how culture is created through the accumulation of ideas and concepts is at the center of his work. He has found the body to be a powerful vessel through which these ideas can be investigated—incorporating music, costume and new media design.
Ralph Escamillan est interprète, chorégraphe, enseignant et leader communautaire queer, canadien d'origine philippine, basé à Vancouver, en Colombie-Britannique.
Sa compagnie, FakeKnot, crée des oeuvres performatives inclusives qui s'efforcent de saisir et de comprendre les complexités de l'identité et de la culture par le biais du costume, du son, de la technologie et du corps. En tant que directeur artistique, Ralph Escamillan rassemble toute son expérience de danseur de rue, de danse commerciale et de danse contemporaine pour créer une perspective chorégraphique vraiment unique, tout en s'interrogeant sur son identité de personne de couleur homosexuelle.
Le travail de FakeKnot est axé sur un processus hautement collaboratif. Parmi ses anciens collaborateurs figurent les artistes des nouveaux médias Sammy Chien, Nancy Lee et Milton Lim, le concepteur sonore Stefan Seslija et des marques locales telles que Lululemon Lab et Five Left Leather. La volonté de poursuivre ce type de collaborations est directement liée au désir de Ralph de continuer à établir des liens entre et au sein même de ces univers intersectionnels dont il vient en utilisant son travail au sein de FakeKnot comme véhicule pour ce discours.
Raven Morand is an Anishinaabe/Metis Kwe from Thunder Bay. She grew up spending summers in her home community of Migisi Sahgaigan(Eagle Lake First Nation) and moved to Kitchener, Ontario with her family when she was 4. Raven is a dedicated pow wow dancer and has been dancing Fancy Shawl for over a decade. Raven has been the head female dancer at many pow wow’s and enjoys her culture through dance and beadwork. Raven actively engages with her community through sitting on pow wow committees and attending community events. Raven is an activist and organizer and a strong advocate for Indigenous sovereignty and land defense.
Raven Morand est une Anishnaabe et Métisse Kwe de Thunder Bay. Elle a passé les étés de son enfance dans sa communauté natale de Migisi Sahgaigan (Première Nation d’Eagle Lake) et a déménagé avec sa famille à Kitchener à l’âge de 4 ans. Interprète passionnée de danses de pow-wow, elle se consacre à la danse du châle d’apparat depuis plus d’une décennie. Elle a été l’interprète féminine principale à de nombreux pow-wow, et vit sa culture par l’entremise de la danse et de la broderie de perles. Elle s’engage au sein de sa communauté en siégeant aux comités de pow-wow et en participant aux activités communautaires. Raven Morand est une activiste et organisatrice qui milite pour la souveraineté et les droits territoriaux des Autochtones.
Kate Kamo McHugh is a performing artist and educator from Kitchener, Ontario. Some professional highlights for Kate include dancing for Disney Cruise lines, working in children’s theatre in South America, and being part of MT Space’s inaugural Arts Exchange. Earlier this year, Kate was honoured to co-facilitate a movement based workshop for the Newcomer Youth Program in partnership with MT Space and the YMCA. Kate is currently rehearsing with Cosmic Fishing Theatre and excited to perform for an audience again post-COVID. She holds a BFA from Ryerson University in Theatre Performance Dance.
Kate Kamo McHugh est une artiste, interprète et enseignante originaire de Kitchener en Ontario. Parmi les faits saillants de sa carrière, notons qu'elle a dansé pour Disney Cruise lines, qu'elle a travaillé dans le domaine du théâtre pour enfants en Amérique du Sud et qu'elle a participé à la première édition du MT Space Arts Exchange. Plus tôt cette année, Kate a eu l'honneur de co-animer un atelier basé sur le mouvement pour le Newcomer Youth Program, en partenariat avec MT Space et le YMCA. Kate répète actuellement avec le Cosmic Fishing Theatre et a hâte de se produire à nouveau devant un public après la pandémie de COVID-19. Elle est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Ryerson en théâtre, performance et danse.
Allain Roy has a solid background of skills and experience in the theatre industry. He graduated from the National Theatre School in the production department, where he also spent ten years teaching. He has been an assistant director and stage manager for numerous companies in Quebec (over 130 productions) in addition to touring in Canada and Europe. He has collaborated with several directors including Robert Lepage, Martine Beaulne, René-Richard Cyr, Brigitte Haentjens, Denis Marleau and Jean-Pierre Ronfard.
In 2009, he returned to his home in New-Brunswick. He signed the artistic direction of various special projects such as the musical theater Louis Mailloux produced by the Compagnie Viola-Léger and the oratorio The Valley of Possibilities, presented by the Cultural Society of the Memramcook Valley in collaboration with the New Brunswick Symphony Orchestra.
Since November 2018, he has been artistic director and co-general manager of the Théâtre populaire d'Acadie.
Diplômé de l’École nationale de théâtre section production, où il a d’ailleurs été enseignant une dizaine d’année, Allain Roy possède un solide bagage de compétences et d’expériences dans le milieu théâtral. Il a été assistant metteur en scène et régisseur pour nombreuses compagnies au Québec (au-delà de 130 productions) en plus de faire des tournées au Canada et en Europe. Il a collaboré avec plusieurs metteurs en scène dont; Robert Lepage, Martine Beaulne, René-Richard Cyr, Brigitte Haentjens, Denis Marleau et Jean-Pierre Ronfard.
En 2009, il revient s’établir chez lui en Acadie. Il fait de la direction artistique sur des projets spéciaux comme le théâtre musical Louis Mailloux produit par la Compagnie Viola-Léger et l’oratorio La vallée des possibles, présenté par la Société culturelle de la Vallée de Memramcook en collaboration avec l’Orchestre symphonique du Nouveau-Brunswick.
Depuis novembre 2018, il est directeur artistique et codirecteur général du Théâtre populaire d’Acadie.
Catherine Bourgeois is the artistic director of the theatre company Joe Jack and John, which she co-founded in 2003. After completing a BA in set design at the École supérieure de théâtre de l’UQAM (Montreal), she obtained a master’s degree in directing at the Central School of Speech and Drama (London). Over the course of the ten productions she has designed and directed with Joe Jack and John, she has won various awards (MEC-Cas, Cochons d’or, Prix artiste mi-carrière from the UQAM Arts Faculty Foundation, etc.) and has earned a reputation as a leader in the performing arts community for her unique aesthetic and inclusive casting. In addition to devoting herself to the recognition and perpetuation of the company’s mandate, which she has defended with passion for 17 years now, Catherine works and militates actively for greater recognition of the practice of women and artists with disabilities in the theatre community.
Catherine Bourgeois dirige la compagnie Joe Jack et John, qu’elle a cofondée en 2003. Après avoir complété un BA en scénographie à l’École supérieure de théâtre de l’UQAM (Montréal), elle a obtenu une maîtrise en mise en scène au Central School of Speech and Drama (Londres). Au fil des dix productions qu’elle a conçues et dirigées avec Joe Jack et John, elle s’est mérité diverses distinctions (prix MEC-Cas, Cochons d’or, Prix artiste mi-carrière de la Fondation de la Faculté des arts de l’UQAM, etc.) et a acquis une réputation de leader au sein de la communauté des arts vivants pour son esthétique unique et l’humanité de ses distributions. En plus de se consacrer à la reconnaissance et la pérennisation du mandat de la compagnie qu’elle défend avec passion depuis maintenant 17 ans, Catherine travaille et milite activement pour une plus grande reconnaissance de la pratique des femmes et des artistes en situation de handicap dans le milieu théâtral.
Julien Morissette is a filmmaker, sound designer and musician from Gatineau, where he lives and works. Since 2016, his digital art practice has focused on radio creation and storytelling. In addition to doing sound and radio design for the stage, Julien has created and designed audio installations presented in various artist centres. In 2017, he co-founded the Festival de la radio numérique and Transistor Média, a company specializing in documentary podcasting and digital audio fiction. He has designed and produced audio series such as L’heure de radio McGarrigle, La Scène nationale du son and Signal nocturne (Télé-Québec), Synthèses (QUB Radio) and En direct de (Radio-Canada). With his partner Karina Pawlikowski, he is currently working on the audio fiction series Les amours extraordinaires (Radio-Canada) and the stage project Quelque chose de la lenteur.
Julien Morissette est un réalisateur, concepteur sonore et musicien originaire de Gatineau, où il vit et travaille. Depuis 2016, il a une pratique en arts numériques axée sur la création radiophonique et la mise en récit. L’artiste a créé et conçu des installations audio présentées dans divers centres d’artiste en plus de faire des conceptions sonores et radiophoniques pour la scène. En 2017, il a co-fondé le Festival de la radio numérique et la boîte Transistor Média qui se spécialise en baladodiffusion documentaire et en fiction audionumérique. On lui doit la conception et réalisation de séries audio comme L’heure de radio McGarrigle, LaScène nationale du son et Signal nocturne (Télé-Québec), Synthèses (QUB radio) et En direct de (Radio-Canada). Avec sa complice Karina Pawlikowski, il travaille à la création de la série de fiction audio Les amours extraordinaires (Radio-Canada) ainsi qu’à l’élaboration du projet scénique Quelque chose de la lenteur.
Karina Pawlikowski is an artist and writer with a background in visual arts. Since 2015, her practice has focused on writing and voice. Her work is supported, exhibited and circulated by various institutions in Quebec, in Canada and abroad. Karina’s research questions the norms that frame emotional and relational life. Her work is marked by references to the intimate, to domestic space and to parenthood. With her life partner Julien Morissette, she is currently working on the audio fiction series Les amours extraordinaires and the stage project Quelque chose de la lenteur.
