Join conductor Daniel Bartholomew-Poyser and youth climate activist Aliénor Rougeot on an action-packed adventure from coast to coast. Learn how the natural world has inspired works of impassioned artists, how musicians and composers have reflected on land that is changing beneath their feet, and how creative people are uniquely equipped to combat the pressing climate emergency. At each stop along the way, experience brilliant performances from renowned singer-songwriters, beatboxers, instrumental soloists, and a host of Canada’s leading orchestras.
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Principal Youth Conductor and Creative Partner
Daniel Bartholomew-Poyser
A passionate communicator, Daniel Bartholomew-Poyser brings clarity and meaning to the concert hall, fostering deep connections between audiences and performers. Daniel Bartholomew-Poyser is concurrently the Principal Youth Conductor and Creative Partner of the National Arts Centre Orchestra, the Principal Education Conductor and Community Ambassador of the Toronto Symphony Orchestra, Artist in Residence and Community Ambassador of Symphony Nova Scotia and Resident Conductor of Engagement and Education of the San Francisco Symphony.
Daniel has conducted the New York Philharmonic, the Houston Symphony, the Carnegie Hall Link Up Orchestra, the Detroit Symphony Orchestra, the Edmonton Symphony Orchestra, the Calgary Philharmonic Orchestra, the Winnipeg Symphony Orchestra, the Vancouver Symphony Orchestra, the Regina Symphony Orchestra, the Canadian Opera Company, the National Symphony Orchestra and is the Music Director of the Kennedy Center Summer Music Institute. He served as Assistant Conductor of the Kitchener-Waterloo Symphony, Associate Conductor of the Thunder Bay Symphony Orchestra, and Cover Conductor with the Washington National Opera.
Daniel hosts the Canadian Broadcasting Corporation’s (CBC) nationally broadcast weekly radio show Centre Stage. He was also the subject of an award-winning, full-length CBC documentary, Disruptor Conductor, focusing on his concerts for neurodiverse, prison, African diaspora and LGBTQ2S+ populations.
Daniel earned his bachelor’s in music performance and education from the University of Calgary and his Master of Philosophy in Performance from the Royal Northern College of Music in Manchester, England.
Communicateur passionné, Daniel Bartholomew-Poyser apporte clarté et sens à la salle de concert, tissant des liens profonds entre le public et les interprètes. Il œuvre actuellement comme premier chef des concerts jeunesse et partenaire de création de l’Orchestre du Centre national des Arts, premier chef des concerts éducatifs et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, artiste en résidence et ambassadeur communautaire de l’ensemble Symphony Nova Scotia, et chef résident des concerts éducatifs et de rayonnement de l’Orchestre symphonique de San Francisco.
Il a dirigé les orchestres philharmoniques de New York et de Calgary, les orchestres symphoniques de Houston, Détroit, Edmonton, Winnipeg, Vancouver et Regina, le Carnegie Hall Link-Up Orchestra, la Compagnie d’opéra canadienne et le National Symphony Orchestra, et il est directeur musical du Kennedy Center Summer Music Institute. Ancien chef d’orchestre adjoint de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo et chef associé de l’Orchestre symphonique de Thunder Bay, le maestro a été chef d’orchestre substitut avec le Washington National Opera.
Il anime l’émission de radio hebdomadaire Centre Stage de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC), diffusée à l’échelle nationale. Il a également fait l’objet d’un documentaire primé de la CBC intitulé Disruptor Conductor, portant sur ses concerts destinés aux populations neuroatypiques, aux détenus, à la diaspora africaine et aux membres des communautés 2ELGBTQ+.
Titulaire d’un baccalauréat en interprétation musicale et en éducation de l’Université de Calgary, il a obtenu sa maîtrise en interprétation musicale au Royal Northern College of Music de Manchester, en Angleterre.
Aliénor (Allie) Rougeot is a climate justice activist, and a program manager at Environmental Defence Canada where she advocates for a just transition for workers and communities. She has been a human rights advocate since a very young age, with a focus on climate justice since high school. She co-founded the group Fridays for Future Toronto and has led numerous student climate strikes in that role. She is a public speaker and workshop facilitator, using these opportunities to raise awareness on the urgency of the climate crisis, discuss the solutions that are available to us as a society and empower others to join the fight for climate justice. She has been recognized by The Starfish in the 25 under 25 Environmentalists, and by Corporate Knights in their 30 Under 30 Sustainability Leaders.
Aliénor (Allie) Rougeot est une militante pour la justice climatique et est Responsable de Programmes à Environmental Defence Canada, où elle milite pour une transition juste pour les travailleurs et les communautés. Elle défend les droits humains depuis son plus jeune âge, avec un accent sur la justice climatique depuis le lycée. Elle a cofondé le groupe Fridays for Future Toronto et a dirigé de nombreuses grèves étudiantes pour le climat dans ce rôle. Elle est aussi conférencière et animatrice d'ateliers, via lesquels elle sensibilise à l'urgence de la crise climatique, discute des solutions qui s'offrent à nous en tant que société et donne aux autres les moyens de se joindre à la lutte pour la justice climatique. Elle a été reconnue par The Starfish dans leur classement 25 under 25 Environmentalists et par Corporate Knights dans leurs 30 Under 30 Sustainability Leaders.
The Great Canadian Orchestra Field Trip is a co-production of the NAC Orchestra, Toronto Symphony Orchestra, Vancouver Symphony Orchestra, Vancouver Chamber Choir, Orchestre symphonique de Montréal, Winnipeg Symphony Orchestra, and PEI Symphony Orchestra.
Ages 9-14
Bring The Great Canadian Orchestra Field Trip to your students!
Give your classroom a front-row seat to our three-episode video-on-demand learning series on the transformative power of music and art in the climate emergency.
“In this series, listen to amazing music, watch tremendous performances, and experience how musicians and climate change activists are fighting to make a difference in our world. Join us!”
Principal Youth Conductor and Creative Partner
Daniel Bartholomew-Poyser
A passionate communicator, Daniel Bartholomew-Poyser brings clarity and meaning to the concert hall, fostering deep connections between audiences and performers. Daniel Bartholomew-Poyser is concurrently the Principal Youth Conductor and Creative Partner of the National Arts Centre Orchestra, the Principal Education Conductor and Community Ambassador of the Toronto Symphony Orchestra, Artist in Residence and Community Ambassador of Symphony Nova Scotia and Resident Conductor of Engagement and Education of the San Francisco Symphony.
Daniel has conducted the New York Philharmonic, the Houston Symphony, the Carnegie Hall Link Up Orchestra, the Detroit Symphony Orchestra, the Edmonton Symphony Orchestra, the Calgary Philharmonic Orchestra, the Winnipeg Symphony Orchestra, the Vancouver Symphony Orchestra, the Regina Symphony Orchestra, the Canadian Opera Company, the National Symphony Orchestra and is the Music Director of the Kennedy Center Summer Music Institute. He served as Assistant Conductor of the Kitchener-Waterloo Symphony, Associate Conductor of the Thunder Bay Symphony Orchestra, and Cover Conductor with the Washington National Opera.
Daniel hosts the Canadian Broadcasting Corporation’s (CBC) nationally broadcast weekly radio show Centre Stage. He was also the subject of an award-winning, full-length CBC documentary, Disruptor Conductor, focusing on his concerts for neurodiverse, prison, African diaspora and LGBTQ2S+ populations.
Daniel earned his bachelor’s in music performance and education from the University of Calgary and his Master of Philosophy in Performance from the Royal Northern College of Music in Manchester, England.
Communicateur passionné, Daniel Bartholomew-Poyser apporte clarté et sens à la salle de concert, tissant des liens profonds entre le public et les interprètes. Il œuvre actuellement comme premier chef des concerts jeunesse et partenaire de création de l’Orchestre du Centre national des Arts, premier chef des concerts éducatifs et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, artiste en résidence et ambassadeur communautaire de l’ensemble Symphony Nova Scotia, et chef résident des concerts éducatifs et de rayonnement de l’Orchestre symphonique de San Francisco.
Il a dirigé les orchestres philharmoniques de New York et de Calgary, les orchestres symphoniques de Houston, Détroit, Edmonton, Winnipeg, Vancouver et Regina, le Carnegie Hall Link-Up Orchestra, la Compagnie d’opéra canadienne et le National Symphony Orchestra, et il est directeur musical du Kennedy Center Summer Music Institute. Ancien chef d’orchestre adjoint de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo et chef associé de l’Orchestre symphonique de Thunder Bay, le maestro a été chef d’orchestre substitut avec le Washington National Opera.
Il anime l’émission de radio hebdomadaire Centre Stage de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC), diffusée à l’échelle nationale. Il a également fait l’objet d’un documentaire primé de la CBC intitulé Disruptor Conductor, portant sur ses concerts destinés aux populations neuroatypiques, aux détenus, à la diaspora africaine et aux membres des communautés 2ELGBTQ+.
