Florence B. Price
Andante moderato
FRANZ SCHUBERT
Symphony No. 8 in B minor, D. 759 “Unfinished”
IGOR STRAVINSKY
Suite from The Firebird (1919)
NACO Live returns for a final concert of the season! The concert opens with a gorgeous work for strings by Florence Price, followed by Schubert’s famous “Unfinished” symphony. The two completed movements have long delighted audiences with their strangeness, surprise, and most of all their memorable melodies. Stravinsky’s incandescent Firebird Suite (1919) closes the program. Originally music for ballet, this tale of Russian folklore centres around the beautiful Firebird and weaves an exciting piece of orchestral music that allows the incredible artistry of our musicians to shine!
Programme Notes
Florence Price’s Andante Moderato is the second movement of her first String Quartet. Completed in 1929, the piece shows Price fusing music of her Black heritage with the formal structures and harmonic techniques of European art music. This movement opens with a warm melody clearly inspired by African American spirituals, richly harmonized. A moody, blues-inflected theme in the minor mode follows. A playful dance appears at the movement’s centre, after which the minor mode tune returns, before closing with the spiritual material.
An aura of mystery has long surrounded the history of Franz Schubert’s B Minor Symphony. In 1822, he finished the first two movements, after which it remains unclear whether he considered the work complete as is, or abandoned a plan for a four-movement work (existing sketches for a Scherzo third movement suggest the latter). The two movements were eventually premiered in Vienna in 1865, 37 years after the composer’s death, and has endured since, in this “unfinished” form, as one of Schubert’s orchestral masterpieces.
In the first movement, Schubert juxtaposes, to extreme contrast, two emotional “realms”: the anguished B minor one of the murky first theme and its anxious continuation, and the sunny G major one with a soaring cello theme. In the middle, a climax of unprecedented pathos is reached. The second movement begins with an ethereal E major section featuring an exquisitely tender theme. It alternates with a haunting clarinet and oboe melody accompanied by gently pulsating violins and violas. This delicate atmosphere is later broken by powerful full-orchestra eruptions, which subside before returning to the opening mood.
Igor Stravinsky’s 1919 Suite from The Firebird is based on his score to the ballet that caused a huge sensation at its 1910 premiere in Paris. The music follows a Russian fairy tale about rebirth and renewal: a splendid firebird is summoned by the Prince Ivan Tsarevich to help save the men and women (including his beloved) who are being held captive under the enchantments of the evil monster King Kaschey. To distinguish the fantasy world of Kaschey and the firebird from the humanity of the Prince and his beloved, Stravinsky masterfully uses chromaticism and spicy dissonances to evoke the former, while the latter is characterized by diatonic harmony and Russian folksong (two tunes appear in the Princesses’ Round Dance, a third in the Finale). Compared to the original score, the 1919 Suite uses a reduced instrumentation, but the composer’s brilliant orchestration skills are still evident, indeed, put front and centre, as are the orchestra’s musicians, in this dramatic concert hall version.
Programme notes by Dr. Hannah Chan-Hartley
NOTE: This performance will take place according to Ontario public health regulations step 2 guidelines.
The NAC Foundation is deeply grateful for the support of the Hon. Hilary M. Weston and the late Mr. W. Galen Weston on behalf of The Hilary and Galen Weston Foundation.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the U.K. and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in Florida. Shelley’s leadership is complemented by Principal Guest Conductor John Storgårds, an internationally renowned conductor and violinist who has led some of the world’s finest ensembles, and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser, known for creating innovative and engaging community programming. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the U.K., Europe, and Asia.
