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Artistes
Celia Franca a fondé le Ballet national du Canada en 1951 dans le but de présenter le meilleur du ballet classique et contemporain. Aujourd'hui, la compagnie est parmi les meilleures au monde. Elle compte 70 danseurs, dispose de son propre orchestre et détient une résidence permanente au Walter Carsen Centre à Toronto. Le Ballet national a une histoire de directeurs artistiques de premier plan et, en janvier 2022, a accueilli la nouvelle directrice artistique, Hope Muir.
Reconnue pour son répertoire diversifié, la compagnie interprète des classiques traditionnels, embrasse le travail contemporain et encourage la création de nouveaux ballets ainsi que le développement de chorégraphes canadiens. Le répertoire de la compagnie comprend des œuvres de Frederick Ashton, George Balanchine, Aszure Barton, Marie Chouinard, John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Wayne McGregor, Kenneth McMillan, John Neumeier, Rudolf Noureev, Crystal Pite, Alexeï Ratmansky, Christopher Wheeldon et les collaborateurs chorégraphiques Robert Binet, Guillaume Côté et Alysa Pires.
Au cours des dernières années, le Ballet national est devenu une destination de choix pour les partenariats créatifs, le développement et la mise en scène de nouvelles œuvres. Depuis 2011, l'équipe de production hautement qualifiée de l'entreprise travaille depuis une installation ultramoderne, le centre de production Gretchen Ross, pour construire et entreposer ses magnifiques décors et costumes.
Chaque année, le Ballet national présente une programmation de trois performances et ce, sur une période prolongée au Four Seasons Centre for the Performing Arts de Toronto en plus de ses tournées nationales et internationales. Depuis sa création, la compagnie s'est produite au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Israël, en Chine, au Japon, en Italie et au Mexique, avec des apparitions récentes à Londres, Los Angeles, Paris, Hambourg, Moscou, Saint-Pétersbourg, New York et Washington, D.C.
Toucher le public au-delà du théâtre traditionnel est l'une des principales priorités du Ballet national, en particulier les enfants, les adolescents et les familles. La compagnie propose un large éventail d'initiatives communautaires adaptées à l'âge et conçues pour partager la joie et la puissance de la danse avec les jeunes dans les écoles, les hôpitaux, les milieux communautaires et les foyers de manière significative et enrichissante pour eux. Le programme YOU dance est le plus important et propose des ateliers et des spectacles GRATUITS aux élèves de la quatrième à la sixième année.
Le Ballet national respecte les principes d'équité, de diversité et d'inclusion (EDI) dans tous les aspects de son travail et prend des mesures importantes pour mieux refléter la diversité culturelle du Canada dans l'ensemble de l'organisation, de ses partenaires et de son public.
Interprète, enseignante et directrice acclamée, Hope Muir mène depuis 33 ans une carrière qui s'étend à la fois sur le monde classique et contemporain et sur deux continents. Née à Toronto, elle a étudié le ballet à Londres, en Angleterre, à la London Festival Ballet School de Peter Schaufuss et ancienne ballerine de l'English National Ballet, Rambert Dance Company (RDC) et le célèbre Hubbard Street Dance Chicago. En 2009, Hope a aidé Crystal Pite à créer Emergence pour le Ballet national du Canada et a depuis contribué à mettre en scène l'œuvre à l'échelle internationale. Elle a assisté de nombreux chorégraphes à ce titre, mettant en scène des œuvres de Christopher Bruce, Javier De Frutos et Helen Pickett, entre autres. Hope est l'ancienne directrice artistique adjointe du Scottish Ballet et en 2017, elle a été nommée directrice artistique du Charlotte Ballet en Caroline du Nord, où elle a élargi le répertoire et créé le très populaire Choreographic Lab. Elle a accepté le rôle de directrice artistique Joan et Jerry Lozinski du Ballet national du Canada le 1er janvier 2022.