Titulaire d’un baccalauréat en interprétation musicale et en éducation de l’Université de Calgary, il a obtenu sa maîtrise en interprétation musicale au Royal Northern College of Music de Manchester, en Angleterre.
Each episode includes an interactive learner’s companion. Available as downloadable PDF documents, classroom educators can choose either the full-colour document, optimal for computer or tablet use, or a low-toner version appropriate for print. Alternatively, work together as a class by displaying the Learner’s Companion via remote screen share or in-person projection technologies!
Weaving in influences from her African heritage, la chanson française, and American gospel, Kelly Bado’s music crosses cultural barriers to bring people together in joy and hope. Her striking vocals and uplifting melodies were recognized with a 2021 WCMA Francophone and Global Artist of the Year Award. With lyrics inspired by love, celebration and social equality, Kelly is committed to the vision of an inclusive world where we come together as citizens of this vast planetary village - each contributing our unique strengths to the common experience.
Côte d’Ivoire, West Africa | Manitoba, Canada
Avec des influences de son Afrique natale, de la chanson française et du gospel américain, la musique de Kelly Bado traverse les barrières culturelles pour rassembler les gens dans la joie et l’espoir. Sa voix saisissante et ses mélodies entraînantes ont récemment été récompensées par deux Prix de la musique de l'Ouest Canadien : artiste francophone et artiste mondiale de l'année 2021. À travers ses paroles inspirées par l'amour et l'égalité sociale, Kelly s’engage à bâtir un monde inclusif où nous nous rassemblons en tant que citoyens de ce vaste village planétaire qu’est la Terre, chacun apportant ses forces uniques à l'expérience commune.
Juno-nominated Cris Derksen is an Internationally respected Indigenous Cellist and Composer. In a world where almost everything—people, music, cultures—gets labelled and slotted into simple categories, Cris Derksen represents a challenge. Originally from Northern Alberta, she comes from a line of chiefs from NorthTall Cree Reserve on her father’s side and a line of strong Mennonite homesteaders on her mother’s. Derksen braids the traditional and contemporary, weaving her classical background and Indigenous ancestry with new school electronics to create genre-defying music.
As composer Derksen has a foot in many worlds, 2019 compositions include Maada’ookii Songlines – a Mass Choral piece for 250 singers Commissioned by Luminato Festival. Rebellion—a short symphony commissioned by the Thunder Bay Symphony Orchestra. Iron Peggy – a Theatre piece commissioned by the Vancouver Children’s Festival. A new performance art piece commissioned by the National Art Gallery of Canada, Ikumagiialit. Her 2018 works include the DORA Award for Best Sound Design for Theatre 2018; Kiinalik: these sharp tools, TIFF Premier Biidaaban (the dawn comes) Short Animation Film by Amanda Strong, Ka:hawai Dance Company production of BloodTides, Kamloopa Theatre production, 2018 Banff Centre for the Arts String Quartet Residency White Mans Cattle and Wood Quintet International 5 bucks per head.
As a performer, Derksen performs nationally and internationally solo and with some of Canada’s finest, including Tanya Tagaq, Buffy Sainte Marie, Naomi Klein, and Leanne Simpson, to name a few. Recent destinations include Hong Kong, Australia, Mongolia, Sweden, and a whole lot of Canada—the place Derksen refers to as home.
Finaliste aux prix JUNO, Cris Derksen est une violoncelliste et compositrice autochtone dont le talent brille à l’international. Dans un monde qui se plait à mettre des étiquettes à presque tout – aux gens, à la musique et aux cultures – Cris Derksen fait figure d’électron libre. Dans son arbre généalogique, on retrouve des chefs de la réserve crie de North Tall du côté paternel et de robustes homesteaders mennonites, du côté maternel. Entre traditionnel et contemporaine, cette native du nord de l’Alberta puise dans sa formation classique, ses racines autochtones et l’électronique pour composer une musique radicalement inclassable.
Dans ses compositions, Cris Derksen navigue entre les univers musicaux, elle qui n’aime pas se cantonner dans un seul style. Rien qu’en 2019, elle crée quatre œuvres de commande : Maada’ookii Songlines, une pièce chorale pour 250 interprètes (Festival Luminato), la brève symphonie Rebellion (Orchestre symphonique de Thunder Bay), la pièce de théâtre IronPeggy (Festival des enfants de Vancouver) et enfin une œuvre-performance, Ikumagiialit (Musée des beaux-arts du Canada). En 2018, elle participe à divers projets, notamment la pièce Kiinalik: these sharp tools (prix Dora pour la meilleure conception sonore au théâtre), le court métrage d’animation Biidaaban (the dawn comes) de Amanda Strong présenté en première au TIFF, la production BloodTides de Kaha:wi Dance Theatre, la pièce Kamloopa, et dans le cadre d’une résidence au Centre des arts de Banff un quatuor à cordes, White Mans Cattle, et l’œuvre 5 bucks per head pour quintette à vent.
Sur scène, Cris Derksen se produit dans le monde entier, en solo, ou en collaboration avec des artistes remarquables comme Tanya Tagaq, Buffy Sainte Marie, Naomi Klein, ou encore Leanne Simpson. Son art l’a conduite à travers le monde, notamment à Hong Kong, en Australie, en Mongolie, en Suède et aux quatre coins du Canada, là où elle se sent chez elle.
Ryan (he/him) is an interdisciplinary artist, creativity researcher, and multimedia producer based in Epekwitk / Prince Edward Island. His work as a musical performer and recording artist blends his formal training in concert percussion with a passion for contemporary and popular styles of music. In addition to regularly performing with professional ensembles such as the PEI Symphony Orchestra and the Charlottetown Festival Orchestra, Ryan has appeared in venues and on stages across North America — including Red Rocks Amphitheatre in Denver, Colorado, and the Capitol Records Building in Los Angeles, California. Ryan is a Teaching Artist with Canada's National Arts Centre (NAC), Educational Outreach Coordinator for the PEI Symphony Orchestra, and has received funds from National Geographic to complete call-to-action projects supported by his scholarly writing on the impacts of climate-induced displacement on community and culture. Separately, Ryan is a visual design contractor with the Canadian Army, he maintains a private piano and percussion studio, and instructs undergraduate courses at the University of Prince Edward Island (UPEI).
Ryan holds a Bachelor of Music from UPEI and a Master in Global Affairs from the Universidad Rey Juan Carlos (URJC) in Madrid, Spain. He is currently working towards his doctorate in Interdisciplinary Studies with the University of New Brunswick (UNB) while balancing a busy production and project management portfolio with the NAC.
Ryan (il/lui) est un musicien, un éducateur et un créateur indépendant présentement établi à l’Île-du-Prince-Édouard, au Canada. Le travail de Ryan en tant qu’interprète et artiste allie sa formation formelle en percussion de concert à une passion pour la musique contemporaine et populaire. En plus de se produire régulièrement avec des ensembles professionnels tels que l’Orchestre symphonique de l’Î.-P.-É., Ryan s’est produit dans des salles et sur des scènes dans toute l’Amérique du Nord, notamment au Red Rocks Amphitheatre de Denver, au Colorado, et au Capitol Records Building de Los Angeles, en Californie. Ryan est artiste enseignant au Centre national des Arts (CNA), coordonnateur de la sensibilisation éducative pour l'Orchestre symphonique de l'Î.-P.-É. déplacement sur la communauté et la culture. Par ailleurs, Ryan est un entrepreneur en graphiste avec l'Armée canadienne, il maintient un studio privé de piano et de percussions et enseigne à l'Université de l'Île-du-Prince-Édouard (UPEI).
Ryan est titulaire d’un baccalauréat en musique de l’UPEI et termine présentement des recherches pour sa maîtrise en affaires mondiales à l’Universidad Rey Juan Carlos (URJC), située à Madrid, en Espagne. Il prépare actuellement son doctorat en études interdisciplinaires à l'Université du Nouveau-Brunswick (UNB) tout en équilibrant un portefeuille chargé de production et de gestion de projet avec le CNA.
Benjamin H. Mirin hails from Brooklyn, New York. Deeply committed to the next generation of conservationists, he is a wearer of many hats.
Mirin is a musician, scientist, and explorer who makes every effort to communicate his love for nature to children and youth around the world. Combining his passion for music-making with his expert knowledge of biology and environmental sciences, Mirin has garnered the unique title of Wildlife DJ.
He works tirelessly to inspire love and admiration for the outdoor world through the digital manipulation of recorded plants, animals, and more. Mirin’s groundbreaking work in acoustic biology is supported by many prestigious groups including the National Geographic Society and the Cornell Lab of Ornithology.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 3 Learner’s Companion
New York, États-Unis
Benjamin H. Mirin est originaire de Brooklyn, New York. Profondément engagé envers la prochaine génération de défenseurs de l’environnement, il porte de nombreux chapeaux.
