2021-09-18 18:002021-09-18 20:0060Canada/Eastern🎟 NAC: Ehnes and Beethoven's Fifth
https://nac-cna.ca/en/event/29163
In-person event
Beethoven’s glorious Symphony No. 5 is music that gets under your skin, still inspiring and delighting more than two centuries after its first performance in 1808.
NACO Artist-in-Residence, James Ehnes, returns to Southam Hall to perform Camille Saint-Saëns’s spirited Introduction and Rondo capriccioso, boldly commissioned at age 15 by violin prodigy Pablo de Sarasate. Then James embraces Lili Boulanger’s delicately tender and sweet Nocturne, originally written for violin...
CAMILLE SAINT-SAËNS
Introduction and Rondo capriccioso in A minor for Violin and Orchestra, Op. 28
Lili Boulanger
Nocturne for Violin and Orchestra, arr. Sarah Slean
JESSIE MONTGOMERY
Strum
SARASATE
Zigeunerweisen for Violin and Orchestra, Op. 20 (Gypsy Airs)
In-person event
≈ 90 minutes
· No intermission
Beethoven’s glorious Symphony No. 5 is music that gets under your skin, still inspiring and delighting more than two centuries after its first performance in 1808.
NACO Artist-in-Residence, James Ehnes, returns to Southam Hall to perform Camille Saint-Saëns’s spirited Introduction and Rondo capriccioso, boldly commissioned at age 15 by violin prodigy Pablo de Sarasate. Then James embraces Lili Boulanger’s delicately tender and sweet Nocturne, originally written for violin and piano, and arranged specially for this performance by the incomparable Sarah Slean.
Next, Jessie Montgomery’s Strum, for string orchestra, explodes with spirit and life, borrowing from American folk idioms to create a nostalgic narrative that turns to colourful celebration. James Ehnes closes the program with Sarasate’s own Zigeunerweisen, by turns melodramatic and devil-may-care.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the UK and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the United States. In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026-2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025. Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser complement Shelley’s leadership. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen, and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the United Kingdom, Europe, and Asia.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
“A natural communicator, both on and off the podium” (The Telegraph), Alexander Shelley performs across six continents with the world’s finest orchestras and soloists.
With a conducting technique described as “immaculate” (Yorkshire Post) and a “precision, distinction and beauty of gesture not seen since Lorin Maazel” (Le Devoir), Shelley is known for the clarity and integrity of his interpretations and the creativity and vision of his programming. He has spearheaded over 40 major world premieres to date, including highly praised cycles of Beethoven, Schumann and Brahms symphonies, operas, ballets, and innovative multi-media productions.
Since 2015, he has served as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra and Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra. In April 2023, he was appointed Artistic and Music Director of Artis–Naples in Florida, providing artistic leadership for the Naples Philharmonic and the entire multidisciplinary arts organization. The 2024–2025 season is Shelley’s inaugural season in this position. In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026–2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025.
Additional 2024–2025 season highlights include performances with the City of Birmingham Symphony Orchestra, the Colorado Symphony, the National Philharmonic in Warsaw, the Seattle Symphony, the Chicago Civic Orchestra, and the National Symphony Orchestra (Ireland). Shelley is a regular guest with some of the finest orchestras of Europe, the Americas, Asia, and Australasia, including Leipzig’s Gewandhaus Orchestra, the Konzerthausorchester Berlin, the Orchestre de la Suisse Romande, the Helsinki, Hong Kong, Luxembourg, Malaysian, Oslo, Rotterdam and Stockholm philharmonic orchestras, and the Sao Paulo, Houston, Seattle, Baltimore, Indianapolis, Montreal, Toronto, Munich, Singapore, Melbourne, Sydney, and New Zealand symphony orchestras.
In September 2015, Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s National Arts Centre Orchestra, the youngest in its history. The ensemble has since been praised as “an orchestra transformed ... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen), and his programming is credited for turning the orchestra “almost overnight ... into one of the more audacious orchestras in North America” (Maclean’s). Together, they have undertaken major tours of Canada, Europe, and Carnegie Hall, where they premiered Philip Glass’s Symphony No. 13.
They have commissioned ground-breaking projects such as Life Reflected and Encount3rs, released multiple Juno-nominated albums and, most recently, responded to the pandemic and social justice issues of the era with the NACO Live and Undisrupted video series.
In August 2017, Shelley concluded his eight-year tenure as Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra, a period hailed by press and audiences alike as a golden era for the orchestra.
