A pulsating beat of humanity in our social symphony perpetually under construction, this new work by choreographer and artistic director Rhodnie Désir unfurls a storm of bodies, sound compositions and immersive visual projections inspired by demographic and scientific data.
This large-scale production featuring music and dance artists will transform the stage into a huge heart that invites the audience...
Creative Director, Choreographer and vocal composer
Rhodnie Désir
Choreographer-documentalist and artistic director of RD Créations, Rhodnie Désir has created about fifteen pieces, like BOW'T TRAIL Retrospek and her pioneering memoir journey BOW'T TRAIL have earned her two awards from the Prix de la danse de Montréal (2020): The Prix Envol and the Grand Prix. In 2021, she was chosen as one of the "25 to watch" by Dance Magazine in New York and nominated for the prestigious career award “The APAP Award of Merit”. In 2022, she received the “Danseuse de l’année” award at the Gala Dynastie and she became the first Associate Artist of the famous Place des Arts institution in Montreal.
Her documentary and Afro-contemporary choreographic signature is rooted in rhythmic languages. A performer and orator of remarkable power, her words and her international civic actions unite beyond dance, and then shine as at UNESCO.
Chorégraphe-documentaliste et directrice artistique de RD Créations, Rhodnie Désir a créé une quinzaine d’œuvres, dont BOW’T TRAIL Rétrospek et son parcours pionnier BOW’T TRAIL qui lui valurent deux Prix de la Danse de Montréal (2020): le Prix Envol et le Grand Prix. En 2021, elle est choisie parmi les “25 to watch” du Dance Magazine de New York et nominée au prestigieux Prix de carrière “The APAP Award of Merit”. En 2022, elle est récipiendaire du Prix «Danseuse de l’année» au Gala Dynastie et elle devient la première Artiste Associée de la célèbre institution Place des arts à Montréal.
Sa signature chorégraphique-documentaire et afro-contemporaine singulière s’ancre dans les langages polyrythmiques. Performeuse et oratrice d’une remarquable puissance, sa parole et ses actions citoyennes internationales s’allient au-delà de la danse, pour rayonner tel qu’à l’UNESCO.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the UK and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the United States. In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026-2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025. Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser complement Shelley’s leadership. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen, and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the United Kingdom, Europe, and Asia.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
A pulsating beat of humanity in our social symphony perpetually under construction, this new work by choreographer and artistic director Rhodnie Désir unfurls a storm of bodies, sound compositions and immersive visual projections inspired by demographic and scientific data.
This large-scale production featuring music and dance artists will transform the stage into a huge heart that invites the audience to become aware of these rhythmic phenomena. The tension of a dancer–musician duet, a decagon of violins in an accelerating accompaniment to the plural bodies of Rhodnie Désir in balance, the tremolos of dancers in the orchestra pit silently beating out the rhythm: the collective result will burst forth like an ode to the power of the heart.
Creative Director, Choreographer and vocal composer
Rhodnie Désir
Choreographer-documentalist and artistic director of RD Créations, Rhodnie Désir has created about fifteen pieces, like BOW'T TRAIL Retrospek and her pioneering memoir journey BOW'T TRAIL have earned her two awards from the Prix de la danse de Montréal (2020): The Prix Envol and the Grand Prix. In 2021, she was chosen as one of the "25 to watch" by Dance Magazine in New York and nominated for the prestigious career award “The APAP Award of Merit”. In 2022, she received the “Danseuse de l’année” award at the Gala Dynastie and she became the first Associate Artist of the famous Place des Arts institution in Montreal.
Her documentary and Afro-contemporary choreographic signature is rooted in rhythmic languages. A performer and orator of remarkable power, her words and her international civic actions unite beyond dance, and then shine as at UNESCO.
Chorégraphe-documentaliste et directrice artistique de RD Créations, Rhodnie Désir a créé une quinzaine d’œuvres, dont BOW’T TRAIL Rétrospek et son parcours pionnier BOW’T TRAIL qui lui valurent deux Prix de la Danse de Montréal (2020): le Prix Envol et le Grand Prix. En 2021, elle est choisie parmi les “25 to watch” du Dance Magazine de New York et nominée au prestigieux Prix de carrière “The APAP Award of Merit”. En 2022, elle est récipiendaire du Prix «Danseuse de l’année» au Gala Dynastie et elle devient la première Artiste Associée de la célèbre institution Place des arts à Montréal.
Sa signature chorégraphique-documentaire et afro-contemporaine singulière s’ancre dans les langages polyrythmiques. Performeuse et oratrice d’une remarquable puissance, sa parole et ses actions citoyennes internationales s’allient au-delà de la danse, pour rayonner tel qu’à l’UNESCO.
Canada’s National Arts Centre (NAC) Orchestra is praised for the passion and clarity of its performances, its visionary learning and engagement programs, and its unwavering support of Canadian creativity. The NAC Orchestra is based in Ottawa, Canada’s national capital, and has grown into one of the country’s most acclaimed and dynamic ensembles since its founding in 1969. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, engaging communities from coast to coast to coast through inclusive programming, compelling storytelling, and innovative partnerships.