Mirin est un musicien, un scientifique et un explorateur qui s’efforce de communiquer son amour de la nature aux enfants et aux jeunes du monde entier. En combinant sa passion pour la musique et ses connaissances spécialisées en biologie et en sciences de l’environnement, il a obtenu le titre unique de Wildlife DJ (DJ de la vie sauvage).
Il travaille sans relâche à transmettre l’amour et l’admiration pour le monde extérieur, notamment par la manipulation numérique d’enregistrements de plantes et d’animaux. Ses travaux révolutionnaires en biologie acoustique sont soutenus par de nombreux groupes prestigieux, dont la National Geographic Society et le Cornell Lab of Ornithology.
Source : Guide d’apprentissage du troisième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
Canadian flutist Benjamin Morency has recently completed a Master’s degree in Music under the guidance of internationally renowned flutist Ransom Wilson at the prestigious Yale School of Music. He previously studied for six years with Marie-Andrée Benny at the Conservatoire de musique de Montréal, and also had the opportunity to work with masters of the instrument such as Mathieu Dufour, Emmanuel Pahud, Philippe Bernold, Jeanne Baxtresser, and Robert Langevin. In November 2017, he was awarded Grand Prize winner at the OSM Manuvie Competition.
Benjamin performs as a soloist and chamber musician in Canada and in the United-States. After performing the Jacques Ibert Flute Concerto with the Montreal Symphony Orchestra in January 2018, he also had the opportunity to record Sergei Prokofiev’s Sonata for Flute and Piano op.94, Francis Poulenc’s Flute and Piano Sonata, and Denis Gougeon’s L’Oiseau Blessé with pianist Mariane Patenaude in Radio-Canada studios, subsequently broadcasted on ICI Musique. He was also a soloist with the Redlands Symphony Orchestra in California, and the Newfoundland Symphony Orchestra.
Over the years, he was awarded many scholarships to study and perform in prestigious festivals including the Domaine Forget and the Banff summer Academy, the Orford Music Festival, the Young Artist Program at the National Art Center in Ottawa, and at the National Youth Orchestra of Canada, where he received an Award of Excellence for the 2016 summer tour.
Benjamin is now the flute teacher at the Conservatoire de Musique de Val-d’Or, and is really proud to be a Wm. S. Haynes Young Artist.
Le flûtiste canadien Benjamin Morency a récemment obtenu une maîtrise en musique, sous la direction de Ransom Wilson, à la prestigieuse École de musique de l’Université Yale. Il a aussi étudié pendant six ans auprès de Marie-Andrée Benny au Conservatoire de musique de Montréal, et a eu la chance de collaborer avec des maîtres de la flûte comme Mathieu Dufour, Emmanuel Pahud, Philippe Bernold, Jeanne Baxtresser et Robert Langevin.
Lauréat du Grand Prix OSM du Concours OSM Manuvie 2017, Morency se produit comme soliste et chambriste au Canada et aux États-Unis. Il a interprété le Concerto pour flûte de Jacques Ibert avec l’Orchestre symphonique de Montréal en janvier 2018. Il a ensuite enregistré les sonates pour flûte et piano de Sergueï Prokofiev (op. 94) et de Francis Poulenc ainsi que L’Oiseau blessé de Denis Gougeon avec la pianiste Mariane Patenaude dans les studios de Radio-Canada. L’enregistrement a aussi été diffusé sur ICI Musique. Morency a en outre été soliste avec les orchestres symphoniques de Redlands (Californie) et de Terre-Neuve.
Au fil des années, Morency a obtenu plusieurs distinctions qui lui ont permis de participer à de prestigieux festivals et programmes de formation (Académies du Domaine Forget, du Festival d’Orford et du Centre des arts de Banff, Programme des jeunes artistes du Centre national des Arts à Ottawa). Il a également reçu un prix d’excellence de l’Orchestre national des jeunes du Canada pour participer à la tournée estivale de l’ensemble en 2016.
Fier d’être un Jeune artiste Wm. S. Haynes, Benjamin Morency enseigne actuellement la flûte au Conservatoire de musique de Val-d’Or.
Denis Gougeon’s love for music blossomed when he was a teenager. Teaching himself guitar at the age of 15, he soon after performed a solo recital on the instrument. He knew this was an area he wanted to further explore.
His growing passion for music laid the groundwork for Gougeon to learn more about how music worked—“he wanted to understand the principles behind the music” (La Scena Musicale, n.d.).
Among Gougeon’s musical strengths is his intuition—his practiced ability to reach a listener’s emotions. “I believe that music must be immediately accessible to the listener; we must not draw it out unnecessarily.” (La Scena Musicale, n.d.)
Not only does Gougeon enjoy connecting with his audiences, but also with the musicians that perform his works as well:
“I work hard to make my [music] seem simple while providing performers with material that excites them. That is where the joy lies for me, in that special relationship with the performers, when I see their eyes light up, or in the eyes of my composition students when something works! That, to me, is at the heart of it all.” (La Scena Musicale, n.d.)
Having written over 80 compositions to date, Gougeon continues to connect and inspire both his audiences, students, and the musicians that perform his work.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 2 Learner's Companion
Québec, Canada | né en 1951
Denis Gougeon s’est découvert un intérêt pour la musique à l’adolescence. Il apprend la guitare à l’âge de 15 ans et, peu après, il donne un récital solo avec cet instrument. Il a su rapidement que c’était un domaine qu’il souhaitait explorer davantage.
Sa passion croissante pour la musique a permis à Denis Gougeon d’en apprendre davantage sur le fonctionnement de la musique : il voulait « connaître les principes derrière la musique. » (La Scena Musicale, s. d.)
L’une des forces musicales de Denis Gougeon est son intuition, c’est-à-dire sa capacité à toucher l’auditoire. « Pour moi, il est important que l’auditeur ait un accès immédiat à la musique, on n’a pas à le faire languir inutilement. » (La Scena Musicale, s. d.)
Denis Gougeon aime non seulement communiquer avec son public, mais aussi avec les instrumentistes qui interprètent ses oeuvres:
« Je travaille beaucoup pour que les choses semblent être simples, tout en fournissant aux interprètes une matière qui les enthousiasme. Pour moi, il est là le bonheur, dans cette relation privilégiée avec les interprètes, quand je vois cette lueur dans leurs yeux, ou dans ceux de mes étudiants en composition, quand ça marche! Pour moi, c’est l’essentiel. » (La Scena Musicale, s. d.)
Ayant écrit à ce jour plus de 80 compositions, Denis Gougeon continue de toucher et d’inspirer à la fois son public, ses élèves et les instrumentistes qui interprètent ses oeuvres.
Source : Guide d’apprentissage du deuxième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
Jessie Montgomery is an acclaimed composer, violinist, and educator. She is the recipient of the Leonard Bernstein Award from the ASCAP Foundation, the Sphinx Medal of Excellence, and her works are performed frequently around the world by leading musicians and ensembles. Her music interweaves classical music with elements of vernacular music, improvisation, poetry, and social consciousness, making her an acute interpreter of 21st-century American sound and experience. Her profoundly felt works have been described as “turbulent, wildly colorful and exploding with life” (The Washington Post).
Jessie was born and raised in Manhattan’s Lower East Side in the 1980s during a time when the neighborhood was at a major turning point in its history. Artists gravitated to the hotbed of artistic experimentation and community development. Her parents – her father a musician, her mother a theater artist and storyteller – were engaged in the activities of the neighborhood and regularly brought Jessie to rallies, performances, and parties where neighbors, activists, and artists gathered to celebrate and support the movements of the time. It is from this unique experience that Jessie has created a life that merges composing, performance, education, and advocacy.
Since 1999, Jessie has been affiliated with The Sphinx Organization, which supports young African-American and Latinx string players. She currently serves as composer-in-residence for the Sphinx Virtuosi, their Organization’s flagship professional touring ensemble. She was a two-time laureate of the annual Sphinx Competition and was awarded their highest honor, the Sphinx Medal of Excellence. She has received additional grants and awards from the ASCAP Foundation, Chamber Music America, American Composers Orchestra, the Joyce Foundation, and the Sorel Organization.
The New York Philharmonic has selected Jessie as a featured composers for their Project 19, which marks the centennial of the ratification of the 19th Amendment, granting equal voting rights in the United States to women. Other forthcoming works include a nonet inspired by the Great Migration, told from the perspective of Montgomery’s great-grandfather William McCauley and to be performed by Imani Winds and the Catalyst Quartet; a cello concerto for Thomas Mesa jointly commissioned by Carnegie Hall, New World Symphony, and The Sphinx Organization; and a new orchestral work for the National Symphony.