Shelley’s operatic engagements have included The Merry Widow and Gounod’s Romeo and Juliet (Royal Danish Opera), La bohème (Opera Lyra/National Arts Centre), Louis Riel (Canadian Opera Company/National Arts Centre), lolanta (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), Così fan tutte (Opéra national de Montpellier Languedoc-Roussillon), The Marriage of Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck), and both Le nozze di Figaro and Don Giovanni in semi-staged productions at the NAC.
Winner of the ECHO Music Prize and the Deutsche Grunderpreis, Shelley was conferred with the Cross of the Federal Order of Merit of the Federal Republic of Germany by German President Frank-Walter Steinmeier in April 2023 in recognition of his services to music and culture.
Through his work as Founder and Artistic Director of the Schumann Camerata and their pioneering “440Hz” series in Dusseldorf, as founding Artistic Director of the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen’s “Zukunftslabor” and through his regular tours leading the National Youth Orchestra of Germany, inspiring future generations of classical musicians and listeners has always been central to Shelley’s work.
He regularly gives informed and passionate pre- and post-concert talks on his programs, as well as numerous interviews and podcasts on the role of classical music in society. In Nuremberg alone, over nine years, he hosted over half a million people at the annual Klassik Open Air concert, Europe’s largest classical music event.
Born in London in October 1979 to celebrated concert pianists, Shelley studied cello and conducting in Germany and first gained widespread attention when he was unanimously awarded first prize at the 2005 Leeds Conductors Competition, with the press describing him as “the most exciting and gifted young conductor to have taken this highly prestigious award.”
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).
Décrit comme « un communicateur né, sur scène comme dans la vie » (The Telegraph), Alexander Shelley se produit sur six continents avec les plus grands ensembles et solistes de la planète.
Reconnu pour sa technique de direction « impeccable » (Yorkshire Post) et pour « la précision, la distinction et la beauté de sa gestique […] quelque chose que l’on n’a plus vraiment vu depuis Lorin Maazel » (Le Devoir), le maestro est aussi célébré pour la clarté et l’intégrité de ses interprétations et pour la créativité et l’audace de sa programmation. Il a à ce jour dirigé plus de 40 premières mondiales d’envergure, des cycles acclamés des symphonies de Beethoven, de Schumann et de Brahms, des opéras, des ballets et des productions multimédias novatrices.
Il est depuis 2015 directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada et premier chef associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres. En avril 2023, il a été nommé directeur artistique et musical d’Artis—Naples en Floride, prenant ainsi les rênes artistiques de l’Orchestre philharmonique de Naples et de tous les volets de cette organisation multidisciplinaire. La saison 2024-2025 est sa première à ce poste. Alexander Shelley ajoute également à ses autres fonctions de chef d’orchestre une nomination au poste de directeur artistique et musical de l’Orchestre symphonique du Pacifique (dans le comté d’Orange, à Los Angeles). Il sera directeur musical désigné à compter de septembre 2025 avant d’entamer son premier mandat de cinq ans à la saison 2026-2027.
Alexander Shelley se produira également cette saison avec l’Orchestre symphonique de la Ville de Birmingham, l’Orchestre symphonique du Colorado, l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre symphonique de Seattle, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique national d’Irlande. Il est régulièrement invité par les plus grands orchestres d’Europe, d’Amérique, d’Asie et d’Australasie, dont l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, le Konzerthausorchester Berlin, l’Orchestre de la Suisse Romande, les orchestres philharmoniques d’Helsinki, de Hong Kong, du Luxembourg, de Malaisie, d’Oslo, de Rotterdam et de Stockholm et les orchestres symphoniques de Sao Paulo, de Houston, de Seattle, de Baltimore, d’Indianapolis, de Montréal, de Toronto, de Munich, de Singapour, de Melbourne, de Sydney et de Nouvelle-Zélande.
Alexander Shelley a succédé à Pinchas Zukerman à titre de directeur musical de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada en septembre 2015, devenant le plus jeune chef à occuper ce poste dans l’histoire de l’ensemble. Ce dernier a depuis été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen) et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord pour sa programmation (Maclean’s). Le maestro a mené ses troupes dans des tournées d’envergure au Canada, en Europe et au Carnegie Hall, où il a dirigé la première de la Symphonie no. 13de Philip Glass.
À la tête de l’Orchestre du CNA, Alexander Shelley a commandé des œuvres révolutionnaires, dont Réflexions sur la vie et RENCONTR3S, et fait paraître plusieurs albums finalistes aux prix Juno. En réaction à la pandémie et aux questions de justice sociale qui dominent notre époque, il a lancé les séries vidéo L’OCNA en direct et INCONDITIONNEL.