The NAC Orchestra has also established a rich discography, including many of the over 80 new works it has commissioned. These include:
The 2024 album Truth in Our Time, including the premiere recording of Philip Glass’s Symphony No. 13, commissioned by the National Arts Centre Orchestra
Clara - Robert - Johannes: a multi-year, multi-album exploration of the music of Clara Schumann, Robert Schumann, and Johannes Brahms, featuring pianists Angela Hewitt, Stewart Goodyear, and Gabriela Montero
The groundbreaking Life Reflected, which includes "My Name is Amanda Todd" by the late Jocelyn Morlock (winner of the 2018 JUNO for Classical Composition of the Year)
Ana Sokolović’s "Golden Slumbers Kiss Your Eyes," 2019 JUNO Winner for Classical Composition of the Year (from the 2019 JUNO-nominated New Worlds)
The 2020 JUNO-nominated The Bounds of Our Dreams, featuring pianist Alain Lefèvre
Angela Hewitt’s 2015 JUNO Award-winning album of Mozart Piano Concertos
The NAC Orchestra’s Learning and Community Engagement initiatives are rooted in creating inclusive and accessible programs for audiences in the National Capital Region and across Canada. These initiatives include family-focused performances, Music Circle workshops specifically designed for individuals on the autism spectrum, and sensory-friendly concerts. Additionally, the Orchestra offers exceptional programming for students, teachers, and learners of all ages, including matinee performances, open rehearsals, instrumental workshops, and digital resources, ensuring that arts learning and engagement in music remain a priority for young audiences and the broader community. The Orchestra’s annual Mentorship Program brings 50 early-career orchestral musicians from around the world to participate in a three-week professional development experience with the world-class NAC Orchestra. Through these efforts, the NAC Orchestra continues to foster meaningful connections with diverse audiences, making music a shared and inclusive experience.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds, un maestro et violoniste de renommée internationale qui a dirigé certains des plus grands ensembles du monde, et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser, connu pour ses programmes communautaires audacieux et mobilisateurs. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
L’Orchestre du CNA possède une riche discographie qui comprend notamment plus de 80 œuvres de commande, dont :
l’album La vérité à l’ère moderne (2024), où l’on trouve le premier enregistrement de la Symphonie no 13 de Philip Glass, une commande de l’Orchestre du Centre national des Arts;
Clara - Robert - Johannes, une exploration en plusieurs albums et sur plusieurs années de l’œuvre de Clara Schumann, Robert Schumann et Johannes Brahms, mettant en vedette les pianistes Angela Hewitt, Stewart Goodyear et Gabriela Montero;
l’avant-gardiste Réflexions sur la vie, sur lequel on peut entendre « My Name is Amanda Todd » de la regrettée Jocelyn Morlock (prix JUNO de la composition classique de l’année en 2018);
« Golden Slumbers Kiss Your Eyes » d’Ana Sokolović (prix JUNO de la composition classique de l’année en 2019), tiré de l’album Nouveaux mondes (finaliste aux prix JUNO en 2019);
Aux frontières de nos rêves, interprété par le pianiste Alain Lefèvre (finaliste aux prix JUNO en 2020);
un album de concertos pour piano de Mozart interprétés par Angela Hewitt (lauréat d’un prix JUNO en 2015).
Par ses initiatives d’éducation et de médiation culturelle, l’Orchestre du CNA cherche à créer des programmes inclusifs et accessibles pour les publics de la région de la capitale nationale et de tout le Canada. Pour ce faire, il propose des spectacles pour toute la famille, le programme Cercle musical, dont les ateliers sont conçus pour les personnes ayant un trouble du spectre de l’autisme, et des concerts adaptés aux sensibilités sensorielles. L’Orchestre propose en outre une programmation riche pour les élèves, les pédagogues et les publics curieux de tous les âges, dont des matinées scolaires, des répétitions publiques, des ateliers de musique et des ressources en ligne, veillant ainsi à ce que l’éducation artistique et le contact avec la musique demeurent une priorité pour les jeunes publics et pour toute la communauté. Enfin, le Programme de mentorat annuel de l’Orchestre rassemble 50 instrumentistes en début de carrière provenant des quatre coins du monde pour une expérience de perfectionnement de trois semaines aux côtés d’un orchestre de calibre mondial. Avec ces initiatives, l’Orchestre du CNA continue de créer des liens puissants avec divers publics, faisant de la musique une expérience commune et inclusive.
NAC media featuring National Arts Centre Orchestra
“A natural communicator, both on and off the podium” (The Telegraph), Alexander Shelley performs across six continents with the world’s finest orchestras and soloists.
With a conducting technique described as “immaculate” (Yorkshire Post) and a “precision, distinction and beauty of gesture not seen since Lorin Maazel” (Le Devoir), Shelley is known for the clarity and integrity of his interpretations and the creativity and vision of his programming. To date, he has spearheaded over 40 major world premieres, highly praised cycles of Beethoven, Schumann and Brahms symphonies, operas, ballets, and innovative multi-media productions.
Since 2015, he has served as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra and Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra. In April 2023, he was appointed Artistic and Music Director of Artis–Naples in Florida, providing artistic leadership for the Naples Philharmonic and the entire multidisciplinary arts organization. The 2024-2025 season is Shelley’s inaugural season in this position.
