2024-09-17 20:002024-09-17 21:3060Canada/Eastern🎟 NAC: Christine Beaulieu: The Salmon of the Mitis River
https://nac-cna.ca/en/event/36133
In-person event
The Salmon of the Mitis River, created by Christine Beaulieu
A co-production of the NAC Orchestra, NAC French Theatre, NAC Indigenous Theatre and Champ gauche.
Performance in French with English subtitles.
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After J'aime Hydro, Christine Beaulieu offers a new text about the salmon of the Mitis River. Combining science, history and poetry, this ecological fable invites audience members to put themselves in the...
The Salmon of the Mitis River, created by Christine Beaulieu
A co-production of the NAC Orchestra, NAC French Theatre, NAC Indigenous Theatre and Champ gauche.
Performance in French with English subtitles.
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After J'aime Hydro, Christine Beaulieu offers a new text about the salmon of the Mitis River. Combining science, history and poetry, this ecological fable invites audience members to put themselves in the skins of wild salmon, discover their impressive journey, and imagine how humans have transformed their reality. A powerful show for all audiences.
The show will be preceded by Bedřich Smetana’s famous romantic symphonic poem Vltava (The Moldau), performed by the NAC Orchestra conducted by Alexander Shelley. The work is a musical portrait of the peaceful river that flows through Prague and much of Bohemia in the Czech Republic.
It will be followed by a symphonic version of the original piece Guide My Way by multidisciplinary artist Corey Payette, a member of the Mattagami First Nation.
Next will be Les saumons de la Mitis (The Salmon of the Mitis River), performed by Christine Beaulieu and accompanied by two pieces of music: Muskwa’s Mountain Home by Jessica McMann, and The Blood Alchemist Wateraga by Sonny-Ray Day Rider, with special guest Corey Payette on hand drum and vocals.
Soprano Elisabeth St-Gelais and the Capital Chamber Choir will round off the evening with two pieces by Ian Cusson: Ziibiwan, which takes us to the heart of the Métis territory in Manitoba, and In Winter, which contrasts the harshness of winter with the rebirth of spring.
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Following the show, join Christine Beaulieu and the creative team for a talkback onstage in Southam Hall, hosted by the Artistic Director of NAC French Theatre, Mani Soleymanlou.
An inspired actor and writer, Christine Beaulieu has been impressing audiences with her versatility since 2003. She has appeared in some two dozen plays and movies, notably Ricardo Trogi’s film Le mirage, for which she earned two award nominations (Canadian Screen Awards and Gala du cinéma québécois) for her portrayal of Roxane.
She also played the lead in Sarah Fortin’s Nouveau-Québec, and was nominated at the Iris Gala in the Best Supporting Actress category for her role as Anne-Marie Boisvert in Maxime Giroux’s Norbourg. She shone in Louis Godbout’s Les tricheurs, Myriam Bouchard’s 23 décembre, and Guy Édoin’s Frontières. In 2020, she won the Bayard for Best Performance at the Festival international du film francophone de Namur (FIFF Namur) for her performance in the short film Un jour de fête. In 2023, she returned to the big screen in Monia Chokri’s Simple comme Sylvain, and played the lead in François Péloquin’s La fonte des glaces. The feature film Le cyclone de Noël, in which she plays Isabelle Gagnon, will open in theatres on November 8, 2024.
In 2015, she premiered her first play, J’aime Hydro, for which she won the Prix Michel-Tremblay; the show was presented by NAC French Theatre in November 2019. In 2021, she presented her second play, Les saumons de la Mitis, which she has since performed throughout Quebec.
On television, she has appeared in the series Hubert et Fanny, Les Simone, and Cérébrum. She won a Prix Gémeaux for her role as Josiane in Lâcher prise (2020). Since February 2021, she has starred as Isabelle Gagnon in Radio-Canada’s L’œil du cyclone, for which she won two Prix Gémeaux (2021 and 2023) for Best Leading Actress: Comedy.
A gifted and committed artist, Christine Beaulieu is also an ambassador for the tourist attractions in her home town of Trois-Rivières, and a spokesperson for the national Running Electric electric vehicle awareness campaign.
Actrice et autrice inspirée, Christine Beaulieu a su, depuis 2003, nous épater par sa polyvalence. Elle a participé à plus d’une vingtaine de pièces de théâtre et de films. Elle s’est révélée dans Le mirage de Ricardo Trogi, pour lequel elle a reçu deux nominations (Prix Écrans Canadiens et Gala du cinéma québécois) pour son rôle de Roxane.
On l’a également vue dans le rôle-titre de Nouveau-Québec de Sarah Fortin et elle décroche une nomination au gala des Iris dans la catégorie « Meilleure interprétation féminine/Rôle de soutien » pour son rôle d’Anne-Marie Boisvert dans Norbourg de Maxime Giroux. Elle a brillé dans les films Les tricheurs de Louis Godbout, 23 décembre de Myriam Bouchard et Frontières de Guy Édoin. En 2020, elle remporte le Bayard de la meilleure interprétation au Festival international du film francophone (FIFF) de Namur pour sa performance dans le court-métrage Un jour de fête. En 2023, elle revient au grand écran dans Simple comme Sylvain de Monia Chokri et tient le rôle-titre du film La fonte des glaces de François Péloquin. Le long-métrage Le cyclone de Noël, dans lequel elle incarne Isabelle Gagnon, sortira en salle le 8 novembre 2024.