En août 2017 se concluait le mandat du maestro Shelley à la direction de l’Orchestre symphonique de Nuremberg, période décrite comme un âge d’or par la critique et le public.
Sur la scène lyrique, Alexander Shelley a dirigé La veuve joyeuse et le Roméo et Juliette de Gounod (Opéral royal danois), La bohème (Opera Lyra / Centre national des Arts), Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne / Centre national des Arts), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Così fan tutte (Opéra Orchestre National Montpellier), Les noces de Figaro (Opera North), Tosca (Innsbruck) ainsi que Les noces de Figaro et Don Giovanni en version semi-scénique au CNA.
Lauréat du prix ECHO et du Deutsche Grunderpreis, le chef s’est vu décerner en avril 2023 la Croix fédérale du Mérite par le président allemand Frank-Walter Steinmeier en reconnaissance de ses services à la musique et à la culture.
À titre de fondateur et directeur artistique de la Schumann Camerata et de sa série avant-gardiste 440Hz à Düsseldorf et de directeur artistique du projet Zukunftslabor de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, ainsi que par ses nombreuses tournées à la tête de l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne, il cherche constamment à inspirer les futures générations d’instrumentistes et d’adeptes de musique classique.
Alexander Shelley fait régulièrement des présentations instructives et passionnées sur ses programmes avant et après les concerts. Il participe aussi à de nombreuses entrevues et produit des balados sur le rôle de la musique classique dans la société. Seulement à Nuremberg, il a accueilli en neuf ans plus d’un demi-million de personnes aux concerts annuels du Klassik Open Air, le plus grand événement de musique classique d’Europe.
Né à Londres en octobre 1979 et fils de célèbres pianistes concertistes, Alexander Shelley a étudié le violoncelle et la direction d’orchestre en Allemagne. Il s’est d’abord signalé en remportant à l’unanimité le premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. La critique l’a décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux ».
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
James Ehnes has established himself as one of the most sought-after musicians on the international stage. Gifted with a rare combination of stunning virtuosity, serene lyricism and an unfaltering musicality, Ehnes is a favourite guest at the world’s most celebrated concert halls.
Recent orchestral highlights include the Royal Concertgebouw Orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich, the London Philharmonic Orchestra, the NHK Symphony, the Boston Symphony, the Chicago Symphony Orchestra, and the Cleveland Orchestra. Throughout the 2024/2025 season, Ehnes will be an Artist in Residence with the Melbourne Symphony and will tour Asia, where he will perform the complete Beethoven sonatas at Kioi Hall, Tokyo, as well as performances with the Hong Kong Philharmonic Orchestra and the Singapore Symphony Orchestra.
Alongside his concerto work, Ehnes maintains a busy recital schedule. He performs regularly at Wigmore Hall (including the complete cycle of Beethoven Sonatas in 2019/20, and the complete violin/viola works of Brahms and Schumann in 2021/22), Carnegie Hall, Symphony Center Chicago, Amsterdam Concertgebouw, Ravinia, Montreux, Verbier Festival, Dresden Music Festival, and Festival de Pâques in Aix. A devoted chamber musician, he is the leader of the Ehnes Quartet and the Artistic Director of the Seattle Chamber Music Society.
Ehnes has an extensive discography and has won many awards for his recordings, including two GRAMMY Awards, three Gramophone Awards and 12 JUNO Awards. In 2021, Ehnes was announced as the recipient of the coveted Artist of the Year title at the 2021 Gramophone Awards, which celebrated his recent contributions to the recording industry, including the launch of a new online recital series entitled ‘Recitals from Home,’ released in June 2020 in response to the COVID-19 pandemic and subsequent closure of concert halls. Ehnes recorded the six Bach Sonatas and Partitas and six Sonatas of Ysaÿe from his home with state-of-the-art recording equipment and released six episodes over two months. These recordings have been met with great critical acclaim by audiences worldwide, and Le Devoir described Ehnes as being “at the absolute forefront of the streaming evolution.”
Ehnes began violin studies at age five, became a protégé of the noted Canadian violinist Francis Chaplin at age nine, and made his orchestra debut with L’Orchestre Symphonique de Montréal at age 13. He continued his studies with Sally Thomas at the Meadowmount School of Music and The Juilliard School, winning the Peter Mennin Prize for Outstanding Achievement and Leadership in Music upon graduating in 1997. Ehnes is a Member of the Order of Canada and the Order of Manitoba, a Fellow of the Royal Society of Canada, and an honorary fellow of the Royal Academy of Music, where he is a Visiting Professor. As of summer 2024, he is a Professor of Violin at Indiana University’s Jacobs School of Music.