Jessie Montgomery est une compositrice, violoniste et éducatrice primée. Lauréate du prix Leonard-Bernstein de la Fondation ASCAP et de la médaille d’excellence Sphinx, elle a composé des œuvres qui sont fréquemment interprétées par des musiciens et ensembles de premier plan partout dans le monde. Fine interprète de la vie et de l’expérience sonore des Américains au XXIe siècle, elle entremêle dans ses compositions musique classique, musique populaire, improvisation, poésie et conscience sociale. Le Washington Post a qualifié ses œuvres de « turbulentes, merveilleusement colorées et débordantes de vie ».
Montgomery est née et a grandi dans le Lower East Side de Manhattan. Dans les années 1980, ce quartier en pleine effervescence était le foyer par excellence de l’expérimentation artistique et du développement communautaire. Les parents de la compositrice – son père, musicien, et sa mère, conteuse et artiste de théâtre – participaient activement à la vie de leur quartier et emmenaient fréquemment leur fille aux manifestations, spectacles et soirées où se rassemblaient artistes, activistes et membres de la communauté pour faire la fête et appuyer les idées du temps. Forte de cette expérience inusitée, Montgomery s’est créé une existence qui allie composition, prestation, éducation et militantisme.
Montgomery collabore depuis 1999 avec l’organisation Sphinx, qui appuie les jeunes cordistes d’origine afro-américaine et latino-américaine. Elle est actuellement compositrice en résidence auprès de Sphinx Virtuosi, l’ensemble professionnel de tournées principal de l’organisation. Elle a d’ailleurs deux fois remporté le Concours Sphinx annuel et a obtenu sa plus haute distinction, la médaille d’excellence Sphinx. Montgomery a en outre reçu des récompenses de la Fondation ASCAP, de l’organisation Musique de chambre États-Unis, de l’Orchestre des compositeurs américains, de la Fondation Joyce et de l’organisation Sorel, notamment.
Jessie Montgomery a été choisie comme compositrice-vedette pour le Projet 19 du New York Philharmonic, qui soulignera le 100e anniversaire de la ratification du 19e amendement de la Constitution des États-Unis, lequel accorde aux femmes le droit de vote. Parmi ses autres projets en cours, notons un nonette évoquant la grande migration afro-américaine selon le point de vue de l’arrière-grand-père de la compositrice, William McCauley, qui sera interprété par Imani Winds et le quatuor Catalyst; un concerto pour violoncelle écrit pour Thomas Mesa dans le cadre d’une commande conjointe de Carnegie Hall, de l’Orchestre symphonique New World et de l’organisation Sphinx; et une nouvelle œuvre orchestrale pour le National Symphony.
The Canadian composer, Marjan Mozetich, was born of Slovenian parentage in Gorizia, Italy in 1948 and emigrated to Canada in 1952.
He co-founded and was artistic director (1977-79) of the contemporary ensemble, ARRAYMUSIC. His works were performed by prominent new music ensembles across Canada and abroad, and have received several awards.
Stylistically he has evolved over the years from avant-garde expressionism, to minimalism, to a post-modern romanticism. Throughout, his music has remained accessible while still retaining an artistic individuality and integrity. Paradoxically, since the late 80’s he has achieved an overtly ‘traditional’ and yet distinctively modern voice: a blend of the traditional, popular and the modern which has been enthusiastically received by the musical public. His works have been performed and broadcast throughout Canada and abroad, even on Canadian Airline’s ‘in flight’ music programs.
In 1996 his lush romantic work, The Passion of Angels for 2 harps & orchestra, received its world premier with the Edmonton Symphony, and Postcards from the Sky was premiered by the Thirteen Strings in Ottawa. His violin concerto, Affairs of the Heart, received a standing ovation at the premiere with the Manitoba Chamber Orchestra in 1997. When CBC Radio broadcast the concert performance of Mozetich’s 1997 violin concerto, Affairs of the Heart, the switchboards lit up from coast to coast. There were numerous reports of what those who work in radio sometimes call “the driveway experience”. This is where listeners are so captivated by what they are hearing that they remain in their cars listening to the end even though they've long since arrived home.
Mozetich has been teaching composition since 1991 at Queen’s University in Kingston, Ontario where he resides. One of his most recent commissions was a cello concerto for Amanda Forsyth and the NAC Orchestra.
Gorizia, Italy | né en 1948
Le compositeur canadien Marjan Mozetich est né à Gorizia (Italie) en 1948 de parents d’origine slovène et a émigré au Canada en 1952.
De 1977 à 1979, il a été directeur artistique de l’ensemble de musique actuelle ARRAYMUSIC, qu’il a cofondé. Ses œuvres primées ont été interprétées par les plus grands ensembles de musique nouvelle d’ici et d’ailleurs.
Au fil des ans, le style de Mozetich a évolué, passant de l’expressionnisme d’avant-garde au minimalisme, puis au romantisme postmoderne. Facile d’accès, sa musique se caractérise toujours par l’authenticité et l’individualisme artistique. Depuis les années 1980, elle allie tradition et modernité pour le plus grand plaisir des mélomanes. On a pu entendre les œuvres de Mozetich dans des salles de concert et à la radio au Canada, à l’échelle internationale et même dans les airs dans le cadre des programmes de musique offerts sur les vols d’un transporté aérien canadien.
The Passion of Angels, riche et romantique pièce pour deux harpes et orchestre, a été créé par l’Orchestre symphonique d’Edmonton en 1996; la même année, Thirteen Strings faisait de même à Ottawa avec Postcards from the Sky. À sa création par l’Orchestre de chambre du Manitoba en 1997, le concerto pour violon Affairs of the Heart a été ovationné, et lors de sa diffusion par la radio de la CBC, la société a été inondée d’appels de tous les coins du pays. Plusieurs mélomanes ont rapporté avoir vécu ce que le monde de la radio appelle « l’expérience du stationnement » : les auditeurs sont si captivés par l’émission qu’ils écoutent qu’ils demeurent dans leur véhicule jusqu’à ce que cette dernière se termine, souvent longtemps après avoir atteint leur destination.
Mozetich réside à Kingston (Ont.) et enseigne la composition à l’Université Queen’s depuis 1991. L’Orchestre du CNA et Amanda Forsyth lui ont récemment commandé un concerto pour violoncelle.
Astor Piazzolla was a tango composer from Argentina. Not only was he an accomplished bandoneon performer (a musical instrument similar to an accordion), Piazzolla was also a baseball and boxing fan. Throughout his lifetime, he forged his own musical path and composed with a style that contradicted cultural norms and upset the status quo.
Tango was more-or-less “musical law” in Argentina—but this did not stop Piazzolla. He envisioned a new version of Tango infused with influences of jazz and classical music. Piazzolla’s passion for this crossover style defined the journey of his career as a composer. He stood behind his artistic vision, despite any challenges he faced.
Astor Piazzolla left a legacy that transformed tango forever. He was a rockstar known for writing music that was romantic, sad, joyful and menacing—sometimes all at once.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 2 Learner's Companion
Mar del Plata, Argentine | 1921-1992
Astor Piazzolla était un compositeur de tango originaire d’Argentine. Bandonéoniste accompli (le bandonéon est un instrument de musique semblable à l’accordéon), Piazzolla était également un fan de baseball et de boxe. Tout au long de sa vie, il a façonné sa propre voie musicale et composé dans un style qui contredisait les normes culturelles et bousculait le statu quo.
En Argentine, le tango était plus ou moins comme « une loi musicale », mais cela n’a pas arrêté Piazzolla. Il a imaginé une version renouvelée du tango, imprégnée d’influences jazz et classique. La passion de Piazzolla pour ce style hybride a défini le déroulement de sa carrière de compositeur. Il est resté fidèle à sa vision artistique, malgré les difficultés qu’il a rencontrées.
Astor Piazzolla a laissé un héritage qui a transformé le tango à jamais. Il était comme une vedette rock connue pour sa musique romantique, triste, joyeuse ou menaçante – et parfois tout cela à la fois.
Source : Guide d’apprentissage du deuxième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
A rock star in the classical music world, Jonathan Ring is a renowned horn player and educator with a passion for eclectic styles of music. Born in Massachusetts, Ring has built an impressive career in the San Francisco area. A wearer of many hats, he serves as second horn for the San Francisco Symphony, faculty with the San Francisco Conservatory of Music, and he is a founding member of the internationally acclaimed and GRAMMY-nominated Bay Brass.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 3 Learner's Companion
Massachusetts, États-Unis
Vedette du rock dans le monde de la musique classique, Jonathan Ring est un corniste et un professeur renommé, passionné de musiques éclectiques. Né dans le Massachusetts, il s’est forgé une carrière impressionnante dans la région de San Francisco. Il a plusieurs cordes à son arc : il est second cor de l’Orchestre symphonique de San Francisco, membre du corps professoral du Conservatoire de musique de San Francisco et membre fondateur du groupe de renommée internationale Bay Brass, finaliste aux prix Grammy.