Additional 2024-2025 season highlights include performances with the City of Birmingham Symphony Orchestra, the Colorado Symphony, the Warsaw Philharmonic, the Seattle Symphony, the Chicago Civic Orchestra, and the National Symphony of Ireland. Shelley is a regular guest with some of the finest orchestras of Europe, the Americas, Asia and Australasia, including Leipzig’s Gewandhaus Orchestra, the Konzerthausorchester Berlin, the Orchestre de la Suisse Romande, the Helsinki, Hong Kong, Luxembourg, Malaysian, Oslo, Rotterdam and Stockholm philharmonic orchestras and the Sao Paulo, Houston, Seattle, Baltimore, Indianapolis, Montreal, Toronto, Munich, Singapore, Melbourne, Sydney and New Zealand symphony orchestras.
In September 2015, Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra, the youngest in its history. The ensemble has since been praised as “an orchestra transformed ... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen), and his programming is credited for turning the orchestra “almost overnight ... into one of the more audacious orchestras in North America” (Maclean’s). Together, they have undertaken major tours of Canada, Europe, and Carnegie Hall, where they premiered Philip Glass’s Symphony No. 13.
They have commissioned ground-breaking projects such as Life Reflected and Encount3rs, released multiple JUNO-nominated albums and, most recently, responded to the pandemic and social justice issues of the era with the NACO Live and Undisrupted video series.
In August 2017, Shelley concluded his eight-year tenure as Chief Conductor of the Nurnberger Symphoniker, a period hailed by press and audiences alike as a golden era for the orchestra.
Shelley’s operatic engagements have included The Merry Widow and Gounod’s Romeo and Juliet (Royal Danish Opera), La bohème (Opera Lyra/National Arts Centre), Louis Riel (Canadian Opera Company/National Arts Centre), lolanta (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), Così fan tutte (Opera National de Montpellier), The Marriage of Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck), and both Le nozze di Figaro and Don Giovanni in semi-staged productions at the NAC.
Winner of the ECHO Music Prize and the Deutsche Grunderpreis, Shelley was conferred with the Cross of the Federal Order of Merit by German President Frank-Walter Steinmeier in April 2023 in recognition of his services to music and culture.
Through his work as Founder and Artistic Director of the Schumann Camerata and their pioneering “440Hz” series in Dusseldorf, as founding Artistic Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen’s “Zukunftslabor” and through his regular tours leading Germany’s National Youth Orchestra, inspiring future generations of classical musicians and listeners has always been central to Shelley’s work.
He regularly gives informed and passionate pre- and post-concert talks on his programs, as well as numerous interviews and podcasts on the role of classical music in society. In Nuremberg alone, over nine years, he hosted over half a million people at the annual Klassik Open Air concert, Europe’s largest classical music event.
Born in London in October 1979 to celebrated concert pianists, Shelley studied cello and conducting in Germany and first gained widespread attention when he was unanimously awarded first prize at the 2005 Leeds Conductors’ Competition, with the press describing him as “the most exciting and gifted young conductor to have taken this highly prestigious award.”
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).
Décrit comme « un communicateur né, sur scène comme dans la vie » (The Telegraph), Alexander Shelley se produit sur six continents avec les plus grands ensembles et solistes de la planète.
Reconnu pour sa technique de direction « impeccable » (Yorkshire Post) et pour « la précision, la distinction et la beauté de sa gestique […] quelque chose que l’on n’a plus vraiment vu depuis Lorin Maazel » (Le Devoir), le maestro est aussi célébré pour la clarté et l’intégrité de ses interprétations et pour la créativité et l’audace de sa programmation. Il a à ce jour dirigé plus de 40 premières mondiales d’envergure, des cycles acclamés des symphonies de Beethoven, de Schumann et de Brahms, des opéras, des ballets et des productions multimédias novatrices.
Il est depuis 2015 directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et premier chef associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres. En avril 2023, il a été nommé directeur artistique et musical d’Artis—Naples en Floride, prenant ainsi les rênes artistiques de l’Orchestre philharmonique de Naples et de tous les volets de cette organisation multidisciplinaire. La saison 2024–2025 est sa première à ce poste.