Barry Hughson a joint le Ballet national du Canada à titre de directeur général en 2014. Depuis ce temps, la compagnie a mis le cap sur la croissance artistique, la responsabilité fiscale, l’engagement communautaire et le rayonnement international. Il a commencé sa carrière comme danseur au Washington Ballet en 1988, se produisant au Kennedy Center et en tournée à l’international. En tant qu'administrateur artistique, il a dirigé diverses institutions artistiques aux États-Unis, notamment le Warner Theatre, le Complexions Contemporary Ballet, l’American Repertory Ballet, l’Atlanta Ballet et le Boston Ballet. Il a été pendant neuf ans membre du conseil d’administration de Dance/USA, le plus grand organisme nord-américain de services pour les professionnels de la danse. En 2015, il a organisé, en partenariat avec cet organisme et le Royal Ballet, la toute première rencontre internationale de cadres dirigeants du milieu de la danse. Au Canada, Barry est vice-président du conseil d’administration de l’Assemblée canadienne de la danse. À titre de membre du comité de coordination du projet Respectful Workplaces in the Arts, il a dirigé un groupe de travail visant l’élaboration d’un code de conduite national pour les arts du spectacle. Il est actuellement membre du comité directeur de la Canadian Acts Coalition et membre du comité d'avancement de l'International Society of Performing Arts.
David Briskin est largement reconnu comme l’un des chefs les plus accomplis de la scène du ballet contemporain. Avant de s’établir au Canada, il a travaillé à New York pendant 23 ans comme chef d’orchestre pour l’opéra, le ballet et la musique symphonique. Au fil d’une collaboration de sept ans, il a notamment été au podium pour des représentations de l’American Ballet Theatre au Metropolitan Opera en plus d’avoir été chef d’orchestre de saison pour le New York City Ballet. Pendant 13 ans, il a dirigé en tant que chef d'orchestre The Juilliard School's Dance Division et a collaboré avec presque toutes les grandes compagnies de ballet d’Amérique du Nord. Très prisé à l’international, il se produit régulièrement avec le Royal Ballet, le Ballet royal de Suède, le Ballet royal du Danemark et le Ballet d'Hambourg. Il a été directeur musical pour le Nureyev Legend and Legcy Gala à Londres qui peut être écouté sur la chaîne Marquee TV. Les engagements de cette saison incluent Het Nationale Ballet et une production de A Little Night Music au Koerner Hall. On a pu voir David Briskin sur les scènes européennes, asiatiques et nord-américaines en compagnie des orchestres symphoniques de Pittsburgh, Detroit, Baltimore, Cincinnati (Pops), Indianapolis, Windsor et Shanghai, ainsi que des opéras de Calgary, du Manitoba, de la Caroline du Nord, du lac George et de Sarasota, entre autres.
Christopher Wheeldon a été formé au Royal Ballet School et s'est joint au Royal Ballet en 1991. En 1993, il se joint au New York City Ballet (NYCB) et est promu soliste en 1998. Il a été nommé premier chorégraphe en résidence du NYCB en juillet 2001. Depuis, il a créé et mis en scène des productions pour les plus grandes compagnies de ballet du monde.
Il est artiste associé du Royal Ballet, où il a créé de nombreuses œuvres, dont Alice's Adventures in Wonderland et The Winter's Tale, deux coproductions avec le Ballet national du Canada. Il a également chorégraphié pour le Metropolitan Opera, créé des séquences de ballet pour le long métrage Center Stage (2000) et Sweet Smell of Success sur Broadway (2002), créé un extrait spécial pour la cérémonie de clôture des Jeux olympiques de Londres 2012 et a été le directeur artistique de l'exposition Fashion Forward pour Les Arts Decoratifs à Paris (2016).
