Angélica Negróna
What Keeps Me Awake, Première canadienne (7 minutes)
Michael Oesterle
Kaluza Klein (Bryn Lutek, vibraphone) (12 minutes)
PIOTR ILITCH TCHAÏKOVSKI
Variations sur un thème rococo (Olivia Yelim Cho, violoncelle) (18 minutes)
Barbara Pentland
Symphony for Ten Parts (10 minutes)
Barbara Pentland
Ricercar for Strings (5 minutes)
SERGUEÏ PROKOFIEV
Symphonie no 1 « Classique », op. 25 (15 minutes)
Date de diffusion originale : 28 novembre 2020.
Originaire de Puerto Rico, Angélica Negrón est une compositrice et multi-instrumentiste résidant à New York. Très recherchée des plus importants orchestres d’Amérique du Nord, elle a composé des œuvres qualifiées de « bouleversantes et ensorcelantes » (Feast of Music). Le concert s’ouvre sur What Keeps Me Awake, dont l’exécution dure 7 minutes; ce voyage sonore explorateur et vagabond est simplement captivant.
Kaluza Klein du compositeur canadien Michael Oesterle, créé et enregistré par Dame Evelyn Glennie, met en vedette le jeune percussionniste Bryn Lutek au vibraphone.
Deux pièces de Barbara Pentland sont également au programme. Celle-ci a tracé la voie aux compositeurs d’avant-garde dans les années 1950 au Canada, malgré l’opposition de sa famille et de collègues masculins quant à son choix de carrière.
Deux compositeurs classiques russes, Tchaïkovsky et Prokofiev, viennent enrichir le matériau sonore du concert. Les Variations sur un thème rococo de Tchaïkovsky, écrites en hommage à Mozart, mettront en vedette la jeune violoncelliste Olivia Yelim Cho.
Notre concert se termine en grand sur la symphonie « Classique » de Prokofiev, une « musique simple et gaie », disait-il. C’est aujourd’hui l’une de ses œuvres les plus appréciées et interprétées.
Puerto Rican-born composer and multi-instrumentalist Angélica Negrón writes music for accordions, robotic instruments, toys and electronics as well as chamber ensembles and orchestras. Her music has been described as “wistfully idiosyncratic and contemplative” (WQXR/Q2) and “mesmerizing and affecting” (Feast of Music) while The New York Times noted her “capacity to surprise” and her “quirky approach to scoring”. Angélica has been commissioned by the Bang on a Can All-Stars, loadbang, MATA Festival, Brooklyn Youth Chorus, Sō Percussion, the American Composers Orchestra, and the New York Botanical Garden, among others. Her music has been performed at the Kennedy Center, the Ecstatic Music Festival, EMPAC, Bang on a Can Marathon and the 2016 New York Philharmonic Biennial and her film scores have been heard numerous times at the Tribeca Film Festival. She has collaborated with artists like Sō Percussion, The Knights, Face the Music, and NOVUS NY, among others and is a founding member of the tropical electronic band Balún. Angélica is currently a doctoral candidate at The Graduate Center (CUNY), where she studies composition with Tania León and focuses on the work of Meredith Monk for her dissertation. She's a teaching artist for New York Philharmonic's Very Young Composers Program working with young learners on creative composition projects. Upcoming premieres include works for the LA Philharmonic, Dallas Symphony Orchestra and National Symphony Orchestra, San Francisco Girls Chorus, and NY Philharmonic Project 19 initiative. Negrón continues to perform and compose for film.