Karina Pawlikowski est une artiste et écrivaine issue du milieu des arts visuels. Depuis 2015, sa pratique prend forme à travers les matériaux de l’écriture et de la voix. Son travail est appuyé, exposé et diffusé par diverses institutions québécoises, canadiennes, et parfois, internationales. La recherche de Karina questionne les normes qui encadrent la vie affective et relationnelle. Ses œuvres sont empreintes de référence à l’intime, à l’espace domestique et à la parentalité. Avec son partenaire de la vie courante, Julien Morissette, elle travaille à la création de la série de fiction audio Les amours extraordinaires, ainsi qu’à l’élaboration du projet scénique Quelque chose de la lenteur.
As the founding director of the children’s theatre company Voyageurs Immobiles, Polish-born director Milena Buziak delights in inviting people of all backgrounds, cultures and identities to her creative table. In 2020, she was awarded the John Hirsch Prize in recognition of her talent and the uniqueness of her artistic vision.
For young audiences, her directing credits include Estelle Savasta’s Traversée (presented at the NAC in 2017) and Marcel Cremer’s Le cheval de bleu (NAC 2019), both of which featured a mixed cast of deaf and hearing actors. Her latest creation project, Cycle des utopies fertiles, will invite European, African and Indigenous creators to blend their voices in the universal language of art.
Artiste sans frontières
Fondatrice et directrice de la compagnie Voyageurs Immobiles, la metteuse en scène d’origine polonaise Milena Buziak prend plaisir à convoquer à sa table de création des gens de tous horizons, cultures, identités. En 2020, elle se voit remettre le prix John-Hirsch, qui souligne son talent et l’unicité de sa vision artistique.
Pour les jeunes, elle crée, entre autres, Traversée d’Estelle Savasta (présenté au CNA en 2017) puis Le cheval de bleu de Marcel Cremer (CNA 2019), qui rassemblaient tous deux une distribution mixte, composée d’actrices et d’acteurs sourds et entendants. Baptisé Cycle des utopies fertiles, son nouveau chantier de création invitera des créateurs européens, africains et autochtones à parler ensemble dans cette langue universelle qu’est l’art.
A 2013 graduate of the Collège Lionel-Groulx theatre program (major in acting) and recipient of the Excellence Scholarship, Philippe Boutin is an actor, writer, teacher and director. He quickly distinguished himself as a creator to watch with his first ambitious plays: Détruire, nous allons, a large-scale show featuring 40 actors on a football field and presented as part of the OFFTA 2013, and Le vin herbé (Prix Opus, Discovery of the Year), an epic opera-theatre piece with a cast of nearly 70 artists (actors, dancers, singers and musicians), presented at Arsenal Montreal in June 2016 and produced by BOP. In 2018, he founded the company Empire Panique, which will produce his next large-scale diptych creation. The Rise of the BlingBling is a pop retelling of the Jesus Christ myth.
Diplômé en interprétation à l’Option-Théâtre du Collège Lionel-Groulx en 2013 et primé de la Bourse d’excellence, Philippe est comédien, auteur, professeur et metteur en scène. Rapidement, il se distingue comme un créateur à suivre dès ses premières pièces ambitieuses ; Détruire, nous allons, un spectacle à grand déploiement réunissant 40 comédiens sur un terrain de football présenté dans le cadre du OFFTA 2013, et Le vin herbé (Prix Opus Découverte de l'année), un opéra théâtre épique réunissant près de 70 artistes sur scènes, comédiens, danseurs, chanteurs et musiciens, présenté à Arsenal Montréal en juin 2016 et produit par BOP. En 2018, il fonde la compagnie Empire Panique qui produira sa prochaine création à grand déploiement sous la forme d'un diptyque. The Rise of the BlingBling se veut une relecture pop du mythe de Jésus Christ.
Since graduating from Collège Lionel-Groulx, Iannicko N’Doua has worked in film, television and theatre. He has appeared in numerous TV series, including 30 vies, Les boys 4, Unite 9,L’auberge du chien noir, Mémoires vives, District 31, Les Simone, Jérémie 2-3, Le jeu, File d’attente, Clash and Contre-Offre. More recently, he made his mark on the television world with his performance as Carlo in the series Fugueuse, and he will appear later this year in Nuit Blanche. Iannicko’s film credits include Le nèg’, Starbuck, Là où Attila passe, King Dave, Et au pire on se mariera, and Hochelaga, terre des âmes directed by François Girard. He has also appeared on stage in Caligula [Remix], Chante avec moi, L’opéra de Quat’sous, Dom Juan uncensored, Qu’est-ce qu’on a fait au bon Dieu? and Fredy. He also performed in a Mali-Montreal-Mexico-Switzerland coproduction entitled La Traversée des continents.
Dès sa sortie du Collège Lionel-Groulx, Iannicko N’Doua cumule autant les expériences au cinéma, à la télévision qu’au théâtre. À la télévision, il a joué dans de nombreuses séries télévisées dont 30 vies, Les boys 4, Unite 9, L’auberge du chien noir, Mémoires vives, District 31, Les Simone,Jérémie 2-3, Le jeu, File d’attente, Clash et Contre-Offre. Plus récemment, il a marqué l’univers télévisuel avec son rôle de Carlo dans la série Fugueuse, et on le verra plus tard cette année dans Nuit Blanche. Au cinéma, il était des films Le nèg’, Starbuck, Là où Attila passe, King Dave, Et au pire on se mariera et Hochelaga, terre des âmes de François Girard. Il s’est illustré sur les planches en jouant dans Caligula [Remix], Chante avec moi, L’opéra de Quat’sous, Dom Juan uncensored, Qu’est-ce qu’on a fait au bon Dieu ? et Fredy. Il a également joué dans une coproduction Mali-Montréal-Mexique-Suisse intitulée La Traversée des continents.
To date, Alice Ronfard has directed more than 40 plays, operas and dance shows and has won numerous awards. Her most notable productions include Shakespeare’s La tempête (The Tempest) (Grand Prix de la Communauté urbaine de Montréal), Claudel’s L’annonce faite à Marie (awarded the Prix de l’Association québécoise des critiques de théâtre), Rostand’s Cyrano de Bergerac, and Euripides' Les Troyennes, for which she received the Gascon-Roux Award for direction. In 1997, she won the Canadian Museums Association’s Award of Excellence for her design of the exhibition Femmes, corps et âme at the Musée de la civilisation in Quebec City.
From 1996 to 2003, she directed the French section of the National Theatre School of Canada alongside André Brassard.
For the past few years she has been working with young authors, directors and actors from the Montreal theatre community, including Sébastien Harrisson (Floes at Théâtre d’Aujourd’hui and La cantate intérieure at 2 Mondes), Evelyne de la Chenelière (L’imposture at Théâtre du Nouveau Monde and Une vie pour deux at Espace GO), Emmanuel Schwartz (Bérénice and Le partage at Théâtre La Chapelle, and Exhibition for the FTA), Dany Boudreault (e at Théâtre d’Aujourd’hui), and Mani Soleymanlou (Un and Deux at Théâtre La Chapelle). Alice also regularly teaches acting, set design and production at various theatre schools.
À ce jour, Alice Ronfard a mis en scène plus d’une quarantaine de pièces de théâtre, d’opéras et de spectacles de danse, et mérité de nombreux prix. Parmi ses mises en scène marquantes figurent La tempête de Shakespeare (Grand Prix de la Communauté urbaine de Montréal), L’annonce faite à Marie de Claudel (distinguée par le Prix de l’Association québécoise des critiques de théâtre), Cyrano de Bergerac de Rostand, ainsi que Les Troyennes d’Euripide qui lui ont valu le prix Gascon-Roux de la mise en scène. En 1997 elle a reçu le Prix d’excellence de l’Association des musées canadiens pour l’exposition Femmes, corps et âme au Musée de la civilisation à Québec.
De 1996 à 2003 elle a dirigé, aux côtés d’André Brassard, la section française de l’École nationale de théâtre du Canada.
Depuis quelques années, elle travaille avec de jeunes auteurs·trices, metteur·e·s en scène et acteurs·trices de la scène montréalaise, dont Sébastien Harrisson (Floes au Théâtre d’Aujourd’hui et La cantate intérieure aux 2 Mondes), Evelyne de la Chenelière (L’imposture au Théâtre du Nouveau Monde et Une vie pour deux à Espace GO), Emmanuel Schwartz (Bérénice et Le partage à La Chapelle, et L’exhibition pour le FTA), Dany Boudreault (e au Théâtre d’Aujourd’hui) et Mani Soleymanlou (Un et Deux à La Chapelle). Alice enseigne régulièrement en interprétation, en scénographie et en production dans les différentes écoles de théâtre.
Emily Marie Séguin (she/they) is an emerging performer, musician, theatre creator and visual artist. She is a queer, 2-spirit artist of French and Anishinaabeg descent (Ottawa, Mattawa-Northbay FN) creating work to honor those who walked before her, and to uplift those who will after her.
She primarily works on the unceded, unsurrendered territory of the Anishinabeg Nation, Ottawa (and surrounding areas).
Planteuse de racines
Emily Marie Séguin (elle/iel) est une interprète émergente, musicienne, créatrice de théâtre et artiste visuelle. Elle est une artiste bispirituelle queer, d’origine française et Anishinaabeg (Ottawa, Mattawa-Northbay FN), créant des œuvres pour honorer ceux qui l’ont précédée et pour élever ceux qui viendront après elle.
Elle travaille principalement sur le territoire non-cédé de la Nation Anishinabeg, Ottawa (et les régions avoisinantes).
Performer, actor, author and musician Marie-Hélène Massy Emond lives in La Motte (Abitibi). All of her art, her practice, seems to be in constant dialogue with the vast boreal territory. Winner of the Prix UDA at the 2013 Festival en chanson de Petite-Vallée, she has composed albums, including La cendre et le miel (2019). In true symbiosis with her cello, she coaxes an astonishing range of sounds from this piece of wood, often accompanying the music with songs and poetic stories. She also creates performances, and collaborated with a group of artists from a small town in northern Italy on an audio walk that reflects on the solitude of our times.
