In spring 2017, the NAC Orchestra was hosted by the Eskasoni Mi’kmaw Nation, the ancestral home of the highly acclaimed poet and elder Rita Joe, to present Bringing Home I Lost My Talk. The symbolic heart of the performance was the piece I Lost My Talk, based on the poem by Rita Joe. Rita Joe penned her poem to express not only the pain and suffering she survived at Schubenacadie Residential School in Nova Scotia, but also her hope and conviction that her words could guide and inspire Indigenous and non-Indigenous peoples across Canada to journey to a place of strength and healing.
The orchestra also collaborated with local artists Kalolin Johnson, Carter Chiasson and Thomas Johnson to present an arrangement of their powerful song We Shall Remain. This song was written in tribute to the Elders and ancestors of all First Nations peoples. It echoes the voices of a strong and resilient people from times of innocence and harmony with the earth, through centuries of struggle, oppression and hardship and onwards into a time of rebirth and reconciliation through education and the empowerment of youth. Kalolin Johnson is also the featured singer.
Please enjoy this special performance!
Full program
DVOŘÁK Symphony No. 9, IV. Allegro con fuoco
SIBELIUS Violin Concerto, III. Allegro ma non tanto (James Ehnes violin)
JOHN ESTACIO I Lost My Talk* based on the poem by Rita Joe, C.M.
CARTER CHIASSON/KALOLIN JOHNSON/THOMAS JOHNSON
We Shall Remain (It Wasn't Taken Away) – Kalolin Johnson, singer
Arranged by REBECCA PELLETT
I Lost My Talk full credits
Based on the poem by Rita Joe, C.M.
Monique Mojica, actor
Donna Feore, creative producer & director
Barbara Willis Sweete, filmmaker
Tekaronhiáhkhwa Santee Smith film choreographer
Normal, visual and stage design
Kimberly Purtell, lighting designer
Onscreen dancers:
Kennedy Bomberry
Jesse Dell
Joshua DePerry
Ascension Harjo
Monique Mojica
Billy Merasty
Nimkii Osawmick
Montana Summers
Santee Smith
Alex Twin
I Lost My Talk was commissioned for the National Arts Centre Orchestra to commemorate the 75th birthday of the Right Honourable Joe Clark, P.C., C.C., A.O.E. by his family.
Rita Joe National Song Project
In her autobiography, Rita Joe challenges Indigenous youth to find their voices, share their stories, and celebrate their talents. Inspired by this idea, the NAC asked the teachers and students in five communities across Canada to create a song based on what I Lost My Talk means to them and their community.
Rita Joe was a famous Mi’kmaw poet who celebrated her language, culture and way of life. Rita Bernard was born in 1932 in Whycocomagh, Nova Scotia. Orphaned at the age of ten, she soon found herself at the Shubenacadie Residential School. Forbidden to speak her language, she endured mental and physical abuse and left at age 16. She soon met Frank Joe and they married and started a family.
Rita Joe began writing in the mid-1970s. She wrote seven books, including Poems of Rita Joe (1978), Song of Eskasoni (1988) and The Blind Man’s Eyes (published posthumously in 2015).
In 1989, Rita Joe was inducted into the Order of Canada and in 1992, she became a member of the Queen’s Privy Council. She received an Aboriginal Achievement Award in 1997 and doctorates from several East Coast universities. Rita’s husband, Frank, died in 1989 and a year later she was diagnosed with Parkinson’s disease. She kept writing until her death in 2007, five days after her 75th birthday.
Upon her death, the Globe and Mail named her the Poet Laureate of the Mi’kmaq people.
“I was only a housewife with a dream to bring laughter to the sad eyes of my people”
La regrettée Rita Joe est une illustre poète mi’kmaq qui célébrait sa langue, sa culture et son mode de vie. Née en 1932 à Whycocomagh en Nouvelle-Écosse et orpheline à dix ans, la jeune Rita Bernard est envoyée au pensionnat de Shubenacadie, où on lui interdit de parler sa langue et où elle subit des abus psychologiques et physiques. Elle en sort à 16 ans et rencontre, peu de temps après, Frank Joe avec qui elle se marie et fonde une famille.