Since taking the helm in 2015, Shelley has shaped the Orchestra’s artistic vision, building on the legacy of his predecessor, Pinchas Zukerman, who led the ensemble for 16 seasons. Shelley’s influence extends beyond the NAC. He serves as Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra in the UK and Artistic and Music Director of Artis—Naples and the Naples Philharmonic in the United States. In addition to his other conducting roles, the Pacific Symphony in Los Angeles’s Orange County announced Shelley’s appointment as its next Artistic and Music Director. The initial five-year term begins in the 2026-2027 season, with Shelley serving as Music Director-Designate from September 2025. Principal Guest Conductor John Storgårds and Principal Youth Conductor Daniel Bartholomew-Poyser complement Shelley’s leadership. In 2024, the Orchestra marked a new chapter with the appointment of Henry Kennedy as its first-ever Resident Conductor.
The Orchestra has a rich history of partnerships with renowned artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen, and Yeol Eum Son, underscoring its reputation as a destination for world-class talent. As one of the most accessible, inclusive and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
A hallmark of the NAC Orchestra is its national and international tours. The Orchestra has performed concerts in every Canadian province and territory and earned frequent invitations to perform abroad. These tours spotlight Canadian composers and artists, bringing their voices to stages across North America, the United Kingdom, Europe, and Asia.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
Jorane is the recipient of the prestigious André Gagnon Award from the SPACQ (2015) and received an honourable mention for the Her Music Award bestowed by SOCAN (2023). Her musical career has spanned more than 20 years and has been marked by ambitious accomplishments that have been recognized by the industry. Her most recent album, Hemenetset, earned her nods at the Junos, Adisq, and GAMIQ.
With a dozen albums to her credit and tours that have taken her to the four corners of the world, Jorane emerges as a sonic explorer and an artist of rare freedom, at times at the command of her own projects, and other times at the service of art in its various forms. She has created the soundtracks for numerous theatrical, cinematographic, televisual and documentary works, most notably for the plays LeJournal d'Anne Frank (Gascon-Roux Award) and Albertine en cinq temps, as well as for the film Un dimanche à Kigali, which earned her a Jutra in 2007.
Her achievements include work with the OSQ, the Orchestre Métropolitain, the I Musici ensemble, Margie Gillis, Michael Brook, and Sara Maclachlan and most recently with the Felix & Paul Studios, Award-winning creator of immersive entertainment experiences, highly engaging and inspired virtual reality, augmented reality and mixed reality experiences for audiences worldwide. During her career, Jorane has also shared the stage with Bobby McFerrin, Daniel Lanois, and Anne Sylvestre, to name only a few. Jorane is a spokesperson for Le Phare, Enfants et Familles and a very involved member of the community. She is also an advocate for various organizations working with women in vulnerable situations.
Récipiendaire du prestigieux prix André Gagnon de la SPACQ (2015) et décorée d’une mention honorable Elles de la musique de la SOCAN (2023), Jorane s’élève sur une carrière musicale de plus de 20 ans, jalonnée de réalisations ambitieuses moult fois récompensées par l’industrie. Son plus récent album, Hemenetset, lui a valu des nominations aux Junos, à l’Adisq et aux GAMIQ.
Avec une douzaine d’albums à son actif et des tournées l’ayant menée aux quatre coins du globe, Jorane se présente comme une exploratrice sonore et une créatrice d’une rarissime liberté, tantôt aux commandes de ses propres projets, tantôt au service de l’art sous diverses formes. Elle signe les trames sonores de nombreuses oeuvres théâtrales, cinématographiques, télévisuelles et documentaires, notamment pour les pièces le Journal d’Anne Frank (prix Gascon-Roux) et Albertine en cinq temps, de même que pour le film Un dimanche à Kigali, qui lui vaudra un Jutra en 2007.
Parmi ses illustres collaborations, notons son travail avec l’OSQ, l’Orchestre métropolitain, l’ensemble I Musici, Margie Gillis, Michael Brook et Sara Maclachlan. Au cours de sa carrière, Jorane partagera également la scène avec Bobby McFerrin, Daniel Lanois et Anne Sylvestre pour ne nommer qu’eux. Porte-parole du Phare, Enfants et Familles et citoyenne engagée, Jorane s’implique aussi aux côtés de diverses organisations oeuvrant auprès de femmes en situations de vulnérabilité.
Conductor Naomi Woo, named by CBC in 2019 as a “Top 30 Classical Musicians under 30”, is the Assistant Conductor of the Winnipeg Symphony Orchestra and the first-ever Music Director of Sistema Winnipeg. Born in Newfoundland and raised in North Vancouver, Naomi conducts across Canada and is noted for her work as a socially-engaged artist and educator, with appearances at the National Arts Centre Orchestra, Kitchener-Waterloo Symphony Orchestra, Regina Symphony Orchestra, and the Saskatoon Symphony Orchestra. An advocate for opera and new music, Naomi recently led the Canadian premiere of Du Yun’s Pulitzer Prize-winning Angel’s Bone (re:Naissance Opera) and the world premiere of Ellis Ludwig-Leone’s The Night Falls (BalletCollective, American Opera Projects). She holds degrees from Yale, Université de Montréal, and Cambridge.