(née en 1981)
La compositrice et multi-instrumentiste d’origine portoricaine Angélica Negrón est l’auteure d’œuvres pour accordéons, jouets, instruments électroniques et robotisés ainsi que pour ensembles de chambre et orchestres. « Ensorcelante et bouleversante » (Feast of Music), sa musique est « contemplative et particulièrement mélancolique » (WQXR/Q2). Le New York Times a salué l’approche inusité de la compositrice et sa capacité à surprendre ses auditeurs. Bang on a Can All-Starts, loadbang, le MATA Festival, le Brooklyn Youth Chorus, Sō Percussion, l’American Composers Orchestra et le New York Botanical Garden, entre autres, lui ont commandé des œuvres. On a pu entendre la musique de Negrón au Kennedy Center, au Ecstatic Music Festival, à EMPAC, au marathon Bang on a Can et à la Biennale 2016 du New York Philharmonic. Ses bandes originales de films ont aussi été entendues à plusieurs reprises au Festival du film de Tribeca. Negrón a notamment collaboré avec Sō Percussion, The Knights, Face the Music et NOVUS NY, et est l’un des membres fondateurs du groupe de musique électronique tropicale Balún.
Negrón effectue actuellement un doctorat en composition sous la direction de Tania León à la CUNY; ses recherches portent sur les œuvres de Meredith Monk. Elle est artiste-enseignante au Programme des très jeunes compositeurs du New York Philharmonic; elle y dirige des projets de composition créative. On pourra bientôt entendre en première ses œuvres pour le LA Philharmonic, l’Orchestre symphonique de Dallas, le National Symphony Orchestra, le San Francisco Girls Chorus et le Projet 19 du New York Philharmonic. Angélica Negrón continue également à composer et interpréter des trames sonores de film.
The composer and performer Michael Oesterle was born in Ulm, Germany, in 1968. He immigrated to Canada in 1982, and since 1996 has been living in Montréal. He has received several awards, such as the Gaudeamus Prize, the Grand Prize at the 12th CBC Radio National Competition for Young Composers, and the Canada Council Jules Léger Prize. Oesterle’s works have been performed and commissioned by ensembles and soloists in Canada and throughout the world including Ensemble Modern (Frankfurt), the Berlin Radio Symphony Orchestra, Nouvel Ensemble Moderne (NEM), cellist Yegor Dyachkov, the Ives Ensemble (Amsterdam), sopranos Karina Gauvin and Suzie Leblanc. He has produced projects in collaboration with composer Gerhard Staebler, violinist Clemens Merkel, painter Christine Unger, video/installation artist Wanda Koop and Bonnie Baxter and choreographer Isabelle Van Grimde. He composed the music for cNOTE, a film by animator Christopher Hinton, produced by the National Film Board of Canada (NFB). cNOTE won the 2005 GENIE award for best animated-short. In 1997 he founded the Montréal based Ensemble Kore with pianist Marc Couroux, and between 2001 and 2004 he was composer-in-residence with l’Orchestre Metropolitain du Grand Montréal.
(né en 1968)
Né à Ulm, en Allemagne, le compositeur et interprète Michael Oesterle immigre au Canada en 1982 et vit à Montréal depuis 1996. Parmi les nombreux prix qu’il a remportés mentionnons: le Prix Gaudeamus, le Grand prix du Concours national CBC/Radio-Canada des jeunes compositeurs et les Prix Jules-Léger et Victor-Martyn-Lynch-Staunton du Conseil des arts du Canada. Les œuvres de Oesterle ont été commandées et jouées par de nombreux solistes et ensembles à travers le monde: l’ECM+, l’Ensemble Modern (Francfort), le Nouvel Ensemble Moderne (Montréal), le violoncelliste Yegor Dyachkov, l’Ives Ensemble (Amsterdam), les sopranos Karina Gauvin et Suzie Leblanc, l’Ensemble Intercontemporain (Paris), le Quatuor Bozzini, Groundswell, le Manitoba Chamber Orchestra, Soundstreams Canada, l’Asko/Schoenberg Ensemble (Amsterdam), et les Percussions de Strasbourg. De plus, les orchestres symphoniques de Montréal, Toronto, Vancouver ainsi que le National Arts Orchestra, le Chicago Civic Orchestra et l’Orchestre symphonique de la Radio de Berlin ont commandé et joué ses œuvres. Oesterle a composé pour divers projets en collaboration avec l’artiste peintre Christine Unger, les artistes Wanda Koop et Bonnie Baxter, ainsi que les chorégraphes Isabelle Van Grimde, Barbara Bourget et Dominique Porte. De même, il collabore régulièrement avec le réalisateur Christopher Hinton. Il a composé la musique de plusieurs de ses films dont cNOTE, qui a gagné, en 2005, le prix Génie du meilleur court métrage d’animation. En 1997, il fonde l’ensemble Kore avec le pianiste Marc Couroux et, de 2001 à 2004, il est compositeur en résidence à l’Orchestre Métropolitain.