Elle se met à l’écriture au milieu des années 1970. Elle signera sept ouvrages dont Poems of Rita Joe (1978), Song of Eskasoni (1988) et The Blind Man’s Eyes (publié à titre posthume en 2015).
En 1989, Rita Joe est décorée de l’Ordre du Canada; en 1992, elle devient membre du Conseil privé de la reine; et en 1997, elle reçoit un Prix national d’excellence décerné aux autochtones. Plusieurs universités de la côte Est lui ont attribué un doctorat honorifique. Un an après le décès de son mari, survenu en 1989, elle apprend qu’elle est atteinte de la maladie de Parkinson. Elle écrira jusqu’à sa mort en 2007, cinq jours après son 75e anniversaire.
Après son décès, le Globe and Mail l’a nommée Poète lauréate du peuple mi’kmaq.
« Je n’étais qu’une femme au foyer rêvant de faire rire les yeux tristes de mon peuple »
Composer John Estacio is a recipient of the National Arts Centre Award for Composers (2009)– a major prize that includes the commissioning of three works for the National Arts Centre Orchestra, the first of which is Brio: Toccata and Fantasy for Orchestra. The NAC Orchestra premiered Mr. Estacio’s Brio in Ottawa and performed it on tour throughout Canada’s Atlantic provinces in 2011, during the China Tour in 2013, and the UK Tour in 2014. The UK Tour will also feature the world premiere of Mr. Estacio’s latest NAC commission, Wind Quintet.
Mr. Estacio has written three operas including Lillian Alling, which premiered in October 2010 by the Vancouver Opera. Filumena, his first opera, premiered in 2003 in Calgary and Banff, and went on to receive four Betty Mitchell Awards, including one for outstanding production. Filumena was filmed for television and broadcast on PBS and the CBC. As composer-in-residence for several orchestras, Mr. Estacio created several compositions and recorded some of them on the JUNO nominated CD “Frenergy, the Music of John Estacio,” released by CBC Records.
Mr. Estacio’s orchestral works have been performed at Carnegie Hall, by the Toronto Symphony Orchestra, and by the Edmonton Symphony Orchestra. The Royal Winnipeg Ballet featured several of Mr. Estacio’s orchestral works in Wonderland – a ballet choreographed by Shawn Hounsell. He composed an orchestral score for the new ballet King Arthur’s Camelot by the Cincinnati Ballet which premiered in February 2014. The Los Angeles Philharmonic and acclaimed tenor Ben Heppner toured Europe with Mr. Estacio’s arrangement of Seven Songs by Jean Sibelius.
Le compositeur primé aux JUNO John Estacio a remporté en 2009 le Prix des compositeurs du Centre national des Arts, une distinction prestigieuse assortie d’une commande de trois œuvres pour l’Orchestre du Centre national des Arts. La première de ces pièces, intitule Brio : Toccata et Fantaisie pour orchestre, a été créée par l’Orchestre du CNA à Ottawa, puis présentée durant les tournées de l’ensemble au Canada atlantique (2011) et en Chine (2013). Elle figure également au programme de la tournée au R.-U., tout comme le Quintette à vent, plus récente commande du CNA au compositeur, présenté en première mondiale.
On doit à John Estacio trois opéras, don’t Lillian Alling, que le Vancouver Opera a donné en première en octobre 2010. Sa première œuvre opératique, Filumena, créée à Calgary et à Banff en 2003, a été couronnée de quatre prix Betty-Mitchell, dont celui de la Meilleure production. Elle a été filmée pour la télévision et diffusée aux réseaux PBS et CBC. Compositeur en residence auprès de plusieurs orchestres, M. Estacio a signé plusieurs œuvres dont certaines se retrouvent sur le CD finaliste aux JUNO Frenergy, the Music of John Estacio, paru sous étiquette Disques SRC.