En 2014, Christopher Wheeldon a mis en scène et chorégraphié la version musicale de An American in Paris, qui a été produite à Paris, sur Broadway et à Londres. Pour cette production, il a reçu un Tony Award pour la meilleure chorégraphie et un Outer Critics Award pour la meilleure chorégraphie et mise en scène. Parmi ses nombreux autres prix, citons le Martin E. Segal Award du Lincoln Center, l'American Choreography Award, le Dance Magazine Award, plusieurs London Critics' Circle Awards, le Leonard Massine Prize, le Prix Benois de la Danse et un Olivier Award. En 2016, il a été nommé membre de l'Ordre de l'Empire britannique (OBE) et membre honoraire de l'American Academy of Arts and Sciences.
Au cours de sa longue carrière de conceptrice de costumes, Holly Hynes a collaboré à plus de 200 ballets. En Amérique du Nord, on a pu voir ses costumes de théâtre sur Broadway ainsi que dans des œuvres de compagnies de ballet de premier plan, comme l’American Ballet Theatre, les ballets de San Francisco, de New York, de Houston, de la Pennsylvanie, de Boston, de Richmond, de Kansas City, de Miami et de l’Alberta ainsi que le Ballet Joffrey, le Ballet Suzanne Farrell, les Grands Ballets Canadiens de Montréal, le Ballet Pacific Northwest, et la compagnie Boris Eifmann.
À l’étranger, ses costumes ont été saluées par des compagnies telles que le ballet de l’Opéra de Paris, le Royal Ballet, le Ballet royal de Flandres, la Scala de Milan, le Ballet Kirov, le Ballet royal du Danemark, le Ballet national de Bulgarie, le Théâtre Stanislasky à Moscou, le Ballet de Norvège, le Ballet de l’Australie et le Ballet du Bolshoï. En 2007, elle a collaboré pour la première fois avec le Metropolitan Opera en tant que créatrice de costumes pour la reprise de l’opéra La Gioconda.
En plus de son travail de costumière, Holly Hynes a travaillé comme consultante autorisée à enseigner la reproduction de costumes de divers modèles établis au sein du Jerome Robbins Foundation and Rights Trust, du George Balanchine Trust et pour plusieurs autres compagnies partout dans le monde par l’entremise de Peter Martins. Elle a été directrice des costumes au New York City Ballet pendant 21 ans. Elle a conçu les costumes pour les productions Don Quichotte de George Balanchine, Pur ti Miro de Jorma Elo et la reprise de Polyphonia de Christopher Wheeldon du Ballet national du Canada.
Mark Stanley, éclairagiste en résidence au New York City Ballet, a signé l’éclairage de plus de 200 productions du répertoire de la compagnie, notamment Ocean's Kingdom de Paul McCartney. Il a travaillé avec des chorégraphes de partout dans le monde, dont Peter Martins, Susan Stroman, Christopher Wheeldon, Alexei Ratmansky, Justin Peck, William Forsythe, Kevin O’Day et Susan Marshall.
Ses créations figurent au répertoire de presque toutes les grandes compagnies de ballet d’Amérique du Nord et d’Europe, notamment le Royal Ballet, le ballet de l’Opéra de Paris, le Ballet royal du Danemark, le Het Nationale Ballet d’Amsterdam, le Ballet du Bolshoï, le Ballet de San Francisco, la Scala de Milan, le Ballet Mariinsky, l’Opéra et le ballet national de Norvège, le Ballet de Boston, le Ballet de Stuttgart, le Ballet de Miami, le Pilobolus Dance Theatre, l’Alvin Ailey Dance Theater et le Joffrey Ballet.
Auparavant, il a occupé le poste de concepteur en résidence à la New York City Opera. Au théâtre, il a collaboré avec le Centre Kennedy, le Théâtre Long Wharf, la Goodspeed Opera House, l’Ordway Center for the Performing Arts et la Paper Mill Playhouse, ainsi qu’à la pièce In the Night Kitchen de Maurice Sendak et à des productions off-Broadway. Ses éclairages pour Casse-Noisette et d’autres œuvres de George Balanchine ont été présentés dans le cadre des séries Live from Lincoln Center et à Great Performances.