Saluée par la CBC comme l’une des 30 meilleures artistes classiques de moins de 30 ans en 2019, la chef d’orchestre Naomi Woo est l’assistante chef d’orchestre de l’Orchestre symphonique de Winnipeg et la toute première directrice musicale de Sistema Winnipeg. Née à Terre-Neuve et élevée à North Vancouver, Naomi dirige des orchestres aux quatre coins du Canada et est reconnue pour son travail d’artiste et de formatrice engagée ainsi que pour ses collaborations avec l’Orchestre du CNA, l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo, l’Orchestre symphonique de Regina et l’Orchestre symphonique de Saskatoon. Grande ambassadrice de l’opéra et de la nouvelle musique, Naomi a récemment dirigé la première canadienne de Angel’s Bone (avec le re:Naissance Opera) de la compositrice Du Yun, qui a remporté un prix Pulitzer pour cette œuvre, et la première internationale de The Night Falls de Ellis Ludwig-Leone (avec le BalletCollective et l’American Opera Project). Elle est diplômée de Yale, de l’Université de Montréal et de Cambridge.
Musician/Beatmaker/Composer - Producer, beat-maker, field recordist and Instrument of Ancestors, Engone Endong offers an alternative approach to music and gabonese tradition by cleverly mixing ancestral knowledge with contemporary electronic, hip-hop and experimental sounds. Collaborating internationally as a DJ/producer with such artists as Elom 20ce from Togo, Pamela Badjogo/Prix RFI Découverte finalist, and Société des Arts Technologiques, he also composed soundtracks for the movie “Les Etats-Unis d’Afrique: au-delà du hip-hop” by Yanick Létourneau (PERIPHERIA, Prix de la Critique RIDM 2011). He performed alongside the legendary American DJ Rich Medina and was the headline of the Piknic Electronik festival in 2013. His politically instrumental album #OKENG was critically acclaimed by OKAYAFRICA and AFROPUNK. Since 2017, he has collaborated with Rhodnie Désir on many works as Dusk Society (2017), BOW'T TRAIL Retrospek (2020), BOW’T-Tio’tia:ke (2021), Conversations (2021), MWON’D (2022) and he is currently working on her new piece Symphony of hearts (2024).
Musicien/Beatmaker/Compositeur/Producteur, Engone Endong propose une approche alternative de la musique et de la tradition gabonaise en mélangeant astucieusement les connaissances ancestrales avec des sons contemporains électroniques, hip-hop et expérimentaux. Collaborant internationalement en tant que DJ/producteur avec des artistes tels que Elom 20ce du Togo, Pamela Badjogo/Prix RFI Découverte finaliste, et Société des Arts Technologiques, il a également composé les bandes sonores du film "Les Etats-Unis d'Afrique : au-delà du hip-hop" de Yanick Létourneau (PERIPHERIA, Prix de la Critique RIDM 2011). Il s'est produit aux côtés du légendaire DJ américain Rich Medina et a été la tête d'affiche du festival Piknic Electronik en 2013. Son album politiquement instrumental #OKENG a été salué par la critique d'OKAYAFRICA et d'AFROPUNK. Depuis 2017, il a collaboré avec Rhodnie Désir sur de nombreuses œuvres comme Dusk Society (2017), BOW'T TRAIL Retrospek (2020), BOW’T-Tio’tia:ke (2021), Conversations (2021), MWON'D (2022) et il travaille actuellement sur sa nouvelle pièce Symphonie de coeurs.
Salif Sanou, known as Lasso, was born into a griot family established in Bwaba village
called Konkuy-Boho, in the province of Kossi in northwestern Burkina Faso. Being a griot
from father to son for several generations, he grew up in a world where music is at the heart
of life. He discovered very early on his talents for several african traditional instruments
and for singing. First introduced to percussion with the balafon, the doum-doums, the tam-
tam, the tamarind, the bara and the djembe, he continued his discovery of talents with the
chamaillé n'goni in 1999. In 2004, Lasso discovered an incredible passion and skill for the
Fulani flute (Mandingo flute or speaking flute), with his cousin and master Dramane
Dembélé. He quickly became one of the most gifted flutists and some of his friends even
called him “Las flûte”.
After playing for several years with renowned artists in Burkina Faso, Lasso arrived in
Quebec in 2009. He performed in several events including the opening of the Olympic
Games in Nanaimo (Vancouver), the Festival de la Musique de Québec, the benefit evening
for young world musicians and the Fête Nationale du Québec. He participated in street
theatrical events and shows in small venues, bars and cafes in addition to performing with
the Motus theater troupe for the internationally renowned play “Baobab”. He has also
accompanied several artists in various festivals including the Festival International Nuits
d'Afrique, the Festival International de Jazz de Montréal and the Francofolies. Lasso is also
part of other projects as a musician artist and founding member since 2016 of '' KUNÉ ''
Canada's Global Orchestra (from the Royal Conservatory of Music in Toronto). A group
of 12 musicians from different nationalities in Canada. Two albums were released in April
2018 and in 2023.