Ehnes plays the Marsick Stradivarius of 1715.
James Ehnes est l’un des musiciens les plus recherchés sur la scène internationale. Possédant une rare combinaison de virtuosité époustouflante, de lyrisme serein et de musicalité à toute épreuve, il se produit régulièrement dans les plus grandes salles de concert de la planète.
Parmi ses collaborations récentes, on peut citer : l’Orchestre du Royal Concertgebouw, l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich, l’Orchestre philharmonique de Londres, l’Orchestre symphonique de la NHK, l’Orchestre symphonique de Boston et celui de Chicago ainsi que l’Orchestre de Cleveland. Pour la saison 2024–2025, James Ehnes est artiste en résidence avec l’Orchestre symphonique de Melbourne et fait une tournée en Asie, dans le cadre de laquelle il jouera l’intégrale des sonates de Beethoven au Kioi Hall de Tokyo et se produira avec l’Orchestre philharmonique de Hong Kong et l’Orchestre symphonique de Singapour.
En plus de ses concerts, il jongle avec un programme chargé de récitals. Il donne régulièrement des concerts au Wigmore Hall (notamment le cycle complet des sonates de Beethoven en 2019–2020 et l’intégrale des œuvres pour violon ou alto de Brahms et Schumann en 2021–2022), au Carnegie Hall, au Symphony Center de Chicago, au Concertgebouw d’Amsterdam, au Festival Ravinia, à Montreux, au Verbier Festival, au Festival de musique de Dresde et au Festival de Pâques à Aix. Chambriste passionné, il est aussi violon solo du Quatuor Ehnes et directeur artistique de la Seattle Chamber Music Society.
James Ehnes a remporté de nombreux prix pour sa riche discographie, dont deux prix GRAMMY, trois prix Gramophone et douze prix JUNO. En 2021, il a reçu le prestigieux titre d’artiste de l’année aux Gramophone Awards, en remerciement pour ses récentes contributions à l’industrie du disque, dont le lancement en juin 2020 d’une série de récitals en ligne, « Recitals from Home », pour pallier la fermeture des salles de spectacle pendant la pandémie de COVID-19. C’est dans ce cadre domestique, équipé de matériel de pointe, qu’il a enregistré les six Sonates et partitas de Bach et les six Sonates d’Ysaÿe, publiant six épisodes en deux mois. Ces enregistrements sont acclamés par la critique et le public du monde entier, Le Devoir qualifiant même cette initiative de « symbole absolu de cette évolution [vers la diffusion en continu] ».
James Ehnes se met au violon à l’âge de cinq ans. À neuf ans, il devient le protégé de Francis Chaplin et, à treize, il fait ses débuts avec l’Orchestre symphonique de Montréal. Il poursuit sa formation auprès de Sally Thomas à la Meadowmount School of Music, puis à Juilliard, dont il sort en 1997 avec le Prix Peter-Mennin en reconnaissance de ses réalisations exceptionnelles et de son leadership en musique. Décoré de l’Ordre du Canada et de l’Ordre du Manitoba, il est membre de la Société royale du Canada et membre honoraire de la Royal Academy of Music, où il est également professeur invité. Depuis l’été 2024, il enseigne le violon à la Jacobs School of Music de l’Université de l’Indiana.
James Ehnes joue sur un Stradivarius « Marsick » de 1715.
Camille Saint-Saëns was a French composer, and was active as a pianist, organist, and writer. A formidable figure in 19th century French music, he composed works in every genre, including operas, ballet music, sacred and secular choral works, songs and solo piano pieces, chamber music, symphonies and concertos…even a film score. His music is often described as “neoclassical”, exhibiting qualities such as clarity, balance, order, and precision (considered hallmarks of the French art music tradition), combined with his distinctive use of harmonic colour and mastery of counterpoint. Among his works best-known to audiences today are the “Organ” Symphony, Third Violin Concerto, Fourth Piano Concerto, the suite Le carnaval des animaux, and the opera Samson et Dalila.
Born in Paris on October 9, 1835, Saint-Saëns was a musical child prodigy, making his public début at the Salle Pleyel as the soloist in Beethoven’s Piano Concerto No. 3 and Mozart’s Piano Concerto No. 15. He entered the Paris Conservatoire in 1848, studying piano and later, composition and orchestration. In 1853, he became the organist at the Church of Saint-Merri, eventually moving on to La Madeleine in 1857, where he remained for 20 years. From the 1860s until the end of his life, he established an international reputation as a highly regarded composer and virtuoso pianist, performing on concert tours in England, southern Europe, Scandinavia, South America, East Asia, and the United States.
