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Dernière mise à jour: 7 octobre 2021
Le concert de ce soir réunit le Concerto pour piano et la Symphonie no 4 de Robert Schumann, deux pièces composées en 1841, mais ultimement révisées en 1845 et en 1851, respectivement. Ce sont les versions finales que vous entendez ce soir. Il convient de le mentionner, car ces œuvres mettent en lumière certaines des préoccupations esthétiques du compositeur entourant le médium orchestral. Comme de nombreux compositeurs de la génération qui suit Beethoven, Schumann s’intéresse aux directions que prendront le concerto et la symphonie ainsi qu’à la manière dont il pourrait y apporter sa propre contribution créative. De plus, il semble que l’idée de « fantaisie » soit au cœur des deux œuvres. En effet, Schumann lui-même a qualifié sa Quatrième symphonie de « fantaisie symphonique », et son Concerto pour piano est né d’une Phantasie pour piano et orchestre.
Répertoire
Symphonie no 4 en ré mineur, op. 120
I. Ziemlich langsam – Lebhaft (assez lent – enjoué)
II. Romanze: Ziemlich langsam (assez lent)
III. Scherzo : Lebhaft (enjoué)
IV. Langsam – Lebhaft (lent – enjoué)
Avec cette symphonie, Schumann voulait créer une œuvre d’envergure où tous les mouvements seraient unis par une thématique commune, de même que par une trame et des motifs harmoniques, et joués sans interruption. Le compositeur s’est probablement inspiré de la Fantaisie en do majeur (« Fantaisie du voyageur ») pour piano solo de Franz Schubert, dont les quatre mouvements sont joués de manière continue et liés par des thèmes émanant d’un seul motif. (Cela clarifierait d’autant plus le nom de « fantaisie symphonique » attribué par le compositeur à la symphonie en ré mineur.)
Dans la Quatrième Symphonie, le « leitmotiv » thématique sur lequel est basé le tissu musical de l’œuvre entière est la mélodie fluide présentée au début de la lente introduction. Le mouvement principal qui suit se déploie assez librement (respectant, encore une fois, les notions musicales de la « fantaisie »), et est dominé par un thème énergique et fébrile de nature changeante. Par la suite, deux autres idées importantes font leur apparition : la première, un motif évoquant une marche qui marque deux pauses, et la seconde, un gracieux thème lyrique. Avant la fin du mouvement, les trois thèmes effectuent un retour, de manière plus étroitement liée.
Après une courte pause, la Romanze s’ouvre avec le hautbois et le violoncelle solo qui entonnent une mélodie vaguement folklorique, après quoi le « leitmotiv » fluide de l’introduction fait son retour. Dans la section centrale du mouvement, le leitmotiv adopte une attitude plus désinhibée en mode majeur, joué par les cordes auxquelles se superpose le violon solo qui improvise de manière sinueuse.
Le Scherzo introduit un nouveau thème vigoureux, qui présente une forme ascendante puis descendante, à l’opposé de celle du leitmotiv. Ce thème revient entre les deux trios, qui mettent en vedette la mélodie sinueuse du violon solo, maintenant interprétée par les premiers violons. À la fin du deuxième trio, la mélodie devient fragmentée, son énergie initiale se dissipe. Ici, la musique passe du mystérieux au grandiose : des trombones, puis l’entièreté des cuivres entonnent lentement le motif de marche du milieu du premier mouvement, aux côtés d’une figure ascendante issue de la fin de l’ouverture, jouée par les violons. Ces idées constituent les thèmes principaux de la finale, qui est désormais vigoureuse et triomphante. Aboutissement de tout ce qui précède, le mouvement se transforme en une joyeuse danse, qui emmagasine l’énergie croissante pour amener la symphonie vers sa finale exaltante.
Notes de programme rédigées par Hannah Chan-Hartley, Ph. D.
