Life Reflected

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  actor/playwright Monique Mojica

  

  actor/playwright Monique Mojica

  Monique Mojica (Guna and Rappahannock nations) Actor/ playwright Monique Mojica is passionately dedicated to a theatrical practice as an act of healing, of reclaiming historical/ cultural memory and of resistance. Spun directly from the family-web of New York’s Spiderwoman Theater, her theatrical practice embraces not only her artistic lineage through mining stories embeded in the body, but also the connection to stories coming through land and place.

  Monique’s first play Princess Pocahontas and the Blue Spots was produced in 1990 and is widely taught in curricula internationally. She was a co-founder of Turtle Gals Performance Ensemble with whom she created The Scrubbing Project, the Dora-nominated The Triple Truth and The Only Good Indian. In 2007, she founded Chocolate Woman Collective to develop the play Chocolate Woman Dreams the Milky Way, a performance created by devising a dramaturgy specific to Guna cultural aesthetics, story narrative and literary structure.

  Monique has taught Indigenous Theatre in theory, process and practice at the University of Illinois, the Institute of American Indian Arts, McMaster University and is a former co- director of the Centre for Indigenous Theatre. She has lectured on embodied research and taught embodied performance workshops throughout Canada, the U.S., Latin America and Europe.

  She was most recently seen onstage in Kaha:wii Dance Theatre’s world premiere of Re-Quickening choreographed by Santee Smith and with the National Arts Centre Orchestra in I Lost My Talk as part of the Life Reflected series.

  Upcoming projects include Side Show Freaks & Circus Injuns co-written with Choctaw playwright, LeAnne Howe and directed by Jorge Luis Morejón with an illustrious collaborative team of Indigenous artists from diverse disciplines. 

  Monique Mojica (nations kuna et rappahannock), est une actrice et auteure qui se passionne pour la pratique théâtrale, qu’elle voit comme un acte de guérison, de résistance et de revendication de la mémoire historique et culturelle. S’inscrivant dans la lignée du Spiderwoman Theatre de New York, sa pratique personnelle tire parti de son héritage artistique en mettant au jour les histoires du corps, mais aussi le lien aux histoires qui émanent de la terre et des lieux.

  Sa première pièce, Princess Pocahontas and the Blue Spots, a été produite en 1990 et fait partie de nombre de programmes d’enseignement à l’international.  Elle est l’une des cofondatrices du collectif Turtle Gals Performance Ensemble, avec qui elle a créé The Scrubbing Project, The Triple Truth (finaliste pour un prix DORA) et The Only Good Indian. Elle a fondé le Chocolate Woman Collective en 2007 pour développer la pièce Chocolate Woman Dreams the Milky Way, une production épousant une approche dramatique étroitement liée à l'esthétique, aux formes narratives et aux structures littéraires propres à la culture kuna.

  Monique Mojica a enseigné la théorie, les procédés et les pratiques du théâtre autochtone à l'Université de l'Illinois, à l'Institute of American Indian Arts et à l'Université McMaster, en plus d’être codirectrice du Centre for Indigenous Theatre. Elle a prononcé des conférences sur la recherche incarnée et a donné des ateliers d’interprétation incarnée au Canada, aux États-Unis, en Amérique latine et en Europe.

  Ses prestations les plus récentes sur scène comprennent la première mondiale de Re-Quickening, du Kaha:wii Dance Theatre, dans une chorégraphie de Santee Smith, et l’interprétation d’I Lost My Talk avec l’Orchestre du Centre national des Arts dans le cadre de la série Réflexions sur la vie.

  Parmi ses projets à venir, mentionnons Side Show Freaks & Circus Injuns, une pièce coécrite avec la dramaturge choctaw LeAnne Howe et mise en scène par Jorge Luis Morejón, qui présente une impressionnante équipe d’artistes autochtones oeuvrant dans diverses disciplines.

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  Composer Jocelyn Morlock

  

  Composer Jocelyn Morlock

  The late Jocelyn Morlock (1969–2023) was one of Canada’s leading composers, who wrote compelling music that has been recorded extensively and receives numerous performances and broadcasts throughout North America and Europe. Born in Winnipeg, she studied piano at Brandon University, and later earned a master’s degree and a Doctorate of Musical Arts from the University of British Columbia, where she was recently an instructor and lecturer of composition. The inaugural composer-in-residence for Vancouver’s Music on Main Society (2012–14), she took on the same role for the Vancouver Symphony Orchestra from 2014 to 2019.