Mark Stanley dirige les programmes de conception et de production à la maîtrise en beaux-arts ainsi que le programme de conception d’éclairage à l’Université de Boston, et fait partie du conseil d’administration des Hemsley Lighting Programs
Né à Toronto et lauréat d'un prix Dora, Jera Wolfe est un chorégraphe et interprète d'héritage métis et artiste associé de Red Sky Performance.
Ses chorégraphies captivantes lui ont valu le prix Dora Mavor Moore en 2019 pour la meilleure chorégraphie originale pour Trace. Il a bâti un impressionnant répertoire d'œuvres présentées par Canadian Stage, Fall For Dance North, Banff Centre for Arts and Creativity, Festival des arts de Saint-Sauveur, Danse Danse et Jacob's Pillow. Parmi ses œuvres récentes, citons Bare, chorégraphié pour le Royal Winnipeg Ballet du Canada, FLOW pour Red Sky Performance, Arise pour l'École nationale de ballet du Canada et Begin Again pour Winnipeg’s Contemporary Dancers.
Plus récemment, Jera a présenté une soirée d'œuvres intitulée Reverie au Festival des arts de Saint-Sauveur.
Autre que la chorégraphie, il est interprète principalement pour Red Sky Performance et également avec de nombreuses autres compagnies, dont Peggy Baker Dance Projects.
Max Richter est l’une des figures les plus prodigieuses de la scène musicale contemporaine. Il a produit des œuvres révolutionnaires en tant que compositeur, pianiste, producteur et collaborateur. Virtuose tant des synthétiseurs et ordinateurs que des orchestres symphoniques complets, il compose pour des albums solos, des ballets, des concerts, des films et séries télévisées, des installations d’art vidéo et des œuvres théâtrales. Il a suivi une formation classique à l’Université d’Édimbourg et à la Royal Academy of Music de Londres, et il a terminé ses études auprès du compositeur Luciano Berio à Florence.
Son premier album, Memoryhouse (2002), a été qualifié de référence par The Independent et Pitchfork Magazine, tandis que The Blue Notebooks (2004) a été choisi par The Guardian comme l’une des plus grandes œuvres du siècle. SLEEP, une œuvre de huit heures et demie, a été diffusée et interprétée en concert partout dans le monde, notamment à l’Opéra de Sydney, à Kraftwerk Berlin, au Concertgebouw d’Amsterdam, à la Philharmonie de Paris et au Barbican à Londres. En 2012, sa « recomposition » des sempiternelles Quatre Saisons de Vivaldi lui a valu un prestigieux prix ECHO Klassik ainsi qu’un abonnement aux palmarès classiques.
Ces dernières années, la musique de Max Richter est devenue un pilier pour nombre de compagnies de ballet de renom, dont le ballet Mariinski, le Ballet de La Scala de Milan, le Joffrey Ballet, le New York City Ballet, le Ballet de l’Opéra de Paris, l’American Ballet Theatre, le Semperoper Ballett et le NDT. Ses collaborations avec Wayne McGregor pour The Royal Ballet ont reçu un accueil universellement chaleureux.
Compositeur prolifique, Max Richter a aussi écrit pour le cinéma et la télévision. On compte parmi ses récents projets Hostiles, Black Mirror, Taboo – série pour laquelle il a reçu une nomination aux Emmys –, les séries The Leftovers et L’amie prodigieuse sur HBO et, plus récemment, Rick l’informateur, Marie reine d’Écosse et le drame de science-fiction Vers les étoiles mettant en vedette Brad Pitt. Ses œuvres peuvent également être entendues dans Shutter Island (Martin Scorsese), Valse avec Bachir (Ari Folman) et L’arrivée (Denis Villeneuve), primé aux Oscars.
Max Richter a reçu deux récentes commandes, l’une de la ville de Bonn pour marquer le 250e anniversaire de la naissance de Beethoven et l’autre, pour une collaboration avec Margaret Atwood et Wayne McGregor pour une œuvre inspirée de la trilogie MaddAddam d’Atwood. Son dernier album studio, VOICES, sera lancé en 2020.