As a singer-songwriter, he formed his own group in November 2009 called Lasso & SINI-
KAN (the voice of tomorrow). It shares a mix of several traditional instruments (balafon,
Fulani flute, kambélé n'goni, tamani, percussion) and modern sounds (vibraphone, drums,
guitar, bass). Together, they create harmony between traditional Mandinka music and
several other musical styles (jazz, blues, rock, reggae). Lasso created his own musical genre
: Fusion Reggae Afro Mandingue Métissé (F.R.A.M.M.). The group has performed many
times at Balattou (Montreal), Bobards (Montreal), Ninkasi du Faubourg (Quebec), Fou Bar
(Quebec), Agitée (Quebec), Mouton Noir (Baie -St-Paul), in the North-West (Trois-
Rivières) at Laval University (Quebec), at the Quebec Days of International Solidarity
(cégep de Victoriaville) as well as at several African village festivals. Lasso & Sini-Kan
has participated in several festivals including: l'Afrique en Fête (Québec), the Journées
d'Afrique festival (Trois-Pistoles), the Festival International Nuits d'Afrique and the
national holidays of Canada and Quebec. (Ottawa, Quebec and Montreal), the Mondo
Karnaval festival (Quebec), the Intercultural Week of Lévis Lauzon (Quebec) The African
Party in Inverness.
Salif Sanou, dit Lasso, est né dans une famille griotte établie dans un village bwaba nommé Konkuy-Boho, dans la province de la kossi au nord-ouest du Burkina Faso. Étant griot de père en fils depuis plusieurs générations, il grandit dans un univers où la musique et la parole sont au cœur de la vie. C’est ainsi qu’il a découvert très tôt ses talents pour plusieurs instruments traditionnels et pour le chant. D’abord initié à la percussion avec le balafon, les doum-doums, le tam-tam à serres, le tamarin, le bara et le djembé, il poursuit sa découverte de talents avec le chamaillé n’goni en 1999. En 2004, Lasso se découvre une passion et une habileté incroyable pour la flûte peule (flûte mandingue ou encore flûte à parler), avec son cousin et maître Dramane Dembélé. Il devient rapidement l’un des flutistes les plus doués et certains de ses amis l’appellent même « Las flûte ». Après avoir joué pendant plusieurs années avec des artistes de renom au Burkina Faso, Lasso arrive au Québec en 2009. Il s’est produit dans plusieurs événements dont l’ouverture des Jeux Olympiques à Nanaimo (Vancouver), le Festival de la Musique de Québec, la soirée bénéfice jeunes musiciens du monde et la Fête nationale du Québec. Il a aussi participé à des animations théâtrales de rue et à des spectacles dans des petites salles, bars et cafés en plus de se produire avec la troupe de théâtre Motus pour la pièce de renommée internationale « Baobab ». Il a par ailleurs accompagné plusieurs artistes dans divers festivals dont le Festival International Nuits d’Afrique, le Festival International de Jazz de Montréal et les Francofolies. Lasso fait aussi parti d’autres projets comme artiste musicien et membre fondateur dont, depuis 2016, ‘’ KUNÉ ‘’ Canada’s Global Orchestra (du conservatoire royal de musique à Toronto). Un groupe de 12 musiciens de différentes nationalités au Canada. Deux albums sont sortis en 2018 et 2023. En tant qu’auteur-compositeur-interprète, il forme en novembre 2009 son propre groupe nommé Lasso & SINI-KAN (la voix de demain). Cette formation est composée d’un métissage de plusieurs instruments traditionnels (balafon, flûte peule, kambélé n’goni, tamani, percussions) et modernes (vibraphone, batterie, guitare, basse). Ensemble, ils créent l’harmonie entre la musique traditionnelle mandingue et plusieurs autres styles musicaux (jazz, blues, rock, reggae), afin de faire naître leur propre genre musical: Fusion Reggae Afro Mandingue Métissé (F.R.A.M.M.). Le groupe s’est produit de nombreuses fois au Balattou (Montréal), aux Bobards (Montréal), à la Ninkasi du faubourg (Québec), au Fou Bar (Québec), à l’Agitée (Québec), au Mouton Noir (Baie-St-Paul), au Nord- Ouest(Trois-Rivières) à l’Université Laval (Québec), aux Journées québécoises de la Solidarité internationale (Victoriaville) ainsi qu’à plusieurs fêtes africaines de villages. Lasso & Sini-Kan a participé à plusieurs festivals parmi lesquels: l’Afrique en Fête (Québec), le festival Journées d’Afrique (Trois-Pistoles), le Festival International Nuits d’Afrique et les fêtes nationales du Canada et du Québec (Ottawa, Québec et Montréal), le festival Mondo Karnaval (Québec), la Semaine Interculturelles de Lévis Lauzon (Québec) La Fête Africaine à Inverness.
Marilyne Cyr completed her performance training at the École supérieure de ballet du Québec in 2014. Since then, she has danced with the RUBBERBANDance Group, with the circus company Les 7 Fingers, with Compagnie Marie Chouinard, Ballet Ouest de Montreal, Andrea Pena & Artists, the Opéra de Québec and Ampleman Danse. Marilyne has worked with several emerging choreographers for stage or video-dance, such as Vanesa Garcia, Eva Kolarova, Geneviève Gagné, Kunal Ranchod, Kaitlyn Ramsden, Pauline Gervais, Olivia St-Jacques, Charles-Alexis Desgagnés, Nicholas Bellefleur-Bondu and Vanessa Brazeau. Marilyne is currently working with the companies PPS Danse, Sylvain Émard Danse, Rhodnie Désir Créations and Janie et Marcio. She collaborates as a performer with choreographer Andrew Skeels (Skeels Danse) and assists him with commissions from other companies. These various experiences brought Marilyne to several cities in Quebec, the Netherlands, Belgium, France, the United States, Serbia and Lithuania.