  Jocelyn had close ties with the National Arts Centre Orchestra, who in 2015, commissioned My Name is Amanda Todd, a powerful work about the teen from Port Coquitlam, BC, who took her own life due to cyberbullying. It subsequently won the 2018 JUNO Award for Classical Composition for the Year.

  “With its shimmering sheets of harmonics” (Georgia Straight) and an approach that is “deftly idiomatic” (Vancouver Sun), Morlock’s music has received numerous national and international accolades, including Top 10 at the 2002 International Rostrum of Composers, the Mayor’s Arts Award for Music in Vancouver (2016) and the JUNO award for Classical Composition of the Year (My Name Is Amanda Todd, 2018).

  Most of Morlock’s compositions are for small ensembles, many of them for unusual combinations like piano and percussion (Quoi?), cello and vibraphone (Shade), bassoon and harp (Nightsong), and an ensemble consisting of clarinet/bass clarinet, trumpet, violin and double bass (Velcro Lizards). Cobalt, a concerto for two violins and orchestra, was her first commission for the National Arts Centre Orchestra, in 2009. Her first full-length CD, also titled Cobalt, was released on the Centrediscs label in 2014.

  La regrettée Jocelyn Morlock (1969-2023) était l’une des compositrices les plus en vue du Canada. On lui doit une œuvre fascinante qui a fait l’objet d’un grand nombre d’enregistrements et a été jouée et diffusée à de nombreuses reprises en Amérique du Nord et en Europe. Née à Winnipeg, elle a étudié le piano à l’Université de Brandon, avant d’obtenir une maîtrise et un doctorat en musique de l’Université de la Colombie-Britannique, où elle a récemment œuvré comme chargée de cours et enseigné la composition. Première compositrice en résidence de la Music on Main Society de Vancouver (2012-2014), elle a assumé le même rôle auprès de l’Orchestre symphonique de Vancouver de 2014 à 2019.

  Jocelyn entretenait des liens étroits avec l’Orchestre du Centre national des Arts qui, en 2015, lui avait commandé My Name is Amanda Todd, une œuvre puissante sur l’adolescente de Port Coquitlam, en Colombie-Britannique, qui s’est enlevé la vie après avoir subi de la cyberintimidation. L’œuvre a ensuite remporté le prix JUNO 2018 à titre de composition classique de l’année.

  Ses « harmonies chatoyantes » (Georgia Straight) et son approche « adroitement personnelle » (Vancouver Sun) ont valu à Jocelyn Morlock de nombreux prix, au pays comme à l’étranger : classement parmi les 10 finalistes à la Tribune internationale des compositeurs en 2002; le Mayor’s Arts Award dans la catégorie Musique, à Vancouver (2016); et le Prix JUNO de la Composition classique de l’année pour My Name Is Amanda Todd (2018).

  La plupart des compositions de Jocelyn Morlock sont destinées à de petits ensembles, plusieurs d’entre elles pour des combinaisons inhabituelles, telles piano et percussions (Quoi?), violoncelle et vibraphone (Shade), ou basson et harpe (Nightsong). Velcro Lizards a été composée pour un ensemble formé d’une clarinette ou d’une clarinette basse, d’une trompette, d’un violon et d’une contrebasse. Cobalt, sa première œuvre commandée par l’Orchestre du Centre national des Arts, a été créée par ce dernier en 2009; ce concerto pour deux violons et orchestre figure sur son premier album complet, aussi intitulé Cobalt, paru sous étiquette Centrediscs en 2014.

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  Composer Nicole Lizée

  

  Composer Nicole Lizée

  Called a “brilliant musical scientist” and lauded for “creating a stir with listeners for her breathless imagination and ability to capture Gen-X and beyond generation”, Montreal based composer Nicole Lizée creates new music from an eclectic mix of influences including the earliest MTV videos, turntablism, rave culture, Hitchcock, Kubrick, 1960s psychedelia and 1960s modernism. She is fascinated by the glitches made by outmoded and well-worn technology and captures these glitches, notates them and integrates them into live performance.

  Nicole’s compositions range from works for orchestra and solo turntablist featuring DJ techniques fully notated and integrated into a concert music setting, to other unorthodox instrument combinations that include the Atari 2600 video game console, omnichords, stylophones, Simon™, and karaoke tapes. In the broad scope of her evolving oeuvre she explores such themes as malfunction, reviving the obsolete, and the harnessing of imperfection and glitch to create a new kind of precision.