Alexander Shelley se produira également cette saison avec l’Orchestre symphonique de la Ville de Birmingham, l’Orchestre symphonique du Colorado, l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique national d’Irlande. Il est régulièrement invité par les plus grands orchestres d’Europe, d’Amérique, d’Asie et d’Australasie, dont l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre de la Suisse Romande, les orchestres philharmoniques d’Helsinki, de Hong Kong, du Luxembourg, de Malaisie, d’Oslo, de Rotterdam et de Stockholm et les orchestres symphoniques de Sao Paulo, de Houston, de Seattle, de Baltimore, d’Indianapolis, de Montréal, de Toronto, de Munich, de Singapour, de Melbourne, de Sydney et de Nouvelle-Zélande.
Alexander Shelley a succédé à Pinchas Zukerman à titre de directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada en septembre 2015, devenant le plus jeune chef à occuper ce poste dans l’histoire de l’ensemble. Ce dernier a depuis été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen) et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord pour sa programmation (Maclean’s). Le maestro a mené ses troupes dans des tournées d’envergure au Canada, en Europe et au Carnegie Hall, où il a dirigé la première de la Symphonie no 13 de Philip Glass.
À la tête de l’Orchestre du CNA, Alexander Shelley a commandé des œuvres révolutionnaires, dont Réflexions sur la vie et RENCONTR3S, et fait paraître plusieurs albums finalistes aux prix JUNO. En réaction à la pandémie et aux questions de justice sociale qui dominent notre époque, il a lancé les séries vidéo L’OCNA en direct et INCONDITIONNEL.
En août 2017 se concluait le mandat du maestro Shelley à la direction de l’Orchestre symphonique de Nuremberg, période décrite comme un âge d’or par la critique et le public.
Sur la scène lyrique, Alexander Shelley a dirigé La veuve joyeuse et le Roméo et Juliette de Gounod (Opéral royal danois), La bohème (Opera Lyra / Centre national des Arts), Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne / Centre national des Arts), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Così fan tutte (Opéra Orchestre National Montpellier), Les noces de Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck) ainsi que Les noces de Figaro et Don Giovanni en version semi-scénique au CNA.
Lauréat du prix ECHO et du Deutsche Grunderpreis, le chef s’est vu décerner en avril 2023 la Croix fédérale du Mérite par le président allemand Frank-Walter Steinmeier en reconnaissance de ses services à la musique et à la culture.
À titre de fondateur et directeur artistique de la Schumann Camerata et de sa série avant-gardiste 440Hz à Düsseldorf et de directeur artistique du projet Zukunftslabor de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, ainsi que par ses nombreuses tournées à la tête de l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne, il cherche constamment à inspirer les futures générations d’instrumentistes et d’adeptes de musique classique.
Alexander Shelley fait régulièrement des présentations instructives et passionnées sur ses programmes avant et après les concerts. Il participe aussi à de nombreuses entrevues et produit des balados sur le rôle de la musique classique dans la société. Seulement à Nuremberg, il a accueilli en neuf ans plus d’un demi-million de personnes aux concerts annuels du Klassik Open Air, le plus grand événement de musique classique d’Europe.
Né à Londres en octobre 1979 et fils de célèbres pianistes concertistes, Alexander Shelley a étudié le violoncelle et la direction d’orchestre en Allemagne. Il s’est d’abord signalé en remportant à l’unanimité le premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. La critique l’a décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux ».
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
Florence Price was an American composer, pianist, organist, and teacher. She created over 300 works, including for orchestra, various combinations of chamber ensemble, choir, voice and piano, organ, and solo piano. Her compositions often blend Euro-American art music forms with elements from her African American heritage, such as melodies that reference those of spirituals.
During her life, Price was the first African American woman to earn major recognition as a symphonic composer. However, despite her successes, she struggled to have her works widely performed, and openly acknowledged that her being a woman and a person of colour were barriers. Much of her catalogue was neglected after her death, but in recent years, new research about her life and work and the revival of her compositions in performance have begun to more fully illuminate her contributions to American music.
Price (née Smith) was born in Little Rock, Arkansas, on April 9, 1887, during a period when white supremacy was being restored in the South. Her mother was her first music teacher, who carefully nurtured her talent. Price went on to study composition at Boston’s New England Conservatory, one of the few institutions that admitted African Americans at the time. After earning diplomas in organ and piano, she returned to the South to teach and compose. In 1928, to escape growing racial oppression in Little Rock, Price and her family moved to Chicago. There, she flourished creatively; she won prizes and publication contracts for her piano pieces, penned popular songs for radio commercials, and arranged spirituals for performance. In 1931, she began writing symphonies. Her Symphony in E Minor won the Wanamaker Prize in 1932, which led to its performance by the Chicago Symphony Orchestra conducted by Frederick Stock—the first work by a Black woman composer to be performed by a major American orchestra.