Ses œuvres orchestrales ont été interprétées à Carnegie Hall par les orchestres symphoniques de Toronto et d’Edmonton. On en retrouve plusieurs extraits dans le ballet Wonderland du Royal Winnipeg Ballet, chorégraphié par Shawn Hounsell. Le Cincinnati Ballet lui a passé commande d’une partition d’orchestre pour le ballet King Arthur’s Camelot, dont la première a eu lieu en février 2014. L’arrangement qu’il a signé des Sept chants de Jean Sibelius a été présenté par l’Orchestre philharmonique de Los Angeles et le célèbre tenor Ben Heppner en tournée en Europe.
Since its debut in 1969, the National Arts Centre (NAC) Orchestra has been praised for the passion and clarity of its performances, its visionary educational programs, and its prominent role in nurturing Canadian creativity. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, reaching and representing the diverse communities we live in with daring programming, powerful storytelling, inspiring artistry, and innovative partnerships.
Alexander Shelley began his tenure as Music Director in 2015, following Pinchas Zukerman’s 16 seasons at the helm. Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra, and former Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra (2009–2017), he has been in demand around the world, conducting the Rotterdam Philharmonic, DSO Berlin, Leipzig Gewandhaus, and Stockholm Philharmonic, among others, and maintains a regular relationship with the Deutsche Kammerphilharmonie and the German National Youth Orchestra.
Each season, the NAC Orchestra features world-class artists such as the newly appointed Artist-in-Residence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki, and Principal Guest Conductor John Storgårds. As one of the most accessible, inclusive, and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
Monique Mojica (Guna and Rappahannock nations) Actor/ playwright Monique Mojica is passionately dedicated to a theatrical practice as an act of healing, of reclaiming historical/ cultural memory and of resistance. Spun directly from the family-web of New York’s Spiderwoman Theater, her theatrical practice embraces not only her artistic lineage through mining stories embeded in the body, but also the connection to stories coming through land and place.
Monique’s first play Princess Pocahontas and the Blue Spots was produced in 1990 and is widely taught in curricula internationally. She was a co-founder of Turtle Gals Performance Ensemble with whom she created The Scrubbing Project, the Dora-nominated The Triple Truth and The Only Good Indian. In 2007, she founded Chocolate Woman Collective to develop the play Chocolate Woman Dreams the Milky Way, a performance created by devising a dramaturgy specific to Guna cultural aesthetics, story narrative and literary structure.
Monique has taught Indigenous Theatre in theory, process and practice at the University of Illinois, the Institute of American Indian Arts, McMaster University and is a former co- director of the Centre for Indigenous Theatre. She has lectured on embodied research and taught embodied performance workshops throughout Canada, the U.S., Latin America and Europe.
She was most recently seen onstage in Kaha:wii Dance Theatre’s world premiere of Re-Quickening choreographed by Santee Smith and with the National Arts Centre Orchestra in I Lost My Talk as part of the Life Reflected series.
Upcoming projects include Side Show Freaks & Circus Injuns co-written with Choctaw playwright, LeAnne Howe and directed by Jorge Luis Morejón with an illustrious collaborative team of Indigenous artists from diverse disciplines.
Monique Mojica (nations kuna et rappahannock), est une actrice et auteure qui se passionne pour la pratique théâtrale, qu’elle voit comme un acte de guérison, de résistance et de revendication de la mémoire historique et culturelle. S’inscrivant dans la lignée du Spiderwoman Theatre de New York, sa pratique personnelle tire parti de son héritage artistique en mettant au jour les histoires du corps, mais aussi le lien aux histoires qui émanent de la terre et des lieux.
Sa première pièce, Princess Pocahontas and the Blue Spots, a été produite en 1990 et fait partie de nombre de programmes d’enseignement à l’international. Elle est l’une des cofondatrices du collectif Turtle Gals Performance Ensemble, avec qui elle a créé The Scrubbing Project, The Triple Truth (finaliste pour un prix DORA) et The Only Good Indian. Elle a fondé le Chocolate Woman Collective en 2007 pour développer la pièce Chocolate Woman Dreams the Milky Way, une production épousant une approche dramatique étroitement liée à l'esthétique, aux formes narratives et aux structures littéraires propres à la culture kuna.