Chauffeuse d’instrument à bois
Performeuse,autrice et musicienne, Marie-Hélène Massy Emond vit à La Motte (Abitibi). Tout son art, sa pratique, semble en dialogue constant avec le vaste territoire boréal. Lauréate du Prix UDA au Festival en chanson de Petite-Vallée 2013, elle a composé des albums, dont La cendre et le miel en 2019. En véritable symbiose avec son violoncelle, elle fait jaillir de ce morceau de bois une étonnante gamme de sonorités qu’elle accompagne souvent en chants et en récits poétiques. Elle crée également des spectacles avec des citoyens et des citoyennes, et collabore avec le collectif italien Wundertruppe à un cycle portantsur la solitude de nos temps.
As a cultural coordinator for almost 10 years, Allison Migeon has had the opportunity to develop her organizational and administrative skills with renowned European festivals, orchestras and music ensembles such as Les Chorégies d’Orange, the Festival des Journées Ravel and Ensemble Arpeggiata. She has worked with such prominent artists as Philippe Jaroussky, Renaud Capuçon, Nathalie Dessay and The King’s Singers.
After moving to Montreal, she maintained her involvement in the cultural milieu, working for the International Festival of Films on Art (FIFA), the Festival de Films Francophones CINEMANIA, the Festival International Nuits d’Afrique and the OBORO artist centre.
Of French and Martinican heritage, Allison quickly became interested in the lack of diversity represented on the classical music scene, both on and off stage. Upon discovering organizations such as Chineke! Orchestra and the Sphinx Organization, she began to think about what could be done to address this lack of diversity in Canada.
Firm in her convictions and her desire to share her vision, in March 2021 she founded Ensemble Obiora with Brandyn Lewis.
Coordonnatrice culturelle depuis presque 10 ans, Allison Migeon a eu l’opportunité de développer ses compétences organisationnelles et administratives auprès de festivals, d’orchestres et d’ensemble de musique européens de renom tels que Les Chorégies d’Orange, le Festival des Journées Ravel ou encore l’Ensemble Arpeggiata. Elle a pu notamment travailler avec des artistes comme Philippe Jaroussky, Renaud Capuçon, Nathalie Dessay ou The King’s Singers.
À son arrivée à Montréal, elle a continué à s’investir dans le milieu culturel, en travaillant pour Le Festival International du Film sur l’Art (FIFA), le Festival de Films Francophones CINEMANIA, le Festival International Nuits d’Afrique ou encore le Centre d’artistes OBORO.
D’origine française et martiniquaise, Allison Migeon s’est très vite intéressée au manque de représentation de la diversité dans le milieu de la musique classique, aussi bien sur scène qu’en dehors. En découvrant des organisations, comme Chineke! Orchestra ou Sphinx Organization, elle réfléchit à des solutions qui pourraient être apportées afin de pallier cette absence de diversité au Canada.
Forte de ses convictions et de son envie de partager sa vision, elle décide de fonder, en mars 2021, l’Ensemble Obiora avec Brandyn Lewis.
Brandyn Lewis is an interim section double bassist in the Orchestre symphonique de Montreal and freelance musician in the Montreal area. He has had the privilege of playing a wide range of repertoire with the OSM under the direction of maestros Kent Nagano, Rafael Payare, Suzanna Malkki, Sir Andrew Davis, Michael Tilson Thomas, to name a few, and in 2019, he toured across Europe and South America playing in some of the most prestigious concert halls. As an octobassist, he has made appearances with the OSM and the Orchestre symphonique de Trois-Rivières.
Brandyn has also performed with other ensembles such as the Orchestre Classique de Montreal, Orchestre symphonique de Sherbrooke, Filmharmonique, and Ballet-Opéra-Pantomime. He has equally done chamber music collaborations with members of the OSM and Toronto Symphony Orchestra.
Native of Montreal, Brandyn met the double bass at age eleven and later studied with René Gosselin at the Conservatoire de musique de Montreal. In 2017, he received a B.Mus in classical performance with Outstanding Achievement, at the Schulich School of Music at McGill University with Ali Yazdanfar.
Brandyn is proud of his role as co-founder and artistic director of the Ensemble Obiora, promoting diversity and cultural representation in classical music in Canada.
Brandyn Lewis est contrebasse de section par intérim à l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) et musicien indépendant dans la région de Montréal. Il a eu le privilège d’interpréter un répertoire diversifié avec l’OSM sous la direction de Kent Nagano, Rafael Payare, Suzanna Malkki, sir Andrew Davis et Michael Tilson Thomas, notamment; en 2019, il a tourné en Europe et en Amérique du Nord, se produisant dans les salles de concert les plus prestigieuses. On a également pu l’entendre à l’octobasse avec l’OSM et l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières.
Lewis s’est produit avec d’autres ensembles, tels l’Orchestre classique de Montréal, l’Orchestre symphonique de Sherbrooke, Filmharmonique et le Ballet-Opéra-Pantomime. Il a également participé à des projets collaboratifs de musique de chambre avec des membres de l’OSM et de l’Orchestre symphonique de Toronto.
Natif de Montréal, Lewis a découvert la contrebasse à 11 ans, et a plus tard eu pour maître René Gosselin au Conservatoire de musique de Montréal. Il a obtenu en 2017 un baccalauréat en musique (interprétation classique) avec distinction de l’École de musique Schulich de l’Université McGill sous la direction d’Ali Yazdanfar.
Brandyn Lewis est fier d’être le cofondateur et directeur artistique de l’Ensemble Obiora, qui fait la promotion de la diversité et de la représentation culturelle dans le monde de la musique classique au Canada.
Duo Beija-Flor presents a repertoire inspired by cultures from around the world with "superb playing, varied programs and infectious rhythms" (The Whole Note, Toronto). Composed of flutist Marie-Noëlle Choquette and guitarist Charles Hobson, the duo have performed in concert in Canada, the United States, Argentina and Costa Rica. After self-producing two critically acclaimed debuts, the duo released their third album, Costas, in fall 2018 under the American label Big Round Records / Naxos of America. They form an "incredibly dynamic and creative team" (The Flute View, San Francisco) and have been guest artists for various media (CIBL, Global TV, etc). Recipient of several awards and scholarships, they were recently selected to be one of the Prairie Debut artists for the 2020-21 season which will see them perform for the first time in Canada’s prairies.
Duo Beija-Flor présente un répertoire aux inspirations folkloriques du monde avec un « jeu superbe, des programmes variés et des rythmes contagieux » (The Whole Note, Toronto). Composé de la flûtiste Marie-Noëlle Choquette et du guitariste Charles Hobson, le duo s’est produit en concert au Canada, aux États-Unis, en Argentine et au Costa Rica. Après avoir autoproduit deux premiers opus encensés par la critique, le duo a lancé à l’automne 2018 son troisième album, Costas, sous l’étiquette américaine Big Round Records/Naxos of America. Il forme une « équipe incroyablement dynamique et créative » ( The Flute View, San Francisco) et a été l’artiste invité de différents médias pour son unique choix de répertoire classique (CIBL, Global TV, etc). Récipiendaire de plusieurs prix et bourses, il a récemment été sélectionné pour faire partie des artistes de Prairie Debut lors de la saison 2020-21 et aura ainsi la chance de partir en tournée dans plusieurs villes du centre-ouest canadien.
A versatile artist, whose talents transcend the boundaries of dance, music, opera and multi-media, Marie-Josée Chartier moves easily between her roles as choreographer, performer, director, vocalist and teacher. Her choreography is influenced by contemporary music, literature and the visual arts as she explores and deconstructs the vulnerabilities of human beings.
Her acclaimed pieces have been presented at major festivals and by dance companies across Canada, Europe and Latin America. Since 2003, Chartier directs/stages opera and multi-media productions for: Gryphon Trio, Toca Loca, Queen of Puddings Music Theatre, Tapestry Opera, Arraymusic, Theaturtle and l’Ensemble Contemporain de Montréal (ECM+).
Chartier received the following awards: Jacqueline Lemieux Prize (2015); K.M. Hunter Artist Award (2001), 9 Dora Mavor Moore Award nominations; recipient of 2 Doras for choreography. She formed Chartier Danse in 2003 to support her projects and create a cornerstone for large scale productions and partnerships in Canada and abroad.
Artiste polyvalente dont les talents franchissent les limites de la danse, de la musique, de l’opéra et du multimédia, Marie-Josée Chartier se meut avec aisance entre ses fonctions de chorégraphe, d’interprète, de metteure en scène, de vocaliste et de professeur. Sous l’influence de la musique, de la littérature et des arts visuels contemporains, sa chorégraphie explore et déconstruit les vulnérabilités de l’être humain.
Ses œuvres applaudies par la critique ont figuré au programme de nombreux festivals prestigieux partout au Canada, en Europe et en Amérique latine. Depuis 2003, Chartier met en scène des oeuvres d’opéra et de multi-media pour Gryphon Trio, Toca Loca, Queen of Puddings Music Theatre, Tapestry Opera, Arraymusic, Theaturtle and l’Ensemble Contemporain de Montréal (ECM+).
Son travail a été maintes fois récompensé, notamment par le prix Jacqueline Lemieux (2015) et le K.M. Hunter Artist Award (2001). Marie-Josée Chartie a également été en lice pour neuf nominations au prix Dora Mavor Moore. Elle y a remporté deux Dora pour ses oeuvres chorégraphiques. Elle fonde Chartier Danse en 2003, afin de soutenir sa création et d’ancrer de futurs partenariats de grande envergure.