The success of her E Minor symphony cemented Price’s reputation and her orchestral works were subsequently performed by ensembles such as the Chicago Symphony Orchestra, Detroit Symphony Orchestra, American Symphony Orchestra, and Pittsburgh Symphony Orchestra. Celebrated singers such as Marion Anderson and Leontyne Price interpreted her songs, and her organ and piano pieces, which she also taught, were regularly performed. Price remained active as a composer and teacher until her death in Chicago on June 9, 1953.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Florence B. Price (1887–1953)
Florence Price était une compositrice, pianiste, organiste et pédagogue américaine. Elle a produit un catalogue de plus de 300 pièces, dont des œuvres pour orchestre, pour différentes combinaisons d’ensembles de chambre, pour chœur, pour voix et piano, pour orgue, et pour piano seul. Ses compositions mêlent souvent les traditions musicales américano-européennes avec des éléments tirés de son héritage afro-américain, dont des mélodies qui font écho à celles de spirituals.
De son vivant, Price est devenue la première femme afro-américaine à être reconnue comme compositrice de musique symphonique. Toutefois, en dépit de ses succès d’estime, elle a peiné à faire exécuter régulièrement ses œuvres, et elle ne cachait pas le fait qu’être une femme et une Noire constituaient des obstacles majeurs. Une grande partie de son catalogue est plus ou moins tombée dans l’oubli après sa mort, mais depuis quelques années, de nouvelles recherches sur sa vie et son œuvre et un regain d’intérêt pour ses compositions dans la programmation des concerts ont commencé à éclairer sous un jour nouveau ses apports à la musique américaine.
Florence Price (née Smith) est née à Little Rock, dans l’Arkansas, le 9 avril 1887, dans une période où la suprématie blanche avait été rétablie dans les États du Sud. Sa mère fut sa première professeure de musique et cultiva son talent avec soin. Price poursuivit par la suite des études de composition au New England Conservatory de Boston, l’une des rares institutions qui acceptaient des Afro-américains à l’époque. Après avoir obtenu ses diplômes en orgue et en piano, elle retourna dans le Sud pour enseigner et composer. En 1928, pour échapper à la discrimination raciale croissante qui sévissait à Little Rock, Price et sa famille ont déménagé à Chicago. C’est dans la ville des vents que sa créativité s’est épanouie : elle a décroché des prix et des contrats d’édition pour ses pièces pour piano, écrit des chansons populaires pour les radios commerciales, et arrangé des spirituals en vue de concerts. En 1931, elle a commencé à écrire des symphonies. Sa Symphonie en mi mineur a remporté le prix de la fondation Wanamaker en 1932, et elle a subséquemment été exécutée par l’Orchestre symphonique de Chicago, sous la direction de Frederick Stock, devenant ainsi la première œuvre d’une compositrice noire jouée par un orchestre américain de premier plan.
Le succès de sa Symphonie en mi mineur a consolidé la renommée de Price, et ses œuvres pour orchestre ont par la suite été jouées par des ensembles comme l’Orchestre symphonique de Chicago, l’Orchestre symphonique de Detroit, l’American Symphony Orchestra, et l’Orchestre symphonique de Pittsburgh. Des chanteuses aussi célèbres que Marion Anderson et Leontyne Price ont interprété ses mélodies, et ses pièces pour orgue et pour piano, instruments qu’elle enseignait également, ont été jouées régulièrement. Price est demeurée active comme compositrice et enseignante jusqu’à sa mort, à Chicago, le 9 juin 1953.
During his remarkably short life, Austrian composer Franz Peter Schubert was enormously prolific, and made important contributions to vocal music (most notably, the German lied), piano music, chamber music, and orchestral music. For his instrumental music in particular, he drew on the techniques of Haydn, Mozart, and later, Beethoven, while shaping them to convey new depths of emotional expression. Among the hallmarks of his idiosyncratic compositional style are unexpected key changes and novel harmonic juxtapositions, looser formal structures, and lyrically expansive melodies.