  In 2001 Nicole received a Master of Music degree from McGill University. After a decade and a half of composition, her commission list of over 40 works is varied and distinguished (the Kronos Quartet, BBC Proms, l’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal, CBC, Radio-Canada, the San Francisco Symphony, NYC’s Kaufman Center, Darcy James Argue’s Secret Society, So Percussion, Eve Egoyan, Gryphon Trio, MATA Festival, TorQ Percussion, Fondation Arte Musica/Musée des beaux-arts de Montréal, ECM+, Continuum, Soundstreams, SMCQ, Arraymusic, Kitchener-Waterloo Symphony). Her music has been performed worldwide in renowned venues including Carnegie Hall (NYC), Royal Albert Hall (London), Muziekgebouw (Amsterdam) and Cité de la Musique (Paris) – and in festivals including the BBC Proms (UK), Huddersfield (UK), Bang On a Can (USA), All Tomorrow’s Parties (UK), X Avant (Canada), Luminato (Canada), C3 (Berlin), Ecstatic (NYC), Switchboard (San Francisco), Casalmaggiore (Italy), and Dark Music Days (Iceland).

  Nicole was awarded the prestigious 2013 Canada Council for the Arts Jules Léger Prize for New Chamber Music. She is a Civitella Ranieri Foundation Fellow (New York City/Italy). In 2015 she was selected by acclaimed composer and conductor Howard Shore to be his protégée as part of the Governor General’s Performing Arts Awards Mentorship Program. 

  This Will Not Be Televised, her seminal piece for chamber ensemble and turntables, placed in the 2008 UNESCO International Rostrum of Composers’ Top 10 Works. Her work for piano and notated glitch, Hitchcock Études, was chosen by the International Society for Contemporary Music and featured at the 2014 World Music Days in Wroclaw, Poland. Additional awards and nominations include a Prix Opus (2013), two Prix collégien de musique contemporaine, (2012, 2013) and the 2002 Canada Council for the Arts Robert Fleming Prize for achievements in composition.

  La compositrice montréalaise Nicole Lizée crée de la musique nouvelle inspirée par un mélange éclectique d’Influences incluant les premières vidéos MTV, le turntablism, la culture rave, le glitch, Hitchcock, Kubrick, David Lynch, le courant psychédélique et le modernisme des années 1960. Elle est fascinée par les erreurs faites par les technologies démodées et bien usées, erreurs qu’elle « glitche », note et intègre dans des exécutions en direct.

  Les compositions de Nicole vont des œuvres pour orchestre et platiniste solo faisant appel à des techniques de DJ entièrement notées et intégrées dans un contexte de musique de concert, à d’autres combinaisons instrumentales inorthodoxes incluant la console de jeux vidéo Atari 2600, des omnichords, des stylophones et des pistes de karaoké. Dans son œuvre en évolution, dont la palette est vaste, elle explore des thèmes tels que la dysfonction, la résurrection d’éléments désuets et l’exploitation de l’imperfection et du glitch pour créer une nouvelle forme de précision.

  Nicole a obtenu une maîtrise en musique de l’Université McGill en 2001. Elle fait carrière de compositrice depuis une quinzaine d’années, et la liste de ses commandes, aussi variée que distinguée, dépasse les 40 œuvres et inclut des commanditaires tels le Kronos Quartet, les BBC Proms, l’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal, Radio-Canada/CBC, le San Francisco Symphony, le Kaufman Center, la Darcy James Argue’s Secret Society, Sō Percussion, Eve Egoyan, le Gryphon Trio, le MATA Festival, TorQ Percussion, la Fondation Arte Musica / le Musée des beaux-arts de Montréal, l’ECM+, Continuum, Soundstreams, l’Australian Art Orchestra, Standing Wave, la SMCQ, Arraymusic et le Kitchener-Waterloo Symphony. Sa musique a été exécutée partout dans le monde dans des salles incluant le Carnegie Hall (New York), le Royal Albert Hall (Londres), le Muziekgebouw (Amsterdam) et la Cité de la Musique (Paris) – ainsi que dans des festivals d’envergure y compris les BBC Proms (R.-U.), Huddersfield (R.-U.), Bang On a Can (É.-U.), All Tomorrow’s Parties (R.-U.), Barbican (R.-U.), X Avant (Canada), Luminato (Canada), Switchboard (San Francisco), C3 (Berlin), Ecstatic (New York), Casalmaggiore (Italie), Sonorities (Irlande), Melbourne Festival (Australie) et Dark Music Days (Islande).