Saint-Saëns’s talents attracted the admiration and friendship of many notable musicians and composers, including Pauline Viardot, Gioachino Rossini, Hector Berlioz, and Franz Liszt. Beyond his own works, the composer actively promoted—through performance and his writings—the music of several of his contemporaries, including Robert Schumann and Liszt. He was also instrumental in the revival of French interest in the music of J.S. Bach and Mozart. In 1871, Saint-Saëns founded, with his colleague Romain Bussine, the Société Nationale de Musique, to support and perform the music of living French composers.
A life-long traveller, Saint-Saëns had a special fondness for Algiers and spent much time there and in Egypt in the early 20th century. Meanwhile, he continued to compose, conduct, and perform, receiving many honours for his contributions. In August 1921, he gave his final public performances as a pianist and as a conductor. A few months later, on December 16, he died in Algiers.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Camille Saint-Saëns (1835–1921)
Camille Saint-Saëns est un compositeur, un pianiste, un organiste et un auteur français. Figure de proue de la musique française du XIXe siècle, il compose des œuvres de tous genres, notamment des opéras, de la musique pour ballet, des œuvres chorales sacrées et profanes, des chansons et des pièces pour piano solo, de la musique de chambre, des symphonies, des concertos et même… de la musique de film! Sa musique est souvent qualifiée de « néoclassique », car elle présente certaines des caractéristiques de ce style comme la clarté, l’équilibre, l’ordre et la précision (des particularités de la musique savante française), combinées à une utilisation particulière de la couleur harmonique et à une maîtrise du contrepoint. Parmi ses œuvres les plus connues aujourd’hui, on retrouve la « Symphonie avec orgue », le Concerto no 3 pour violon, le Concerto no 4 pour piano, la suite Le Carnaval des animaux et l’opéra Samson et Dalila.
Né à Paris le 9 octobre 1835, Saint-Saëns est un enfant prodige qui fait ses débuts à la Salle Pleyel comme soliste dans le Concerto pour piano no 3 de Beethoven et le Concerto pour piano no 5 de Mozart. En 1848, il entre au Conservatoire de Paris, où il étudie le piano et plus tard, la composition et l’orchestration. En 1853, il devient organiste à l’église Saint-Merri, avant de se déplacer, en 1857, à l’église de la Madeleine, où il restera pendant 20 ans. Des années 1860 jusqu’à la fin de sa vie, il jouit d’une réputation internationale en tant que compositeur de renom et pianiste virtuose. Il effectue des tournées en Angleterre, en Europe méridionale, en Scandinavie, en Amérique du Sud, en Asie de l’Est et aux États-Unis.
Le talent de Saint-Saëns suscite l’admiration et l’amitié de nombreux musiciens et compositeurs célèbres, notamment Pauline Viardot, Gioachino Rossini, Hector Berlioz et Franz Liszt. En plus de ses propres œuvres, le compositeur fait activement la promotion – dans ses concerts et ses écrits – de la musique de plusieurs de ses contemporains, comme Robert Schumann et Liszt. Il joue aussi un rôle central dans le regain d’intérêt pour la musique de Bach et de Mozart en France. En 1871, Saint-Saëns fonde, avec son collègue Romain Bussine, la Société nationale de musique, dont la mission est de promouvoir la musique de compositeurs français vivants et d’aider ces derniers à se produire.
Voyageur de longue date, Saint-Saëns a une affection particulière pour Alger. Au début du XXe siècle, il passe beaucoup de temps là-bas ainsi qu’en Égypte. Entre-temps, il continue de composer, de diriger des orchestres et de se produire en concert, remportant au passage de nombreux honneurs pour ses accomplissements. En août 1921, il donne ses derniers concerts comme pianiste et chef d’orchestre. Il meurt quelques mois plus tard, le 16 décembre, à Alger.
Lili Boulanger (1893–1918) was a French composer. An immense musical talent from a young age, she became the first woman to win the prestigious Prix de Rome in 1913. Despite suffering chronic illness, she composed prolifically, creating substantial, potently expressive works for choir, voice, piano, chamber ensemble, and orchestra, and was at work on an opera when intestinal tuberculosis claimed her life at only 24 years old. Her distinctive style bears qualities typical of early 20th century French music, influenced, notably, by Gabriel Fauré and Claude Debussy in her synthesis of tonal and modal harmony, combined with her imaginative use of instrumental colour and layered textures.