Né à Toronto, Jeff Logue a étudié la production théâtrale à l’Université York. En 2009, il s’est joint au Ballet national du Canada à titre de coordonnateur des éclairages. Auparavant, il a œuvré au Shaw Festival pendant 14 saisons, au cours desquelles il a pris part à six productions à titre de concepteur éclairagiste et à plus de 30 spectacles comme concepteur éclairagiste associé. En outre, il a travaillé sur I, Claudia, où il a été finaliste aux prix Dora et Betty Mitchell; la tournée de Pelagie dans l’est du Canada; et plus récemment, sur The Drowsy Chaperone au Sudbury Theatre Centre. Jeff Logue a été concepteur éclairagiste associé des productions Urinetown (Canadian Stage) et The Producers (Mirvish Productions). Il a travaillé dans la plupart des grands théâtres régionaux du Canada.
Au cours d’une carrière de chorégraphe qui s’étend sur trois décennies, Crystal Pite a créé plus de 50 œuvres pour des compagnies de danse au Canada et dans le monde entier. Elle est la directrice artistique fondatrice de la compagnie Kidd Pivot de Vancouver, reconnue mondialement pour ses hybridations radicales entre la danse et le théâtre, assemblées avec un sens aigu de l’esprit et de l’invention. Mme Pite est connue pour ses œuvres qui abordent courageusement des thèmes aussi difficiles et complexes que les traumatismes, la toxicomanie, les conflits, la conscience et la mortalité. Sa vision audacieuse et originale lui a valu une reconnaissance internationale et a inspiré toute une génération d’artistes de la danse.
Crystal Pite est née à Terrace, en Colombie-Britannique, et a grandi à Victoria. Elle a commencé sa carrière de danseuse comme membre de la compagnie du Ballet British Columbia (Ballet BC), puis du Ballett Frankfurt de William Forsythe. Elle a fait ses débuts de chorégraphe en 1990 au Ballet BC, et depuis, elle a créé des œuvres pour des compagnies aussi prestigieuses que le Royal Ballet, le Ballet de l’Opéra de Paris, le Nederlands Dans Theater, le Ballet Cullberg, le Ballett Frankfurt, le Ballet national du Canada, Ballets Jazz Montréal (chorégraphe résidente de 2001 à 2004) et le Cedar Lake Contemporary Ballet. Elle a également collaboré avec l’Electric Company Theatre et Robert Lepage, et est actuellement chorégraphe associée du Nederlands Dans Theater, artiste de danse associée du Centre national des Arts du Canada et artiste associée du Sadler’s Wells à Londres.
En 2002, elle a créé Kidd Pivot, une compagnie qui s’efforce de distiller et de traduire des questions universelles en œuvres d’art qui nous relient à des parties profondes et essentielles de l’humanité.
“La question de savoir ce qui nous touche traverse tout mon travail”, dit-elle.
Kidd Pivot effectue des tournées internationales avec des œuvres acclamées par la critique telles que Betroffenheitet, Revisor (toutes deux co-créées avec le dramaturge Jonathon Young), The Tempest Replica, Dark Matters, Lost Action et The You Show.
En 2008, Crystal Pite a participé au programme inaugural de mentorat des GGPAA en tant que protégée de Veronica Tennant, lauréate des GGPAA en 2004 et ancienne première danseuse du Ballet national du Canada.
Crystal Pite est membre de l’Ordre du Canada. Parmi les autres prix et distinctions qu’elle a reçus, mentionnons le prix Benois de la Danse, le Prix Jacqueline-Lemieux du Conseil des arts du Canada, le Grand Prix de la danse de Montréal, deux Critics’ Circle Dance Awards du Royaume-Uni, quatre prix Laurence Olivier et un doctorat honorifique de l’Université Simon Fraser.