  Nicole a remporté en 2013 le Prix Jules-Léger pour la musique de chambre du Conseil des Arts du Canada. Elle est une Civitella Ranieri Foundation Fellow (CRF 2010).

  Sa pièce pour piano et glitch noté, Hitchcock Études, a été sélectionnée par la Société internationale pour la musique contemporaine pour exécution lors des Journées mondiales de la musique 2014 en Pologne. This Will Not Be Televised, son œuvre phare pour ensemble de chambre et platines, s’est classée parmi les 10 œuvres retenues à l’édition 2008 de la Tribune internationale de compositeurs de l’UNESCO.

  Elle a reçu des subventions du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec, de la SOCAN, de FACTOR et de BravoFACT. Ses autres distinctions et nominations incluent un Prix Opus (2013), le Prix collégien de musique contemporaine à deux reprises (2012, 2013) et le Prix Robert-Fleming 2002 du Conseil des Arts du Canada pour réalisation dans le domaine de la composition.

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  Composer Zosha Di Castri

  

  Composer Zosha Di Castri

  Zosha Di Castri is a Canadian composer/pianist living in New York. Her work (which has been performed in Canada, the U.S., South America and Europe) extends beyond purely concert music, including projects with electronics, sound arts, and collaborations with video and dance.

  Ms. Di Castri's orchestral compositions have been commissioned by the San Francisco Symphony, New World Symphony and Esprit Symphony, and have been featured by the Orchestre symphonique de Montréal, Amazonas Philharmonic and the Cabrillo Festival Orchestra, among others. She has also worked with many leading new music groups including Talea Ensemble, Wet Ink and the NEM.

  Zosha Di Castri was the recipient of the Jules Léger Prize for New Chamber Music for her work Cortège in 2012. She completed a Bachelor of Music at McGill University, and in 2009, participated in the NAC Composer Program as part of the Summer Music Institute. She has a doctorate from Columbia University in composition. She is now Assistant Professor of music at Columbia.

  Zosha Di Castri est une compositrice et pianiste canadienne établie à New York. Ses œuvres ont été jouées au Canada, aux États-Unis, en Amérique du Sud et en Europe. Sa démarche dépasse les limites de la musique de concert, englobant aussi des projets qui intègrent l'électronique et l'art sonore, ainsi que des collaborations en vidéo et en danse.

  L'Orchestre symphonique de San Francisco, le New World Symphony et l'Esprit Orchestra ont commandé des œuvres à M^me Di Castri. Sa musique pour orchestre a aussi été interprétée par l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre philharmonique de l'Amazonas et le Cabrillo Festival Orchestra, entre autres. L'artiste a également collaboré avec de nombreuses formations de musique nouvelle de premier plan, dont l'Ensemble Talea, Wet Ink et le Nouvel Ensemble Moderne (NEM).

  Zosha Di Castri a remporté en 2012 le prix Jules-Léger de la nouvelle musique de chambre pour Cortège. Elle est titulaire d'un baccalauréat en musique de l'Université McGill et d'un doctorat en composition musicale de l'Université Columbia, où elle est actuellement professeure adjointe en musique. Elle a participé en 2009 au Programme des compositeurs de l'Institut estival de musique du CNA.

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  actor Martha Henry

  

  actor Martha Henry

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  Creative producer Donna Feore

  

  Creative producer Donna Feore

  Donna Feore is one of Canada’s most versatile creative talents and has been highly praised for her work with the Stratford Festival. She directed and choreographed last season’s smash hit, The Sound of Music, which enjoyed an extended run. This came on the heels of her 2014 production of the popular and critical hit Crazy for You, which itself followed her hugely acclaimed production of Fiddler on the Roof.

  She returns to the NAC, having recently acted as Creative Producer & Director for the NAC-commissioned Dear Life and Director for Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream. Other directing credits include Tom Stoppard’s Rock & Roll and It’s a Wonderful Life for Canadian Stage, and Lecture on the Weather by John Cage and A Soldier’s Tale with F. Murray Abraham for the Detroit Symphony.

  Selected opera credits include staging and choreography for the Canadian Opera Company’s Siegfried, which she remounted for the Opéra National de Lyon. Also for the COC: Tosca, Red Emma and Oedipus Rex, which earned her a Dora Mavor Moore Award for Best Choreography.