Born Marie-Juliette Olga in Paris, August 21, 1893, Lili Boulanger grew up in an eminent musical family; her father was French composer Ernest Boulanger and her older sister Nadia, also a composer, later became a significant teacher to many of the 20th century’s leading composers (and a tireless advocate for Lili’s music). Her musical talent showed at age two and was nurtured with lessons in violin, piano, voice, and harp. Although her fragile health condition (due to a weakened immune system from bronchial pneumonia contracted in 1895) precluded her from receiving a complete education at the Paris Conservatoire, she studied composition privately with Georges Caussade. In January 1912, she was admitted to Paul Vidal’s composition class, and after failing to win the Prix de Rome that year, won it in 1913 with her cantata Faust et Hélène. This led to her signing a contract with the publisher Ricordi, who, guaranteeing her a monthly income, enabled her to focus entirely on composing.
During her first residency in Rome, Lili completed several works, including the song cycle Clarières dans le ciel. The outbreak of World War I forced her to return to Paris, where she and Nadia established the Comité Franco-Américain du Conservatoire National to provide support—sending material goods and forwarding mail—to musician soldiers. She went back to Rome in February 1916, where she made progress on several large-scale works, including her opera La princesse Malein. However, by the end of the year, she was greatly weakened by illness and was home in Paris again, where she spent her final years finishing compositions she had begun earlier. She died on March 15, 1918, in Mézy-sur-Seine.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Lili Boulanger (1893–1918) est une compositrice française. Faisant preuve d’un immense talent musical dès sa tendre enfance, elle devient la première femme à remporter le prestigieux prix de Rome en 1913. Bien qu’atteinte d’une maladie chronique, elle est une compositrice prolifique qui crée des œuvres expressives et puissantes pour chorale, voix, piano, ensemble de musique de chambre et orchestre. Elle travaille sur un opéra lorsqu’elle est emportée par la tuberculose intestinale, à l’âge de 24 ans seulement. Son style distinctif, caractéristique de la musique française du début du XXe siècle, est notamment influencé par Gabriel Fauré et Claude Debussy en ce qui a trait à la synthèse de l’harmonie tonale et modale, combinée à une utilisation créative de la couleur instrumentale et des textures superposées.
Née Marie-Juliette Olga à Paris, le 21 août 1893, Lili Boulanger grandit dans une famille de musiciens : son père est le compositeur français Ernest Boulanger et sa sœur aînée Nadia, également compositrice, enseignera plus tard à de nombreux musiciens éminents du XXe siècle (en plus d’être une fervente défenseure des œuvres de Lili). Son talent musical s’exprime dès l’âge de deux ans et est nourri par des leçons de violon, de piano, de chant et de harpe. Son état de santé fragile, qu’elle doit à un système immunitaire affaibli par une bronchopneumonie contractée en 1895, l’empêche de bénéficier d’une éducation complète au Conservatoire de Paris, mais elle suit des cours privés de composition auprès de Georges Caussade. En janvier 1912, elle est admise dans la classe de composition de Paul Vidal. Si elle ne remporte pas le prix de Rome cette année-là, elle l’obtient l’année suivante pour sa cantate Faust et Hélène. Elle signe ensuite un contrat avec l’éditeur de musique Ricordi, ce qui lui garantit un revenu mensuel et lui permet de se consacrer entièrement à la composition.
Au cours de sa première résidence à Rome, Lili termine plusieurs œuvres, dont le cycle de mélodies Clarières dans le ciel. Le déclenchement de la Première Guerre mondiale l’oblige à rentrer à Paris, où sa sœur Nadia et elle mettent sur pied le Comité franco-américain du Conservatoire national afin de venir en aide aux soldats musiciens en leur acheminant des biens et du courrier. Elle retourne à Rome en février 1916, où elle progresse dans la création de nombreuses œuvres d’envergure, comme son opéra La Princesse Maleine. Or, vers la fin de l’année, elle est extrêmement affaiblie par la maladie et revient à Paris, où elle passera les dernières années de sa vie et où elle mettra la touche finale aux compositions qu’elle a déjà commencées. Elle meurt le 15 mars 1918, à Mézy-sur-Seine.
