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Dernière mise à jour: 24 septembre 2019
Réflexion
J’ai assisté à mon premier concert de l’Orchestre du Centre national des Arts au début des années 1970. J’accompagnais mon père, qui travaillait alors à temps partiel comme critique musical. Lors de ce concert, et de la multitude d’autres qui ont suivi, je me souviens d’avoir entendu les grands noms de la musique classique tels Itzhak Perlman et Christoph Eschenbach. Mais c’est d’abord et avant tout le jeu poli, raffiné de l’Orchestre du CNA et de son chef fondateur, le charismatique Mario Bernardi, qui a su capter mon attention.
Bien des années plus tard, je me suis joint à l’équipe de l’Orchestre; c’était le début de l’aventure d’une vie. J’ai eu la chance d’entendre l’ensemble triompher à New York, Vienne, Paris et Londres, et j’ai pu le voir à l’œuvre, dans toute son excellence, de Duncan (C.-B.) à Cornerbrook (T.-N.-L.). Les œuvres exceptionnelles composées pour lui par des talents canadiens remarquables constituent aussi une réussite digne de mention. Je sais que tous les mélomanes du Canada se joindront à moi pour féliciter l’Orchestre du Centre national des Arts à l’occasion de son 50e anniversaire, et pour lui souhaiter autant de succès dans les 50 années à venir!
Réflexion
Je suis tombée en amour avec l’Orchestre du CNA, son énergie, son extraordinaire talent artistique et son superbe jeu d’ensemble. Tellement que ma famille et moi avons déménagé de l’Islande au Canada afin que je puisse me joindre à lui. C’est vraiment spécial pour moi de me joindre à l’Orchestre et au CNA alors qu’on célèbre leur 50e anniversaire. J’ai eu l’occasion de me familiariser avec le passé de l’ensemble, ce qui m’a donné bien des idées pour la suite des choses. Je ressens une grande responsabilité de poursuivre l’excellent travail de mes prédécesseurs et je suis enthousiaste à la perspective de contribuer à bâtir l’avenir de l’Orchestre. Je me sens honorée de jouer un rôle de leader au sein de cette extraordinaire et dévouée équipe de l’Orchestre du CNA.
En tant qu’orchestre, nous voulons transmettre à notre public et au monde entier le message que c’est dans la diversité des voix que se crée l’harmonie, et qu’en partageant nos expériences, nous sommes réellement unis. La musique symphonique nous relie au passé et nous donne une expérience active des plus grandes créations artistiques de l’être humain, mais aussi de leur vigueur et de leur modernité. C’est ce qui fait la magie de la musique et lui donne son pouvoir. J’ai hâte de vous voir à nos concerts et de partager ces moments avec vous.
Réflexion
Depuis 50 ans, l’Orchestre du Centre national des Arts enrichit la scène culturelle de la ville, de la région et du pays. Cette semaine, nous célébrons tout ce que représente cet ensemble remarquable : un interprète passionné et hors pair de répertoire symphonique audacieux; un fidèle partenaire d’inspirants talents créateurs d’un océan à l’autre; et une formation de musiciens parmi les plus talentueux au monde.
C’est pour moi un privilège et une source de fierté de diriger cet orchestre unique de calibre international. Ensemble, souhaitons-lui un joyeux 50e anniversaire!
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C’est la première fois que l’Orchestre du CNA joue le Prélude pour cuivres de Sunleif Rasmussen.
Mario Bernardi a dirigé la première interprétation qu’a donnée l’Orchestre du CNA de la Symphonie concertante de Haydn, en 1974, avec Walter Prystawski au violon, Donald Whitton au violoncelle, Rowland Floyd au hautbois et Gerald Corey au basson. La plus récente prestation de cette œuvre par l’Orchestre a été livrée en 2004 sous la direction de Pinchas Zukerman, qui était aussi soliste au violon. Les solistes Charles Hamann et Christopher Millard, sur scène ici ce soir, de même que la violoncelle Amanda Forsyth avaient aussi pris part à ce concert.
L’Orchestre du CNA interprète le Concerto pour orchestre de Witold Lutosławski pour la première fois.