Gabriel Dharmoo is a composer, vocalist, improviser, interdisciplinary artist and researcher.
After studying with Éric Morin at Université Laval, he completed studies in composition and analysis at the Conservatoire de musique de Montréal with Serge Provost, graduating with two Prix avec grande distinction, the highest honour awarded. His works have been performed in Canada, the U.S., France, Germany, the Netherlands, Switzerland, Spain, Estonia, Poland, Australia, Singapore, and South Africa. He has received many awards for his compositions, including the Canada Council for the Arts Jules Léger Prize for his chamber work Wanmansho (2017) and the Conseil Québécois de la Musique Opus Award for his opera À chaque ventre son monstre (2018). He was also awarded the Canadian Music Centre's Harry Freedman Recording Award (2018).
Having researched Carnatic music with four renowned masters in Chennai (India) in 2008 and 2011, his musical style encourages the fluidity of ideas between tradition and innovation. He has participated in many cross-cultural and inter-traditional musical projects, many led by Sandeep Bhagwati in Montreal (Sound of Montreal, Ville étrange) and in Berlin (Zungenmusiken, Miyagi Haikus).
As a vocalist and interdisciplinary artist, his career has led him around the globe, notably with his solo show Anthropologies imaginaires at the Amsterdam Fringe Festival (2015) and the SummerWorks Performance Festival (2016). They also explore queer arts and drag artistry as Bijuriya (@bijuriya.drag).
He is an associate composer at the Canadian Music Centre and a member of SOCAN, the Canadian New Music Network, and the Canadian League of Composers. Since 2015, Gabriel has been a PhD candidate at Concordia University's PhD "Individualized Program" with Sandeep Bhagwati (Music), Noah Drew (Theatre) and David Howes (Anthropology).
Gabriel Dharmoo est compositeur, vocaliste, improvisateur, artiste interdisciplinaire et chercheur.
Après des études en composition auprès d’Éric Morin à l’Université Laval, il fait ses études en composition et en analyse avec Serge Provost au Conservatoire de musique de Montréal, où il obtient par deux fois le prix avec grande distinction – le plus prestigieux qui soit. Ses œuvres ont été interprétées au Canada, aux États-Unis, en France, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Suisse, en Espagne, en Estonie, en Pologne, en Australie, à Singapour et en Afrique du Sud. Ses compositions ont souvent été primées, notamment par le Prix Jules-Léger du Conseil des arts du Canada pour Wanmansho (2017) et le Prix Opus pour l’opéra À chaque ventre son monstre (2018). Il est aussi lauréat du Prix d’enregistrement Harry-Freedman du Centre de musique canadienne (2018).
Après des recherches sur la musique carnatique auprès de quatre maîtres reconnus à Chennai (Inde), en 2008, puis en 2011, il a acquis un style musical qui encourage la fluidité entre la tradition et l’innovation. Il a participé à de nombreux projets interculturels et intertraditionnels, le plus souvent sous la direction de Sandeep Bhagwati, autant à Montréal (Sound of Montreal, Ville étrange) qu’à Berlin (Zungenmusiken, Miyagi Haikus).
En tant que vocaliste et artiste interdisciplinaire, il a été amené à voyager autour du globe, présentant entre autres son spectacle solo Anthropologies imaginaires, primé au Amsterdam Fringe Festival (2015) et au SummerWorks Performance Festival (2016). Il explore également les arts queers avec son personnage drag Bijuriya (@bijuriya.drag).
Gabriel Dharmoo est compositeur agréé au Centre de musique canadienne et membre de la SOCAN, du Réseau canadien des musiques nouvelles et de la Ligue canadienne des compositeurs. Depuis 2015, il est candidat au doctorat à l’Université Concordia (programme sur mesure) avec Sandeep Bhagwati (musique), Noah Drew (théâtre) et David Howes (anthropologie).
Hailing from Israel, Korea-Canada, Saint Lucia, and the USA, the Dior String Quartet is the Bronze Medalist of the 2019 Fischoff National Chamber Music Competition, first prize winner of the 2019 Plowman Chamber Music Competition, second prize winner at the 2021 Chesapeake Chamber Music Competition and the Quartet-in-Residence at the Glenn Gould School, Royal Conservatory of Music in Toronto. Formed in Fall 2018 at the Jacobs School of Music, Indiana University under the tutelage of Pacifica Quartet, the Dior quartet participated in a variety of programs, including a fully sponsored residency at the Britten-Pears Young Artists Program in the UK, McGill International String Quartet Academy in Montreal, and the SLSQ Seminar at Stanford University. The Dior Quartet collaborated with Orion Weiss, Victor Yampolsky, and performed in a joint concert with the Pacifica Quartet in 2019. The quartet made their debut with the Schneider Concert Series In January 2021.
Ensemble aux origines israéliennes, coréo-canadiennes, luciennes et américaines, le Quatuor à cordes Dior a remporté la médaille de bronze au Concours national de musique de chambre Fischoff de 2019, le premier prix au Concours de musique de chambre Plowman de 2019, le deuxième prix au Concours de musique de chambre de Chesapeake en 2021 et le titre de quatuor en résidence de l’École Glenn Gould au Conservatoire royal de musique de Toronto. Fondé à l’automne 2018 à l’École de musique Jacobs de l’Université de l’Indiana sous la supervision du Quatuor Pacifica, le Quatuor Dior a participé à divers programmes, dont le programme Britten-Pears pour jeunes artistes au Royaume-Uni (résidence pleinement financée), l’Académie internationale de quatuor à cordes de l’Université McGill à Montréal et le séminaire du SLSQ à l’Université Stanford. Il a aussi collaboré avec Orion Weiss et Victor Yampolsky, et s’est produit en concert avec le Quatuor Pacifica en 2019. Il a fait ses débuts à la série de concerts Schneider en janvier 2021.
Newly formed in 2021, Indigo Trio came together in the hope of bringing more joy and beauty into the lives of those feeling the emptiness of the pandemic. Jessie Ramsay (violin), John Sellick (viola), and Alyssa Ramsay (cello), all originally from the prairies, have studied and performed across Canada and Europe in soloistic, chamber and orchestral settings.
One of Indigo Trio’s passions is to bring programs curated specifically for rural communities that may not often experience classical performances. Through the integration of classical music with folk music, popular music and fiddle tunes, they strive to create innovative and varied programming that will appeal to audiences of any age. Coming up this August, Indigo Trio will be performing their first curated livestream concert as part of Banff Centre’s Evolution: Classical program.
Le Trio Indigo s’est formé en 2021 dans l’espoir d’apporter un peu de joie et de beauté dans la vie des personnes qui ressentent le vide créé par la pandémie. Jessie Ramsay (violon), John Sellick (alto) et Alyssa Ramsay (violoncelle), tous originaires des Prairies, ont étudié et joué partout au Canada et en Europe, que ce soit comme solistes ou au sein d’ensemble de chambre ou d’orchestres.
Le Trio Indigo se plaît tout particulièrement à préparer des programmes spéciaux pour des communautés rurales qui n'ont pas nécessairement souvent accès à des concerts de musique classique. En mêlant musique classique, folklorique et populaire, le trio s’efforce de créer des programmes différents et variés qui charmeront des publics de tous âges. En août, le Trio Indigo présentera son premier concert diffusé en direct, dans le cadre du programme Évolution : Classique du Centre des arts de Banff.
Abigail Sinclair (she/her) studies at the University of Toronto’s Faculty of Music with Elizabeth McDonald, and is a member of the Undergraduate Opera Studio. She is the Executive Director and co-founder of Toronto-based Green Room Sound Collective. This Summer, Abigail and collaborative pianist Ria Kim will perform a recital in conjunction with Evolution:Classical Online through the Banff Centre For Arts and Creativity.
Abigail was featured in Neptune Theatre’s “Reunited” concert series and recently appeared alongside Barabara Hannigan and Russell Braun in a concert commemorating the career of Canadian composer John Beckwith. She has been fortunate to work with celebrated artists including Canadian soprano Jane Archibald and Grammy Award winning soprano, Audrey Luna.
Abigail is the recipient of the 2020 Nova Scotia Talent Trust Portia White Award. She recently completed a residency at the Lunenburg Academy of Music Performance. From 2009-2018, Abigail studied with Paula Phillips in Halifax.
Abigail Sinclair (pronom : elle) étudie à la Faculté de musique de l’Université de Toronto auprès d’Elizabeth McDonald. Elle aussi membre du studio d’opéra de premier cycle. Elle est directrice générale et cofondatrice du Green Room Sound Collective, établi à Toronto. Cet été, Abigail et la pianiste Ria Kim donneront un récital en ligne dans le cadre du programme Évolution : Classique du Centre des arts de Banff.
Abigail s’est récemment produite dans la série de concerts Reunited du Neptune Theatre et auprès de Barabara Hannigan et Russell Braun lors du concert-hommage au compositeur canadien John Beckwith. Elle a eu la chance de travailler avec des artistes reconnus, dont la soprano canadienne Jane Archibald et la soprano Audrey Luna, lauréate d’un Grammy.
Abigail est la lauréate 2020 du prix Portia White du Nova Scotia Talent Trust. Elle a récemment effectué une résidence à l’Academy of Music Performance de Lunenberg. De 2009 à 2018, Abigail a étudié auprès de Paula Phillips à Halifax.
Ria Kim (she/her), pianist originally from Korea, is currently teaching at the Maritime Conservatory of Performing Arts and is collaborating at Dalhousie University in Halifax, Nova Scotia. She received her education at the Maritime Conservatory of Performing Arts with Oxana Zotova’s instructions, Fountain School of Performing Arts with Lynn Stodola’s instructions, (former Dalhousie University) and Manhattan School of Music with Daniel Epstein’s instructions up to her MMus.