Source : Guide d’apprentissage du troisième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
“The world is a huge musical composition that’s going on all the time, without a beginning and presumably without an ending.” (Robin, W., August 2021)
R. Murray Schafer lived within a world of discovery. Despite obstacles, Schafer was always driven to explore. Growing up in Toronto, Schafer was born blind in one eye; because of this, he was discouraged from pursuing studies in music. Schafer ended up attending the Royal Conservatory of Music studying piano with John Weinzweig.
Schafer continued to follow his curiosity, spending time exploring the sounds around him and the “sound worlds” of other composers. Schafer’s life journey led him to Europe. There he had the opportunity to “[interview] British composers for the Canadian Broadcasting Corporation, learning medieval German, [and] attending a folk music conference in Romania.” (Robin, W., August 2021)
Both in his work as a composer and educator, his creative exploration centred around soundscapes that he explored while teaching at Simon Fraser University. This led to the development of creative music education—where students were encouraged to “bring an interesting sound to school” or “hum along with a tune that they had heard on a street corner.”
Murray Schafer believed that we are all composers:
“We are the composers of this huge, miraculous composition that’s going on around us. We can improve it, or we can destroy it. We can add more noises, or we can add more beautiful sounds. It’s all up to us.” (Robin, W., August 2021)
Schafer passed away on August 14th, 2021, leaving behind a legacy of creative work that continues to inspire the next generation.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 2 Learner's Companion
1933-2021 | Ontario, Canada
« Le monde est une immense composition musicale qui se déroule en permanence, sans début et sans fin. » (Robin, W., août 2021)
R. Murray Schafer a vécu dans un monde de découvertes. Malgré les obstacles, il a toujours été motivé à explorer son environnement. Ayant grandi à Toronto, il est né aveugle d’un oeil, ce qui l’a découragé momentanément de poursuivre des études en musique. Mais il a fini par fréquenter le Conservatoire royal de musique de Toronto, où il a étudié le piano avec John Weinzweig.
R. Murray Schafer a continué à se laisser porter par sa curiosité, passant du temps à explorer les sons qui l’entouraient et les « univers sonores » d’autres compositeurs. Son parcours l’a conduit en Europe, où il a eu l’occasion « d’interviewer des compositeurs britanniques pour la CBC, d’apprendre l’allemand médiéval et de participer à une conférence sur la musique folklorique en Roumanie. » (Robin, W., août 2021)
À la fois comme compositeur et professeur, son exploration artistique s’appuyait sur les paysages sonores qu’il étudiait alors qu’il enseignait à l’Université Simon Fraser. Cela a conduit au développement de l’éducation musicale créative — où les élèves étaient encouragés à « apporter un son intéressant à l’école ou à fredonner un air qu’ils avaient entendu au coin d’une rue ».
Selon Murray Schafer, nous sommes tous des compositeurs et compositrices :
« Nous sommes les compositeurs de cette énorme et miraculeuse composition qui se déroule autour de nous. Nous pouvons l’améliorer, ou la détruire. Nous pouvons ajouter plus de bruits, ou nous pouvons ajouter plus de beaux sons. Tout dépend de nous. » (Robin, W., août 2021)
Schafer est décédé le 14 août 2021, laissant derrière lui une oeuvre qui continue d’inspirer la génération à venir.
Source : Guide d’apprentissage du deuxième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
Bedřich Smetana was certainly one of the underdogs. When he was very young, he was regularly bullied for his upbringing in the rural countryside and his lack of formal education. But, little did he know, his music would later become emblematic of Czech nationalism and independence. Born to a working-class family, Smetana grew up speaking German. His trouble with the Czech language was another reason his classmates would mock him. But, Smetana stayed the course and devoted himself to the study of the language until he was in his forties. He practiced both speaking and writing the Czech language every day.
Smetana’s decision to go against the grain led to the criticism of his music throughout his entire lifetime. But, this did not stop him. Even after experiencing hearing loss, he wrote nine major operas, an autobiographical string quartet, and a number of instrumental works. Unfortunately, it was not until after Smetana died that his music was recognized as a national treasure. His music was both cultured and representative of pride and independence. It was the “uneducated country boy’s” bohemian writing style that propelled his creations into the fabric of the country’s identity. Today, he is often referred to as the “Father of Czech Music.”
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 2 Learner's Companion
Litomyšl, République tchèque | 1824-1884
Bedřich Smetana faisait certainement partie des négligés. Très jeune, il était régulièrement malmené en raison de sa culture rurale et de son manque d’éducation formelle. Mais il était loin de se douter que sa musique deviendrait plus tard l’emblème du nationalisme tchèque et de l’indépendance de son pays. Né dans une famille appartenant à la classe ouvrière, Smetana a grandi en parlant l’allemand. Ses difficultés avec la langue tchèque étaient une autre cause des moqueries de ses camarades. Mais Smetana a maintenu le cap et s’est consacré à l’étude de la langue jusqu’à l’âge de 40 ans. Il s’exerçait chaque jour à parler et à écrire le tchèque.
La décision de Smetana d’aller à contrecourant a fait en sorte que, durant toute sa vie, sa musique a été critiquée. Mais cela ne l’a pas arrêté. Même après avoir souffert d’une perte d’audition, il a écrit neuf grands opéras, un quatuor à cordes autobiographique et un certain nombre d’oeuvres instrumentales. Malheureusement, ce n’est qu’après sa mort que sa musique a été reconnue comme un trésor national. Sa musique était à la fois cultivée et représentative de la fierté et de l’indépendance de la Tchéquie. C’est son style d’écriture de « paysan sans éducation » venu de Bohème qui a permis à ses créations d’être associées à l’identité même du pays. Aujourd’hui, il est souvent considéré comme le « père de la musique tchèque ».
Source : Guide d’apprentissage du deuxième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
Edward Top is a highly sought-after Dutch composer with an extensive portfolio. In his youth, Top travelled the world while completing formal schooling, beginning with composition and violin performance at the Rotterdam Conservatoire in The Netherlands. After that, he spent time in East Asia before moving to England to complete graduate studies in musicology at King’s College London.
Today, Top is based in Vancouver, British Columbia where he previously served as Composer-In-Residence for the Vancouver Symphony Orchestra.
Top is well known for his ability to seamlessly interweave musical styles and expertly integrate contrasting cultural aesthetics into his writing. Known for his energetic and lively approach to music-writing, Top is constantly premiering new compositions with orchestras around the globe.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 2 Learner's Companion
Ommen, Pays-Bas | né en 1972
Edward Top est un compositeur néerlandais recherché et dont le portfolio est très étendu. Dans sa jeunesse, Top a voyagé dans le monde entier tout en suivant des études universitaires, en commençant par la composition et l’interprétation du violon au Conservatoire de Rotterdam, aux Pays-Bas. Il a ensuite passé du temps en Asie de l’Est avant de s’installer en Angleterre pour faire des études supérieures en musicologie au King’s College de Londres.
Aujourd’hui, Edward Top est installé à Vancouver, en Colombie-Britannique, où il a d’ailleurs été compositeur en résidence pour l’Orchestre symphonique de Vancouver.
Edward Top est connu pour sa capacité à entremêler les styles musicaux et à intégrer de manière experte dans ces compositions des éléments esthétiques contrastés provenant de cultures diverses. Connu pour son approche énergique et vivante de l’écriture musicale, il est constamment en train de créer de nouvelles oeuvres avec des orchestres du monde entier.
Source : Guide d’apprentissage du deuxième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
The young ginger-haired Antonio Vivaldi was driven by two things: his music and faith vocation. Growing up as a virtuoso violinist, Vivaldi’s career combined both his love of music and religious values. After going into the priesthood, Vivaldi was appointed musician-in-residence at an orphan school for girls. This job posting led to him writing many violin concertos and string chamber compositions premiered by the girls living at the school. Known for his “bright and cheerful” (Kids Corner, n.d.) compositional style, Vivaldi wrote over 500 virtuosic concertos—mostly for the violin.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 2 Learner's Companion
Venise, Italie | 1678-1741
Le jeune rouquin Antonio Vivaldi était motivé par deux choses : sa musique et sa foi. Virtuose du violon, la carrière de Vivaldi s’est développée dans l’amour de la musique et l’attachement à ses valeurs religieuses. Après avoir été ordonné prêtre, Vivaldi a été nommé musicien en résidence dans une école de jeunes filles orphelines. Ce poste l’a amené à écrire de nombreux concertos pour violon et des oeuvres de musique de chambre pour cordes qui ont été créés par les jeunes filles de l’école. Connu pour son style de composition « vif et joyeux » (Kids Music Corner, s. d.), Vivaldi a écrit plus de 500 concertos virtuoses, principalement pour le violon.
Source : Guide d’apprentissage du deuxième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
Born in Québec, Evelyne Daigle is a dedicated biologist, researcher, and environmental educator. She is known for her work studying the migration patterns and behaviors of whales in the St. Lawrence River and in Hawaii, which she documented in her first book, As Long as There Are Whales.