Concerto pour piano et orchestre en la mineur, op. 54
I. Allegro affettuoso
II. Intermezzo : Andante grazioso
III. Allegro vivace
En mai 1841, durant la période où il fait aussi l’ébauche de sa symphonie en ré mineur, Robert Schumann esquisse une Phantasie en la mineur pour piano et orchestre. Le 13 août, sa femme, la compositrice et pianiste virtuose Clara Schumann (née Wieck) offre deux présentations préliminaires de ce concerto pour piano comportant un seul mouvement au Gewandhaus de Leipzig. Enthousiasmée par l’œuvre, elle déclare que « le piano s’imbrique avec l’orchestre de la manière la plus subtile qui soit – on ne peut imaginer l’un sans l’autre. » Cela encourage Robert, qui croit que l’avenir du concerto réside dans la création d’une relation plus égalitaire et intégrée entre le soliste et l’orchestre.
Le manque d’intérêt de la part des éditeurs et des organisateurs de concerts fait en sorte que Robert Schumann met sa Phantasie de côté. Il la reprend à l’été 1845 et en fait un concerto, en y ajoutant une finale rondo et un intermezzo, tandis que la Phantasie, révisée, devient le premier mouvement. En décembre, Clara, qui occupe la position de soliste, présente le concerto pour la première fois à Dresde, puis à Leipzig un mois plus tard, et reçoit des critiques élogieuses. Depuis la fin du XIXe siècle, cette pièce est l’un des concertos les plus joués et les plus acclamés.
Le Concerto s’ouvre sur une irruption spectaculaire de l’orchestre et du piano; le hautbois entonne ensuite le premier thème délicat, auquel le piano répond aussitôt. Le soliste et l’orchestre poursuivent l’échange – subtilement au début, puis de manière de plus en plus passionnée à mesure que le mouvement avance, pour se terminer dans l’exubérance. L’élément de « fantaisie » est incontestablement porté par le piano, avec ses arpèges ondulants et ses mélodies toujours changeantes.
Le bref intermezzo possède une élégance gracieuse. Le thème délicat est interprété « sur la pointe des pieds », mais la section du milieu constitue le cœur émotionnel du mouvement, avec sa voluptueuse mélodie de violoncelle qui évoque des soubresauts ardents, autour desquels le piano brode des fioritures. Le thème sur la pointe des pieds effectue un retour, mais il semble perdre son chemin. Comme une invocation, le thème d’ouverture du premier mouvement, dans une version plus joyeuse, est évoqué de nouveau par les clarinettes et les bassons; le piano leur répond avec des accords qui retombent délicatement. Soudain, le tempo accélère pour se diriger vers le rondo exubérant de la finale (qui est en fait une variation de la mélodie d’ouverture). Des épisodes enjoués s’ensuivent, démontrant notamment une utilisation ludique des pulsations et du contrepoint orchestral. Dans les dernières minutes, le piano atteint son plus haut niveau de fantaisie et de virtuosité, amenant le concerto vers son dénouement grisant.
Notes de programme rédigées par Hannah Chan-Hartley, Ph. D.
Artistes
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
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Alexander Shelley a reçu le titre de directeur musical de l’Orchestre du CNA en septembre 2015. Depuis, l’ensemble a été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen), et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord (magazine Maclean’s) pour sa programmation.
Champion de la création au Canada, Shelley a signé récemment le projet multimédia Réflexions sur la vie, INCONDITIONNEL et RENCONTR3S, une collaboration avec Danse CNA comportant trois nouveaux ballets d’envergure.
Shelley s’attache à cultiver les talents de la relève : il est notamment un ambassadeur d’OrKidstra, un programme de développement social qui, à travers la musique, aide les jeunes d’Ottawa à acquérir des compétences essentielles.
Alexander Shelley est également premier chef d’orchestre associé du Royal Philharmonic Orchestra de Londres, et, à partir de la saison 2024-2025, directeur artistique et musical d’Artis-Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride (États-Unis). Il a dirigé l’Orchestre du CNA au printemps 2019 à l’occasion d’une tournée européenne très applaudie soulignant le 50e anniversaire de l’ensemble et, en 2017, dans le cadre d’une tournée aux quatre coins du Canada pour célébrer le 150e anniversaire du pays. Plus récemment, l’Orchestre a donné, sous sa baguette, son premier concert en 30 ans au Carnegie Hall de New York.