Établi à Vancouver, Owen Belton a obtenu un diplôme en beaux-arts et arts de la scène (concentration musique) à l’Université Simon Fraser en 1993. Voilà maintenant 25 ans qu’il compose pour la danse, et 15 ans qu’il travaille en conception sonore et musicale pour le théâtre. Il signe des créations pour le Ballet de l’Opéra de Paris, le Ballet de Nuremberg, l’Electric Company Theatre, l’Arts Club, le Nederlands Dans Theater et, bien sûr, Kidd Pivot.
Nommé « American Choral Master » par le National Endowment for the Arts en 2005, Morten Lauridsen a reçu la Médaille nationale des arts lors d’une cérémonie à la Maison-Blanche, en 2007, « pour ses compositions d’œuvres chorales lumineuses qui unissent la beauté, la force et la profondeur spirituelle de la musique, et enchantent les publics du monde entier ». Il est professeur émérite éminent de l’École de musique USC Thornton, où il a dirigé le département de composition et créé un programme d’études supérieures en composition de musique de film. Il a été compositeur en résidence au sein de la Los Angeles Master Chorale de 1995 à 2001.
Ses compositions, comprenant huit cycles vocaux, des mélodies, des œuvres instrumentales et une série de motets sacrés, sont régulièrement produites dans le monde entier et ont été enregistrées sur plus de 200 albums, dont plusieurs ont été mis en nomination aux prix Grammy. Le document primé Shining Night: A Portrait of Composer Morten Lauridsen a été diffusé en 2012. En 2016, Morten Lauridsen a reçu le prix Life in Music de la Fondation ASCAP, au Centre Lincoln. Il vit actuellement sur l’archipel de San Juan, dans l’État de Washington.
Comme scénographe, Jay Gower Taylor collabore avec Crystal Pite depuis 2008, créant des environnements scéniques pour des productions comme Figures in Extinction [1.0], The Statement, Parade, Plot Point, Frontier, Solo Echo, In the Event et Partita for 8 Dancers (Nederlands Dans Theater 1); Emergence et Angels’ Atlas (Ballet de Zurich et Ballet national du Canada); Polaris (Sadler’s Wells de Londres); The Seasons’ Canon et Body and Soul (Ballet de l’Opéra de Paris); et Flight Pattern / Light of Passage (Royal Ballet de Londres). Pour la compagnie de Crystal Pite, Kidd Pivot, il a conçu la scénographie des œuvres Dark Matters, The Tempest Replica, Betroffenheit et, plus récemment, Revisor.
Tom Visser a grandi à la campagne, dans l'ouest de l'Irlande. À dix-huit ans, il a commencé à travailler dans le secteur du théâtre musical avec sa famille de comédiens, puis dans le secteur de la danse avec le Nederlands Dans Theater. Depuis 2005, il signe des éclairages originaux pour plusieurs chorégraphes, dont Crystal Pite, Alexander Ekman, Johan Inger, Stijn Celis, Lukas Timulak, Sharon Eyal, ou encore Hofesh Shechter.
Conceptrice de costumes reconnue, Nancy Bryant vit à Vancouver et dessine des costumes pour les artistes de la danse, du théâtre, de l’opéra et du cinéma. Parmi ses précédentes collaborations avec Crystal Pite, mentionnons Body and Soul et The Seasons’ Canon (Opéra de Paris), Flight Pattern (Royal Opera House), Partita, Parade et Plot Point (Nederlands Dans Theater), Revisor, The Tempest Replica (Kidd Pivot) et Betroffenheit (Kidd Pivot et Electric Company), Angels’ Atlas (Ballet national du Canada et Opéra de Zurich) et, plus récemment, Light of Passage (Royal Ballet et Ballet national de Norvège). Son travail l’a amenée à collaborer avec des artistes dans tous les domaines, conception, mise en scène, dramaturgie et chorégraphie, dans des théâtres et des ateliers de production des quatre coins du Canada, des États-Unis, du Royaume-Uni et de l’Europe. Son approche de la conception de costumes est influencée par son parcours en arts visuels et par ses nombreuses années de collaborations exceptionnelles avec des artistes de théâtre parmi les plus innovants et avant-gardistes au Canada.