Marilyne Cyr complète sa formation en interprétation à l’École supérieure de ballet du Québec en 2014. Depuis, elle a dansé au sein du Groupe RUBBERBANDance, avec la compagnie de cirque Les 7 doigts de la main, avec Compagnie Marie Chouinard, Ballet Ouest de Montréal, Andrea Pena & Artists, l’Opéra de Québec et Ampleman Danse. Marilyne a travaillé avec plusieurs chorégraphes émergents pour la scène ou la vidéo-danse, tels que Vanesa Garcia, Eva Kolarova, Geneviève Gagné, Kunal Ranchod, Kaitlyn Ramsden, Pauline Gervais, Olivia St-Jacques, Charles-Alexis Desgagnés, Nicholas Bellefleur-Bondu et Vanessa Brazeau. Marilyne travaille actuellement avec les compagnies PPS Danse, Sylvain Émard Danse, Rhodnie Désir Créations et Janie et Marcio. Elle collabore comme interprète avec le chorégraphe Andrew Skeels (Skeels Danse) et l’assiste pour des commissions auprès d’autres compagnies. Ces diverses expériences ont amené Marilyne dans plusieurs villes du Québec, aux Pays-Bas, en Belgique, en France, aux États-Unis, en Serbie et en Lituanie.
Mara Dupas is a French-Canadian artist of Martinican descent.
After moving to Montreal at age 9 with their family, they quickly discovered their love for movement.
Mara studied classical ballet before integrating the Montreal school of contemporary dance (EDCM) in 2019. Since graduating, they had the opportunity to collaborate with choreographers such as Charlie Prince and Louise Bédard, in addition to developing their own practice as a creator.
Mara mainly uses writing and movement as mediums, allowing them to speak out on societal and individual issues. Their work explores West Indian culture, and ways in which traditional dances from Martinique can be mixed with a contemporary dance practice.
Mara Dupas est une artiste franco-canadienne d’origine martiniquaise.
C’est à Montréal qu’elle découvre sa passion pour le mouvement et la création chorégraphique. Après une formation en danse classique, Mara intègre le programme professionnel de l’École de Danse Contemporaine de Montréal (2019-2022). Elle collabore en tant qu’interprète avec Louise Bédard, Marie Béland et Charlie Prince, entre autres, et signe en 2022 sa première création : Dépi Temps.
En parallèle à sa pratique en danse, Mara explore son rapport à l’écriture en publiant plusieurs textes. Son travail explore les thèmes du métissage, de la culture antillaise et de l’absurdité.
Camille Gendron is a contemporary dance artist based in Tiohtià:ke/Mooniyang/Montreal. During their time at the Université du Québec à Montréal (UQÀM), they acquired a rich interpretive and creative experience working with Caroline Laurin-Beaucage, Alan Lake, Danièle Desnoyers, Anne Thériault, James Viveiros, Kelly Keenan and Melina Pires.
Amazed by the perceptive capacity of the human body, Camille enjoys diving into sensations to turn them into a fertile playground to redefine our relationship with ourselves, others and the land. They nourish a fluid movement imbued with density, driven by the search for gateways to self-transcendence and interrelation with the environment.
Having begun their career in History, Anthropology and Native Studies before choosing movement as a career path, Camille now nourishes their practice with socio-political reflections and a desire for honest and challenging human connections. These values are embodied in their choreographic practice, leading to the multidisciplinary co-creations [re]prendre Terre (2021) and Aux effluves de fluides et de cierges (2022).
Camille Gendron est un·e artiste en danse contemporaine basé·e à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal. Titulaire d’un baccalauréat en danse, iel retire de son passage à l’Université du Québec à Montréal une riche expérience interprétative et créatrice en travaillant notamment avec Caroline Laurin-Beaucage, Alan Lake, Danièle Desnoyers, Anne Thériault, James Viveiros, Kelly Keenan et Melina Pires.
Émerveillé·e par la capacité perceptive du corps humain, Camille s'amuse à explorer les sensations corporelles pour en faire un terrain de jeu fertile à une redéfinition du rapport à soi, aux autres et au territoire. Iel alimente ainsi un mouvement fluide empreint de densité, animé·e par la recherche de portes d’entrée vers le dépassement de soi et l’interrelation à l’environnement.
Ayant débuté un parcours en histoire, anthropologie et études autochtones avant de se tourner vers le mouvement, Camille nourrit aujourd’hui sa pratique de réflexions socio-politiques ainsi que d’un désir de connexions humaines franches et revendicatrices. Ces valeurs s’incarnent d’ailleurs dans sa pratique chorégraphique, à travers laquelle les co-créations multidisciplinaires [re]prendre Terre (2021) ainsi qu’Aux effluves de fluides et de cierges (2022) ont vu le jour.