Depuis 2015, elle présente sur scène son premier texte de théâtre, J’aime Hydro, pour lequel elle reçoit le prix Michel-Tremblay; le spectacle est à l’affiche au Théâtre français du CNA en novembre 2019. Elle crée en 2021 Les saumons de la Mitis, son deuxième texte qu’elle présente depuis un peu partout au Québec.
À la télé, nous l’avons vu exceller dans les séries Hubert et Fanny, Les Simone et Cérébrum. Elle a remporté un prix Gémeaux pour son rôle de Josiane dans Lâcher prise (2020). Depuis février 2021, elle est au centre de L’œil du cyclone à Radio-Canada avec son rôle d’Isabelle Gagnon, pour lequel elle a gagné deux prix Gémeaux (2021 et 2023) comme « Meilleur premier rôle féminin : comédie ».
Artiste douée et engagée, Christine Beaulieu est aussi ambassadrice des attraits touristiques de sa ville natale, Trois-Rivières, et porte-parole de la campagne nationale Roulons Électrique.
“A natural communicator, both on and off the podium” (The Telegraph), Alexander Shelley performs across six continents with the world’s finest orchestras and soloists.
With a conducting technique described as “immaculate” (Yorkshire Post) and a “precision, distinction and beauty of gesture not seen since Lorin Maazel” (Le Devoir), Shelley is known for the clarity and integrity of his interpretations and the creativity and vision of his programming. He has spearheaded over 40 major world premieres to date, including highly praised cycles of Beethoven, Schumann and Brahms symphonies, operas, ballets, and innovative multi-media productions.
Since 2015, he has served as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra and Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra. In April 2023, he was appointed Artistic and Music Director of Artis–Naples in Florida, providing artistic leadership for the Naples Philharmonic and the entire multidisciplinary arts organization. The 2024–2025 season is Shelley’s inaugural season in this position. In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026–2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025.
Additional 2024–2025 season highlights include performances with the City of Birmingham Symphony Orchestra, the Colorado Symphony, the National Philharmonic in Warsaw, the Seattle Symphony, the Chicago Civic Orchestra, and the National Symphony Orchestra (Ireland). Shelley is a regular guest with some of the finest orchestras of Europe, the Americas, Asia, and Australasia, including Leipzig’s Gewandhaus Orchestra, the Konzerthausorchester Berlin, the Orchestre de la Suisse Romande, the Helsinki, Hong Kong, Luxembourg, Malaysian, Oslo, Rotterdam and Stockholm philharmonic orchestras, and the Sao Paulo, Houston, Seattle, Baltimore, Indianapolis, Montreal, Toronto, Munich, Singapore, Melbourne, Sydney, and New Zealand symphony orchestras.
In September 2015, Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra, the youngest in its history. The ensemble has since been praised as “an orchestra transformed ... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen), and his programming is credited for turning the orchestra “almost overnight ... into one of the more audacious orchestras in North America” (Maclean’s). Together, they have undertaken major tours of Canada, Europe, and Carnegie Hall, where they premiered Philip Glass’s Symphony No. 13.
They have commissioned ground-breaking projects such as Life Reflected and Encount3rs, released multiple Juno-nominated albums and, most recently, responded to the pandemic and social justice issues of the era with the NACO Live and Undisrupted video series.
In August 2017, Shelley concluded his eight-year tenure as Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra, a period hailed by press and audiences alike as a golden era for the orchestra.
Shelley’s operatic engagements have included The Merry Widow and Gounod’s Romeo and Juliet (Royal Danish Opera), La bohème (Opera Lyra/National Arts Centre), Louis Riel (Canadian Opera Company/National Arts Centre), lolanta (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), Così fan tutte (Opéra national de Montpellier Languedoc-Roussillon), The Marriage of Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck), and both Le nozze di Figaro and Don Giovanni in semi-staged productions at the NAC.
Winner of the ECHO Music Prize and the Deutsche Grunderpreis, Shelley was conferred with the Cross of the Federal Order of Merit of the Federal Republic of Germany by German President Frank-Walter Steinmeier in April 2023 in recognition of his services to music and culture.
Through his work as Founder and Artistic Director of the Schumann Camerata and their pioneering “440Hz” series in Dusseldorf, as founding Artistic Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen’s “Zukunftslabor” and through his regular tours leading the National Youth Orchestra of Germany, inspiring future generations of classical musicians and listeners has always been central to Shelley’s work.
He regularly gives informed and passionate pre- and post-concert talks on his programs, as well as numerous interviews and podcasts on the role of classical music in society. In Nuremberg alone, over nine years, he hosted over half a million people at the annual Klassik Open Air concert, Europe’s largest classical music event.
Born in London in October 1979 to celebrated concert pianists, Shelley studied cello and conducting in Germany and first gained widespread attention when he was unanimously awarded first prize at the 2005 Leeds Conductors Competition, with the press describing him as “the most exciting and gifted young conductor to have taken this highly prestigious award.”