Barbara Lally Pentland was born in Winnipeg, Manitoba, in 1912. She began to study piano at age nine. Three years later she expressed a desire to become a professional composer, even though only a handful of composers were writing in Canada at that time and none of them were women.
Her parents hoped that she would focus on performance rather than composition, which they considered to be an inappropriate career choice for a woman.
Pentland was accepted at the Juilliard Graduate School in New York City in 1936 on full fellowship. She was exposed to many styles of music during her time in New York City.
In the early 1940s, Pentland taught theory and composition at the Royal Conservatory of Music in Toronto and attended the Tanglewood Music Center where she studied with Aaron Copland and Paul Hindemith. In 1949 Pentland became a faculty member in the music department at the University of British Columbia.
The famed Canadian pianist Glenn Gould recorded her work Ombres (1964) — yet it was omitted from the album when it was released. The recording finally appeared on Sony’s re-release of the album 25 years later. The exclusion is symbolic of the composer’s ostracization that occurred throughout most of her career as she struggled to gain professional recognition. She found particular difficulty as a ‘woman’ composer writing contemporary music.
Toward the end of her career, Pentland finally received recognition and significant accolades. She became first composer to receive the Order of British Columbia, she was appointed a Member of the Order of Canada, became an Honorary Member of the Canadian Music Centre, and received honorary Doctorates from Winnipeg’s University of Manitoba, and Vancouver’s Simon Fraser University. In celebration of her 75th birthday the city of Vancouver announced “Barbara Pentland Day”.
Barbara Lally Pentland naquit à Winnipeg (Man.) en 1912. Elle commença à étudier le piano à 3 ans, et manifesta le désir de devenir compositrice trois ans plus tard, en dépit du fait qu’il n’y avait alors qu’une poignée de compositeurs au Canada et qu’aucun d’entre eux n’était de sexe féminin.
Les parents de Pentland souhaitaient qu’elle se consacre à l’interprétation plutôt qu’à la composition, qu’ils considéraient comme un choix de carrière inapproprié pour une femme.
Pentland obtint néanmoins une bourse d’études supérieures de l’École Juilliard en 1936. Elle put se familiariser avec une variété de styles musicaux pendant son séjour à New York.
Au début des années 1940, Pentland enseignait la théorie et la composition musicales au Conservatoire royal de musique de Toronto tout en poursuivant ses études auprès d’Aaron Copland et Paul Hindemith au Centre de musique Tanglewood. Elle se joignit au corps professoral du département de musique de l’Université de Colombie-Britannique en 1949.
Le célèbre pianiste canadien Glenn Gould enregistra sa pièce Ombres (1964) en vue d’un album, mais elle en fut toutefois écartée. Sony publia finalement l’enregistrement original 25 ans plus tard à l’occasion de la réédition de cet album. Cette exclusion est le reflet de l’ostracisme dont Pentland fut victime tout au long de sa carrière, malgré ses efforts pour être reconnue comme compositrice professionnelle. Il était difficile pour elle de prendre sa place à titre de compositrice de musique actuelle.