L’Orchestre du Centre national des Arts, à 50 ans
Winston Webber, Assistant second violon solo
« Le Centre doit avoir un cœur qui bat. »
– Jean Gascon, C.C. (1921–1988)
« Un bon orchestre est nécessaire. Un superbe orchestre serait plus pertinent. »
– Louis Applebaum, C.C., O.Ont. (1918–2000)
Le 7 octobre 1969, dès les premières notes dramatiques de la Symphonie no 103 « Roulement de timbales » de Haydn, interprétée par Ian Bernard, timbalier de 23 ans formé à Montréal, le Centre national des Arts avait un superbe orchestre, et plus encore. Dès le premier jour, la vision la plus chère des fondateurs du CNA était d’avoir des artistes interprètes en résidence – le fameux « cœur qui bat » de Jean Gascon, qui a donné vie et crédibilité à l’ensemble du projet. Depuis ce tout premier concert, la justesse de cette vision a été démontrée par le succès éclatant de l’Orchestre.
J’ai eu la chance d’évoluer au sein de ce merveilleux orchestre pendant 34 de ses 50 ans. Mes longues jambes et ma posture moins qu’idéale sont familières à près de deux générations de spectateurs d’Ottawa, qui me sont tout aussi familiers – je les regarde droit dans les yeux. Je détourne mon regard de la partition et, wow, il y a 2 000 personnes devant moi. J’ai vraiment de la chance!
Des prestations particulièrement marquantes, en 50 ans de concerts à la Salle Southam, il y en a eu! Par où commencer? Si j’en mentionne une en particulier, de fidèles abonnés diront, probablement à juste titre, que j’ai oublié le VRAI concert par excellence, celui d’il y a 40 ans avec Beethoven… De mémoire, il y a eu d’innombrables interprétations de la Symphonie n° 7 de Beethoven, une spécialité de l’Orchestre du CNA, chacune acclamée davantage que la précédente, et des prestations vraiment époustouflantes, presque dangereuses, de la Symphonie n° 5 de Beethoven avec Gustavo Dudamel, Hannu Lintu et John Storgårds. C’est une expérience palpitante que celle d’assister à un spectacle si intense qu’on pourrait presque en casser quelque chose.
Mais c’est le tout premier concert de l’Orchestre, en 1969, qui doit occuper la place d’honneur parmi tous les autres – un jeune Mario Bernardi et un ensemble plus jeune encore montrant, en une soirée, que le panthéon des grands orchestres devait faire de la place pour en accueillir un autre. Et que dire des jeunes recrues… Au risque d’en nommer une au détriment des autres, je me permets de mentionner le premier hautbois, Rowland Floyd, arrivant sur scène pour la toute première répétition en costume d’apparat, portant une mallette Gucci et un parapluie Burberry, ressemblant à une idole et jouant comme un poète. Bien des années plus tard, Mario Bernardi était revenu diriger l’orchestre après une décennie d’absence; Rowland avait pris sa retraite depuis longtemps et le premier hautbois était, comme aujourd’hui, le brillant Charles « Chip » Hamann. Bref, Mario répétait le lied Le Chant de la terre de Mahler, célèbre pour son solo de hautbois, et « Chip » le joua avec finesse : un son saisissant, un phrasé exquis, une musicalité inégalée. Puis Mario arrêta l’orchestre, regarda Chip et dit : « Au fait, savais-tu que Rowland Floyd a commencé à peindre? »
Combien d’autres spectacles ont donné à la vie tout son sens? Encore une fois, au risque d’en omettre d’autres tout aussi méritoires, notons : une prestation lumineuse de Pelléas et Mélisande en concert avec Gabriel Chmura en 1988 et une interprétation saisissante de Madama Butterfly en concert avec Franco Mannino en 1989, supérieures à tout enregistrement commercial; un Eugène Onéguine d’une beauté déchirante en 1983, ultime production du Festival Ottawa, avec la grande Lois Marshall dans sa dernière (seule?) apparition dans un opéra avec décors et costumes; les visites du grand chef de chœur allemand Helmuth Rilling en 1987, avec son magnifique chœur, le Gächinger Kantorei, pour des prestations de la Passion selon saint Matthieu de Bach, de la Missa in Angustiis de Haydn et du Requiem de Mozart à Ottawa, à Montréal, au Kennedy Center de Washington et au Carnegie Hall; en 2002, une incroyable soirée Astor Piazzolla avec Franz-Paul Decker et le bandonéoniste Daniel Binelli, le plus grand d’Argentine, qui a rapporté à ses amis l’enregistrement de l’émission de la CBC en disant que c’était le meilleur Piazzolla qu’il avait jamais entendu; et deux prestations de la Passion selon saint Matthieu de Bach avec Trevor Pinnock en 1997, dont on se souvient encore aujourd’hui comme des expériences marquantes et divertissantes pour les participants. Trevor, en commençant la première répétition avec le double chœur et le double orchestre répartis à gauche et à droite sur scène, dit avec humour : « vous, à gauche, si je vous désigne, mais que c’est en fait à votre tour, vous, à droite, rappelez-vous simplement que je suis dyslexique. »