“Trio Benterria” that she was in won the Provincial Music Festival 2011, which led them to the National Festival of Music in Saskatoon. Ms. Kim played Beethoven’s ‘Emperor Concerto’ with the Dalhousie Orchestra in 2010.
Her main interest has expanded from classical music towards multi-genre and cross-genre, and incorporates such freedom in her teaching settings. At her attendance at Domaine Forget, Shandelee Music Festival, Bowdoin Music Festival she had the opportunity to study with Yonghee Moon, Philip Chiu, John Forconi, Chiharu Iinuma.
Ria Kim (pronom : elle) est une pianiste originaire de Corée. Elle enseigne actuellement au Maritime Conservatory of Performing Arts et collabore avec l’Université Dalhousie à Halifax (Nouvelle-Écosse). Elle a étudié au Maritime Conservatory of Performing Arts auprès d’Oxana Zotova, à la Fountain School of Performing Arts (Université Dalhousie) auprès de Lynn Stodola ainsi qu’à la Manhattan School of Music auprès de Daniel Epstein jusqu’à l’obtention de sa maîtrise en musique.
Elle a fait partie du Trio Benterria, ensemble qui a remporté les honneurs au Provincial Music Festival de 2011, ce qui l’a amené au National Festival of Music de Saskatoon. Ria Kim a joué le « Concerto Empereur » avec l’Orchestre Dalhousie en 2010.
Son intérêt pour la musique classique s’est élargi pour inclure d’autres genres et le travail à la croisée des genres, liberté qu’elle intègre à son enseignement. Lors de ses présences au Domaine Forget et aux festivals de musique Shandelee et Bowdoin, elle a eu l’occasion d’étudier auprès de Yonghee Moon, Philip Chiu, John Forconi et Chiharu Iinuma.
Violinist Daniel Dastoor studies with Paul Kantor and Barry Shiffman at the Glenn Gould School, pursuing an Artist Diploma. Studying with Bill Van der Sloot in Calgary, Daniel completed undergraduate studies at the Mount Royal Conservatory while finishing degrees in Music and Computer Science at the University of Calgary. A national finalist at the 2014-2017 Canadian Music Competitions, and 2015 winner of the Calgary Philharmonic Orchestra’s Marley Rynd Memorial Performance Scholarship, Daniel has performed as soloist with the Lethbridge Symphony and twice as soloist with the Calgary Philharmonic.
A passionate chamber musician, Daniel performed with the UCalgary String Quartet faculty quartet in residence from 2016-2018, and participated in Calgary Pro Musica’s Young Artists Program most recently as part of the Walden Piano Trio, with which he competed in the 45th Fischoff National Chamber Competition. He has participated in the NAC’s Young Artist Program, the Kneisel Hall, Trondheim International Chamber, Festival del Lago, and Orford festivals, and the Festival de Febrero and Concerts@100 series.
An equally experienced orchestral musician, Daniel has been a member of the Royal Conservatory Orchestra, National Youth Orchestra of Canada, McGill Symphony Orchestra, and has served as concertmaster of the University of Calgary Orchestra.
Le violoniste Daniel Dastoorétudie au programme de diplôme d’artiste de l’École Glenn Gould auprès de Paul Kantor et Barry Shiffman. Daniel a fait ses études de premier cycle au Conservatoire Mount Royal de Calgary auprès de Bill Van der Sloot tout en étudiant la musique et l’informatique à l’Université de Calgary. Finaliste à l’échelle nationale au Concours de musique du Canada de 2014 à 2017 et lauréat de la bourse commémorative Marley Rynd de l’Orchestre philharmonique de Calgary en 2015, Daniel s’est produit comme soliste avec l’Orchestre symphonique de Lethbridge et à deux reprises avec l’Orchestre philharmonique de Calgary.
Chambriste passionné, il a joué pour le Quatuor à cordes UCalgary – le quatuor en résidence de l’Université de Calgary — de 2016 à 2018, et a tout récemment participé au programme Pro Musica pour jeunes artistes à Calgary en tant que membre du Trio Walden, avec qui il a participé à la 45e édition du Concours national de musique de chambre Fischoff. Il a aussi participé au Programme des jeunes artistes du CNA, à Kneisel Hall, au Concours international de musique de chambre Trondheim, au Festival del Lago, aux festivals d’Orford, au Festival de Febrero et à la série Concerts@100.
Daniel est tout aussi expérimenté comme musicien d’orchestre. Il a joué pour l’Orchestre du Conservatoire royal de musique, l’Orchestre national des jeunes du Canada et l’Orchestre symphonique de McGill. Il a aussi été violon solo dans l’Orchestre de l’Université de Calgary.
A unique and dynamic violinist, Aisslinn Nosky has captivated audiences around the world with her innovative interpretations and impeccable technique. Her fierce passion for early music and skill as a soloist, director, and conductor has generated robust appreciation by press and audiences alike. Hailed as “superb” by The New York Times and “a fearsomely powerful musician” by The Toronto Star, widespread demand for Aisslinn continues to grow.
In addition to her role as Concertmaster of the Handel and Haydn Society of Boston, Aisslinn has also collaborated with the Orchestra of the Age of Enlightenment, the New Zealand Symphony Orchestra, Holland Baroque, and the Charlotte Symphony. She was a dedicated member of Tafelmusik Baroque Orchestra from 2005 to 2016 and served as Principal Guest Conductor of the Niagara Symphony from 2016 to 2019.
Aisslinn is a founding member of the Eybler Quartet, a group that explores repertoire from the early quartet literature on period instruments. The Eybler Quartet is on the faculty of the Banff Centre Evolution: Quartet summer training program together with the JACK and Parker quartets.
Violoniste unique et dynamique, Aisslinn Nosky a captivé les auditoires du monde entier avec ses interprétations originales et sa technique impeccable. Sa grande passion pour la musique ancienne et ses talents de soliste, directrice artistique et chef d’orchestre lui ont valu les éloges de la critique et du public. Qualifiée de « superbe » par le New York Times et de « musicienne terriblement puissante » par le Toronto Star, Aisslinn est une artiste de plus en plus demandée.
En plus de son rôle comme violon solo de la Haendel and Haydn Society de Boston, Aisslinn a aussi collaboré avec l’Orchestre de l’âge des Lumières, l’Orchestre symphonique de la Nouvelle-Zélande, Holland Baroque et l’Orchestre symphonique de Charlotte. Elle a été un membre dévoué de l’orchestre de musique baroque Tafelmusik de 2005 à 2016 et première chef invitée de l’Orchestre symphonique de Niagara de 2016 à 2019.
Aisslinn est un membre fondateur du Quatuor Eybler, groupe qui explore le répertoire ancien pour quatuors sur des instruments anciens. Ce quatuor fait partie du corps professoral du programme d’été Évolution : Quatuors du Centre des arts de Banff avec les quatuors JACK et Parker.
SHHH!!… a powerful utterance designed to draw attention forward… creating space and awareness… opening ears to something important.
“Truly virtuosic and intense” describes Zac Pulak and Edana Higham’s SHHH!! Ensemble. Their mission is to perform, inspire and foster new works for percussion and piano, appearing in halls across Canada in concerts, collaborations and interactive presentations.
SHHH!! prides themselves on presenting programs that are as accessible as they are groundbreaking by commissioning works by exciting and creative new Canadian voices while collaborating with luminaries such as John Beckwith, Jocelyn Morlock, and Kelly-Marie Murphy. Their Toronto debut was featured on CBC Radio 2’s “In Concert”, and they have been named co-Artistic Directors of the Ottawa New Music Creators for 2021-2023. Their debut recording Meanwhile, on the Analekta label, will be released in 2022.
SHHH!!… une déclaration puissante qui attire l’attention… en créant de l’espace et en aiguisant la conscience… ouvrant les oreilles vers quelque chose d’important.
Qualifié de « véritablement virtuose et intense », l’Ensemble SHHH!!, qui réunit Zac Pulak et Edana Higham, a pour mission d’interpréter de nouvelles œuvres et d’encourager la création de pièces pour percussions et piano en se produisant lors de concerts, collaborations et présentations interactives dans les salles de concert du Canada.
SHHH!! se fait une fierté de présenter des programmes aussi avant-gardistes qu’accessibles en commandant des œuvres à d’excitants nouveaux talents tout en collaborant avec de grands noms de la composition au Canada comme John Beckwith, Jocelyn Morlock et Kelly-Marie Murphy. Les débuts de l’ensemble à Toronto ont été diffusés dans le cadre de la série In Concert sur les ondes de CBC Radio 2. Le duo assurera la codirection artistique des Ottawa New Music Creators pour la période 2021-2023. Son premier album, Meanwhile, paraîtra sous étiquette Analekta en 2022.
Hailed as a “lovely violist” (The WholeNote), Ryan Davis is swiftly emerging as a singular creative voice. A sought-after artist in solo, chamber music, and orchestral performances, he finds himself seamlessly blending in between creative spaces. Some recent performance highlights include an appearance on NBA Champion and former Toronto Raptors player Serge Ibaka’s Instagram Live show, How Talented Are You?, and a featured performance of Christos Hatzis’s The Mega4 Meta4, as an invited soloist in the 21C Music Festival at The Royal Conservatory of Music. Ryan is an innovative composer-performer under the moniker Radia, combining inspiration of classical, folk, electronic, and hip-hop music with a loop pedal. His compositions have been featured in diverse spaces and communities, including in Toronto’s Koerner Hall, in Los Angeles’s Skid Row, and on ABC Channel 7 News LA. In 2014, Ryan completed a Bachelor of Music with “Outstanding Achievement in Viola'' at McGill University as a scholarship student of Andre Roy. He graduated as a Master of Music at the Yale School of Music in 2016 as a student of Ettore Causa, and in 2019 received an Artist Diploma from The Colburn School under the tutelage of Paul Coletti. In 2019, he was chosen as the first ever violist in the Rebanks Family Fellowship & International Performance Residency Program in Toronto.