Aly Keita commence son parcours artistique à l'âge de 13 ans, en Guinée. Il étudie les arts du cirque, la danse et la musique au Centre d'art acrobatique Keita Fodeba. En 2016, il arrive au Canada dans le cadre d'une initiative d'échange culturel entre jeunes Inuits et Guinéens, qui débouche sur la production du documentaire "Cirque sans frontières". Depuis, il collabore avec divers organismes, notamment les Productions Kalabanté, le Cirque Eloize, Cavalia, Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, MAPP_Montréal, Collectif White Wash, Jobel Art for Earth, Fondation de la Place des Arts et plus encore. À partir de 2020, il crée et présente sa propre production, "Djata : Conversations du Manden". Il a également participé à "Afro Canada", un documentaire en quatre parties sur 400 ans d'histoire des afro-descendants, diffusé par Radio-Canada. Il possède une vaste expérience de l'enseignement et de la médiation culturelle.
Aly Keita commence son parcours artistique à l'âge de 13 ans, en Guinée. Il étudie les arts du cirque, la danse et la musique au Centre d'art acrobatique Keita Fodeba. En 2016, il arrive au Canada dans le cadre d'une initiative d'échange culturel entre jeunes Inuits et Guinéens, qui débouche sur la production du documentaire "Cirque sans frontières". Depuis, il collabore avec divers organismes, notamment les Productions Kalabanté, le Cirque Eloize, Cavalia, Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, MAPP_Montréal, Collectif White Wash, Jobel Art for Earth, Fondation de la Place des Arts et plus encore. À partir de 2020, il crée et présente sa propre production, "Djata : Conversations du Manden". Il a également participé à "Afro Canada", un documentaire en quatre parties sur 400 ans d'histoire des afro-descendants, diffusé par Radio-Canada. Il possède une vaste expérience de l'enseignement et de la médiation culturelle.
Parallel to her studies at the École de danse contemporaine de Montréal, Luce began practicing authentic movement with Sarah Dell'Ava, which enabled her to further develop her ability to listen to her own body and to meet that of others. This encounter with Sarah led to several shows, including O presented at Festival Trans Amérique 2020 and O2 presented at Tangente 2022.
Luce is one of the performers in FLY 2021, with guest choreographer Katia Marie Germain. From here, the piece Mascarades is born, in development for late 2023.
At the beginning of 2022, Luce meets Aurélie Pédron, with whom she works on the creation of Invisible, presented at OFFTA 2022, on the research project Faire Corps and on the teaching project Poésie.
For Luce, teaching, sharing and transmitting are important pillars for reaching out to others and building tomorrow's world. In autumn 2022, she begins an apprenticeship with Andrew Harwood, whom she assists at the École de danse Contemporaine de Montréal.
Sensitive to the transversality of the arts, Luce takes courses in theater and painting.
In 2023, she begins a new creation Symphony oh hearts, choreographed by Rhodnie Désir.
Luce works as a performer for other emerging choreographers such as Rachelle Bourget (Meridian
Response), Philipe Dépelteau in (Les briques), Marie Lévêque in (25 kilomètres), Julianne Decerf (Can you
feel the burn?).
En parallèle de ces études à l’école de danse contemporaine de Montréal Luce commence la pratique du mouvement authentique avec Sarah Dell!Ava, qui lui permet de développer encore davantage l’écoute de son corps et la rencontre avec celui des autres. Plusieurs spectacles découlerons de cette rencontre avec Sarah; O présenté au Festival Trans Amérique 2020 et O2 présenté à Tangente 2022.
Luce fait partie des interprètes de l’édition FLY 2021 avec comme chorégraphe invité Katia Marie Germain. D’ici naît le pièce Mascarades qui est en évolution pour fin 2023.
Début 2022, Luce rencontre Aurélie Pédron avec qui elle travaille sur des projets de; création Invisible présenté au OFFTA 2022; de recherche Faire Corps et de pédagogie Poésie.
La pédagogie, le partage et la transmission sont pour Luce des piliers important pour aller à la rencontre de l’autre et construire le monde de demain. L’automne 2022 elle commence un apprentissage au près Andrew Harwood qu’elle assiste à l’École de danse Contemporaine de Montréal.
Sensible la transversalité des arts Luce prends des cours de théâtre et de peinture.
En 2023, elle début une nouvelle création Symphonie de coeurs, chorégraphie par Rhodnie Désir.
Luce travaille en tant qu’interprète pour d’autres chorégraphes émergents tel que Rachelle Bourget (Meridian Response), Philipe Dépelteau dans (Les briques), Marie Lévêque dans (25 kilomètres), Julianne Decerf (Can you feel the burn?).
Emmanuelle Martin holds a bachelor's degree in dance and has trained in France, the United States, and Canada. She specializes in contemporary and urban dance and is known for her versatility, improvisation skills, and strong presence. With over ten years of experience, Emmanuelle has collaborated with artists and companies internationally and currently works with Van Grimde Corps Secret, Trip the Light Fantastic, Bouge de là, Audrey Gaussiran, Barbara Diabo, Jobel Art, Early Morning Opera and Sinha Danse.
Emmanuelle founded Nouena Danse in 2019, and her work includes Angel, Encounter, presented at both the ZemmourBallet and Quartiers Danses festivals, the award-winning Chimion, and Anges Lumières.