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).
Décrit comme « un communicateur né, sur scène comme dans la vie » (The Telegraph), Alexander Shelley se produit sur six continents avec les plus grands ensembles et solistes de la planète.
Reconnu pour sa technique de direction « impeccable » (Yorkshire Post) et pour « la précision, la distinction et la beauté de sa gestique […] quelque chose que l’on n’a plus vraiment vu depuis Lorin Maazel » (Le Devoir), le maestro est aussi célébré pour la clarté et l’intégrité de ses interprétations et pour la créativité et l’audace de sa programmation. Il a à ce jour dirigé plus de 40 premières mondiales d’envergure, des cycles acclamés des symphonies de Beethoven, de Schumann et de Brahms, des opéras, des ballets et des productions multimédias novatrices.
Il est depuis 2015 directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et premier chef associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres. En avril 2023, il a été nommé directeur artistique et musical d’Artis—Naples en Floride, prenant ainsi les rênes artistiques de l’Orchestre philharmonique de Naples et de tous les volets de cette organisation multidisciplinaire. La saison 2024-2025 est sa première à ce poste. Alexander Shelley ajoute également à ses autres fonctions de chef d’orchestre une nomination au poste de directeur artistique et musical de l’Orchestre symphonique du Pacifique (dans le comté d’Orange, à Los Angeles). Il sera directeur musical désigné à compter de septembre 2025 avant d’entamer son premier mandat de cinq ans à la saison 2026-2027.
Alexander Shelley se produira également cette saison avec l’Orchestre symphonique de la Ville de Birmingham, l’Orchestre symphonique du Colorado, l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique national d’Irlande. Il est régulièrement invité par les plus grands orchestres d’Europe, d’Amérique, d’Asie et d’Australasie, dont l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre de la Suisse Romande, les orchestres philharmoniques d’Helsinki, de Hong Kong, du Luxembourg, de Malaisie, d’Oslo, de Rotterdam et de Stockholm et les orchestres symphoniques de Sao Paulo, de Houston, de Seattle, de Baltimore, d’Indianapolis, de Montréal, de Toronto, de Munich, de Singapour, de Melbourne, de Sydney et de Nouvelle-Zélande.
Alexander Shelley a succédé à Pinchas Zukerman à titre de directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada en septembre 2015, devenant le plus jeune chef à occuper ce poste dans l’histoire de l’ensemble. Ce dernier a depuis été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen) et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord pour sa programmation (Maclean’s). Le maestro a mené ses troupes dans des tournées d’envergure au Canada, en Europe et au Carnegie Hall, où il a dirigé la première de la Symphonie no. 13de Philip Glass.
À la tête de l’Orchestre du CNA, Alexander Shelley a commandé des œuvres révolutionnaires, dont Réflexions sur la vie et RENCONTR3S, et fait paraître plusieurs albums finalistes aux prix Juno. En réaction à la pandémie et aux questions de justice sociale qui dominent notre époque, il a lancé les séries vidéo L’OCNA en direct et INCONDITIONNEL.
En août 2017 se concluait le mandat du maestro Shelley à la direction de l’Orchestre symphonique de Nuremberg, période décrite comme un âge d’or par la critique et le public.
Sur la scène lyrique, Alexander Shelley a dirigé La veuve joyeuse et le Roméo et Juliette de Gounod (Opéral royal danois), La bohème (Opera Lyra / Centre national des Arts), Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne / Centre national des Arts), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Così fan tutte (Opéra Orchestre National Montpellier), Les noces de Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck) ainsi que Les noces de Figaro et Don Giovanni en version semi-scénique au CNA.
Lauréat du prix ECHO et du Deutsche Grunderpreis, le chef s’est vu décerner en avril 2023 la Croix fédérale du Mérite par le président allemand Frank-Walter Steinmeier en reconnaissance de ses services à la musique et à la culture.
À titre de fondateur et directeur artistique de la Schumann Camerata et de sa série avant-gardiste 440Hz à Düsseldorf et de directeur artistique du projet Zukunftslabor de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, ainsi que par ses nombreuses tournées à la tête de l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne, il cherche constamment à inspirer les futures générations d’instrumentistes et d’adeptes de musique classique.
Alexander Shelley fait régulièrement des présentations instructives et passionnées sur ses programmes avant et après les concerts. Il participe aussi à de nombreuses entrevues et produit des balados sur le rôle de la musique classique dans la société. Seulement à Nuremberg, il a accueilli en neuf ans plus d’un demi-million de personnes aux concerts annuels du Klassik Open Air, le plus grand événement de musique classique d’Europe.
Né à Londres en octobre 1979 et fils de célèbres pianistes concertistes, Alexander Shelley a étudié le violoncelle et la direction d’orchestre en Allemagne. Il s’est d’abord signalé en remportant à l’unanimité le premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. La critique l’a décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux ».