In 2007, Daigle published her second book, The World of Penguins, which examines the southern dwelling aquatic birds and their habitat and culture. The book covers the lifestyles, diet, predation, reproduction, and location of penguins. Throughout her career, Daigle has been committed to educating others about the natural world and the importance of protecting the environment. She continues to inspire and educate with her passion for wildlife and conservation.
Née au Québec, Evelyne Daigle est une biologiste, chercheuse et éducatrice environnementale dévouée. Elle est connue pour ses travaux sur les migrations et les comportements des baleines dans le fleuve Saint-Laurent et à Hawaï, qu'elle a documentés dans son premier livre, As Long as There Are Whales.
En 2007, Daigle a publié son deuxième livre, The World of Penguins, qui examine les oiseaux aquatiques qui habitent dans le sud et leur habitat et culture. Le livre couvre les modes de vie, l'alimentation, la prédation, la reproduction et l'emplacement des manchots. Tout au long de sa carrière, Daigle s'est consacrée à l'éducation des autres sur le monde naturel et l'importance de protéger l'environnement. Elle continue d'inspirer et d'éduquer avec sa passion pour la faune et la conservation.
Juno-nominated Cris Derksen is an Internationally respected Indigenous Cellist and Composer. In a world where almost everything—people, music, cultures—gets labelled and slotted into simple categories, Cris Derksen represents a challenge. Originally from Northern Alberta, she comes from a line of chiefs from NorthTall Cree Reserve on her father’s side and a line of strong Mennonite homesteaders on her mother’s. Derksen braids the traditional and contemporary, weaving her classical background and Indigenous ancestry with new school electronics to create genre-defying music.
As composer Derksen has a foot in many worlds, 2019 compositions include Maada’ookii Songlines – a Mass Choral piece for 250 singers Commissioned by Luminato Festival. Rebellion—a short symphony commissioned by the Thunder Bay Symphony Orchestra. Iron Peggy – a Theatre piece commissioned by the Vancouver Children’s Festival. A new performance art piece commissioned by the National Art Gallery of Canada, Ikumagiialit. Her 2018 works include the DORA Award for Best Sound Design for Theatre 2018; Kiinalik: these sharp tools, TIFF Premier Biidaaban (the dawn comes) Short Animation Film by Amanda Strong, Ka:hawai Dance Company production of BloodTides, Kamloopa Theatre production, 2018 Banff Centre for the Arts String Quartet Residency White Mans Cattle and Wood Quintet International 5 bucks per head.
As a performer, Derksen performs nationally and internationally solo and with some of Canada’s finest, including Tanya Tagaq, Buffy Sainte Marie, Naomi Klein, and Leanne Simpson, to name a few. Recent destinations include Hong Kong, Australia, Mongolia, Sweden, and a whole lot of Canada—the place Derksen refers to as home.
Finaliste aux prix JUNO, Cris Derksen est une violoncelliste et compositrice autochtone dont le talent brille à l’international. Dans un monde qui se plait à mettre des étiquettes à presque tout – aux gens, à la musique et aux cultures – Cris Derksen fait figure d’électron libre. Dans son arbre généalogique, on retrouve des chefs de la réserve crie de North Tall du côté paternel et de robustes homesteaders mennonites, du côté maternel. Entre traditionnel et contemporaine, cette native du nord de l’Alberta puise dans sa formation classique, ses racines autochtones et l’électronique pour composer une musique radicalement inclassable.
Dans ses compositions, Cris Derksen navigue entre les univers musicaux, elle qui n’aime pas se cantonner dans un seul style. Rien qu’en 2019, elle crée quatre œuvres de commande : Maada’ookii Songlines, une pièce chorale pour 250 interprètes (Festival Luminato), la brève symphonie Rebellion (Orchestre symphonique de Thunder Bay), la pièce de théâtre IronPeggy (Festival des enfants de Vancouver) et enfin une œuvre-performance, Ikumagiialit (Musée des beaux-arts du Canada). En 2018, elle participe à divers projets, notamment la pièce Kiinalik: these sharp tools (prix Dora pour la meilleure conception sonore au théâtre), le court métrage d’animation Biidaaban (the dawn comes) de Amanda Strong présenté en première au TIFF, la production BloodTides de Kaha:wi Dance Theatre, la pièce Kamloopa, et dans le cadre d’une résidence au Centre des arts de Banff un quatuor à cordes, White Mans Cattle, et l’œuvre 5 bucks per head pour quintette à vent.
Sur scène, Cris Derksen se produit dans le monde entier, en solo, ou en collaboration avec des artistes remarquables comme Tanya Tagaq, Buffy Sainte Marie, Naomi Klein, ou encore Leanne Simpson. Son art l’a conduite à travers le monde, notamment à Hong Kong, en Australie, en Mongolie, en Suède et aux quatre coins du Canada, là où elle se sent chez elle.
Benjamin H. Mirin hails from Brooklyn, New York. Deeply committed to the next generation of conservationists, he is a wearer of many hats.
Mirin is a musician, scientist, and explorer who makes every effort to communicate his love for nature to children and youth around the world. Combining his passion for music-making with his expert knowledge of biology and environmental sciences, Mirin has garnered the unique title of Wildlife DJ.
He works tirelessly to inspire love and admiration for the outdoor world through the digital manipulation of recorded plants, animals, and more. Mirin’s groundbreaking work in acoustic biology is supported by many prestigious groups including the National Geographic Society and the Cornell Lab of Ornithology.
Source: Great Canadian Orchestra Field Trip, Episode 3 Learner’s Companion
New York, États-Unis
Benjamin H. Mirin est originaire de Brooklyn, New York. Profondément engagé envers la prochaine génération de défenseurs de l’environnement, il porte de nombreux chapeaux.
Mirin est un musicien, un scientifique et un explorateur qui s’efforce de communiquer son amour de la nature aux enfants et aux jeunes du monde entier. En combinant sa passion pour la musique et ses connaissances spécialisées en biologie et en sciences de l’environnement, il a obtenu le titre unique de Wildlife DJ (DJ de la vie sauvage).
Il travaille sans relâche à transmettre l’amour et l’admiration pour le monde extérieur, notamment par la manipulation numérique d’enregistrements de plantes et d’animaux. Ses travaux révolutionnaires en biologie acoustique sont soutenus par de nombreux groupes prestigieux, dont la National Geographic Society et le Cornell Lab of Ornithology.
Source : Guide d’apprentissage du troisième épisode de La grande excursion orchestrale canadienne
Canadian flutist Benjamin Morency has recently completed a Master’s degree in Music under the guidance of internationally renowned flutist Ransom Wilson at the prestigious Yale School of Music. He previously studied for six years with Marie-Andrée Benny at the Conservatoire de musique de Montréal, and also had the opportunity to work with masters of the instrument such as Mathieu Dufour, Emmanuel Pahud, Philippe Bernold, Jeanne Baxtresser, and Robert Langevin. In November 2017, he was awarded Grand Prize winner at the OSM Manuvie Competition.
Benjamin performs as a soloist and chamber musician in Canada and in the United-States. After performing the Jacques Ibert Flute Concerto with the Montreal Symphony Orchestra in January 2018, he also had the opportunity to record Sergei Prokofiev’s Sonata for Flute and Piano op.94, Francis Poulenc’s Flute and Piano Sonata, and Denis Gougeon’s L’Oiseau Blessé with pianist Mariane Patenaude in Radio-Canada studios, subsequently broadcasted on ICI Musique. He was also a soloist with the Redlands Symphony Orchestra in California, and the Newfoundland Symphony Orchestra.
Over the years, he was awarded many scholarships to study and perform in prestigious festivals including the Domaine Forget and the Banff summer Academy, the Orford Music Festival, the Young Artist Program at the National Art Center in Ottawa, and at the National Youth Orchestra of Canada, where he received an Award of Excellence for the 2016 summer tour.
Benjamin is now the flute teacher at the Conservatoire de Musique de Val-d’Or, and is really proud to be a Wm. S. Haynes Young Artist.
Le flûtiste canadien Benjamin Morency a récemment obtenu une maîtrise en musique, sous la direction de Ransom Wilson, à la prestigieuse École de musique de l’Université Yale. Il a aussi étudié pendant six ans auprès de Marie-Andrée Benny au Conservatoire de musique de Montréal, et a eu la chance de collaborer avec des maîtres de la flûte comme Mathieu Dufour, Emmanuel Pahud, Philippe Bernold, Jeanne Baxtresser et Robert Langevin.
Lauréat du Grand Prix OSM du Concours OSM Manuvie 2017, Morency se produit comme soliste et chambriste au Canada et aux États-Unis. Il a interprété le Concerto pour flûte de Jacques Ibert avec l’Orchestre symphonique de Montréal en janvier 2018. Il a ensuite enregistré les sonates pour flûte et piano de Sergueï Prokofiev (op. 94) et de Francis Poulenc ainsi que L’Oiseau blessé de Denis Gougeon avec la pianiste Mariane Patenaude dans les studios de Radio-Canada. L’enregistrement a aussi été diffusé sur ICI Musique. Morency a en outre été soliste avec les orchestres symphoniques de Redlands (Californie) et de Terre-Neuve.