Monique Mojica a enseigné la théorie, les procédés et les pratiques du théâtre autochtone à l'Université de l'Illinois, à l'Institute of American Indian Arts et à l'Université McMaster, en plus d’être codirectrice du Centre for Indigenous Theatre. Elle a prononcé des conférences sur la recherche incarnée et a donné des ateliers d’interprétation incarnée au Canada, aux États-Unis, en Amérique latine et en Europe.
Ses prestations les plus récentes sur scène comprennent la première mondiale de Re-Quickening, du Kaha:wii Dance Theatre, dans une chorégraphie de Santee Smith, et l’interprétation d’I Lost My Talk avec l’Orchestre du Centre national des Arts dans le cadre de la série Réflexions sur la vie.
Parmi ses projets à venir, mentionnons Side Show Freaks & Circus Injuns, une pièce coécrite avec la dramaturge choctaw LeAnne Howe et mise en scène par Jorge Luis Morejón, qui présente une impressionnante équipe d’artistes autochtones oeuvrant dans diverses disciplines.
Donna Feore is one of Canada’s most versatile creative talents and has been highly praised for her work with the Stratford Festival. She directed and choreographed last season’s smash hit, The Sound of Music, which enjoyed an extended run. This came on the heels of her 2014 production of the popular and critical hit Crazy for You, which itself followed her hugely acclaimed production of Fiddler on the Roof.
She returns to the NAC, having recently acted as Creative Producer & Director for the NAC-commissioned Dear Life and Director for Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream. Other directing credits include Tom Stoppard’s Rock & Roll and It’s a Wonderful Life for Canadian Stage, and Lecture on the Weather by John Cage and A Soldier’s Tale with F. Murray Abraham for the Detroit Symphony.
Selected opera credits include staging and choreography for the Canadian Opera Company’s Siegfried, which she remounted for the Opéra National de Lyon. Also for the COC: Tosca, Red Emma and Oedipus Rex, which earned her a Dora Mavor Moore Award for Best Choreography.
Selected film and television credits include Mean Girls, Eloise, Treading Water, Politics is Cruel, Martin and Lewis and Stormy Weather. In 2016, Ms. Feore will direct and choreograph a completely reimagined version of A Chorus Line for the Stratford Festival.
Talent créateur parmi les plus polyvalents au pays, Donna Feore a été chaudement applaudie pour ses réalisations au Festival de Stratford. Elle a signé la mise en scène et la chorégraphie du très populaire The Sound of Music – qui a tenu longtemps l’affiche la saison dernière. Elle a présenté, en 2014, Crazy for You, succès retentissant acclamé par la critique et le public, tout comme Fiddler on the Roof, qui l’a précédé.
Pour l’Orchestre du CNA, elle a assuré récemment la production du contenu créatif et la mise en scène (m.e.s.) de Dear Life, une commande du CNA, ainsi que la m.e.s. du Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn. Toujours à titre de metteure en scène, elle a contribué aux productions Rock & Roll (Tom Stoppard) et It’s a Wonderful Life pour Canadian Stage, et collaboré avec F. Murray Abraham à Lecture on the Weather de John Cage et A Soldier’s Tale pour l’Orchestre symphonique de Detroit.
Sur la scène opératique, elle a été metteure en scène et chorégraphe dans la production de Siegfried de la Canadian Opera Company (COC), qui a ensuite gagné la scène de l’Opéra National de Lyon. Pour la COC, elle a aussi monté Tosca, Red Emma et OEdipus Rex, qui lui a valu un prix Dora dans la catégorie Meilleure chorégraphie.
Aux petit et grand écrans, elle a collaboré notamment à Mean Girls, Eloise, et Treading Water, Politics is Cruel, Martin and Lewis et Stormy Weather. En 2016, elle assurera la m.e.s. et la chorégraphie d’une version réinventée de la pièce A Chorus Line pour le Festival de Stratford.