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the UK and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the United States. In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026-2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025. Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser complement Shelley’s leadership. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen, and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the United Kingdom, Europe, and Asia.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
Corey Payette is an interdisciplinary storyteller, writer, composer, singer, hand drummer, and director in music, theatre, and film. He is a member of the Mattagami First Nations, with French Canadian and Irish ancestry. Known for his deeply moving, large-scale original musical creations, Payette’s work challenges the public’s notion of what musicals can be, inserting Indigenous perspectives and narratives into mainstream spaces, igniting conversations that inspire social change. Payette’s work explores themes of colonization, Indigenous language revitalization, cultural healing, reconciliation between Indigenous and non-Indigenous peoples, and the complexity of historic and contemporary Indigenous experiences across music, theatre, and film. His musicals Children of God, Les Filles du Roi, Sedna, and Starwalker have won multiple awards and have toured extensively across Canada and those musical albums are available to stream and purchase online. He’s also performed his music in concerts around the world and made his Carnegie Hall debut in New York City in 2023. He has won numerous awards for his writing, direction, and music compositions and received the inaugural BC Reconciliation Award, created to honour those who have demonstrated exceptional leadership, integrity, respect, and commitment to furthering reconciliation with Indigenous peoples in the province of British Columbia. Corey has a long connection to the NAC, having attended the Canterbury School for the Arts in Ottawa and performed on the Fourth stage when he was 16 years old, was an artist-in-residence with English Theatre at the NAC directing Moonlodge (2016) and Children of God (2017), and associate artist in supporting the Indigenous Cycle which led to the creation of NAC’s Indigenous Theatre.
Corey Payette est un conteur, auteur, compositeur, chanteur, joueur de tambour à main et metteur en scène œuvrant en musique, en théâtre et en cinéma. Membre de la Première Nation Mattagami, il a également des racines canadiennes-françaises et irlandaises. Connu pour ses bouleversantes créations originales d’envergure, il élargit la définition de ce que peut être une comédie musicale, introduisant le grand public à des perspectives et des récits autochtones et suscitant le dialogue pour inciter au changement. Dans ses œuvres musicales, théâtrales et cinématographiques, il se penche sur les thèmes de la colonisation, de la revitalisation des langues autochtones, de la guérison culturelle, de la réconciliation entre les peuples autochtones et allochtones et de la complexité des expériences autochtones passées et présentes. Ses comédies musicales Children of God, Les Filles du Roi, Sedna et Starwalker ont reçu de nombreuses distinctions et tourné partout au Canada. Les albums qui en ont été tirés peuvent être achetés et écoutés en ligne. Corey Payette a aussi interprété ses compositions en concert dans le monde entier et a fait ses débuts au Carnegie Hall de New York en 2023. Il a été couronné de nombreux prix pour son écriture, sa mise en scène et ses compositions musicales et a reçu le tout premier prix BC Reconciliation, créé pour honorer les personnes faisant preuve d’un leadership, d’une intégrité, d’un respect et d’un dévouement exceptionnels dans le cadre du processus de réconciliation avec les peuples autochtones en Colombie-Britannique. Corey Payette entretient des liens de longue date avec le CNA, ayant été étudiant au programme de spécialisation en arts de l’école secondaire Canterbury à Ottawa et s’étant produit sur la scène de la Quatrième Salle à l’âge de 16 ans. Il a également été artiste en résidence pour le Théâtre anglais du CNA, où il a mis en scène Moonlodge (2016) et Children of God (2017), et artiste associé du Cycle autochtone, initiative qui a mené à la création du Théâtre autochtone du CNA.
Named Radio-Canada’s “Révélation” (“discovery”) in classical music for the 2023–24 season, soprano Elisabeth St-Gelais graduated from McGill University’s Schulich School of Music in April 2023 with a Master of Music degree in voice and opera. An Innu from the community of Pessamit, she has made sharing her culture part of her mission as an artist. In 2022, Elisabeth received McGill University’s prestigious Wirth Vocal Prize, won the Grand Prize in the 19-30 age group at the Canimex Canadian Music Competition, and was named to the prestigious #CBC30under30 list, recognizing her as a leading Indigenous opera artist under the age of 30. In 2023, she won first prize in the age 26–30 category at the Festival Classival, the Prix d’Europe awarded at the Conservatoire de musique de Montréal, and first prize and the Audience Choice Award at the Canadian Opera Company’s annual Centre Stage competition. In November 2023, at the Metropolitan Opera Laffont Competition, she placed first in the Western Canada District and won the Northwest Regionals Encouragement Award. Elisabeth is also active in her Montreal musical community, and has been a member of the board of directors of the Conseil québécois de la musique since April 2023. She has performed across Canada as a guest of the Canadian Opera Company, the Orchestre de l’Agora, the Orchestre symphonique des jeunes de Montréal, I Musici, the Orchestre symphonique de Québec, the Orchestre symphonique de la Côte-Nord, the Orchestre classique de Montréal, the Toronto Summer Music Festival, Cecilia Concerts, the Festival d’opéra de Québec, and many others. As an Indigenous artist, Elisabeth St-Gelais is committed to the reconciliation of Canada’s Indigenous Peoples and a proud representative of her nation, the Innu of the Côte-Nord.