Titulaire d’un baccalauréat en danse, Emmanuelle Martin a étudié en France, aux États-Unis et au Canada. Affichant une prédilection pour la danse contemporaine et urbaine, elle impressionne par sa polyvalence, ses talents d’improvisatrice et sa forte présence sur scène. Depuis plus de dix ans, elle enchaîne les collaborations avec des artistes et compagnies du monde entier, notamment Van Grimde Corps Secret, Trip the Light Fantastic, Bouge de là, Audrey Gaussiran, Barbara Diabo, Jobel Art, Early Morning Opera et Sinha Danse.
Fondatrice de la compagnie Nouena Danse en 2019, Emmanuelle Martin signe également plusieurs spectacles dont Angel, Encounter – présenté aux festivals ZemmourBallet et Quartiers Danses – Chimion et Anges Lumières.
Born in Tio’tia:ke (Montreal), Mya Thérésa Métellus’ passion for dance develops quite early and leads them to classical ballet. Twelve years later, turning towards contemporary dance allows a sort of liberation and a feeling of inclusivity through which a career seems conceivable. All the while, Mya discovers multiple styles including lyrical, tap, musical comedy, hip hop and Haitian folk dances. These gave them access to the different facets of their dance and enabled them to explore their Haitian heritage. After completing two- years in the bachelor program in dance at UQAM, Mya enrolled at the École de danse contemporaine de Montréal, where the creative processes - with Stacey Désilier, Sébastien Provencher, Hélène Remoué, Edgar Zendejas, Stefania Skoryna, Parts+Labour_Danse and Alanna Kraaijeveld - as well as the reworking of repertoires - with Compagnie Marie Chouinard, Jacques Poulin-Denis and Stephanie Lake - were richly rewarding. Mya tries to carry their voice as an assertive leader and their artistic singularity through all encounters, as well as delving into their origins.
Né.e à Tio’tia :ke (Montréal), Mya Thérésa Métellus développe très jeune sa passion pour la danse et se lance dans la pratique du ballet classique. Douze ans plus tard, iel se tourne vers la danse contemporaine pour son côté libérateur et inclusif, et entrevoit une possibilité de carrière. Mya découvre parallèlement une multitude de styles comme le lyrique, la claquette, la comédie musicale, le hip hop et les danses folkloriques haïtiennes. Ceux-ci lui permettent d’accéder aux différentes facettes de sa danse et d’explorer son héritage haïtien. Après deux ans au baccalauréat en danse à l’UQAM, Mya intègre l’École de danse contemporaine de Montréal où les processus créatifs – avec Stacey Désilier, Sébastien Provencher, Hélène Remoué, Edgar Zendejas, Stefania Skoryna, Parts+Labour_Danse et Alanna Kraaijeveld – ainsi que le remontage de répertoires – avec la Compagnie Marie Chouinard, Jacques Poulin-Denis et Stephanie Lake – sont riches. Mya tente de transporter sa voix de leader assumé.e et sa singularité artistique à travers toutes ses rencontres, ainsi que de plonger dans ses origines.
Carlos-Alexis Mendoza is a multidisciplinary dancer specializing in electro dance. Born in Montreal to Peruvian parents, he has traveled to France, Spain and all over South America for compete and to interact with other electro dance specialists. His expertise in this style and his desire to deepen his knowledge of dance led him to continue his studies at École de danse contemporaine de Montréal. Thus, he collaborated in the creations of José Navas, Lucie Grégoire, Alan Lake, as well as the revival of the repertoire piece Les corps avalés by Virginie Brunelle, before graduating in 2022. At the same time, in 2019, Carlos-Alexis creates Cypher Electro in order to share his knowledge and his vision of this style of dance. Today, he collaborates with choreographers such as Rhodnie Désir (RD Créations), Hélène Langevin (Bouge De Là) and Alexandre Morin (Other Animals) from whom he draws inspiration to deepen his choreographic research and the aesthetics by incorporating everything that inspires him: his identity, his origins and his vision of the contemporary world.
Carlos-Alexis Mendoza est un danseur pluridisciplinaire passionné et spécialisé en danse électro depuis son enfance. Né à Montréal de parents péruviens, il a voyagé en France, en Espagne et partout en Amérique du Sud pour des compétitions et pour échanger avec d’autres spécialistes de la danse électro. Son expertise dans ce style et sa soif d’approfondir ses connaissances en danse l’ont amené à poursuivre ses études à l’École de danse contemporaine de Montréal. Ainsi, il collabore aux créations de José Navas, Lucie Grégoire, Alan Lake, ainsi qu’à la reprise de la pièce de répertoire Les corps avalés de Virginie Brunelle, avant d’être diplômé en 2022. Parallèlement, en 2019, Carlos-Alexis crée Cypher Electro afin de partager son savoir et sa vision de ce style de danse. Aujourd’hui, il collabore avec des chorégraphes comme Rhodnie Désir (RD Créations), Hélène Langevin (Bouge De Là) et Alexandre Morin (Other Animals) dont il s'inspire pour approfondir sa recherche chorégraphique et l’esthétique de cette dernière en y incorporant tout ce qui l’inspire: son identité, ses origines et sa vision du monde contemporain.
Originaire de La Havane, Cuba et maintenant établi à Montréal, Ernesto Quesada Perez (Tiko) s’initie à la danse à l’âge 9 ans dans son pays natal. Il débute dans une jeune troupe de danse, où il apprend les styles populaires et traditionnels cubains. Avec cette troupe, Ernesto performe dans plusieurs théâtres locaux, maisons de la culture et émissions de télévision, ainsi acquérant ses premières expériences scéniques.