Santee is a multidisciplinary artist from the Kahnyen’kehàka Nation, Turtle Clan, Six Nations of the Grand River. Santee trained at Canada’s National Ballet School and completed Physical Education and Psychology degrees from McMaster University and a M.A. in Dance from York University. Santee premiered her debut work Kaha:wi-a family creation story, in 2004 and one year later founded Kaha:wi Dance Theatre which has grown into an internationally renowned company. Santee’s artistic work speaks about identity and Indigenous narratives. Her body of work includes 14 productions and numerous short works which tour nationally and internationally. She is the recipient of numerous awards most recently the inaugural Johanna Metcalf Prize for the Performing Arts; Outstanding Production and Outstanding Performance Ensemble in Dance at the 2019 for Blood Tides; and her production The Mush Hole received five Dora Mavor Moore awards in 2020. Santee is a sought-after teacher and speaker on the performing arts and Indigenous performance and culture. Smith is the 19th Chancellor of McMaster University. @santeesmith
Santee est une artiste multidisciplinaire de la nation Kahnyen’kehàka, clan de la Tortue, Six Nations de la rivière Grand. Formée à l’École nationale de ballet du Canada, elle est titulaire de diplômes en éducation physique et en psychologie de l’Université McMaster ainsi que d’une maîtrise en danse de l’Université York. Elle a présenté sa première œuvre, Kaha:wi, un récit de création familial, en 2004. Un an plus tard, elle a fondé la troupe Kaha:wi Dance Theatre, dont la renommée est devenue internationale. La démarche artistique de Santee aborde l’identité et les récits autochtones. Dans son œuvre, on compte 14 productions et bon nombre de numéros courts qui sont présentés dans des tournées nationales et internationales. Artiste très primée, Santee a reçu récemment le tout premier prix Johanna Metcalf pour les arts de la scène. Pour Blood Tides, elle a reçu les prix de la meilleure production et de la meilleure troupe de danse en 2019. Puis, en 2020, The Mush Hole lui a valu cinq prix Dora Mavor Moore. Elle est très convoitée dans son rôle d’enseignante et de conférencière experte des arts de la scène et de la culture autochtones (y compris les spectacles). Elle est aussi la 19e chancelière de l’Université McMaster. @santeesmith
Normal is a visual design studio founded in Montreal in 2009 by Mathieu St-Arnaud and Philippe Belhumeur. The two creative directors joined forces to offer their television and performing arts clients both their expertise in integrated technology and their visual approach. They were joined in 2013 by Sébastien Grenier-Cartier as partner and managing director. In 10 years, the studio has designed and produced more than 300 multimedia environments (combining video, staging and special effects) that are both groundbreaking and engaging, for shows and events in the performing arts, entertainment and architectural projection sectors. At the forefront of its field in Montreal, Normal Studio is known for its boundless creativity and technological vision. The studio has collaborated with close to 200 local and international artists and companies to create the visual and technological environments of such works as the breathtaking settings of Cirque du Soleil’s Toruk – The First Flight and Sép7imo Día: No Descansaré, and the wildest imaginings of Michel Lemieux and Victor Pilon of 4D Art, creators of the Cité Mémoire projection circuit, the multimedia shows Temporel and Icarus, the exhibition Dreamscapes, and the film 360 Continuum at the Rio Tinto Alcan Planetarium in Montreal. Other notable projects include the visual design of the dystopian film Fahrenheit 451 by Rahmin Bahrani, produced by HBO Films; the projections for storyteller Fred Pellerin’s Christmas Tales with the Orchestre symphonique de Montréal; and the set design for Canada’s National Arts Centre Orchestra’s contemporary symphonic concerts Life Reflected and The Man with the Violin, to name just a few. Normal Studio is a team of 33 people and a dozen freelancers and external suppliers to the Quebec design and multimedia industry. Its team of experts is composed of multidisciplinary talents in animation, illustration, design, staging, technical direction, computer science and new technology who share a commitment to creative excellence and a desire to present the extraordinary to the audiences of multimedia works and experiences.
Normal est un studio de design visuel fondé à Montréal en 2009 par Mathieu St-Arnaud et Philippe Belhumeur. Les deux directeurs de création se sont réunis afin d’offrir à leurs clients en télévision et arts de la scène à la fois leur force d’intégration technologique et leur approche visuelle. Ils ont été rejoint en 2013 par Sébastien Grenier-Cartier, comme associé et directeur général.