Nommée Révélation Radio-Canada en musique classique pour la saison 2023-2024, Elisabeth St-Gelais a obtenu une maîtrise en musique spécialisée en interprétation opéra et chant de l’École de musique Schulich de l’Université McGill en avril 2023. Innue de la communauté de Pessamit, elle accorde une grande importance à la transmission de sa culture à travers son rôle d’artiste. Elisabeth St-Gelais a été la grande gagnante du prestigieux prix de chant Wirth de l’Université McGill en mars 2022 et du Grand prix chez les 19 à 30 ans au Concours de musique du Canada Canimex en juin 2022. La même année, elle est nommée dans la prestigieuse liste #CBC30under30 où elle se démarque comme artiste lyrique autochtone en vue sous la barre des 30 ans. Elle remporte le premier prix dans la catégorie 26 à 30 ans au Festival Classival en avril 2023. Le 11 juin de cette même année, elle remporte le Prix d’Europe au Conservatoire de musique de Montréal et est la gagnante du premier prix et du choix du public au concours annuel de la Compagnie d’opéra canadienne, Centre Stage édition 2023. En novembre 2023, dans le cadre du concours Laffont du Metropolitan Opera, elle se classe en première place dans l’Ouest canadien et obtient un prix d’encouragement dans le championnat régional du Nord-ouest. Également engagée dans sa communauté musicale montréalaise, la soprano siège au conseil d’administration du Conseil québécois de la musique depuis avril 2023. Elle accumule les prestations partout au Canada, invitée par la Compagnie d’opéra canadienne, l’Orchestre de l’Agora et l’Orchestre symphonique des jeunes de Montréal, I Musici, l’Orchestre symphonique de Québec, l’Orchestre symphonique de la Côte-Nord, l’Orchestre classique de Montréal, le Festival de musique d’été de Toronto, Cecilia Concerts, le Festival d’opéra de Québec et plus encore. Elisabeth St-Gelais est une artiste autochtone qui œuvre pour la réconciliation des peuples autochtones du Canada et s’affiche comme fière représentante des Innus de la Côte-Nord, sa nation.
The Capital Chamber Choir (CCC) is an auditioned ensemble of experienced choral singers from the National Capital Region. The choir and Artistic Director, Jamie Loback, are committed to bringing a diverse range of choral music—particularly modern, Canadian, and local works—to audiences through high-calibre and engaging performances. Founded in 2009 by Dr. Sara Brooks, the choir is a true collaboration, emphasizing the importance of collegiality in generating an integrated choral sound. The CCC is a volunteer-led organization that draws executive board and committee members from within the ensemble.
Each season, the CCC presents a concert series in addition to undertaking collaborative projects with other musicians. The choir has collaborated with notable ensembles, including the National Arts Centre Orchestra, the Thirteen Strings Chamber Orchestra, the Elmer Iseler Singers, and the Canadian Chamber Choir and hosted masterclasses or performances with composers, including John Rutter, Morten Lauridsen, Ola Gjeilo, and Ēriks Ešenvalds. The CCC released its all-Canadian debut album, The Delight of Paradise, in April 2017. In 2018, the choir performed a Spotlight concert in St. John’s, Newfoundland, as part of the Podium Choral Conference and Festival. The CCC won second prize in the Mixed-Voice Adult Choirs category of the National Competition for Canadian Amateur Choirs in 2019 and was invited to perform at Rideau Hall for recipients of the Order of Canada.
Though the COVID-19 pandemic halted live performances in 2020 and 2021, the CCC took advantage of the break to record two video sessions on YouTube. The choir re-emerged on stage in fall 2021 and has been building up to consistent seasons since! The CCC looks forward to its 2024–2025 season program, including innovative works on the National Arts Centre stage, exploring soundscapes with a local connection, a revival concert, and celebrating our 15th anniversary!
Le Capital Chamber Choir (CCC) est un ensemble d’interprètes de niveau avancé de la région de la capitale nationale qui recrute ses membres sur audition. Le chœur et son directeur artistique, Jamie Loback, s’attachent à présenter au public un éventail diversifié de musique chorale – en particulier des œuvres modernes, canadiennes et locales – en offrant des prestations attrayantes et de haut calibre. Fondé par Sara Brooks en 2009, le chœur s’appuie sur une véritable collaboration, qui met l’accent sur l’importance de la collégialité pour produire un son choral intégré. Le CCC est une organisation dirigée par des bénévoles, dont les membres du conseil d’administration et de ses comités proviennent de l’ensemble lui-même.
Chaque saison, le CCC présente sa propre série de concerts en plus d’entreprendre des projets de collaboration avec d’autres interprètes. Le chœur a collaboré avec des ensembles prestigieux, dont l’Orchestre du Centre national des Arts, l’Orchestre de chambre Thirteen Strings, les Elmer Iseler Singers et le Chœur de chambre canadien, et a organisé des classes de maître ou des concerts avec des compositeurs comme John Rutter, Morten Lauridsen, Ola Gjeilo et Ēriks Ešenvalds.