Loin de chez moi, sur un terrain de basketball converti à Kirkland Lake, j’ai vu des spectateurs sauter littéralement de leurs chaises pliantes dès le premier accord de Coriolan de Beethoven, tellement le son était impressionnant dans ce petit espace. Et j’ai vu 3 000 mélomanes allemands refuser d’arrêter d’applaudir après une superbe interprétation du Concerto pour violon de Beethoven avec Pinchas Zukerman, à Leipzig – après de nombreux saluts, nous avions tous quitté la scène, les lumières étaient allumées, mais les spectateurs ne voulaient pas rentrer chez eux. Il y a aussi cet homme d’affaires japonais impeccablement vêtu qui s’approcha de moi pendant que je prenais mon petit déjeuner à notre hôtel de Fukuoka, me demandant avec le plus grand respect quel était le merveilleux rappel que nous avions joué la veille (c’était le charmant Intermezzo des Quatre Rustres de Wolf-Ferrari, dirigé par Franco Mannino). Je me souviens aussi de cette fois où le même inimitable Franco Mannino avait, pendant la longue cadence de Claudio Arrau dans le concerto Empereur de Beethoven, discrètement sorti sa montre de poche.
Ayant son siège dans la capitale nationale, l’Orchestre peut se voir confier des responsabilités particulières lorsqu’il se produit à l’extérieur de la ville. Au début de sa tournée de 2014 au Royaume-Uni pour commémorer le centenaire de la Première Guerre mondiale, alors que nous attendions nos bagages à l’aéroport d’Édimbourg, nous avons été choqués de voir tous les téléviseurs de l’aéroport montrer des scènes de chaos, ici, au pays. Une horreur – pendant que nous étions dans les airs, un soldat canadien qui montait la garde au Monument commémoratif de guerre avait été abattu par un terroriste. Nous avons tous utilisé un mois de données sur nos téléphones pendant la nuit, essayant désespérément de joindre nos familles. Le lendemain soir, à Usher Hall, nous avons eu l’honneur solennel, en tant que compatriotes canadiens, de dédier le premier concert de la tournée commémorative au soldat décédé, le caporal Nathan Cirillo, et à tous ceux qui ont perdu la vie en protégeant notre merveilleux pays – le but de cette tournée, devenait soudain personnel. Alors que nous jouions « Nimrod » d’Elgar en leur honneur, nous contenions nos larmes, et le public aussi.
Quelques années plus tard, dans un moment des plus mémorables, nous avons interprété la nouvelle œuvre de John Estacio inspirée d’un poème de Rita Joe, « I Lost My Talk », sur le territoire de la Première Nation d’Eskasoni à l’île du Cap-Breton. C’était impressionnant, le poids de ce pan d’histoire ineffable et l’espoir de réconciliation que ce concert apportait, avec brio de surcroît, grâce au talent artistique et au tact de notre excellent directeur musical Alexander Shelley, qui en a été le moteur. Et, dans une autre galaxie très lointaine, nous avons joué la magnifique (et longue…) trame sonore de John Williams au fil d’une projection du film Harry Potter à l’école des sorciers, et ce, pendant deux soirs au Centre Canadian Tire devant 10 000 fans en délire. Mis à part le froid glacial du trajet à pied entre le Centre et l’aire de stationnement, c’était génial. Et, pour bon nombre de ces 10 000 personnes, il s’agissait peut-être d’un premier concert d’orchestre symphonique.
Pourquoi la musique a-t-elle tant d’importance? Je ne sais pas, mais c’est ainsi. À son meilleur, la musique que nous jouons touche au sublime. Nous pénétrons dans le cœur des grands esprits et des grandes âmes ayant marqué des siècles d’histoire et, dans ces moments-là, la peur et la mortalité disparaissent. Des expériences inoubliables. Et ce qui est formidable, c’est qu’en tant que musiciens et spectateurs, nous les vivons ensemble. Ce brillant premier concert, il y a 50 ans, reste gravé dans la mémoire de certains d’entre vous qui sont ici avec nous ce soir dans cette magnifique salle. Aucun autre grand orchestre au monde ne peut dire cela. C’est quelque chose, non?