Pentland reçut la reconnaissance qu’elle méritait vers la fin de sa carrière : première compositrice à rejoindre les rangs de l’Ordre de la Colombie-Britannique, elle fut nommée membre de l’Ordre du Canada et membre honoraire du Centre de musique canadienne. L’Université du Manitoba (Winnipeg) et l’Université Simon-Fraser (Vancouver) lui offrirent chacune un doctorat honorifique. La Ville de Vancouver fit du 75e anniversaire de la compositrice la « Journée Barbara Pentland ».
Bryn Lutek is a versatile Canadian percussionist who is quickly establishing himself in both contemporary and orchestral idioms. In the spring of 2020, after completing his Master's degree at the University of Toronto in the studios of Aiyun Huang and Charles Settle, Bryn was named Principal Percussionist of L'Orchestre Symphonique de Quebéc. As an orchestral percussionist he has also performed with the Toronto Symphony Orchestra and L’Orchestre Métropolitain.
Bryn is passionate about collaborating with his peers to extend the percussion and chamber music repertoire; to that end he has recently given world premieres of two works for percussion trio and electronics - entasi iii by Joshua Biggs, and Layers by Hunter Brown - alongside fellow percussionists Louis Pino and Tyler Cunningham. Bryn has also given premieres of music by Kotoka Suzuki, Stephanie Orlando, Amy Thompson, and Ania Vu, and he is currently working with Louis Pino on a new piece for snare drum, interactive electronics, and video.
As a researcher Bryn was awarded a Social Sciences and Humanities Research Council of Canada Graduate Scholarship in 2019 and his work has been accepted to the TENOR International Conference on Technologies for Music Notation & Representation; his research interests centre around the history and aesthetics of electronic music and media.
Prior to attending the University of Toronto, Bryn received his Artist Diploma from the Glenn Gould School of the Royal Conservatory of Music Toronto and his Bachelor’s Degree from McGill University.
Bryn Lutek est un percussionniste canadien des plus polyvalents qui prend sa place dans le monde de la musique actuelle et symphonique. Il a été nommé percussionniste solo de l’Orchestre symphonique de Québec au printemps 2020, après avoir terminé une maîtrise à l’Université de Toronto auprès d’Aiyun Huang et Charles Settle. Il s’est produit à titre de percussionniste symphonique avec l’Orchestre symphonique de Toronto et l’Orchestre Métropolitain.
Lutek collabore passionnément avec ses collègues afin de développer le répertoire pour percussions et orchestre de chambre; il a d’ailleurs récemment œuvré à la création mondiale de deux œuvres pour trio de percussions et instruments électroniques – entasi iii de Joshua Biggs et Layers de Hunter Brown – en compagnie des percussionnistes Louis Pino et Tyler Cunningham. Lutek a également créé des œuvres de Kotoka Suzuki, Stephanie Orlando, Amy Thompson et Ania Vu. Il collabore actuellement avec Louis Pino à une nouvelle œuvre pour caisse claire, instruments électroniques interactifs et composantes vidéo.
Lutek a obtenu une bourse d’études supérieures du Conseil de recherches en sciences humaines du Canada en 2019. Il a présenté ses travaux au colloque international sur les technologies de notation et de représentation musicales TENOR; ses recherches portent sur l’histoire et l’esthétique de la musique électronique et des médias.
Avant d’étudier à l’Université de Toronto, Bryn Lutek a obtenu un diplôme d’artiste de l’École Glenn-Gould (Conservatoire royal de musique de Toronto) et un baccalauréat de l’Université McGill.
Olivia Yelim Cho is a Korean-Canadian cellist from Vancouver, BC. She is currently pursuing her undergraduate degree with Richard Aaron at the University of Michigan, where she is a James B. Angell Scholar. Formerly a student at the Vancouver Academy of Music (VAM) in the Young Artist Collegiate Program, Olivia began her musical studies at the age of five under the tutelage of Joseph Elworthy. Additional teachers include baroque and modern cellist Kristin von der Goltz, whom Olivia worked with during a study-abroad in early 2020, and Wolfgang Emanuel Schmidt, whom she studied with on fellowship at the 2019 Aspen Music Festival and School (AMFS).