Qualifié de « superbe altiste » (The Whole Note), Ryan Davis est un artiste qui se démarque de plus en plus par son originalité. Soliste, chambriste et musicien d’orchestre demandé, il passe sans effort d’un espace créatif à l’autre. Au nombre de ses prestations récentes, mentionnons une participation à How Talented are You?, émission diffusée en direct sur Instagram par le champion de la NBA et ex-joueur des Raptors de Toronto Serge Ibaka, et une prestation comme soliste invité au Festival de musique 21C du Conservatoire royal de musique, où il a interprété The Mega4 Meta4 de Christos Hatzis. Ryan, alias « Radia », est un compositeur-interprète innovant qui s’inspire de la musique classique, du folk, de la musique électronique et du hip-hop tout en se servant d’un boucleur. Ses compositions ont été présentées dans différentes salles et communautés, notamment à Koerner Hall à Toronto, dans le quartier Skid Row de Los Angeles et à l’émission News LA sur les ondes d’ABC Channel 7. En 2014, Ryan a obtenu son baccalauréat en musique de l’Université McGill avec une mention d’excellence en alto en tant qu’étudiant boursier d’André Roy. Il a obtenu une maîtrise en musique de l’École de musique de Yale en 2016, où il a étudié auprès de Ettore Causa. En 2019, il a reçu son diplôme d’artiste de l’École Colburn sous la direction de Paul Coletti. En 2019, il est devenu le premier altiste sélectionné pour la Bourse de la famille Rebanks et le Programme international de résidences pour interprètes à Toronto.
Kerry Bursey and Ellen Torrie of Kalliope are new collaborators intent on expanding beyond the traditional confines of early music and creating a seamless performances incorporating many aspects of their artistic interests. These include antiquity, medieval, renaissance, and baroque musics, early and contemporary folk music, and original contemporary folk compositions self-accompanied on a diverse array of instruments.
Kerry Bursey et Ellen Torrie de Kalliope sont de nouvelles collaboratrices qui ont l'intention de repousser les limites traditionnelles de la musique ancienne et de créer ainsi une performance harmonieuse qui combine de leurs nombreux intérêts artistiques. Il s'agit notamment des musiques de l'Antiquité, du Moyen Âge, de la Renaissance et de l'époque baroque, de la musique folklorique ancienne et contemporaine, ainsi que de compositions folkloriques contemporaines originales accompagnées d'un large éventail d'instruments.
Based in Toronto, bilingual multidisciplinary artist Katia Café-Fébrissy is a multi-award-winning director and screenwriter, playwright and stage director working in both English and French. She is a member of the Playwrights Guild of Canada, the Directors Guild of Canada, the Canadian Media Guild and the Société des auteurs de radio, télévision et cinéma (SARTEC). She is a graduate of the Creative Women Workshops Association’s Women in the Director’s Chair program and of the Directors Lab North. Katia also teaches filmmaking in the Bachelor of Film and Television program at Sheridan College. She holds an M.A. in documentary filmmaking from Ateliers Varan, France, and an M.A. in literature and languages from Université Paris VIII, France.
Katia Café-Fébrissy est une artiste pluridisciplinaire bilingue établie à Toronto, une réalisatrice et scénariste multi-primée ainsi qu’une autrice et metteure en scène travaillant en français aussi bien qu’en anglais. Elle est membre de la Guilde des Dramaturges du Canada, de la Guilde des Réalisateurs.trices du Canada, de la Guilde Canadienne des Médias et de la Société des Auteurs de Radio, Télévision et Cinéma (SARTEC). Elle est une alumna de Women in the Director's Chair et de Director's Lab North. Par ailleurs, Katia enseigne la réalisation au Collège Sheridan dans le programme Bachelor Film & TV. Elle détient un Diplôme d’Études Supérieures en réalisation de films documentaires (Masters) des Ateliers Varan, France ainsi qu’une Maîtrise en Lettres et Langues de l’Université Paris VIII, France.
Véronique Lachance is a multidisciplinary Euro-Quebec artist of predominantly French ancestry (immigration during the colonial era of New France). She spent her childhood between the unceded territories of the Abenaki (Eastern Townships), Atikamekw (Mauricie) and Mi’kmaq (Gaspé) nations. She studied acting at the École supérieure de théâtre de l’UQAM. Upon her graduation in 2014, she co-founded Grande Surface, a multidisciplinary artist collective in Montreal. She moved to the territory of the Ta’an Kwäch’än and Kwanlin Dün Nation Council (Kwanlin/Whitehorse) in 2017. Since then, she has been working with the Yukon theatre companies Gwaandak, Nakai and Ramshackle Theatre. Véronique regularly gives theatre workshops (acting, writing, shadow theatre and immersive performance) in Whitehorse schools and in Yukon First Nations communities.
Véronique est une artiste multidisciplinaire euro-québécoise d’ascendance majoritairement française (immigration durant l’époque coloniale de la Nouvelle-France). Elle a passé son enfance entre les territoires non cédés de la nation Abénaki (Cantons-de-l'Est), Atikamekw (Mauricie) et Mi'kmaq (Gaspésie). Elle a étudié en jeu à l'École Supérieure de l'UQAM en théâtre. À sa sortie en 2014, elle co-fonde ensuite Grande Surface, un collectif d'artistes multidisciplinaires à Montréal. Elle déménage sur le territoire du Conseil de la nation Ta'an Kwäch'än et Kwanlin Dün (Kwanlin/Whitehorse) en 2017. Depuis, elle travaille avec les compagnies de théâtre yukonnaises Gwaandak, Nakai et Ramshackle Theatre. Véronique donne régulièrement des ateliers de théâtre (jeu, écriture, théâtre d'ombres et performance immersive) dans les écoles de Whitehorse et dans les communautés Premières Nations du Yukon.
Noémie Avidar entered the National Theatre School of Canada’s set design program in 2006. Since her graduation in 2009, she has been designing sets for theatre, circus and dance productions as well as for independent short films. The Belgian-Israeli designer continually revisits and questions design and production processes in the performing arts. She has used printmaking, photocollage, text, digital media, the Internet, plants and audience participation. Among others, the performance Vivarium (2014–18) featured plants, climate. and local residents in Montreal, QC, Halifax, NS, and Moncton, NB. For the ecoscenography of her project Winslow (2019), she used the context and resources of the region where the play was hosted by the Escaouette theatre company to design the set. Eager to continue her research on contemporary stage language, in 2019 Noémie was awarded an entrance scholarship to the University of Ottawa’s master’s program in theatre practice. Her research focuses on the interrelation and ecology of theatrical space and on language as the foundation of identity experience.
Noémie Avidar intègre le programme de scénographie de l’École Nationale de Théâtre du Canada en 2006. Depuis sa graduation en 2009, elle réalise des scénographies pour des productions de théâtre, de courts métrages indépendants, de cirque et danse. La conceptrice belgo-israélienne revisite et questionne continuellement les processus de conception et de réalisation dans les arts scéniques. Elle a utilisé la gravure, le photocollage, le texte, le numérique, internet, les plantes et la participation du public. Entre autres, la performance Vivarium (2014-2018) met en scène les plantes, le climat et les habitants de lieux in-situ à travers les villes de Montréal (QC), Halifax (NS) et Moncton (NB). L’écoscénographie de Winslow en 2019 est un projet qui l’amène à utiliser la réalité et les ressources de la région sur laquelle le théâtre l’Escaouette reçoit la pièce pour la conception de son décor. Désireuse de pousser sa recherche sur le langage scénique contemporain, Noémie obtient une bourse d’entrée de l’université d’Ottawa pour la maîtrise en pratiques théâtrales en 2019. Sa recherche se concentre sur l’interrelation et l’écologie de l’espace théâtral ainsi que le langage comme fondation de l’expérience identitaire.
A self-taught and versatile actor, Jade Barshee studied theatre at Saint-Hyacinthe, Omnibus, Les Ateliers Danielle Fichaud, Studio 303 and UQAM. She is the co-founder of Théâtre Everest and co-director of their first original creation, Bâtardes. The play premiered at MAI (Montréal, arts interculturels), then toured in Montreal’s Maisons de la culture and to several festivals, notably the Rencontre Théâtre Ados. As an actor, she appeared in Duos en vitrine created by Théâtre I.N.K, Indiscrétions publiques (Théâtre du Ricochet) and L’épigramme (Comptoir public), as well as in Le Confessionnal, a play for young audiences that toured to high schools. On screen, she participated in Loïc Darses’ documentary La fin des terres and the web-series La loi c’est la loi and Je voudrais qu’on m’efface, and she played Mrs. Tran in the Radio-Canada series L’effet secondaire.
Jade Barshee, comédienne autodidacte et polyvalente, est passée par Saint-Hyacinthe, Omnibus, Les Ateliers Danielle Fichaud, le Studio 303 et l’UQAM en Études théâtrales. Elle est la co-fondatrice de Théâtre Everest et co-metteure en sde leur première création originale Bâtardes. La pièce fut présentée en première au MAI (Montréal, arts interculturels), puis en tournée dans les maisons de la culture de Montréal et dans plusieurs festivals notamment à la Rencontre Théâtre Ados. En tant que comédienne, on a entre autres pu la voir dans Duos en vitrine une création du Théâtre I.N.K, dans les Indiscrétions publiques du Théâtre du Ricochet et L’épigramme de la compagnie Comptoir public, ainsi que dans Le Confessionnal une pièce de théâtre pour adolescent·es en tournée dans les écoles secondaires. À l'écran, elle participe au documentaire La fin des terres de Loïc Darses, aux web-séries La loi c’est la loi et Je voudrais qu’on m’efface et elle interprète Mme. Tran dans la série L'effet secondaire sur les ondes de Radio-Canada.