Born in Vienna on January 31, 1797, Schubert took his first lessons in piano, violin, singing, and organ during his childhood. His talent for composing was already evident in his earliest surviving works—including string quartets and his first symphony—written at age 13. However, given the precariousness of a career as an independent composer, he became certified as a teacher and took a position at his father’s school. Even with the full-time demands of the job, he continued to compose, and was startingly productive; by 1816, not yet 20 years of age, he had written over 300 solo songs, five symphonies, four Singspiele (a type of German opera), seven string quartets, and numerous smaller works. Yet, public recognition of his work by way of performances and publications did not develop until after 1817.
By 1822, Schubert was thriving as a professional composer. His extraordinary output, achieved through a demanding work schedule, was matched by a hedonistic and likely promiscuous social life that he pursued with equal intensity. In early 1823, he began showing symptoms of syphilis, the physical manifestations of which led him to become increasingly reclusive. His musical work, however, continued unabated, and in what would be the last four years of his life, he completed several significant masterpieces, including the String Quartet in D minor (“Death and the Maiden”), the Ninth Symphony (“the Great”), the Piano Sonata in D Major, and the song cycle Die Winterreise. Schubert died in Vienna on November 19, 1828. Most of his vast catalogue of compositions only came to light after his death.
Au cours de son existence terriblement brève, le compositeur autrichien Franz Peter Schubert a été d’une fécondité peu commune, et son apport s’est révélé particulièrement marquant dans les domaines de la musique vocale (surtout le lied allemand), de la musique pour piano, de la musique de chambre et de la musique pour orchestre. Pour sa musique instrumentale plus précisément, il a pris appui sur les techniques mises au point par Haydn, Mozart et, plus tard, Beethoven, tout en les façonnant de manière à véhiculer des expressions émotionnelles d’une profondeur inédite. Son style de composition si particulier se distingue notamment par les changements inattendus de tonalité, les juxtapositions harmoniques novatrices, les structures formelles relâchées et l’ampleur lyrique des mélodies.
Né à Vienne le 31 janvier 1797, Schubert reçoit ses premières leçons de piano, de violon, de chant et d’orgue dans son enfance. Ses dons pour la composition sont déjà manifestes dans les premières de ses œuvres qui soient parvenues jusqu’à nous – dont des quatuors à cordes et sa première symphonie – écrites à treize ans. Conscient, toutefois, de la précarité d’une carrière de compositeur indépendant, il obtient son brevet d’enseignant et décroche un poste à l’école de son père. Malgré les exigences de ce travail à temps plein, il continue de composer à un rythme vertigineux : dès 1816, alors qu’il n’a pas encore vingt ans, il a déjà écrit plus de 300 lieder, cinq symphonies, quatre singspiele (un type d’opéra-comique allemand), sept quatuors à cordes, et de nombreuses pièces de moindre ampleur. Toutefois, la reconnaissance du public consécutive à l’exécution et à l’édition de ses œuvres devra attendre après 1817.
Dès 1822, Schubert prend son envol comme compositeur professionnel. Son extraordinaire production, accomplie grâce à un horaire de travail exigeant, n’a d’égale que l’intensité avec laquelle il s’adonne à une vie sociale hédoniste et probablement libertine. Au début de 1823 apparaissent les premiers symptômes de la syphilis, dont les manifestations physiques l’amèneront à toujours plus de réclusion. Son œuvre musicale n’en souffrira pas, cependant, et au cours des quatre années suivantes, qui seront les dernières de sa vie, il compose plusieurs de ses principaux chefs-d’œuvre, dont le Quatuor à cordes en ré mineur (« La jeune fille et la mort »), la Neuvième symphonie (« La Grande »), la Sonate pour piano en ré majeur, et le cycle de lieder Die Winterreise. Schubert meurt à Vienne le 19 novembre 1828. La majeure partie de son vaste catalogue de compositions n’apparaîtra au grand jour qu’après sa mort.
Russian composer Igor Stravinsky was one of the most influential musical figures of the 20th century and his music is still among the most frequently performed today. His works encompass ballet and opera, orchestral pieces, songs, choral works, and chamber and solo instrumental works, among others. As a whole, Stravinsky’s compositional catalogue is stylistically diverse and reflects his interest in and absorption of certain major musical developments of the period: from the colourful Russian nationalism of his early ballets, to an aggressive, avant-garde style in the First World War Years, to the pared-down neoclassicism of the 1920s to 1950s, to finally, 12-tone serialism.