Danseur, enseignant et créateur indépendants, Spencer Dickhaus a récemment accompagné en tant qu’interprète la compagnie Hofesh Shechter, lors de la tournée de la production Grand Finale. Cette année , il poursuivra son travail de mise en scène des œuvres de Crystal Pite pour les Ballets de l’Opéra de Zurich. En tant qu’enseignant, il a travaillé avec le Nederlands Dans Theater, la Nuova Officina della Danza (Torino) et l’Académie Princesse Grace (Monaco). Membre du Nederlands Dans Theater pendant sept ans (2012 à 2019), il a eu le privilège de travailler avec des chorégraphes reconnus mondialement, dont Crystal Pite, Hofesh Shechter, Jiří Kylián, Alexander Ekman, Franck Chartier et Gabriela Carrizo, Sharon Eyal et Gai Behar, Johan Inger et Paul Lightfoot, ainsi que Sol Leon. Il a reçu un baccalauréat en beaux-arts de l’École Juilliard en 2012, après avoir suivi le programme de formation LINES Ballet à San Francisco. Spencer Dickhaus vit actuellement à La Haye, aux Pays-Bas.
Jeff Morris s’est joint au Ballet national du Canada en 1995. Né à Toronto, il a étudié la production théâtrale et l’administration à la Ryerson’s Theatre School. De 1990 à 1995, il a été régisseur de production au Toronto Dance Theatre, entre autres lorsque la compagnie a fait ses débuts à Berlin, à Varsovie, à Pékin, à Tokyo et au Joyce Theater de New York. Il a été régisseur de production pour Dancers For Life (de 1991 à 1997), régisseur de plateau pour le Théatre Passe-Muraille (Never Swim Alone) et pour le Fringe Festival of Independent Dance Artists.
Depuis qu’il s’est joint au Ballet national, Jeff Morris a assuré la régie de nombreuses productions du répertoire classique et contemporain propre à la compagnie, comme les premières mondiales des Quatre Saisons, de Cendrillon et d’Un chapeau de paille d’Italie de James Kudelka, d’Emergence et d’Angels’ Atlas de Crystal Pite, du Petit Prince et de Frame by Frame (avec Robert Lepage) de Guillaume Côté. Parmi les premières de la compagnie, citons La Mouette, Un Tramway nommé désir, Nijinsky et Anna Karenine de John Neumeier, ainsi que Les aventures d’Alice au pays des merveilles et Le conte d’hiver de Christopher Wheeldon.
Il est professeur auxiliaire à l’École du Toronto Dance Theatre et codirecteur du festival dance:made in Canada/fait au Canada.
Liliane Stilwell s’est jointe au Ballet national du Canada en 2015 et a, depuis, assuré la régie de La Veuve joyeuse, Onéguine, Giselle, Le Lac des cygnes, La Belle au bois dormant et Pinocchio. Auparavant, elle a été régisseuse de la Compagnie d’opéra canadienne pendant 22 ans. Parmi ses nombreuses collaborations, mentionnons Don Quichotte, Le Barbier de Séville, Lucia di Lammermoor, La Cenerentola, Otello, Les Noces de Figaro, Götterdämmerung (l’intégrale du cycle de L’Anneau), Macbeth, La Bohème, Eugène Onéguine et Madame Butterfly. Par ailleurs, elle a fait partie de l’équipe qui a présenté Œdipus Rex au Festival international d’Édimbourg. Elle a été régisseuse de production pour Grease et régisseuse de plateau pour Robin Hood et Cinderella au Elgin Theatre, ainsi que pour Dirty Dancing au Royal Alexandra Theatre et pour Hairspray au Princess of Wales Theatre. Elle a aussi collaboré aux spectacles suivants : Tom Jones, Speed-the-Plow, Roméo et Juliette, Midsummer Night’s Dream, Big River, Carousel, Me and My Girl, The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd, et a été régisseuse dans plusieurs salons commerciaux au Canada et aux États-Unis.