Au fil des années, Morency a obtenu plusieurs distinctions qui lui ont permis de participer à de prestigieux festivals et programmes de formation (Académies du Domaine Forget, du Festival d’Orford et du Centre des arts de Banff, Programme des jeunes artistes du Centre national des Arts à Ottawa). Il a également reçu un prix d’excellence de l’Orchestre national des jeunes du Canada pour participer à la tournée estivale de l’ensemble en 2016.
Fier d’être un Jeune artiste Wm. S. Haynes, Benjamin Morency enseigne actuellement la flûte au Conservatoire de musique de Val-d’Or.
Autumn Peltier is the Chief Water Commissioner for the Anishinabek Nation and an Indigenous Rights & Water activist whose journey for justice has made waves around the globe.
Peltier captivated the world’s attention at the age of 12 when she admonished Prime Minister Justin Trudeau, at an Assembly of First Nations event, for the choices he had made for her people and lack of support. She spoke her mind which led him to make her a promise, “I will protect the water.” It’s that promise to which she holds him accountable still today.
At 13, Peltier spoke at the UN General Assembly. Amongst many accolades she’s received the Sovereign Medal of Exceptional Volunteerism from the Governor-General of Canada and Lieutenant Governor of Ontario. She’s been a featured speaker at The World Economic Forum, has been shortlisted for the International Children’s Peace Prize four times, and in 2021 was featured in Maclean’s Top 50 Canadian Power List. In 2022, Peltier was an Honorary Doctorate Inductee from Royal Roads University, received the Daniel G Hill Award from Ontario Human Rights Commission as well as the Emerging Canadian Leader Award from Public Policy Forum.
In the spring of this year, Autumn’s documentary movie The Water Walker, produced by Seeing Red Six Nations, was released on HBO Canada.
Autumn Peltier est commissaire en chef des eaux de la nation anichinabée et militante du droit à l’eau et des droits des peuples autochtones. Sa quête de justice a fait des vagues tout autour du globe.
Autumn a retenu l’attention du monde entier lorsque, à 12 ans, pendant une Assemblée des Premières Nations, elle a critiqué sévèrement le premier ministre Justin Trudeau pour son manque de soutien et pour les choix qu’il avait faits au nom de son peuple à elle. Ses mots ont poussé l’homme d’État à faire une promesse : « Je vais protéger l’eau. » Aujourd’hui, la jeune femme continue de veiller au respect de cette promesse.
À 13 ans, Autumn prenait la parole à l’Assemblée générale des Nations unies. Elle a reçu de nombreuses distinctions, dont la Médaille du souverain pour les bénévoles, remise par le gouverneur général du Canada et le lieutenant-gouverneur de l’Ontario. Elle a aussi été conférencière au Forum économique mondial, finaliste quatre fois au Prix international de la Paix et, en 2021, sélectionnée par Maclean’s pour la liste des 50 personnalités canadiennes les plus influentes. En 2022, elle a reçu un doctorat honorifique de l’Université Royal Roads, un prix Daniel G. Hill de la Commission ontarienne des droits de la personne et le Prix des leaders émergents du Forum des politiques publiques.
Au printemps de cette année, un documentaire à son sujet, The Water Walker, produit par Seeing Red 6Nations, a été diffusé sur HBO Canada.
Ziya Tong is a Canadian science journalist and television host who has captivated audiences with her passion for science and technology. Born and raised in Toronto, Tong studied anthropology at the University of Toronto before embarking on a career in journalism. She began her career at the CBC, where she worked as a reporter and producer, before joining the Discovery Channel and becoming the host of the popular show Daily Planet.
As the host of Daily Planet, Tong has gained a reputation for her engaging and informative reporting on the latest developments in science and technology. She has interviewed a wide range of experts and scientists, and has brought complex scientific concepts to life for a general audience. In addition to her work on Daily Planet, Tong is also a passionate advocate for science education and has written a book on the importance of understanding the natural world.
Tong’s love of science and her ability to communicate complex ideas in an accessible way have earned her many accolades, including a Gemini Award for Best Host in a News or Information Program or Series. She continues to inspire and educate audiences with her in-depth reporting and engaging on-screen presence.
Ziya Tong est une journaliste scientifique et animatrice de télévision canadienne qui a captivé les téléspectateurs avec sa passion pour la science et la technologie. Née et élevée à Toronto, Tong a étudié l’anthropologie à l’Université de Toronto avant de se lancer dans une carrière de journaliste. Elle a commencé sa carrière à la CBC, où elle a travaillé en tant que reporter et productrice, avant de rejoindre le Discovery Channel et de devenir l’animatrice de l’émission populaire Daily Planet.
En tant qu’animatrice de Daily Planet, Tong a acquis une réputation pour son reporting engageant et informatif sur les derniers développements en science et technologie. Elle a interviewé une grande variété d’experts et de scientifiques et a rendu les concepts scientifiques complexes accessibles au grand public. En plus de son travail sur Daily Planet, Tong est également une fervente défenseure de l’éducation scientifique et a écrit un livre sur l’importance de comprendre le monde naturel.
L’amour de Tong pour la science et sa capacité à communiquer des idées complexes de manière accessible lui ont valu de nombreux prix, dont un Gemini Award pour la meilleure animatrice dans un programme d’actualités ou d’information ou une série. Elle continue d’inspirer et d’éduquer les téléspectateurs avec ses reportages approfondis et sa présence à l’écran engageante.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the U.K. and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the U.S. Shelley’s leadership is complemented by Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the U.K., Europe, and Asia.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
For over a century, the Toronto Symphony Orchestra (TSO) has played a fundamental role in shaping and celebrating Canadian culture. Now in our 101st year, the TSO’s commitment to musical excellence and ability to spark connection remain as strong as ever. With a storied history of acclaimed concerts and recordings, Canadian and international tours, and impactful community partnerships, we are dedicated to engaging and enriching local and national communities through vibrant musical experiences. Music Director Gustavo Gimeno brings an expansive artistic vision, intellectual curiosity, and sense of adventure to programming the 93-musician Orchestra that serves Toronto—one of the world’s most diverse cities. As a group of artists, teachers, and advocates who share the belief that music has the power to heal, inspire, and connect people from all walks of life, we engage audiences young and old through an array of education, community-access, and health-and-wellness initiatives. The 2023–2024 season marks the 50th anniversary of the TSO-affiliated Toronto Symphony Youth Orchestra—a tuition-free training program dedicated to cultivating the next generation of Canadian artists.
Depuis plus d’un siècle, l’Orchestre symphonique de Toronto (TSO) joue un rôle fondamental dans l’évolution et la célébration de la culture canadienne. Aujourd’hui dans sa 101e année d’existence, l’ensemble entretient plus que jamais son attachement à l’excellence musicale et sa capacité à tisser des liens. Prenant appui sur une histoire riche de concerts et d’enregistrements acclamés, de tournées canadiennes et internationales, et de partenariats communautaires marquants, le TSO se consacre à la mobilisation et à l’enrichissement des communautés locales et nationales en proposant des expériences musicales dynamiques. Son directeur musical, Gustavo Gimeno, apporte toute l’étendue de sa vision artistique, de sa curiosité intellectuelle et de sa hardiesse à la programmation de cet orchestre de 93 interprètes se produisant à Toronto – l’une des villes les plus diversifiées du monde. En tant que groupe composé d’artistes et de spécialistes de l’enseignement et de la promotion de la musique, partageant la conviction que celle-ci a le pouvoir de guérir, d’inspirer et de rapprocher les gens de tous les horizons, le TSO s’adresse aux publics de tous âges à l’aide d’un éventail d’initiatives en matière d’éducation, d’accès communautaire, de santé et de bien-être. La saison 2023-2024 marque le 50e anniversaire de l’Orchestre symphonique des jeunes de Toronto, affilié au TSO, un programme de formation gratuit visant à cultiver la prochaine génération d’artistes du Canada.
Founded in 1919, the GRAMMY and JUNO–award winning Vancouver Symphony Orchestra presents passionate, high-quality performances of classical, popular, and culturally diverse music, creating meaningful engagement with audiences of all ages and backgrounds. On tour the VSO has performed in the United States, China, Korea, and across Canada.
Led by Music Director Otto Tausk since 2018, the VSO performs more than 150 concerts each year, throughout Vancouver and the province of British Columbia, reaching over 270,000 people annually, and is one of the few orchestras in the world to have its own music school.
Recent guest artists include Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman, Joe Hisaishi, Daniil Trifonov, Dawn Upshaw, James Ehnes, Adrianne Pieczonka, Gidon Kremer, Renée Fleming, Yefim Bronfman, Bernadette Peters, Tan Dun, and more.