Shelley a fait paraître huit enregistrements avec l’Orchestre du CNA, dont Nouveaux Mondes (finaliste aux prix JUNO), Réflexions sur la vie, RENCONTR3S, Aux frontières de nos rêves, ainsi que la série louangée par la critique de quatre albums Clara, Robert, Johannes, tous parus sous l'étiquette canadienne Analekta.
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
Hélène Grimaud, piano
L’artiste touche-à-tout Hélène Grimaud n’est pas seulement une musicienne animée d’une passion et d’une dévotion profondes pour son art, dont la vie est rythmée par les prouesses au piano. C’est une femme aux multiples talents, qui s’étendent d’ailleurs bien au-delà de l’instrument dont elle joue avec une grande poésie et une maîtrise technique inégalée. Cette artiste française s’est imposée comme une écrivaine, une défenseure engagée de la faune et une militante pour les droits de la personne pleine de compassion.
La carrière musicale de Mme Grimaud est jalonnée de concerts avec la plupart des grands orchestres du monde et de nombreux chefs d’orchestre émérites ainsi que de longues tournées qu’elle effectue en tant que soliste et récitaliste. Le gouvernement français a souligné sa contribution et son influence prodigieuses dans le monde de la musique classique en la faisant chevalier de l’Ordre national de la Légion d’honneur (la plus haute décoration française).
Hélène Grimaud est une artiste exclusive de Deutsche Grammophon depuis 2002. Ses enregistrements ont été encensés par la critique et lui ont valu de nombreux prix, dont le Cannes Classical Recording of the Year, le Choc du Monde de la musique, le Diapason d’or, le Grand Prix du disque, le Record Academy Prize (Tokyo), le Grand Prix classique du MIDEM et le Prix Echo Klassik. Parmi ses derniers enregistrements figurent Perspectives (2017), une sélection personnelle en deux disques des plus grands succès de son répertoire chez DG, et Memory (2018), qui explore la façon dont la musique redonne vie au passé. Sur son dernier enregistrement, The Messenger, paru en octobre 2020, Hélène Grimaud crée un dialogue fascinant entre les compositeurs Silvestrov et Mozart.
En 1999, Hélène Grimaud fonde le Wolf Conservation Center, après une rencontre fortuite avec un loup dans le nord de la Floride qui éveille en elle un amour pour cette espèce en voie de disparition. Elle est également membre de l’organisation Musicians for Human Rights. Pendant plusieurs années, elle a également su trouver du temps pour poursuivre sa carrière d’écrivaine, publiant ainsi trois livres qui ont été traduits en plusieurs langues : Variations sauvages (2003), et les nouvelles semi-autobiographiques Leçons particulières (2005) et Retour à Salem (2013).
Robert Schumann (1810–1856)
Robert Schumann est un compositeur et un critique musical allemand. Nombre de ses œuvres sont élevées au rang d’œuvres phares dans leurs genres respectifs – œuvres pour piano, mélodies (lieder), symphonies, oratorios, opéras, musiques de chambre, musiques dramatiques et musiques d’église –, ayant influencé des générations de compositeurs européens, notamment Johannes Brahms, Anton Bruckner et Gustav Mahler. Sur le plan stylistique, Schumann se laisse guider par son amour indéfectible de la littérature pour façonner des œuvres audacieuses et novatrices, intégrant aux structures traditionnelles des techniques narratives héritées des modèles littéraires. Il est également la figure de proue d’un nouveau genre de critique musicale qui tient compte de l’histoire et qui utilise une approche plurielle pour décrire les processus musicaux, fondée sur une analyse minutieuse de l’œuvre.
Né à Zwickau (Saxe) le 8 juin 1810, Schumann est le plus jeune d’une famille de cinq enfants. Dès son plus jeune âge, il fait montre d’un talent pour la musique, d’abord au chant puis au piano; ses premières compositions comprennent d’ailleurs des miniatures et des mélodies pour piano. Pour se conformer aux désirs de sa famille, il part étudier le droit à Leipzig en 1828, mais décide, un an plus tard, de se consacrer à des leçons de composition et de piano avec Friedrich Wieck.