A graduate of the École supérieure de théâtre de l’UQAM, Chloé Barshee has extensive stage experience. She is the co-founder of the collective Grande Surface, with which she presented the play Et quand vient le silence at Théâtre La Chapelle in 2015. She is also the co-founder of Théâtre Everest, creator of the play Bâtardes, which was presented at MAI (Montréal, arts interculturels) in 2018 and revived for a tour of cultural centres in Quebec and as part of the Rencontre Théâtre Ados festival. In 2017, she played Adsila in the play Molière, Shakespeare et moi at the Théâtre du Rideau Vert. Her talent also earned her the role of La Muse in the play Nous serons éternels, presented in April 2019 at Théâtre Lachapelle, directed by Patrick R. Lacharité. In 2020, she appeared in Guide d’éducation sexuelle pour le nouveau millénaire (Théâtre Denise-Pelletier) and Splendide jeunesse (Théâtre aux Écuries). Her television credits include the series Épidémie, broadcast on TVA in 2020. She also appeared in the series Toute la vie and District 31. In 2021, Chloé landed a leading role in the series N.O.U.S.
Diplômée de l’École supérieure de théâtre de l’UQAM, Chloé Barshee multiplie les expériences sur scène. Elle est cofondatrice du Collectif Grande Surface, avec qui elle présente les pièces Et quand vient le silence au Théâtre La Chapelle en 2015. Chloé est également cofondatrice de la compagnie Théâtre Everest, créatrice de la pièce ‘’Bâtardes’’ qui est présentée au MAI (Montréal, arts interculturels) en 2018 puis reprise pour une tournée dans les maisons de la culture au Québec et dans le cadre du festival la Rencontre Théâtre Ados. En 2017, elle interprète le rôle de Adsila dans la pièce Molière, Shakespeare et moi, présentée au Théâtre du Rideau Vert. Aussi, son talent lui permet d’obtenir le rôle de La Muse dans la pièce Nous serons éternels qui est présentée en avril 2019 au Théâtre Lachapelle et dont la mise en scène est signée par Patrick R. Lacharité. En 2020, elle est des productions théâtrales Guide d'éducation sexuelle pour le nouveau millénaire (Théâtre Denise-Pelletier) ainsi que Splendide jeunesse (Théâtre aux Écuries). On peut l'apercevoir à la télévision dans la série Épidémie, diffusée sur les ondes de TVA en 2020. Elle a d'autant plus joué dans la série Toute la vie ainsi que District 31. En 2021, Chloé obtient un premier rôle dans la série N.O.U.S.
Brielle Ansems’ indie pop-folk sound is a lyric-centred and emotionally charged experience. Her debut album, This New Hurricane, was released in March 2020 and was commended for its artisanship and production value, earning Brielle a total of five 2021 Music PEI Award nominations and taking home Pop Recording of the Year.
As The East Mag puts it, “There’s a clarity ringing throughout [This New Hurricane] that’s immediately gripping. It manifests in Ansems soothing vocals, in the clean instrumentation... The atmosphere of this album is one that lingers long after it’s finished.”– Maggie MacLean, The East Mag.
Brielle is currently recording her FACTOR funded 2021 sophomore album, Still Awake.
Avec sa musique d’inspiration indie pop-folk centrée sur des paroles fortes, Brielle Ansems sait émouvoir son public. Lancé en mars 2020, son premier album, intitulé The New Hurricane, a été salué pour son savoir-faire et sa valeur de production; cité pour cinq prix de Musique Î.-P.-É. en 2021, il a remporté le prix de l’Enregistrement pop de l’année.
« La clarté qui retentit dans [The New Hurricane] est accrocheuse. Elle se manifeste dans la voix apaisante d’Ansems, dans l’instrumentation franche […] L’ambiance de cet album reste en nous après l’avoir écouté. » - Maggie MacLean, The East Mag
Brielle Ansems travaille actuellement à l’enregistrement de son deuxième album, Still Awake, avec le soutien de la FACTOR.
Canadian folk music gem, Catherine MacLellan released her 7th album, the JUNO nominated COYOTE, in 2019. Her music is a travelogue through heartbreak, loss and the joy of life. She is dedicated to the craft of songwriting, and after 7 albums and 20 years of performing, Catherine’s desire for connection remains at the heart of her work.
Joyau de la musique folk canadienne, Catherine MacLellan a lancé en 2019 COYOTE, son septième album, cité aux JUNO. Sa musique est comme le carnet d’un voyage à travers la douleur, la perte et la joie de vivre. Après sept albums et plus de 20 ans d’expérience sur scène, MacLellan se consacre toujours à l’art de l’écriture des chansons avec le profond désir de tisser des liens avec le public.
Irish's latest release, Little Bones, gained them recognition around the globe, including a 2020 JUNO nomination for Contemporary Roots Album of the Year, seven Music PEI 2020 nominations and two wins — Touring Artist of the Year and Roots Contemporary Recording of the Year, and a Canadian Folk Music Win for Solo Artist of the Year. Their previous self-titled album, Irish Mythen, garnered awards and nominations from Music PEI, East Coast Music Association, Folk Alliance International and SOCAN. Write-ups in Australian Guitar Magazine, Rolling Stone and a plethora of other print and online media worldwide have helped plant Irish firmly on the map of Must-See Artists.
Irish Mythen a connu la consécration internationale avec son dernier album, Little Bones : cité pour le JUNO 2020 de l’Album roots de l’année, il a obtenu deux prix (Enregistrement de roots contemporain de l’année et Artiste de tournée de l’année) et cinq nominations de Musique Î.-P.-É. ainsi que le prix de l’Artiste solo de l’année de l’Association de musique folk canadienne. Son précédent album éponyme a récolté plusieurs prix et citations de Musique Î.-P.-É., de l’Association de la musique de la côte est, de l’Alliance internationale de musique folk et de la SOCAN. Des reportages publiés dans le Guitar Magazine australien, dans Rolling Stone et plusieurs autres médias numériques et imprimés partout dans le monde ont contribué à faire de Mythen une artiste à voir en spectacle.
Joce Reyome has been captivating audiences with their dynamic performances on stages throughout the east coast of Canada, where they now call home. Reyome honed their skills performing alongside artists such as Irish Mythen, KINLEY, Andrew Waite, and Dylan Menzie.
Joce’s debut single, Cross My Heart, was produced by award-winning producer Erin Costello, and recorded with Colin Buchanan at Hillsound Studios. Cross My Heart drips of classic R&B, showcasing Reyome’s vocal prowess, while production alludes to that of Alabama Shakes, or modern Mavis Staples.
Joce Reyome captive les auditoires avec ses prestations enlevantes sur les scènes de la côte est du Canada, sa région d’adoption. L’artiste a perfectionné ses talents en se produisant aux côtés d’Irish Mythen, KINLEY, Andrew Waite et Dylan Menzie.
Son premier simple, « Cross My Heart », a été produit par Erin Costelo, productrice primée, et enregistré avec Colin Buchanan aux studios Hillsound. La chanson de R & B classique met en valeur la prouesse vocale de Reyome et sa facture rappelle Alabama Shakes ou une Mavis Staples moderne.
KINLEY recently won two Music PEI 2021 Awards for her ‘KINLEY’ album and it is nominated for the ECMA Pop Recording Award. Her 2016 debut solo album, 'Letters Never Sent', enjoyed many successes including two ECMA and four Music PEI awards. Her music video for ‘Microphone’ has been placed in the grade 9 health program in PEI schools since 2018 to help teach students about consent. As a session musician, she recorded strings on over 450 songs for top artists, including: Hey Rosetta!, Kathleen Edwards, Classified, and many more. Her new online ‘Violin with KINLEY’ teaching website is hugely popular.
KINLEY a récemment remporté deux prix de Musique Î.-P.-É. pour son album éponyme et été citée pour le prix de l’Enregistrement pop de l’année de l’AMCE. Son premier album solo, Letters Never Sent, a récolté deux prix de l’AMCE et quatre de Musique Î.-P.-É. à sa sortie en 2016. Inscrit au programme de santé de la 9e année dans les écoles de l’Île-du-Prince-Édouard depuis 2018, son clip « Microphone » aide les élèves à mieux comprendre ce qu’est le consentement. À titre de musicienne de séance, KINLEY a enregistré les cordes de plus de 450 chansons d’artistes primés, tels Hey Rosetta!, Kathleen Edwards et Classified. Son nouveau site Web éducatif, Violin with KINLEY, est des plus populaires.
Awarded as Artist of the Year by both Ontario Contact and the BC Touring Council, pianist Sarah Hagen’s interpretations have been described as "outstandingly inventive" [University of Waterloo Gazette],”played flawlessly” [ReviewVancouver]. Her extensive touring has taken her across Canada, to Sweden, France, Germany and Italy, and twice to New York City’s Carnegie Hall. In addition to writing wine reviews for her blog, “ARTIST WINES! - Uncorking musician-priced cellar secrets,” Sarah tours a one-woman musical comedy show called “Perk up, pianist!” of which the Edmonton Journal wrote, “Her comic timing is as solid as her musical meter.”
Sacrée Artiste de l’année à la fois par Ontario Contact et le BC Touring Council, la pianiste Sarah Hagen « joue à la perfection » (ReviewVancouver) dans des interprétations « remarquablement inventives » (University of Waterloo Gazette). Elle a beaucoup tourné au Canada, en Suède, en France, en Allemagne et en Italie, et s’est produite à deux reprises à Carnegie Hall. Elle écrit également des critiques de vin dans son bloque « ARTIST WINES! – Uncorking musician-priced cellar secrets » et présente en tournée son spectacle comique solo Perk up, Pianist!, dont l’Edmonton Journal a dit : « Son tempo comique y est aussi brillant que sa métrique musicale. »
"Classically trained musician (violin, guitar, piano, vocal) with touring history.