50 ans de l'Orchestre du CNA : Chefs d'orchestre et directeurs musicaux
Jean-Marie Beaudet (1908–1971)
Directeur musical, 1964–1970
Visionnaire original, Jean-Marie Beaudet a convaincu les fondateurs du CNA de créer un petit orchestre virtuose de la meilleure qualité possible. Ses connaissances et son expérience furent essentielles pour le chef fondateur Mario Bernardi. Bien qu’il ait dû démissionner pour des raisons de santé peu de temps après la mise sur pied de l’Orchestre, Jean-Marie Beaudet a bien davantage influencé l’ensemble que ne le laisse supposer le souvenir que nous en avons généralement aujourd’hui.
Mario Bernardi (1930–2013)
Chef d’orchestre fondateur, 1968–1971, directeur musical, 1971–1982
C’est à Mario Bernardi que l’on doit l’éclat et la précision de l’Orchestre du CNA. « À Ottawa, les hivers sont longs et les notes, courtes », disait-on pour plaisanter. Lors de la toute première répétition, juste avant de commencer, il s’était tourné vers un ami et lui avait affirmé avoir l’impression d’être dans le cockpit d’un nouvel avion de ligne et ne pas être sûr que l’appareil allait décoller. Mais il n’avait pas à s’inquiéter. Malgré sa réputation de maître exigeant bien méritée, c’était un musicien superbe, surtout pour les voix de soutien. On se souvient de sa conduite brillante et collégiale depuis son clavier dans le Concerto pour piano en sol majeur de Ravel au Carnegie Hall et Les Noces de Figaro de Mozart au Festival Ottawa. Avec Walter Prystawski à ses côtés, il a créé l’identité unique de l’Orchestre, une réalisation exceptionnelle.
Franz-Paul Decker (1923–2014)
Premier chef invité, 1991–1999
Profondément cultivé et légèrement excentrique, cet Européen de la vieille école a été formé à la Hochschule für Musik de Cologne, a fait ses débuts à l’opéra dans cette même ville en 1945 (!), connaissait Richard Strauss (qu’il a rencontré en 1948 pendant une partie de cartes) et avait donc un lien direct avec la grande tradition musicale européenne d’avant-guerre. Au cours de sa carrière, il a dirigé 85 opéras, des dizaines d’œuvres canadiennes présentées en première mondiale et, avec l’Orchestre du CNA, des interprétations inoubliables de Richard Strauss et de Piazzolla. Il compte parmi les rares chefs d’orchestre qui, dès la première répétition, réussissent à obtenir un son unique tant leur personnalité est fascinante.
Trevor Pinnock
Directeur artistique et chef d’orchestre principal, 1991–1996, conseiller artistique, 1996–1998
Spécialiste du baroque de renommée mondiale et artiste à succès chez Deutsche Grammophon, Trevor Pinnock a su se diversifier pendant son mandat à Ottawa, n’hésitant pas à repousser ses limites. Dans le répertoire classique, il a produit des interprétations d’une sincérité pénétrante et d’une splendeur naturelle, entre autres les enregistrements et les créations des œuvres de Linda Bouchard, sa compositrice en résidence. Encore aujourd’hui, on se souvient avec admiration et gratitude de son interprétation de la Passion selon saint Matthieu de Bach en 1997.
Franco Mannino (1924–2005)
Premier chef d’orchestre et conseiller artistique, 1982–1986
Ce charismatique et irrésistible « personaggio vivo e straordinario » est le maître suprême de l’opéra italien, La Cenerentola et Madama Butterfly étant des exemples mémorables. Les enregistrements de ces opéras en concert avec l’Orchestre du CNA sur les ondes de la CBC égalent ou surpassent toute production commerciale. Son CD de l’Orchestre du CNA mettant en vedette des ouvertures d’opéra italien a été le cadeau de Noël préféré de tous pendant des années. À son époque, l’Orchestre du CNA était littéralement l’orchestre italien le plus exaltant du monde.