  Selected film and television credits include Mean Girls, Eloise, Treading Water, Politics is Cruel, Martin and Lewis and Stormy Weather. In 2016, Ms. Feore will direct and choreograph a completely reimagined version of A Chorus Line for the Stratford Festival.

  Talent créateur parmi les plus polyvalents au pays, Donna Feore a été chaudement applaudie pour ses réalisations au Festival de Stratford. Elle a signé la mise en scène et la chorégraphie du très populaire The Sound of Music – qui a tenu longtemps l’affiche la saison dernière. Elle a présenté, en 2014, Crazy for You, succès retentissant acclamé par la critique et le public, tout comme Fiddler on the Roof, qui l’a précédé.

  Pour l’Orchestre du CNA, elle a assuré récemment la production du contenu créatif et la mise en scène (m.e.s.) de Dear Life, une commande du CNA, ainsi que la m.e.s. du Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn. Toujours à titre de metteure en scène, elle a contribué aux productions Rock & Roll (Tom Stoppard) et It’s a Wonderful Life pour Canadian Stage, et collaboré avec F. Murray Abraham à Lecture on the Weather de John Cage et A Soldier’s Tale pour l’Orchestre symphonique de Detroit.

  Sur la scène opératique, elle a été metteure en scène et chorégraphe dans la production de Siegfried de la Canadian Opera Company (COC), qui a ensuite gagné la scène de l’Opéra National de Lyon. Pour la COC, elle a aussi monté Tosca, Red Emma et OEdipus Rex, qui lui a valu un prix Dora dans la catégorie Meilleure chorégraphie.

  Aux petit et grand écrans, elle a collaboré notamment à Mean Girls, Eloise, et Treading Water, Politics is Cruel, Martin and Lewis et Stormy Weather. En 2016, elle assurera la m.e.s. et la chorégraphie d’une version réinventée de la pièce A Chorus Line pour le Festival de Stratford.

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  Composer John Estacio

  

  Composer John Estacio

  Composer John Estacio is a recipient of the National Arts Centre Award for Composers (2009)– a major prize that includes the commissioning of three works for the National Arts Centre Orchestra, the first of which is Brio: Toccata and Fantasy for Orchestra. The NAC Orchestra premiered Mr. Estacio’s Brio in Ottawa and performed it on tour throughout Canada’s Atlantic provinces in 2011, during the China Tour in 2013, and the UK Tour in 2014. The UK Tour will also feature the world premiere of Mr. Estacio’s latest NAC commission, Wind Quintet.

  Mr. Estacio has written three operas including Lillian Alling, which premiered in October 2010 by the Vancouver Opera. Filumena, his first opera, premiered in 2003 in Calgary and Banff, and went on to receive four Betty Mitchell Awards, including one for outstanding production. Filumena was filmed for television and broadcast on PBS and the CBC. As composer-in-residence for several orchestras, Mr. Estacio created several compositions and recorded some of them on the JUNO nominated CD “Frenergy, the Music of John Estacio,” released by CBC Records.

  Mr. Estacio’s orchestral works have been performed at Carnegie Hall, by the Toronto Symphony Orchestra, and by the Edmonton Symphony Orchestra. The Royal Winnipeg Ballet featured several of Mr. Estacio’s orchestral works in Wonderland – a ballet choreographed by Shawn Hounsell. He composed an orchestral score for the new ballet King Arthur’s Camelot by the Cincinnati Ballet which premiered in February 2014. The Los Angeles Philharmonic and acclaimed tenor Ben Heppner toured Europe with Mr. Estacio’s arrangement of Seven Songs by Jean Sibelius.

  Le compositeur primé aux JUNO John Estacio a remporté en 2009 le Prix des compositeurs du Centre national des Arts, une distinction prestigieuse assortie d’une commande de trois œuvres pour l’Orchestre du Centre national des Arts. La première de ces pièces, intitule Brio : Toccata et Fantaisie pour orchestre, a été créée par l’Orchestre du CNA à Ottawa, puis présentée durant les tournées de l’ensemble au Canada atlantique (2011) et en Chine (2013). Elle figure également au programme de la tournée au R.-U., tout comme le Quintette à vent, plus récente commande du CNA au compositeur, présenté en première mondiale.