Fondé en 1919, l’Orchestre symphonique de Vancouver (VSO), lauréat de prix GRAMMY et JUNO, offre des prestations passionnées et de haut calibre de musique classique et issue de diverses cultures, tissant des liens privilégiés avec des publics de tous âges et de tous horizons. Le VSO s’est produit en tournée aux États-Unis, en Chine, en Corée et partout au Canada.
Sous la direction musicale d’Otto Tausk depuis 2018, l’Orchestre présente plus de 150 concerts par année à Vancouver et ailleurs en Colombie-Britannique, et touche un public de 270 000 personnes annuellement. Il est l’un des rares orchestres dans le monde à avoir sa propre école de musique.
Parmi les personnalités invitées du VSO, mentionnons Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman, Joe Hisaishi, Daniil Trifonov, Dawn Upshaw, James Ehnes, Adrianne Pieczonka, Gidon Kremer, Renée Fleming, Yefim Bronfman, Bernadette Peters et Tan Dun.
Founded in 1934 by Antonia Nantel, Wilfrid Pelletier and Athanase David, the Orchestre symphonique de Montréal (OSM) is a distinguished leader of musical life in Quebec and Canada. Recognized as one of the finest orchestras in the world, whose core activity is to perform the vast orchestral repertoire with conductors and soloists of the highest calibre, the OSM is an essential cultural ambassador.
Under the new direction of Venezuelan conductor Rafael Payare, the OSM perpetuates several rich traditions rooted in its long history of social involvement and embodied in far-reaching projects, world class tours, and a superb discography. Firmly anchored in today’s world, the OSM’s innovative artistic programming in both concerts and recordings brings modern-day relevance to the symphonic repertoire while strengthening the Orchestra’s place at the heart of its home base in Quebec’s metropolis.
Over the years, the OSM has crisscrossed Canada and toured abroad, travelling to Quebec’s Far North as well as to the United States, Latin America, and several countries in Europe and Asia.
The OSM’s discography totals more than a hundred recordings on the Decca, Analekta, CBC Records, ECM, EMI, Philips, and Sony labels, earning more than 50 national and international awards.
Fondé en 1934 par Antonia Nantel, Wilfrid Pelletier et Athanase David, l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) rayonne à titre de chef de file de la vie musicale québécoise et canadienne. Reconnu comme un orchestre de renommée mondiale, il est un ambassadeur culturel de premier plan et reçoit à la Maison symphonique de Montréal les plus grands chefs et solistes de la scène internationale.
Sous la nouvelle direction du chef d’orchestre vénézuélien Rafael Payare, l’OSM poursuit sa riche tradition façonnée grâce à son engagement dans la société, l’envergure de ses projets, l’excellence de ses tournées et la qualité de ses enregistrements. Ancrée dans le monde d’aujourd’hui, sa programmation novatrice en concert et sur disque permet d’actualiser le répertoire symphonique tout en consolidant la place de l'Orchestre au sein de la métropole québécoise.
Au fil des ans, l'OSM s'est produit en tournée dans le Grand Nord québécois, aux États-Unis et en Amérique latine, ainsi que dans plusieurs pays d’Europe et d’Asie.
Sa discographie comprend plus d'une centaine d'enregistrements sous les étiquettes Decca, Analekta, CBC Records, ECM, EMI, Philips et Sony, qui lui ont valu au-delà de 50 prix nationaux et internationaux.
Tucked into the geographic centre of North America, the Winnipeg Symphony Orchestra (WSO) regularly surprises guest conductors and artists with the exceptional professionalism and musicianship of its 67 musicians. Described as ‘an orchestra with a sound all its own’, the WSO is home to many unique offerings including the annual Winnipeg New Music Festival, held every year during the darkest, coldest time of winter.
Since its debut in 1948 to an audience of more than 3,000, the WSO has proven that it is integral to Winnipeg’s rich cultural life. Every year the WSO delights more than 225,000 audience members with innovative programming and musical excellence. WSO deeply values education and community and presents creative education programs for students of all ages, along with continually evolving community collaborations.
Niché au centre de l’Amérique du Nord, l’Orchestre symphonique de Winnipeg (WSO) est formé de 67 instrumentistes, dont le talent et le professionnalisme méritent les éloges des chefs et des artistes qui s’y joignent. Décrit comme un orchestre ayant « une sonorité qui lui est propre », le WSO propose de nombreuses activités, comme le Festival de musique nouvelle de Winnipeg, qui se déroule chaque année au cours de la période la plus sombre et froide de l’hiver.
Depuis son premier concert en 1948, devant un public de 3 000 personnes, le WSO a démontré qu’il fait partie intégrante de la vie culturelle winnipegoise. Chaque année, le WSO ravit plus de 225 000 personnes grâce à sa programmation novatrice et à l’excellence de ses interprétations. Le WSO accorde une grande importance à l’éducation et à la communauté, et offre des programmes de formation artistique à des élèves de tous âges, ainsi que des partenariats communautaires de toutes sortes.
In 1967, the PEI Symphony Orchestra was established to present high quality, live orchestral music to audiences in Prince Edward Island, to provide practical training for young PEI students to learn and perform orchestral music, and to provide gifted Island musicians an opportunity to perform with a large orchestra.
Today, under the baton of Maestro Mark Shapiro, the PEISO brings together approximately sixty musicians in a four-concert season that enthrals audiences with programming that includes both cherished favourites and adventurous new compositions. Top pop artists from the region such as Tara MacLean and David Myles are often featured, and audiences of both young and old fill the Confederation Centre’s Mainstage Theatre to capacity.
Additionally, the orchestra’s activities have grown to include year-round programs such as the Music Alive partnership with the National Arts Centre which brings cross-cultural music workshops to Island schools. The “PEISO Presents” recital series regularly brings live chamber music performances to communities outside of Charlottetown and into continuing care residences. Especially popular are the recently instated “Tuning in to Nature” events, which provide a unique musical trail walk experience to patrons.
L’Orchestre symphonique de l’Île-du-Prince-Édouard (OSIPE) a été créé en 1967 afin de présenter de la musique orchestrale de haut calibre au public de l’Île-du-Prince-Édouard; d’offrir de la formation pratique en musique orchestrale aux jeunes élèves de l’Î.-P.-É.; et donner l’occasion aux instrumentistes de talent de la région de se produire avec un grand orchestre.
Aujourd’hui, sous la houlette du maestro Mark Shapiro, l’OSIPE rassemble environ 60 instrumentistes et offre quatre captivants concerts par saison dans un théâtre principal bondé, au Centre des arts de la Confédération. La programmation de l’Orchestre est destinée à un public de tous âges, et fait la part belle aux œuvres favorites du public ainsi qu’à de nouvelles compositions audacieuses. Des artistes de musique populaire de la région, comme Tara MacLean et David Myles, sont souvent à l’affiche des concerts.
L’Orchestre offre maintenant des programmes tout au long de l’année, comme le programme Vive la musique, en collaboration avec le Centre national des Arts, grâce auquel les écoles de l’Île profitent d’ateliers de musique interculturelle. La série de récitals « L’OSIPE présente » permet également d’offrir régulièrement des concerts de musique de chambre aux communautés de l’extérieur de Charlottetown et dans des centres de soins de longue durée. Enfin, la nouvelle série À l’écoute de la nature, particulièrement populaire, offre au public des excursions musicales en plein air.
Founded by Jon Washburn in 1971 and now led by Artistic Director Kari Turunen (since 2019), the Vancouver Chamber Choir is one of Canada’s premier professional choral ensembles, ranking with the handful of North America’s best professional choruses and noted for its diverse repertoire and performing excellence.
The choir has presented concerts at home in Vancouver and on tour across Canada and around the world. Honoured with the Margaret Hillis Award for Choral Excellence by Chorus America, the choir has performed countless concerts and broadcasts, released 36 recordings and received numerous awards. Foremost supporters of Canadian music, they are responsible for commissions and premieres of nearly 400 choral works by 150 composers and arrangers, most of whom are Canadian.
Fondé par Jon Washburn en 1971 et maintenant dirigé par Kari Turunen (depuis 2019), le Vancouver Chamber Choir figure aujourd’hui parmi les joyaux du milieu choral canadien.
Récipiendaire de multiples récompenses, notamment le Margaret Hillis Award for Choral Excellence de Chorus America, cet ensemble professionnel a à son actif plus de trente enregistrements et de très nombreux concerts souvent radiodiffusés; en effet, il produit chaque saison une cinquantaine d’événements, dont une série de dix concerts à Vancouver. Il a par ailleurs effectué presque cent tournées au Canada ainsi qu’à l’étranger. Le Vancouver Chamber Choir a commandé presque 400 œuvres de compositeurs canadiens, ce qui démontre un engagement exceptionnel en faveur de la musique canadienne.
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