Le CCC a lancé son premier album entièrement canadien, The Delight of Paradise, en avril 2017. L’année suivante, le chœur a donné un concert Spotlight à St. John’s (Terre-Neuve) dans le cadre du Podium Choral Conference & Festival. Le CCC a remporté le deuxième prix dans la catégorie « chœurs d’adultes, voix mixtes » du Concours national pour chœurs amateurs canadiens en 2019, et il a été invité à se produire à Rideau Hall pour les récipiendaires de l’Ordre du Canada.
Bien que la pandémie de COVID-19 ait mis un terme aux concerts en direct en 2020 et 2021, le CCC a profité de cette pause pour produire deux séries d’enregistrements vidéo diffusées sur YouTube. Le chœur est remonté sur scène à l’automne 2021 et n’a cessé depuis d’enchaîner les saisons. Le CCC se réjouit à la perspective de présenter une programmation complète pour la saison 2024-2025, comprenant des œuvres novatrices sur la scène Southam du Centre national des Arts, des explorations sonores avec une connexion locale, un concert reprise, et la célébration de notre 15e anniversaire!
Frédéric Auger has been designing immersive sound environments and music for the performing arts for about 20 years. He is interested in creating dynamic sound material for live performance, and adapting sound for use in a performance context. He uses sampling, reproduction, and dynamic processing, as well as the possibilities of spatialization and live transformation of sound objects and elements (voice, instruments, or fixed media). His practice is organically integrated into the dramaturgy and creative and experimental process of the artists with whom he works.
He frequently collaborates with the Orchestre d’hommes-orchestres (Joue à Tom Waits, Cabaret brise-jour, Kitchen Chicken), Bureau de l’APA (Entrez nous sommes ouverts, Les oiseaux mécaniques), Théâtre Rude Ingénierie (Dreamland), Système Kangourou (Dérive de nuit, Bermudes (dérive), Fantômes), the documentary theatre company Porte Parole (Rose and the Machine, J’aime Hydro), Sibyllines/Brigitte Haentjens (Rome, Sang, Rêve et folie, Parce que la nuit), Onishka/Émilie Monnet (This Time Will Be Different, Marguerite : le feu), and Marie Brassard (La fureur de ce que je pense, La vie utile). He has also worked as a sound designer or sound engineer on productions by François Girard, Robert Lepage, Claude Poissant, and Philippe Cyr.
Frédéric Auger conçoit des environnements sonores immersifs et de la musique pour les arts vivants depuis une vingtaine d’années. Il s’intéresse à la création d’une matière sonore vivante, interprétée en direct, et à la mise en espace du son en contexte performatif. Il utilise l’échantillonnage, la reproduction, le traitement dynamique ainsi que les possibilités de spatialisation et de transformation en direct des objets et des corps sonores (voix, instruments ou médiums fixes). Sa pratique se veut intégrée organiquement à la dramaturgie et au processus créatif et expérimental des artistes avec qui il s’associe.
Il est un collaborateur régulier de l’Orchestre d’hommes-orchestres (Joue à Tom Waits, Cabaret brise-jour, Kitchen Chicken), du Bureau de l’APA (Entrez nous sommes ouverts, Les oiseaux mécaniques), du Théâtre Rude Ingénierie (Dreamland), de Système Kangourou (Dérive de nuit, Bermudes (dérive), Fantômes), de la compagnie de théâtre documentaire Porte Parole (Rose et la machine, J’aime Hydro), de Sibyllines/Brigitte Haentjens (Rome, Sang, Rêve et folie, Parce que la nuit), d’Onishka/Émilie Monnet (This Time Will be Different, Marguerite: le feu), de Marie Brassard (La fureur de ce que je pense, La vie utile). Par le passé, il a eu la chance, en tant que concepteur sonore ou sonorisateur, de s’associer aux créations de François Girard, Robert Lepage, Claude Poissant et Philippe Cyr.
Ian Cusson (b. 1981) is a composer of art song, opera, and orchestral work. Of Métis (Georgian Bay Métis Community) and French-Canadian descent, his work explores Canadian Indigenous experience including the history of the Métis people, the hybridity of mixed-racial identity, and the intersection of Western and Indigenous cultures.
He studied composition with Jake Heggie and Samuel Dolin, and piano with James Anagnoson at the Glenn Gould School. He is the recipient of numerous awards and grants including the Chalmers Professional Development Grant, the National Aboriginal Achievement Foundation Award, and several grants through the Canada Council, the Ontario Arts Council, and the Toronto Arts Council.
Ian was an inaugural Carrefour Composer-in-Residence with the National Arts Centre Orchestra for 2017–2019 and was Composer-in-Residence for the Canadian Opera Company for 2019–2021. He was a Co-artistic Director of Opera in the 21st Century at the Banff Centre and the recipient of the 2021 Jan V. Matejcek Classical Music Award from SOCAN and the 2021 Johanna Metcalf Performing Arts Prize. Ian is an Associate Composer of the Canadian Music Centre and a member of the Canadian League of Composers.
He lives in Oakville with his wife and four children.
Ian Cusson (né en 1981) est un compositeur canadien de mélodies, d’opéras et de pièces orchestrales. D’origine métisse (communauté métisse de la Baie Georgienne) et canadienne-française, il explore, dans son œuvre, l’expérience autochtone au Canada, en particulier l’histoire du peuple métis, l’union des identités raciales mixtes et la rencontre des cultures occidentales et autochtones.