Jessie Montgomery is an acclaimed composer, violinist, and educator. She is the recipient of the Leonard Bernstein Award from the ASCAP Foundation, the Sphinx Medal of Excellence, and her works are performed frequently around the world by leading musicians and ensembles. Her music interweaves classical music with elements of vernacular music, improvisation, poetry, and social consciousness, making her an acute interpreter of 21st-century American sound and experience. Her profoundly felt works have been described as “turbulent, wildly colorful and exploding with life” (The Washington Post).
Jessie was born and raised in Manhattan’s Lower East Side in the 1980s during a time when the neighborhood was at a major turning point in its history. Artists gravitated to the hotbed of artistic experimentation and community development. Her parents – her father a musician, her mother a theater artist and storyteller – were engaged in the activities of the neighborhood and regularly brought Jessie to rallies, performances, and parties where neighbors, activists, and artists gathered to celebrate and support the movements of the time. It is from this unique experience that Jessie has created a life that merges composing, performance, education, and advocacy.
Since 1999, Jessie has been affiliated with The Sphinx Organization, which supports young African-American and Latinx string players. She currently serves as composer-in-residence for the Sphinx Virtuosi, their Organization’s flagship professional touring ensemble. She was a two-time laureate of the annual Sphinx Competition and was awarded their highest honor, the Sphinx Medal of Excellence. She has received additional grants and awards from the ASCAP Foundation, Chamber Music America, American Composers Orchestra, the Joyce Foundation, and the Sorel Organization.
The New York Philharmonic has selected Jessie as a featured composers for their Project 19, which marks the centennial of the ratification of the 19th Amendment, granting equal voting rights in the United States to women. Other forthcoming works include a nonet inspired by the Great Migration, told from the perspective of Montgomery’s great-grandfather William McCauley and to be performed by Imani Winds and the Catalyst Quartet; a cello concerto for Thomas Mesa jointly commissioned by Carnegie Hall, New World Symphony, and The Sphinx Organization; and a new orchestral work for the National Symphony.
Jessie Montgomery est une compositrice, violoniste et éducatrice primée. Lauréate du prix Leonard-Bernstein de la Fondation ASCAP et de la médaille d’excellence Sphinx, elle a composé des œuvres qui sont fréquemment interprétées par des musiciens et ensembles de premier plan partout dans le monde. Fine interprète de la vie et de l’expérience sonore des Américains au XXIe siècle, elle entremêle dans ses compositions musique classique, musique populaire, improvisation, poésie et conscience sociale. Le Washington Post a qualifié ses œuvres de « turbulentes, merveilleusement colorées et débordantes de vie ».
Montgomery est née et a grandi dans le Lower East Side de Manhattan. Dans les années 1980, ce quartier en pleine effervescence était le foyer par excellence de l’expérimentation artistique et du développement communautaire. Les parents de la compositrice – son père, musicien, et sa mère, conteuse et artiste de théâtre – participaient activement à la vie de leur quartier et emmenaient fréquemment leur fille aux manifestations, spectacles et soirées où se rassemblaient artistes, activistes et membres de la communauté pour faire la fête et appuyer les idées du temps. Forte de cette expérience inusitée, Montgomery s’est créé une existence qui allie composition, prestation, éducation et militantisme.
Montgomery collabore depuis 1999 avec l’organisation Sphinx, qui appuie les jeunes cordistes d’origine afro-américaine et latino-américaine. Elle est actuellement compositrice en résidence auprès de Sphinx Virtuosi, l’ensemble professionnel de tournées principal de l’organisation. Elle a d’ailleurs deux fois remporté le Concours Sphinx annuel et a obtenu sa plus haute distinction, la médaille d’excellence Sphinx. Montgomery a en outre reçu des récompenses de la Fondation ASCAP, de l’organisation Musique de chambre États-Unis, de l’Orchestre des compositeurs américains, de la Fondation Joyce et de l’organisation Sorel, notamment.
Jessie Montgomery a été choisie comme compositrice-vedette pour le Projet 19 du New York Philharmonic, qui soulignera le 100e anniversaire de la ratification du 19e amendement de la Constitution des États-Unis, lequel accorde aux femmes le droit de vote. Parmi ses autres projets en cours, notons un nonette évoquant la grande migration afro-américaine selon le point de vue de l’arrière-grand-père de la compositrice, William McCauley, qui sera interprété par Imani Winds et le quatuor Catalyst; un concerto pour violoncelle écrit pour Thomas Mesa dans le cadre d’une commande conjointe de Carnegie Hall, de l’Orchestre symphonique New World et de l’organisation Sphinx; et une nouvelle œuvre orchestrale pour le National Symphony.