  On doit à John Estacio trois opéras, don’t Lillian Alling, que le Vancouver Opera a donné en première en octobre 2010. Sa première œuvre opératique, Filumena, créée à Calgary et à Banff en 2003, a été couronnée de quatre prix Betty-Mitchell, dont celui de la Meilleure production. Elle a été filmée pour la télévision et diffusée aux réseaux PBS et CBC. Compositeur en residence auprès de plusieurs orchestres, M. Estacio a signé plusieurs œuvres dont certaines se retrouvent sur le CD finaliste aux JUNO Frenergy, the Music of John Estacio, paru sous étiquette Disques SRC.

  Ses œuvres orchestrales ont été interprétées à Carnegie Hall par les orchestres symphoniques de Toronto et d’Edmonton. On en retrouve plusieurs extraits dans le ballet Wonderland du Royal Winnipeg Ballet, chorégraphié par Shawn Hounsell. Le Cincinnati Ballet lui a passé commande d’une partition d’orchestre pour le ballet King Arthur’s Camelot, dont la première a eu lieu en février 2014. L’arrangement qu’il a signé des Sept chants de Jean Sibelius a été présenté par l’Orchestre philharmonique de Los Angeles et le célèbre tenor Ben Heppner en tournée en Europe.

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  Featuring NAC Orchestra

  

  Featuring NAC Orchestra

  Since its debut in 1969, the National Arts Centre (NAC) Orchestra has been praised for the passion and clarity of its performances, its visionary educational programs, and its prominent role in nurturing Canadian creativity. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, reaching and representing the diverse communities we live in with daring programming, powerful storytelling, inspiring artistry, and innovative partnerships.

  Alexander Shelley began his tenure as Music Director in 2015, following Pinchas Zukerman’s 16 seasons at the helm. Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra, and former Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra (2009–2017), he has been in demand around the world, conducting the Rotterdam Philharmonic, DSO Berlin, Leipzig Gewandhaus, and Stockholm Philharmonic, among others, and maintains a regular relationship with the Deutsche Kammerphilharmonie and the German National Youth Orchestra.

  Each season, the NAC Orchestra features world-class artists such as the newly appointed Artist-in-Residence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki, and Principal Guest Conductor John Storgårds. As one of the most accessible, inclusive, and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.

  Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la conduite inspirée du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.

  Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.

  Chaque saison, l’Orchestre du CNA met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.

  NAC media featuring NAC Orchestra

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  Music Director Alexander Shelley

  

  Music Director Alexander Shelley

  Alexander Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s NAC Orchestra in September 2015. The ensemble has since been praised as being “transformed, hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen) and Shelley’s programming credited for turning the Orchestra into “one of the more audacious in North America” (Maclean’s). 

  Shelley is a champion of Canadian creation. Recent hallmarks include multimedia projects Life Reflected and UNDISRUPTED and three major new ballets in partnership with NAC Dance for Encount3rs. He is passionate about arts education and nurturing the next generation of musicians. He is an Ambassador for Ottawa’s OrKidstra, a charitable social development program that teaches children life skills through making music together. 

  In April 2022, Alexander Shelley made his debut at Carnegie Hall with the NAC Orchestra in its long-awaited return, and in the spring of 2019, he led the Orchestra on its critically acclaimed 50th-anniversary European tour, with stops in London, Paris, Copenhagen, and Stockholm. 

  Shelley is also the Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra and the Artistic and Music Director of Artis-Naples and the Naples Philharmonic in Florida, USA. Previous releases with the NAC Orchestra include the Juno-nominated New Worlds, Life Reflected, ENCOUNT3RS, The Bounds of Our Dreams, the acclaimed multi-volume Clara - Robert - Johannes series, all with Canadian label Analekta, as well as Truth in Our Time with Orange Mountain Music.  

  The Music Director role is supported by  Elinor Gill Ratcliffe, C.M., ONL, LL.D. (hc).

  Alexander Shelley a reçu le titre de directeur musical de l’Orchestre du CNA en septembre 2015. Depuis, l’ensemble a été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen), et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord (magazine Maclean’s) pour sa programmation. 

  Champion de la création au Canada, Shelley a signé récemment le projet multimédia Réflexions sur la vie, INCONDITIONNEL et RENCONTR3S, une collaboration avec Danse CNA comportant trois nouveaux ballets d’envergure. 

  Shelley s’attache à cultiver les talents de la relève : il est notamment un ambassadeur d’OrKidstra, un programme de développement social qui, à travers la musique, aide les jeunes d’Ottawa à acquérir des compétences essentielles. 