À son arrivée au Canada, il poursuit ses études secondaires en option Danse, où il fait ses premières incursions dans la danse contemporaine, hip hop et autres danses de variétés. Parallèlement, il devient membre de la troupe de l’Académie de danse Titosalsabor. Pendant ce temps, Ernesto approfondi ses connaissances sur les danses cubaines. De plus, il établit une première connexion avec les danses traditionnelles Afro-Cubaines.
Ernesto décide de poursuivre sa passion en s’inscrivant dans le programme du DEC en Danse contemporaine du Collège Montmorency (2015-2018). Ensuite, il continue sa formation professionnelle à l’École de danse contemporaine de Montréal (EDCM) (2018- 2021). Tiko éprouve une énorme ouverture pour la danse et en 2017, sa curiosité artistique l’amène à participer à l’expérience du Programme. Il s’agit d’une formation intensive qui permet d’intégrer la danse urbaine dans un milieu de danse professionnel. C’est à ce moment qu’il découvre sa passion pour la culture de la streetdance. Après avoir vécu le côté commercial, Ernesto explore le Hip Hop avec une approche plus basée sur le mouvement libre (Freestyle). En passant par une connaissance profonde de son corps, il cherche à amalgamer les danses des rues, la danse contemporaine et son héritage cubain dans le but de trouver une manière de bouger authentique.
Gregory Krypto Selinger has interpreted for Solid State Breakdance Collective and choreographed the trio Still Milking the New Sacred Cow under the mentorship of Victor Quijada. Greg’s work often blends dance and spoken word. His autobiographical danced monologue A Piece of: My Heart (Breaking) has been presented in Montreal, Quebec City, Ontario, Germany, and Mexico. He is the founder of the interdisciplinary improvisation collective Body Slam. In 2015, he interpreted for The Dietrich Group’s Dora award-winning piece This is a Costume Drama. He is currently in creation for Geneviève Duong’s The Northwest Passages and Rhodnie Désir’s Symphonie of hearts. He is also a collaborator on The Mars Project: a sci-fi musical directed by tap dance artist Travis Knights.
La singularité qui défini la gestuelle de Gregory Krypto Selinger ainsi que son style éclectique font de lui un incontournable de la scène breakdance Montréalaise. Son travail se caractérise par l’exploration incessante des potentiels inexploités du vocabulaire gestuel du style breakdance. Ayant été inspiré par les pionniers du breakdance contemporain, en 2009 Gregory est devenu interprète pour la compagnie Solid State Breakdance Collective et à chorégraphié le trio Still Milking the New Sacred Cow sous le mentorat de Victor Quijada. Son solo autobiographique A Piece of: My Heart (Breaking) à été présenté à Montréal, à Québec, en Ontario, en Allemagne et au Mexique. Il a dirigé un solo mettant en scène la légende du breakdance Jacob Kujo Lyons (Creative Extremist au Théâtre MAI) et il a dansé dans 3 courtes solos auto-chorégraphié à Tangente. Présentement, il travaille comme interprète pour Rhodnie Désir pour les pièces MWON’D et Symphonie des Cœurs et Geneviève Duong pour The Northwest Passages. Il collabore aussi sur la création de The Mars Project, une comédie musicale de science-fiction dirigée par Travis Knights.
After his soccer training and guitar studies in the Netherlands, Abe Simon Mijnheer moved to
Montréal in 2012. He discovers a passion for dance and enrols into the contemporary dance
department of Concordia University. In 2016 he continued in this field of study and
commenced the formation at the École de Danse Contemporaine de Montréal. During this time
at EDCM he has performed the works of Marie Chouinard, Alan Lake, Viginie Brunelle,
Catherine Tardif, Ginette Laurin and Manuel Roque, to name a few. He started his professional
career as a performer within the pieces of Sebastien Provencher, Teoma Naccarato, Bettina
Hoffmann, Aurélie Pédron, Lina Cruz, Frédérick Gravel, Le Carré Des Lombes, Maribé sors
de ce corps and Alan Lake Factori(e). Abe enjoys integrating other practices, such as soccer,
yoga, running, singing and music, to his dance training.
Après avoir pratiqué le soccer et étudié la guitare aux Pays Bas, Abe Simon Mijnheer émigre à
Montréal en 2012. Il s'y découvre une passion pour la danse contemporaine, qui le mène à
étudier à l'Université Concordia, puis, en 2016, à l’École de danse contemporaine de Montréal.
Il a terminé le programme de formation de 3 ans, au cours duquel il a interprété des oeuvres de
Marie Chouinard, Alan Lake, Virginie Brunelle, Catherine Tardif, Ginette Laurin, Manuel
Roque, pour ne nommer que celles-ci. Il a amorcé son parcours professionnel en tant
qu'interprète dans le travail de Sébastien Provencher, Teoma Naccarato, Aurélie Pédron, Lina
Cruz, Frédérick Gravel, Le Carré des Lombes, Maribé sors de ce corps et Alan Lake
Factori(e). Abe aime tout autant intégrer l'entrainement en danse à d'autres pratiques: le yoga,
le soccer et la course à pied, que le chant et la musique.
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