Studio and live sound production professional with almost 30 years of experience.
Owner of Crabbe Road Productions since 2018.
The latest projects include Irish Mythen (Little Bones 2019 – JUNO nominated). Mark Haines (Up by The Roots - 2020)."
Musicien de formation classique (violon, guitare, piano et voix) ayant effectué des tournées. Professionnel de la production sonore en direct et en studio possédant près de 30 ans d’expérience. Propriétaire de Crabbe Road Productions depuis 2018. Collaborations récentes avec Irish Mythen (Little Bones, cité pour un prix JUNO, 2019) et Mark Haines (Up By The Roots, 2020).
Originally from China, Tiffany Liu has been learning and performing Pipa for over 20 years. In 2014, Tiffany successfully held her first solo concert. She came to Canada five years ago and introduced Pipa to many audiences on PEI ever since. She performed for many events such as Music PEI Week, PEI DiverseCity Festival and the 4th annual fundraiser of Celebration for Island women.
Originaire de Chine, Tiffany Liu développe ses talents et se produit au pipa depuis plus de 20 ans. Elle a donné son premier concert solo en 2014. Résidant au Canada depuis cinq ans, elle a fait connaître son instrument à divers auditoires de l’Île-du-Prince-Édouard. On a pu la voir sur scène à la Semaine de la musique de l’île, au festival DiverseCity et au quatrième événement-bénéfice de Celebration for Island Women.
Omari Newton is an award-winning professional actor, writer, director and producer. As a writer, his original Hip Hop theater piece Sal Capone has received critical acclaim and multiple productions, including a recent presentation at Canada’s National Arts Center. He has been commissioned by Black Theater Workshop (BTW) in Montreal to write a companion piece to Sal Capone entitled Black & Blue Matters. Omari and his wife, fellow professional playwright Amy Lee Lavoie, have received commissions from The Arts Club Theatre to co-write a new play: Redbone Coonhound. A bold and innovative satirical comedy that confronts instances of systemic racism in the past, present and future. Omari is co-directing the first in a series of rolling world premiere at The Arts Club Theatre in October of 2022. The play will then open in Montreal (Imago Theatre) & then Tarragon Theatre in Toronto. The husband and wife duo also just completed "Black Fly," a satirical adaptation of Shakespeare's Titus Andronicus that centers on Aaron and Lavinia. Newton’s work in Speakeasy Theatre's production of Young Jean Lee's The Shipment earned him a 2017-2018 Jessie Richardson Award for Outstanding Performance by an Actor, as well as a nomination for Best Direction. He has recently completed directing critically acclaimed productions of "The Mountaintop" by Katori Hall, and "Pass Over" by Antoinette Nwandu. Notable film & TV credits include: Lucas Ingram on Showcase’s Continuum, Larry Summers on Blue Mountain State and lending his voice to the Black Panther in multiple animated projects (Marvel). Most recently, Omari has a recurring role as Nate on Corner Gas (the animated series) and a recurring role as Corvus of Netflix’s hit new animated series The Dragon Prince.
Lauréat de plusieurs prix, Omari Newton œuvre professionnellement comme comédien, auteur, metteur en scène et producteur. Saluée par la critique, sa pièce de théâtre hip-hop Sal Capone a été montée à de nombreuses reprises, y compris au Centre national des Arts du Canada en 2018. À la demande du Black Theatre Workshop de Montréal, Newton a écrit une suite pour Sal Capone, intitulée Black & Blue Matters, créée par la compagnie en 2019. Newton et sa conjointe Amy Lee Lavoie, qui est dramaturge professionnelle, ont récemment reçu une subvention du Conseil des arts du Canada pour concevoir une nouvelle pièce, Redbone Coonhound. Plus récente collaboration du duo, cette comédie satirique audacieuse et innovatrice s’attaque à différents cas de racisme systémique d’hier, d’aujourd’hui et de demain. Newton a remporté le prix Jessie-Richardson du Comédien de l’année pour son rôle dans The Shipment de Young Jean Lee (production du Speakeasy Theatre, saison 2017–2018), et obtenu une citation pour la meilleure mise en scène pour cette même production.
Omari Newton a incarné plusieurs personnages au grand comme au petit écran, y compris Lucas Ingram dans Continuum (Showcase) et Larry Summers dans Blue Mountain State. Il a également prêté sa voix à la Panthère noire dans plusieurs projets d’animation (Marvel) et, plus récemment, à Nate dans Corner Gas – Animated et Corvus dans la série d’animation The Dragon Prince (Netflix).
Kristina Watt Villegas is an award-winning actor, creator and writer and the Artistic Director of 100 Watt Productions. Once relocating to Ottawa, she has worked at the National Arts Centre, Great Canadian Theatre Company, New Theatre of Ottawa, MiCasa, Tactics, Theatre 4.669 and Undercurrents Festival. She received her MFA in Acting then continued to train at the Royal Academy of Dramatic Art, Central School of Speech & Drama, The Acting Center (NYC), Lincoln Center and Volcano Theatre. With 100 Watt, she creates theatre that investigates the collision between science and the arts (Holding Mercury, Particle, 12 and STUFF – to debut at the GCTC in May 2024). She has taught at the University of North Carolina, the Universidad Nacional de Colombia, and currently at the University of Ottawa. She was Arts Outreach Coordinator for children at school facilities in NYC and is now part of the National Alliance of Teaching Artists in the United States. With the 100 Watt Youth Ensemble, her passion to create is fueled by a desire to give a voice to the needs, thoughts, and potential of youth.
Kristina Watt Villegas est une actrice, créatrice et autrice primée qui assure la direction artistique de 100 Watt Productions (en anglais). Depuis son arrivée à Ottawa, elle a travaillé au Centre national des Arts, à la Great Canadian Theatre Company (GCTC), au New Theatre of Ottawa, au Mi Casa Theatre, au TACTICS, au Theatre 4.669 et au festival Undercurrents. Titulaire d’une maîtrise en interprétation dramatique, elle a poursuivi sa formation à l’Académie royale d’art dramatique et à la Central School of Speech and Drama (Royaume-Uni), à l’Acting Center et au Lincoln Center de New York ainsi qu’au Volcano Theatre. Avec 100 Watt, elle crée des œuvres théâtrales qui explorent la jonction entre arts et sciences (Holding Mercury, Particle, 12 et STUFF – créée à la GCTC en mai 2024). Après avoir enseigné à l’Université de Caroline du Nord et à l’Université nationale de la Colombie, elle enseigne maintenant à l’Université d’Ottawa. Elle a été coordonnatrice de la médiation culturelle auprès des enfants à New York et est maintenant membre de la National Alliance of Teaching Artists des États-Unis. Avec le 100 Watt Youth Ensemble, elle nourrit ses créations de son désir de donner une voix aux besoins, pensées et potentiel des jeunes.
Martha Ross trained at Ecole Jacques Lecoq in Paris and has been writing, performing, teaching, directing and creating original theatre ever since. With Theatre Columbus, the company she co-founded with Leah Cherniak, Martha collectively created numerous award-winning plays: The Anger in Ernest and Ernestine; Paranoia; The Attic, The Pearls and Three Fine Girl, to name just a few. Their distinctive theatre style, which was physical, funny, serious, imaginative, at times anarchic, and always identifiable to the human story, quickly earned them a national reputation.
For the past decade Martha has devoted herself to teaching the Lecoq method of creation at universities and private studios across Canada. She also has received numerous grants and awards for her creative projects, which include a Chalmers Fellowship grant; a CCA New Chapters Grant to write The Cave with John Millard and Tomson Highway; and a Creative Accelerator Grant to work with Vancouver’s Global Mechanic. Martha recently formed the company J Mar Electric with John Millard. Their mandate is to tell stories through music and text that address serious issues within a heightened spirit of play and imaginativeness.
She is beyond thrilled to work again with Kristina Watt, with whom she created their 2016 play, Particle, which was inspired by Virginia Woolf’s novel, The Waves.
Formée à l’École Jacques-Lecoq à Paris, Martha Rossœuvre à l’écriture, au jeu théâtral, à l’enseignement, à la mise en scène et à la création de pièces de théâtre originales. Avec le Columbus Theatre – compagnie qu’elle a cofondée avec Leah Cherniak – elle a créé plusieurs œuvres collectives primées, y compris The Anger in Ernest and Ernestine; Paranoia; et The Attic, The Pearls and Three Fine Girls. Celles-ci ont rapidement été reconnues à l’échelle nationale grâce à l’accent mis sur la dimension humaine ainsi qu’un style distinctif alliant corporalité, humour, sérieux, imagination et parfois anarchie.
Depuis la dernière décennie, Ross se consacre à l’enseignement de la méthodologie de création de Jacques Lecoq dans des universités et studios privés partout au Canada. Ses projets ont été couronnés de nombreuses subventions et prix, y compris une bourse des Projets Chalmers; une subvention Nouveau chapitre du CAC pour écrire The Cave avec John Millard et Tomson Highway; et une subvention d’accélérateur de création dans le cadre d’une collaboration avec Global Mechanic de Vancouver. Elle a récemment fondé la compagnie J Mar Electric avec John Millard, qui a pour mandat de diffuser des histoires qui traitent avec légèreté et imagination de sujets sérieux, et ce, par l’entremise des mots et de la musique.
Martha Ross se réjouit de collaborer de nouveau avec Kristina Watt, avec laquelle elle a créé la pièce Particule en 2016, qui s’inspire du roman Les Vagues de Virginia Woolf.
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