  En avril 2022, Shelley a fait ses débuts au Carnegie Hall avec l’Orchestre du Centre national des Arts, marquant le retour tant attendu de l’ensemble dans cette salle mythique. Au printemps 2019, il a dirigé l’Orchestre à l’occasion d’une tournée européenne très applaudie qui soulignait le 50ᵉ anniversaire de l’ensemble et qui a notamment fait escale à Londres, Paris, Copenhague et Stockholm. 

  Shelley est également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal de Londres, et directeur artistique et musical d’Artis-Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride (États-Unis). Il a déjà fait paraître avec l’Orchestre du CNA Nouveaux Mondes (finaliste aux prix Juno); Réflexions sur la vie; RENCONTR3S; Aux frontières de nos rêves; la série d’albums Clara, Robert, Johannes, tous parus sous l’étiquette canadienne Analekta et acclamés par la critique; et La vérité à l’ère moderne sous l’étiquette Orange Mountain Music. 

  Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D.  (hc).

  NAC media featuring Alexander Shelley

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  Soprano Erin Wall

  

  Soprano Erin Wall

  (1975-2020)

  Born in Calgary, Alberta, Erin Wall grew up in Vancouver, BC and studied piano at the Vancouver Academy of Music.  She pursued a singing career at Western Washington University, Aspen Summer Music Festival 1998, Rice University, Music Academy of the West 2000 and the Lyric Opera of Chicago’s Ryan Opera Center.

  Erin developed into an extraordinary lyric soprano with an international career, and performed with most of the world’s great symphony orchestras and opera companies.  She was acclaimed for her musicality and versatility, singing extensive opera and concert repertoire spanning three centuries, from Mozart and Beethoven to Britten and Strauss. She sang leading roles in many of the world’s great opera houses, including the Metropolitan Opera, Canadian Opera Company and the Lyric Opera of Chicago.

  Ms. Wall made her debut with the NAC Orchestra in 2007 and was soloist for the Orchestra’s premiere of Zosha Di Castri’s Dear Life in 2015. She also appeared at the NAC in 2010 singing Mahler’s Eighth Symphony, a work that figured prominently in her concert career. She toured with the NAC Orchestra on their 50th anniversary European tour in 2019. Her discography includes the 2010 GRAMMY® award-winning recording of this symphony for Best Classical Album, released by the San Francisco Symphony in 2009.

  Throughout her career, Erin was profoundly grateful for the mentorship opportunities she received as an artist and was committed to paying those experiences forward by nurturing the next generation of voices and musicians.

  (1975-2020)

  Née à Calgary (Alb.) et élevée à Vancouver (C.-B.), Erin Wall a étudié le piano à l’Académie de musique de Vancouver. Elle a poursuivi sa formation de chant à l’Université Western Washington, au Festival de musique d’Aspen (1998), à l’Université Rice, à la Music Academy of the West (2000) et au Lyric Opera (Centre d’opéra Ryan de Chicago).

  Devenue une exceptionnelle soprano lyrique, Wall a eu une carrière internationale, se produisant avec les plus grands orchestres symphoniques et compagnies d’opéra du monde. Sa musicalité et sa polyvalence ont été saluées : elle interprétait un vaste répertoire opératique et de concert embrassant trois siècles d’histoire, fréquentant aussi bien Mozart et Beethoven que Britten et Strauss. À l’opéra, elle a tenu des rôles de premier plan avec des compagnies aussi prestigieuses que le Metropolitan Opera, la Compagnie d’opéra canadienne et le Lyric Opera de Chicago.

  Après ses débuts avec l’Orchestre du CNA en 2007, Wall a été soliste à la création de Dear Life de Zosha Di Castri en 2015 et a été de la tournée européenne du 50^e anniversaire de l’ensemble en 2019. Elle s’est produite au CNA, en 2010, dans la Symphonie n^o 8 de Mahler, qui occupait une place de choix dans sa carrière. Sa discographie comprend d’ailleurs un enregistrement de cette œuvre avec l’Orchestre symphonique de San Francisco (2009), sacré Meilleur album classique aux Prix GRAMMY® en 2010.

  Remplie de gratitude à l’égard des mentors qui l’ont appuyée, Erin Wall a eu à cœur, tout au long de sa carrière, de donner au suivant en offrant son soutien aux musiciens et interprètes en devenir.

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