Il a étudié la composition auprès de Jake Heggie et Samuel Dolin ainsi que le piano sous la houlette de James Anagnoson à l’École Glenn-Gould. Lauréat d’un Prix national d’excellence décerné aux Autochtones, il a obtenu de nombreuses subventions, y compris une bourse des Projets Chalmers de perfectionnement professionnel et plusieurs bourses des conseils des arts du Canada, de l’Ontario et de Toronto.
Ian Cusson a été l’un des deux premiers compositeurs en résidence à l’Orchestre du Centre national des Arts dans le cadre du programme Carrefour (2017-2019). Il a également été compositeur en résidence à la Compagnie d’opéra canadienne (2019-2021). Il a été co-directeur artistique du programme L’opéra au XXIe siècle du Centre Banff et lauréat, en 2021, du Prix Jan V. Matejcek pour la nouvelle musique classique de la SOCAN et d’un Prix Johanna-Metcalf des arts de la scène. Compositeur agréé du Centre de musique canadienne, il est aussi membre de la Ligue canadienne des compositeurs.
Ian Cusson réside à Toronto avec sa femme et leurs quatre enfants.
A critically acclaimed mezzo-soprano of Kwagiulth and Stó:lō First Nations, English, Irish and Scottish heritage, Marion Newman is sought-after as one of Canada’s most accomplished singers in works ranging from Vivaldi to Vivier, and operatic roles including Carmen and Rosina in The Barber of Seville. Nominated for a Dora Award for her leading role in the world premiere of Shanawdithit (Nolan/Burry) with Toronto’s Tapestry Opera, Ian Ritchie wrote “she invests her character with towering dignity and courage”.
Marion is a guest curator at University of British Columbia’s Chan Centre for the Performing Arts for a new series of concerts featuring the work of Indigenous artists, and the new host of CBC’s Saturday Afternoon at the Opera.
Marion portrayed Dr. Wilson in the premiere of Missing (Clements/Current) with Vancouver City Opera/Pacific Opera Victoria, which gives voice, in English and Gitxsan, to the story of Canada’s missing and murdered Indigenous women, and starred as Tsianina Redfeather in Jani Lauzon’s music-drama I Call Myself Princess at Regina’s Globe Theatre.
On the North American concert stage, Marion has performed with Symphony Nova Scotia, National Arts Centre Orchestra, Emily Carr String Quartet, Continuum Contemporary Music, Elora Festival Singers, Elmer Iseler Singers, Portland Baroque Orchestra, and Montreal’s Chœur St- Laurent.
Concert highlights for Marion this season include Mozart’s Requiem, a co-production with Canadian Opera Company and Against the Grain Theatre, the livestream/workshop presentation of The Echoes Project with Gryphon Trio, and the string quartet version of Five Orchestral Songs on Poems of Marilyn Dumont (Cusson) with the New Orford String Quartet for Cecilia Concerts in Halifax.
In 2022, Marion debuts with Anchorage Opera as Dr. Wilson in a new production of Missing, and creates the role of Dawn with Welsh National Opera in the upcoming world premiere of Migrations, with stories by five writers based on their personal experiences of migrations and working with refugees.
Most recently, Marion curated and performed in What is classical Indigenous Music? with Toronto’s Confluence Concerts and debuted with Rhode Island Symphony in Handel’s Messiah.
In addition to her extensive performing career, she is a co-founder of Amplified Opera and has worked in many facets of the performing arts as a curator, arts administrator, speaker, and teacher. Marion is the dramaturge for Namwayut/We Are All One, a new opera in creation with IBPOC artists and Calgary Opera.
Marion has performed in many works that speak to her First Nations identity, including Ancestral Voices (Tovey) with the Vancouver Symphony, Nuyamł-ił Kulhulmx–Singing the Earth (Höstman) with the Victoria Symphony, and Five Orchestral Songs on Poems of Marilyn Dumont (Cusson) with the Regina Symphony Orchestra.
Mezzo-soprano très demandée et encensée par la critique, membre des Premières Nations Kwagiulth et Stó:lō à l’ascendance anglaise, irlandaise et écossaise, Marion Newman est reconnue comme l’une des chanteuses les plus accomplies du Canada pour ses interprétations d’œuvres allant de Vivaldi à Vivier, de même que pour ses rôles opératiques comme Carmen ou Rosine (Le barbier de Séville). Sélectionnée aux prix Dora pour son premier rôle dans Shanawdithit (Nolan et Burry) avec le Tapestry Opera de Toronto – en première mondiale –, elle « incarne son personnage avec une dignité et un courage imposants », selon Ian Ritchie.
Nouvelle animatrice de l’émission Saturday Afternoon at the Opera de CBC, Marion est aussi éditrice invitée au Chan Centre for the Performing Arts de l’Université de la Colombie-Britannique pour une nouvelle série de concerts présentant des œuvres d’artistes autochtones.