Gabriel Chmura
Directeur musical, 1987–1990
Musicien sérieux, prodigieusement talentueux, lauréat du Concours Herbert von Karajan à Berlin en 1971 et médaillé d’or du Concours Cantelli à La Scala, Gabriel Chmura est respecté et aimé pour sa préparation méticuleuse et sa douceur. Pendant son court mandat avec l’Orchestre du CNA, il a réalisé un élégant enregistrement des premières symphonies de Haydn pour la CBC, une interprétation lumineuse en concert du seul opéra de Debussy, Pelléas et Mélisande, et de multiples tournées nord-américaines qui l’ont notamment mené à Carnegie Hall.
Pinchas Zukerman
Directeur musical, 1999–2015
Pinchas Zukerman est tout simplement l’un des plus grands violonistes et altistes du XXe siècle. Il a donné à l’Orchestre du CNA une plus grande confiance et une perspective mondiale, le dirigeant dans des interprétations inoubliables, en particulier pendant la tournée européenne de 1990 avec une prestation inégalée du Concerto pour violon de Beethoven au Gewandhaus de Leipzig le jour suivant la réunification allemande et lors de la tournée du Moyen-Orient en 2000 pendant la seconde Intifada – grâce à un immense effort diplomatique pour que l’Orchestre puisse se produire en Palestine, mais qui, à la dernière minute, fut compromis par l’un des conflits mondiaux les plus complexes. Sa personnalité plus grande que nature a permis à l’Orchestre de vivre des expériences plus grandes que nature.
Alexander Shelley
Directeur musical depuis 2015
Ce musicien aux multiples talents et aux champs d’intérêt encore plus vastes (il dirige des œuvres de Stravinsky et joue du jazz au piano pendant les pauses de répétition) représente le meilleur de la nouvelle génération de chefs d’orchestre : collégial, urbain, multilingue et fasciné par les nouvelles créations, les liens interculturels et la réconciliation. Au cours des dernières années, il a dirigé l’Orchestre avec brio lors de ses premières exécutions d’œuvres majeures de Richard Strauss. Il a inspiré et dirigé le projet Réflexions sur la vie, achevé en 2015 – une immense réalisation artistique et culturelle présentée dans des villes du Canada et d’Europe et acclamée par la critique.
John Storgårds
Premier chef invité depuis 2015
Il y a, entre l’Orchestre et ce Finlandais athlétique et chaleureux, une chimie unique qui donne lieu à des prestations d’une intensité primaire et d’une profondeur sonore naturelle. John Storgårds est tout aussi brillant avec Beethoven, Schumann, Sibelius, Vaughan Williams qu’avec des œuvres nouvelles. Il entretient la plus amicale des relations avec Alexander Shelley, directeur musical de l’Orchestre du CNA, qui le lui rend bien. Comme le disait un cadre supérieur, le rêve de tout orchestre est d’avoir un chef populaire auprès du public, populaire auprès des musiciens et populaire auprès de la direction, et nous en avons deux!
Alain Trudel
Premier chef des concerts jeunesse et famille, 2012–2019
Grand enfant lui-même, excellent soliste sur un instrument « cool » – le trombone – et chef d’orchestre, Alain Trudel suscite à tout coup l’intérêt du jeune public grâce à son bilinguisme tout naturel et à son enthousiasme.
Mario Duschenes (1923-2009)
Premier chef des concerts éducatifs (sans titre), 1973–1988
Éternel et dévoué pédagogue au parcours remarquable, né en Allemagne, Mario Duschenes a étudié la flûte traversière, la composition et la direction orchestrale en Suisse pendant la guerre. Il est l’auteur de la célèbre série de livres Méthode de flûte à bec portant son nom. Son approche douce et intelligente des concerts jeunesse lui a valu l’affection de plusieurs générations d’enfants et de leurs parents.
Boris Brott
Premier chef des concerts éducatifs (sans titre), 1989–2004, premier chef des concerts jeunesse et famille, 2004–2012
Énergique et ambitieux, il a su apporter une touche singulière à un large éventail de programmes éducatifs.
Jack Everly
Premier chef des concerts Pops depuis 2004
Très apprécié du public et des musiciens de l’Orchestre, Jack Everly est un incroyable « musicologue pop ». Il partage de manière fort divertissante son amour de la musique de films hollywoodiens et des grands spectacles de la belle époque de Broadway en recherchant et en recréant la musique originale de grands classiques tels que West Side Story, Un Américain à Paris, Le Magicien d’Oz et Casablanca. Certaines de leurs précieuses partitions originales ont été perdues ou littéralement enterrées dans des décharges par des cadres d’Hollywood qui n’avaient aucune idée de ce qu’ils faisaient. Heureusement, Jack, lui, sait ce qu’il fait.