Dans les années 1830, l’affaiblissement de son majeur à la main droite anéantit ses espoirs de devenir pianiste de concert. Il se dévoue alors entièrement à sa carrière de compositeur. Bien qu’il rencontre des hauts et des bas, il se fraie un chemin à la fois intellectuel et créatif en tant que journaliste musical et fonde le Neue Zeitschrift für Musik, dont il reste l’éditeur de 1835 à 1844. C’est durant cette période que naît son amour avec la fille de Wieck, Clara, elle-même compositrice et pianiste concertiste de renom. Après une bataille de longue durée avec Wieck, qui s’opposait fermement à leur union, ils obtiennent finalement l’autorisation légale de se marier, ce qu’ils font en septembre 1840.
Les années 1840 sont particulièrement fructueuses pour Robert. Clara et lui embrassent en effet leur vie de famille tout en poursuivant leur carrière professionnelle. Avec sa femme pour muse et soutien, Schumann compose de nombreuses mélodies, achève des œuvres orchestrales majeures et s’essaie également dans d’autres genres, comme son opéra Genoveva. En 1850, il devient le directeur musical de la ville de Düsseldorf. Il y fait alors ses débuts en tant chef d’orchestre et dirige l’orchestre ainsi que le chœur Allgemeiner Musikverein dans des concerts. Il demeure un compositeur prolifique, achevant près de 100 nouvelles œuvres entre 1849 et 1854.
Durant toute sa vie d’adulte, Schumann souffre d’épisodes dépressifs de plus en plus violents. Sa santé mentale se détériore à un tel point qu’il se jette dans le Rhin le 27 février 1854, mais il en réchappe grâce à des pêcheurs locaux. Pour protéger Clara et ses enfants, il insiste pour être interné dans un asile et est admis dans un sanatorium privé à Endenich, près de Bonn, où il meurt le 29 juillet 1856.
Rédigée par Hannah Chan-Hartley, Ph. D.
Orchestre du CNA
PREMIERS VIOLONS
Yosuke Kawasaki (violon solo)
Jessica Linnebach (violon solo associée)
Noémi Racine Gaudreault (assistante violon solo)
Marjolaine Lambert
Jeremy Mastrangelo
Manuela Milani
Leah Roseman
Erica Miller*
Annie Guénette*
SECONDS VIOLONS
Mintje van Lier (solo)
Winston Webber (assistant solo)
Mark Friedman
Carissa Klopoushak
Frédéric Moisan
Edvard Skerjanc
Karoly Sziladi
Andréa Armijo-Fortin*
Renée London*
Heather Schnarr*
ALTOS
Jethro Marks (solo)
David Marks (solo associé)
David Goldblatt (assistant solo)
Paul Casey
Ren Martin-Doike
David Thies-Thompson
Sonya Probst*
VIOLONCELLES
Soo Gyeong Lee*
Rachel Mercer (principal / solo)
John Corban*
CONTREBASSES
Hilda Cowie (assistante solo par intérim)
Marjolaine Fournier
Vincent Gendron
Joel Quarrington*
Paul March*
FLÛTES
Joanna G'froerer (solo)
Stephanie Morin
HAUTBOIS
Charles Hamann (solo)
Anna Petersen
CLARINETTES
Kimball Sykes (solo)
Sean Rice
BASSONS
Christopher Millard (solo)
Vincent Parizeau
CORS
Lawrence Vine (solo) (Symphonie)
Julie Fauteux (solo associée) (Concerto)
Elizabeth Simpson
Louis-Pierre Bergeron
Micajah Sturgess*
Olivier Brisson* (Symphonie)
TROMPETTES
Karen Donnelly (solo)
Steven van Gulik
TROMBONES
Donald Renshaw (solo)
Colin Traquair
Douglas Burden
TIMBALES
Feza Zweifel (solo)
MUSICOTHÉCAIRE PRINCIPALE
Nancy Elbeck
MUSICOTHÉCAIRE ADJOINT
Corey Rempel
CHEF DU PERSONNEL
Meiko Lydall
*Musiciens surnuméraires
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La voiture officielle de l'Orchestre du CNA