Pablo de Sarasate was a Spanish violinist and composer. He was one of the 19th century’s most famous virtuoso violinists, performing regularly throughout Europe, North America, and South America. His friendship and close association with notable composers led to new works written for him to perform, which he popularized, along with concert pieces he composed, on his various tours. These works—charming and colourful, while also demanding technical brilliance—have since become a core part of the violin repertory, and continue to be beloved by violinists and audiences today.
Sarasate (christened Martín Melitón Sarasate y Navascuéz) was born in Pamplona on March 10, 1844. A child prodigy, he made his first public performance at age eight, and his talents attracted the attention and support of the Spanish elite and royalty. Following his studies with Jean-Delphin Alard at the Paris Conservatoire, Sarasate toured extensively as a concert violinist. By the early 1870s, he was famous in France, Belgium, England, the United States, and Argentina. In 1876, he gave his first performance in Vienna, an important debut in the German-speaking lands, where he eventually established his reputation and would visit annually.
According to critical reports, Sarasate’s violin playing was distinguished by a purity and sweetness in tone, and an astounding technical facility that he made to look effortless. Inspired by his abilities and showmanship, several composers wrote and dedicated works to him, including Max Bruch (Violin Concerto No. 2, Scottish Fantasy), Camille Saint-Saëns (Violin Concerto Nos. 1 and 3, Introduction and Rondo Capriccioso), Éduoard Lalo (Violin Concerto in F major, Symphonie espagnole), and Henryk Wieniawski (Violin Concerto No. 2). Sarasate himself composed 54 works, many of them based on popular and folk melodies, all of them vehicles for his virtuosic style.
In 1904, Sarasate became one of the first violin virtuosos to make gramophone recordings, releasing nine of them, including one of him playing an abridged version of Zigeunerweisen, one of his most popular showpieces. Beyond his solo career, he was an avid player of string quartets. Sarasate died in Biarritz on September 20, 1908, from chronic bronchitis.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Pablo de Sarasate (1844–1908)
Pablo de Sarasate est un violoniste et compositeur espagnol. L’un des virtuoses du violon les plus célèbres du XIXe siècle, il se produit régulièrement dans toute l’Europe, l’Amérique du Nord et l’Amérique du Sud. Il entretient des amitiés et des liens étroits avec des compositeurs connus, qui créent de nouvelles œuvres spécialement pour lui. Au cours de ses nombreuses tournées, il popularise ces pièces, de même que ses propres compositions. Ces œuvres – charmantes et colorées, quoique très exigeantes sur le plan technique – sont maintenant des pièces phares du répertoire du violon, appréciées encore aujourd’hui des violonistes et du public.
Pablo de Sarasate, de son nom complet Martín Melitón Pablo de Sarasate y Navascués, est né à Pampelune le 10 mars 1844. Enfant prodige, il se produit en public pour la première fois à l’âge de huit ans, et son talent attire l’attention et le concours de l’élite espagnole et de la famille royale. Après des études auprès de Jean-Delphin Alard au Conservatoire de Paris, Pablo de Sarasate effectue de nombreuses tournées à titre de violoniste de concert. Dès le début des années 1870, il est connu en France, en Belgique, en Angleterre, aux États-Unis et en Argentine. En 1876, il donne son premier concert à Vienne, des débuts importants en terre germanophone, où il se forgera peu à peu une réputation et reviendra chaque année.
Selon des rapports critiques, le jeu de Pablo de Sarasate se démarque par la pureté et par la douceur de son ton, et par son incroyable aisance technique. Inspirés par son talent et son sens du spectacle, plusieurs compositeurs créent des œuvres spécialement pour lui, notamment Max Bruch (Concerto pour violon no 2, Fantaisie écossaise), Camille Saint-Saëns (Concertos pour violon no 1 et 3, Introduction et Rondo Capriccioso), Édouard Lalo (Concerto pour violon en fa majeur, Symphonie espagnole) et Henryk Wieniawski (Concerto pour violon no 2). Pablo de Sarasate compose lui-même 54 œuvres, dont plusieurs inspirées de mélodies populaires et traditionnelles, qui sont toutes des véhicules pour sa virtuosité.
En 1904, Pablo de Sarasate est l’un des premiers violonistes virtuoses à contribuer à des enregistrements pour gramophone. Il en fera paraître neuf, dont un où il interprète une version abrégée de Zigeunerweisen, l’une de ses pièces les plus populaires. En plus de sa carrière solo, il se produit souvent dans des quatuors à cordes. Il décède à Biarritz, le 20 septembre 1908, d’une bronchite chronique.
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