50 ans de l'Orchestre du CNA : Premiers violons
Walter Prystawski, 1969–2006
Ce leader musical hors du commun est, avec Mario Bernardi, l’artisan de la fameuse discipline de l’Orchestre, de son identité unique — une réalisation exceptionnelle — et de son esprit de corps, toujours bien tangible aujourd’hui.
Yosuke Kawasaki, Violon solo depuis 2007
Comptant parmi les meilleurs violons solos de la nouvelle génération, ce superbe violoniste incarne l’ultime niveau de préparation, un style de prestation énergique et engagé et une vaste connaissance de la pratique de l’interprétation au fil de l’histoire. Plus que tout autre musicien, il contribue au développement continu de l’Orchestre que tous reconnaissent.
Répertoire
Prélude pour cuivres
Sandur, îles Féroé, 19 mars 1961
Vit actuellement en alternance à Sandur et Copenhague
On n’en voudra pas aux mélomanes qui seraient bien en peine de citer un seul compositeur des îles Féroé, mais ceux qui le peuvent mentionneront assurément Sunleif Rasmussen comme figure de proue de cet archipel autonome de moins de 50 000 habitants, rattaché au royaume du Danemark. Après avoir étudié en Norvège, Rasmussen œuvre pendant cinq ans dans la capitale des îles Féroé, Tórshavn, comme professeur de musique et pianiste de jazz, avant de poursuivre sa formation à l’Académie royale de musique du Danemark, à Copenhague, où il a notamment pour maîtres Ib Nørholm et Ivar Frounberg. Son catalogue de plus d’une centaine d’œuvres fait la part belle à la musique instrumentale, particulièrement à la musique de chambre dans différentes combinaisons inusitées d’instruments (clarinette et cor; saxophone et percussions; guitare, piano, accordéon, violon et contrebasse; etc.). Le site Web de Classical Music Sales décrit ainsi la musique de Rasmussen : « elle peut ne pas sembler intrinsèquement féroïenne, mais au cœur même de la structure musicale subsiste la trace du folklore féroïen, ravivée sous des formes nouvelles. Ses compositions présentent une complexité naturelle, associant le jazz aux riches traditions folkloriques féroïennes, ainsi qu’à l’électroacoustique et la musique spectrale. Il en résulte des œuvres des plus évocatrices, d’une grande beauté et d’un abord facile. »
Plusieurs compositions de Sunleif Rasmussen associent des instruments électroniques et acoustiques, et quelques-unes ont été produites en collaboration avec l’Institut danois de musique électroacoustique. Ce n’est pas le cas, toutefois, du Prélude pour cuivres, composé en 2008–2009 dans le cadre d’une résidence de composition auprès de l’Orchestre symphonique du Jutland du Sud (Danemark). Le Prélude a été écrit expressément pour être joué dans le vaste foyer de la salle où se produisait cet orchestre. Ce soir, il est interprété sur scène. L’œuvre, dont l’exécution dure une quinzaine de minutes, est constituée de quatre mouvements enchaînés sans pause, et composée pour 11 instruments : quatre cors, trois trompettes, trois trombones et un tuba.
– Traduit d’après Robert Markow
Sinfonia Concertante
Rohrau, Autriche, 31 mars 1732
Vienne, 31 mai 1809
Le genre connu sous le nom de sinfonia concertante était assez populaire au temps de Haydn, bien que presque toutes les œuvres de ce type aient sombré dans l’oubli, à l’exception des siennes et de celles de Mozart. Le principe de base est une fusion du concerto grosso baroque et de l’architecture classique de la symphonie. Des instruments solistes (habituellement de deux à quatre) jouent sur un fond orchestral, non à la manière de Vivaldi et Haendel, qui alternaient tutti et concertino, mais plutôt dans une veine symphonique.