En 10 ans, le studio a conçu et produit plus de 300 environnements multimédias (combinant vidéo, scénographie et effets spéciaux), à la fois audacieux et touchants pour des spectacles et des événements dans les domaines des arts de la scène, du divertissement et de la projection architecturale.
À l’avant-garde de ce pôle d’excellence à Montréal, Normal Studio est reconnu pour sa débordante créativité et son ambition technologique. Le studio a collaboré avec près de 200 artistes et compagnies locales et internationales pour concevoir les univers visuels et technologiques d’œuvres telles que les environnements époustouflants de Toruk – Le Premier Envol et Sep7imo Dia : No Descansaré du Cirque du Soleil, les rêves les plus fous de Michel Lemieux et Victor Pilon de 4D Art avec le parcours de projection Cité Mémoire, les pièces de théâtre Temporel et Icare, l’exposition Territoires Oniriques et le film 360 Continuum au Planétarium Rio Tinto Alcan de Montréal. À souligner également la conception visuelle du film dystopique Fahrenheit 451 de Rahmin Bahrani produit par HBO Films, les projections pour les contes de Noël de Fred Pellerin avec l’Orchestre Symphonique de Montréal et la scénographie des concerts symphoniques contemporains Réflexions sur la vie et The Man With the Violin de l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada ; pour ne nommer que ceux-là.
Normal Studio, c’est une équipe de 33 personnes et une dizaine de pigistes et fournisseurs externes de l’industrie du design et du multimédia au Québec. Son équipe d’experts se compose de talents multidisciplinaires en animation, illustration, conception, mise en scène, direction technique, informatique et nouvelles technologies qui partagent l’envie de se dépasser créativement et éveiller l’extraordinaire chez les spectateurs des œuvres et expériences multimédias.
Kimberly is a Toronto-based lighting designer for theatre, opera, and dance. Her designs have been critically acclaimed across Canada, the U.S., the U.K., China, Hong Kong, Taiwan, and Mongolia, as well as in Prague and Moscow. She has designed for the Stratford Festival, Shaw Festival, Canadian Stage Company, Soulpepper Theatre, Mirvish Productions, National Arts Centre, and the NAC Orchestra, as well as Pacific Opera Victoria, Opera Philadelphia, Arena Stage in Washington D.C., Tapestry Opera, Hamilton Opera, Edmonton Opera, Theatre Calgary, Manitoba Theatre Centre, Citadel Theatre, and Place des Arts, among many others. She has also designed productions for the Pan Am Games and the Vancouver and Beijing Cultural Olympiads.
Kimberly has been nominated for numerous awards for excellence in lighting design and has received three Dora Mavor Moore Awards, the Pauline McGibbon Award, a Montreal English Theatre Award, a Sterling Award, a Toronto Theatre Critics Award, and an Ottawa Critics Circle Award.
Établie à Toronto, Kimberly Purtell est une conceptrice d’éclairages pour le théâtre, l’opéra et la danse. Louangées par la critique, ses conceptions ont été présentées au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Chine, à Hong Kong, à Taiwan, en Mongolie, à Prague et à Moscou. Elle a collaboré avec le Festival de Stratford, le Festival Shaw, la Canadian Stage Company, le Soulpepper Theatre, Mirvish Productions, le Centre national des Arts et l'Orchestre du Centre national des Arts, le Pacific Opera Victoria, l'Opera Philadelphia, l'Arena Stage de Washington D.C., le Tapestry Opera, le Hamilton Opera, l'Opéra d’Edmonton, le Theatre Calgary, le Manitoba Theatre Centre, le Citadel Theatre ou encore la Place des Arts. Elle a également conçu les éclairages des Jeux panaméricains et des Olympiades culturelles de Vancouver et de Beijing.
Kimberly Purtell a été mise en nomination pour de nombreux prix d'excellence en conception d'éclairage et a reçu trois prix Dora Mavor Moore, le prix Pauline McGibbon, un prix du Théâtre anglais de Montréal, un prix Sterling, un prix des critiques de théâtre de Toronto et un prix du Cercle des critiques d'Ottawa.