Olivia is very interested in musical outreach and exploring the influence of music on society. She feels that musicians have a responsibility to use their voice in advocating for social justice. This past July, Olivia worked with her sister to organize a socially-distanced benefit concert, titled con moto, which raised funds for local groups supporting Black Lives Matter and Indigenous Lives. Olivia also enjoys performing in venues such as senior homes, hospitals, and churches, as well as working with younger musicians. She is currently a teaching assistant for the new VAM Aldo Parisot Cello Ensemble, and has previously mentored young musicians in the 2018 Vancouver Quiring Chamber Music Camp.
In 2020, Olivia was named by CBC Music as one of “30 hot Canadian classical musicians under 30.” She also received the Isabel Overton Bader Award at the 2020 Bader & Overton Canadian Cello Competition. In 2017, she attended the Orford Music Academy on full scholarship and the AMFS as a recipient of the Emerging Artist Grant from VAM. Further notable events include a recital for the Vancouver Women’s Musical Society (2017), her solo debut at Vancouver’s Orpheum Theatre with the VAM Symphony Orchestra (2014) as the youngest-ever winner of the Kay Meek Competition, and receiving first prize in the Canadian Music Competition (2013).
Olivia Yelim Cho est une violoncelliste canado-coréenne de Vancouver (C.-B.). Lauréate de la bourse James B. Angell, elle effectue actuellement un baccalauréat auprès de Richard Aaron à l’Université du Michigan. Elle a commencé ses études en musique avec Joseph Elworthy à 5 ans, et étudié à l’Académie de musique de Vancouver (AMV) (programme préuniversitaire des jeunes artistes). Elle a en outre participé à un programme à l’étranger avec Kristin von der Goltz, violoncelliste spécialiste de la musique baroque et moderne, et obtenu une bourse de l’École du Festival de musique d’Aspen (EFMA) pour un programme avec Wolfgang Emanuel Schmidt.
Cho est passionnée de rayonnement musical et explore l’influence de la musique sur la société. Selon elle, les musiciens ont la responsabilité de faire entendre leur voix en faveur de la justice sociale. En juillet dernier, elle et sa sœur ont organisé con moto, un concert respectant la distanciation physique visant à ramasser des fonds pour des organisations locales soutenant Black Lives Matter et Indigenous Lives. La violoncelliste prend en outre plaisir à se produire dans des centres pour personnes âgées, des hôpitaux et des églises ainsi qu’à collaborer avec de jeunes musiciens. Elle est actuellement auxiliaire d’enseignement de l’ensemble de violoncelles Aldo Parisot de l’AMV, et a encadré des instrumentistes en herbe au camp de musique de chambre Quiring de Vancouver en 2018.
Cho compte parmi les « Trente artistes classiques de moins de 30 ans les plus en vue » en 2020, selon CBC Music. Elle a remporté le prix Isabel-Overton-Bader au Concours de violoncelle canadien Bader & Overton 2020. En 2017, elle a obtenu une bourse de l’Académie Orford Musique et participé au programme de l’EFMA à titre d’Artiste émergente boursière de l’AMV. Elle s’est produite en récital pour la Vancouver Women’s Musical Society (2017) et a fait ses débuts en solo au Orpheum Theatre de Vancouver avec l’Orchestre symphonique de l’AMV (2014). Lauréate du premier prix au Concours de musique du Canada en 2013, Olivia Yelim Cho est la plus jeune personne à avoir remporté le Concours Kay-Meek.
Since its debut in 1969, the National Arts Centre (NAC) Orchestra has been praised for the passion and clarity of its performances, its visionary educational programs, and its prominent role in nurturing Canadian creativity. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the NAC Orchestra reflects the fabric and values of Canada, reaching and representing the diverse communities we live in with daring programming, powerful storytelling, inspiring artistry, and innovative partnerships.