Stravinsky was born in Oranienbaum (now Lomonosov), near St. Petersburg, on June 17, 1882. The third son of Fyodor, one of Russia’s most notable bass-baritones, the young Igor grew up surrounded by musicians and composers who frequented his parents’ flat, where he also had access to his father’s large library of music scores. He entered St. Petersburg University as a law student though he wanted to study music; he ultimately did so in his own time, taking lessons first with students of Nikolai Rimsky-Korsakov and later with the Russian master himself. In 1910, Stravinsky was catapulted to fame with the Paris Opéra premiere of the ballet, The Firebird, his first of many collaborations with the impresario Serge Diaghilev and his Ballet Russes. Petrushka followed in 1911 and in 1913, The Rite of Spring—a shockingly violent and dissonant score that became a landmark work of early 20th century musical modernism.
After experimenting with avant-garde techniques, Stravinsky embarked on an extended period composing in the “neo-classical” style. In these works, he invigorated 18th-century forms and processes with his own harmonic and rhythmic methods. This aesthetic shift coincided with a move from his native Russia to France in 1920, and continued when he emigrated to the United States in 1941. In the late 1950s, Stravinsky turned to the technique of serialism, which became the basis of his late compositions. Throughout these decades, he maintained a commitment to concert work, appearing as a piano soloist and conductor in performances of his own music. Stravinsky died in New York, April 6, 1971, and is buried on Venice’s cemetery island of San Michele, near the grave of Serge Diaghilev.
Le compositeur russe Igor Stravinsky est l’une des figures marquantes de la musique du XXe siècle, et son œuvre compte encore parmi les plus jouées de nos jours. Son catalogue embrasse, entre autres, le ballet et l’opéra, les pièces pour orchestre, les mélodies, les œuvres chorales, et les compositions pour formations de chambre et instruments seuls. Dans l’ensemble, l’œuvre de Stravinsky présente une grande diversité de styles, témoignant de son intérêt pour un certain nombre d’évolutions musicales majeures de la période, qu’il a absorbées : du nationalisme russe haut en couleur de ses premiers ballets, il passe successivement à un style agressivement avant-gardiste pendant la Première Guerre mondiale, puis à un néoclassicisme épuré entre les années 1920 et 1950, jusqu’au dodécaphonisme sériel de ses dernières compositions.
Stravinsky naît le 17 juin 1882 à Oranienbaum (aujourd’hui Lomonosov), près de Saint-Pétersbourg. Troisième fils de Feodor, l’un des barytons-basse les plus en vue de Russie, le jeune Igor grandit entouré de musiciens et de compositeurs qui fréquentent l’appartement de ses parents, où il a aussi accès à la vaste collection de partitions musicales de son père. Il fait son entrée à l’Université de Saint-Pétersbourg comme étudiant en droit, bien qu’il aspire plutôt à étudier la musique. Il y viendra à son rythme, prenant d’abord des leçons auprès d’élèves de Rimski-Korsakov, puis du maître lui-même. En 1910, Stravinsky est catapulté vers la gloire avec la création, à l’Opéra de Paris, de son ballet L’oiseau de feu, qui marque la première de ses nombreuses collaborations avec l’impresario Serge Diaghilev et ses Ballets Russes. Petrouchka suivra en 1911 et, en 1913, Le sacre du printemps – une partition saisissante, agressive et dissonante, qui deviendra l’une des œuvres phares du modernisme musical du début du XXe siècle.
Après avoir fait l’essai de plusieurs techniques d’avant-garde, Stravinsky amorce une longue période au cours de laquelle il composera dans un style « néoclassique ». Dans ces compositions, il insuffle un nouvel élan à des formes et des procédés du XVIIIe siècle, en y intégrant ses propres méthodes d’écriture harmonique et rythmique. Cette mutation artistique coïncide avec son départ de sa Russie natale pour la France en 1920, et se poursuivra quand il immigrera aux États-Unis en 1941. Vers la fin des années 1950, Stravinsky se tourne vers la technique du sérialisme, qui formera la base de ses dernières compositions. Au fil de ces décennies, il ne perd pas de vue les concerts, se produisant comme pianiste et chef d’orchestre dans ses propres œuvres. Stravinsky s’éteint à New York le 6 avril 1971. Il est enterré dans l’île-cimetière de San Michele, à Venise, tout près de la tombe de Serge Diaghilev.
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