Marion a joué le rôle de Dre Wilson dans la première à l’Opéra de la ville de Vancouver et au Pacific Opera Victoria de Missing (Clements et Current), qui raconte en anglais et en gitxsan l’histoire des femmes autochtones disparues et assassinées du Canada, de même que le rôle de Tsianina Redfeather dans le drame musical de Jani Lauzon, I Call Myself Princess, au Globe Theatre de Regina.
Sur la scène nord-américaine, Marion s’est produite avec le Symphony Nova Scotia, l’Orchestre du Centre national des Arts, le quatuor à cordes Emily Carr, la société de musique nouvelle Continuum, le chœur du Elora Festival, le chœur Elmer Iseler, l’Orchestre baroque de Portland et le Chœur St-Laurent de Montréal.
Temps forts de sa saison : le Requiem de Mozart, une coproduction de la Compagnie d’opéra canadienne et de Against the Grain Theatre; l’atelier en direct du projet « Echoes », avec le Gryphon Trio; et la version pour quatuor à cordes de Five Orchestral Songs on Poems of Marilyn Dumont (Cusson), avec le New Orford String Quartet Concert, pour les Cecilia Concerts de Halifax.
En 2022, Marion fera sa première à l’Opéra d’Anchorage pour le rôle de Dre Wilson, dans une nouvelle production de Missing. Elle créera également le rôle de Dawn avec l’Opéra national du pays de Galles pour la première à venir de Migrations, une série d’histoires écrites par cinq personnes à partir de leur propre expérience de la migration ou du travail auprès des réfugiés.
Plus récemment, Marion a présenté What is Classical Indigenous Music?, dans lequel elle s’est également produite avec les Confluence Concerts de Toronto. Elle a aussi travaillé pour la première fois avec l’Orchestre symphonique de Rhode Island pour le Messie de Haendel.
En parallèle de sa carrière bien remplie d’interprète, Marion a cofondé l’Opéra Amplified et a travaillé dans de nombreux domaines des arts du spectacle comme éditrice, administratrice des arts, conférencière et enseignante. Elle est aussi conseillère dramaturgique pour Namwayut/Nous ne faisons qu’un, un nouvel opéra en création avec des artistes autochtones, noirs et de couleur et l’Opéra de Calgary.
Marion a interprété beaucoup d’œuvres qui font écho à son identité autochtone, comme Ancestral Voices (Tovey) avec l’Orchestre symphonique de Vancouver, Nuyamł-ił Kulhulmx (« Chanter la Terre », de Höstman) avec l’Orchestre symphonique de Victoria et Five Orchestral Songs on Poems of Marilyn Dumont avec l’Orchestre symphonique de Regina.
A 2008 graduate of the National Theatre School of Canada, Mani Soleymanlou has lived in Tehran, Paris, Toronto, Ottawa and Montreal, and has worked with such acclaimed directors as Alice Ronfard (Les pieds des anges), Brigitte Haentjens (L’opéra de quat’sous), Claude Poissant (Rouge gueule, The Dragonfly of Chicoutimi), Serge Denoncourt (Projet Andromaque, Les trois mousquetaires), Olivier Kemeid (Furieux et désespérés), Denis Bernard (Ce moment-là) and Eric Jean (Variations sur un temps).
He is best known as the founding artistic director (2011) of the Montreal-based theatre company Orange Noyée. His distinctive artistic practice investigates notions of community identity (Un/One, Deux/Two, Trois/Three) and social relationships (Ils étaient quatre, Cinq à sept, 8). He pursued this approach more recently in Neuf [working title] and Zéro presented in fall 2019 in Montreal and Ottawa, and also in various artistic collaborations over the years: Lapin blanc, Lapin rouge, Les Lettres arabes II, and À te regarder, ils s’habitueront. Mani Soleymanlou was part of the impressive team behind Gabriel Dumont’s Wild West Show (premiered at the NAC in October 2017), as director and co-artistic director.
Mani Soleymanlou est sorti de l’École nationale de théâtre du Canada en 2008. Celui qui a vécu à Téhéran, Paris, Toronto, Ottawa et Montréal joue alors au théâtre sous la direction de metteurs en scène comme Alice Ronfard (Les pieds des anges), Brigitte Haentjens (L’opéra de quat’sous), Claude Poissant (Rouge gueule, The Dragonfly of Chicoutimi), Serge Denoncourt (Projet Andromaque, Les trois mousquetaires), Olivier Kemeid (Furieux et désespérés), Denis Bernard (Ce moment-là) et Eric Jean (Variations sur un temps).
Mais c’est surtout à la tête d’Orange Noyée, compagnie qu’il fonde en 2011, qu’il expose sa démarche singulière, interrogeant l’identité communautaire (Un, Deux, Trois) aussi bien que les interactions sociales (Ils étaient quatre, Cinq à sept, 8). Une démarche qu’il a poursuivi plus récemment dans Neuf [titre provisoire] puis Zéro présenté l’automne dernier à Montréal et Ottawa, mais également à travers différentes collaborations artistiques au fil du temps : Lapin blanc, Lapin rouge, Les Lettres arabes II et À te regarder, ils s’habitueront. Mani Soleymanlou a fait partie de l’imposante équipe duWild West Showde Gabriel Dumont, créé au CNA en octobre 2017, à titre de metteur en scène et codirecteur artistique.
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