Alexander Shelley began his tenure as Music Director in 2015, following Pinchas Zukerman’s 16 seasons at the helm. Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra, and former Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra (2009–2017), he has been in demand around the world, conducting the Rotterdam Philharmonic, DSO Berlin, Leipzig Gewandhaus, and Stockholm Philharmonic, among others, and maintains a regular relationship with the Deutsche Kammerphilharmonie and the German National Youth Orchestra.
Each season, the NAC Orchestra features world-class artists such as the newly appointed Artist-in-Residence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki, and Principal Guest Conductor John Storgårds. As one of the most accessible, inclusive, and collaborative orchestras in the world, the NAC Orchestra uses music as a universal language to communicate the deepest of human emotions and connect people through shared experiences.
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
Alexander Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s NAC Orchestra in September 2015. The ensemble has since been praised as being “transformed... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen) and Shelley’s programming credited for turning the orchestra into “one of the more audacious in North America” (Maclean’s).
Shelley is a champion of Canadian creation; recent hallmarks include the multimedia projects Life Reflected and UNDISRUPTED,and three major new ballets in partnership with NAC Dance for Encount3rs. He is passionate about arts education and nurturing the next generation of musicians. He is an Ambassador for Ottawa’s OrKidstra, a charitable social development program that teaches children life skills through making music together.
Alexander Shelley is also the Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra and, starting with the 2024–2025 season, Artistic and Music Director of Artis-Naples and the Naples Philharmonic in Florida, USA. In the spring of 2019, he led the NAC Orchestra on its critically acclaimed 50th Anniversary European tour, and in 2017, he led the Orchestra in a tour across Canada, celebrating Canada’s 150th anniversary. Most recently, he led the Orchestra in its first performance at New York’s Carnegie Hall in 30 years.
He has made eight recordings with the NAC Orchestra, including the JUNO-nominated New Worlds, Life Reflected, ENCOUNT3RS, The Bounds of Our Dreams, and the acclaimed Clara, Robert, Johannes four-album series, all with Canadian label Analekta.
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc)
Alexander Shelley a reçu le titre de directeur musical de l’Orchestre du CNA en septembre 2015. Depuis, l’ensemble a été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen), et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord (magazine Maclean’s) pour sa programmation.
Champion de la création au Canada, Shelley a signé récemment le projet multimédia Réflexions sur la vie, INCONDITIONNEL et RENCONTR3S, une collaboration avec Danse CNA comportant trois nouveaux ballets d’envergure.
Shelley s’attache à cultiver les talents de la relève : il est notamment un ambassadeur d’OrKidstra, un programme de développement social qui, à travers la musique, aide les jeunes d’Ottawa à acquérir des compétences essentielles.
Alexander Shelley est également premier chef d’orchestre associé du Royal Philharmonic Orchestra de Londres, et, à partir de la saison 2024-2025, directeur artistique et musical d’Artis-Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride (États-Unis). Il a dirigé l’Orchestre du CNA au printemps 2019 à l’occasion d’une tournée européenne très applaudie soulignant le 50e anniversaire de l’ensemble et, en 2017, dans le cadre d’une tournée aux quatre coins du Canada pour célébrer le 150e anniversaire du pays. Plus récemment, l’Orchestre a donné, sous sa baguette, son premier concert en 30 ans au Carnegie Hall de New York.
Shelley a fait paraître huit enregistrements avec l’Orchestre du CNA, dont Nouveaux Mondes (finaliste aux prix JUNO), Réflexions sur la vie, RENCONTR3S, Aux frontières de nos rêves, ainsi que la série louangée par la critique de quatre albums Clara, Robert, Johannes, tous parus sous l'étiquette canadienne Analekta.
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
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