Haydn ne s’est pas beaucoup consacré au concerto pour instrument soliste. Il a néanmoins intégré de nombreux éléments concertants dans son abondante production symphonique tout au long de sa carrière, notamment dans la trilogie de jeunesse « Le matin », « Le Midi » et « Le soir » (Symphonies no 6, 7 et 8), ainsi que dans « Appel de cors » et « Miracle » (Symphonies no 31 et no 96). Composée en 1792 pour la célèbre série de concerts Salomon à Londres, la Symphonie concertante constitue l’aboutissement des expériences du compositeur dans le domaine concertant pour multiples solistes. C’est vraisemblablement l’imprésario de Haydn, Salomon, qui le persuada d’écrire cette œuvre, parce qu’il tenait à ce que « son » compositeur réplique aux éloges que récoltaient les sinfonie concertanti d’Ignaz Pleyel, ancien élève de ce dernier. Salomon joua lui-même la partie de violon solo à la création, qui eut lieu le 9 mars 1792 et remporta un vif succès. Chacun des quatre solistes y joue, à parts égales, un rôle de premier plan.
Qu’on ne s’attende pas, toutefois, à trouver ici une forme sonate élaborée, une forte intensité dramatique, un langage harmonique novateur ou une grande profondeur de sentiment. En revanche, une élégance pétillante, un lyrisme gracieux et un dialogue musical ponctué d’échanges pleins de verve font tout le charme de cette œuvre plaisante.
– Traduit d’après Robert Markow
Concerto pour orchestre
Varsovie, Pologne, 25 janvier 1913
Varsovie, Pologne, 7 février 1994
Witold Lutosławski (prononcé VI-told Lou-to-SWOV-ski ) est universellement considéré non seulement comme l’un des plus éminents compositeurs de Pologne, mais comme l’un des plus illustres et des plus admirés parmi les compositeurs du XXe siècle. Bon nombre de ses œuvres sont en voie d’être intégrées au répertoire orchestral, telles Mi-parti (1976), le Livre pour orchestre (1968), le Concerto pour orchestre (1954), Musique funèbre (1958), le Concerto pour violoncelle (1970) et la Symphonie no 3 (1983). Vers la fin de sa vie, toutes ses nouvelles œuvres furent présentées à de nombreuses reprises partout dans le monde; c’est le cas notamment de la série Chaîne (1983–1985), du Concerto pour piano (1987), de Chantefleurs et Chantefables (1991) et de la Symphonie no 4 (1992).
On comprend aisément pourquoi la musique de Lutosławski plaît au public. En effet, c’est un compositeur qui, tout en conservant un langage contemporain qui lui est propre, ne renie pas pour autant les valeurs du passé, et plusieurs de ses œuvres offrent de magnifiques exemples de « belle » musique atonale. Pour Lutosławski, il est indispensable que la musique conserve une dimension humaine, et la plupart des mélomanes trouvent son œuvre éminemment accessible, en dépit de son incontestable modernité. Ses compositions débordent d’énergie et de vivacité. La plupart sont mues par une puissante impulsion, qui se manifeste souvent par un élan rythmique et par des contrastes et superpositions de masses sonores. En outre, les emprunts à la musique folklorique abondent dans ses œuvres de jeunesse, dont le Concerto pour orchestre.
À l’époque où Lutosławski écrivait ce concerto (1950–1954), le climat musical en Pologne n’était guère propice à la création de sonorités aussi agressivement modernes que celles qu’on trouve dans cette œuvre. Les gardiens de l’orthodoxie culturelle dépêchés par le régime stalinien depuis la Russie voisine faisaient la vie dure aux artistes qui rechignaient à se conformer au réalisme socialiste. Le concerto a été achevé au moment même où s’amorçait un dégel politique et culturel suivant la mort de Staline en 1953, et a été créé le 26 novembre 1954 par l’Orchestre philharmonique de Varsovie sous la direction de Witold Rowicki, à qui l’œuvre est dédiée.
L’exemple le plus connu d’un concerto pour orchestre est celui de Béla Bartók (que l’Orchestre du CNA interprètera le 3 octobre). Chez celui-ci, chaque section de l’orchestre est mise de l’avant, à un moment ou un autre, pour jouer le rôle de soliste. Chez Lutosławski, c’est l’orchestre dans son ensemble qui est traité comme un seul instrument virtuose. Et, comme le compositeur se passionnait pour la palette de couleurs orchestrales obtenue avec différentes combinaisons d’instruments, l’œuvre présente un vaste éventail de sonorités fascinantes. La préférence de Lutosławski allait aux couleurs vives, plutôt que chaudes; aux surfaces brillantes, plutôt que doucement lumineuses; aux contrastes nets plutôt qu’aux subtils mélanges de sons; et aux lignes anguleuses plutôt qu’aux courbes lyriques. Ces qualités, alliées au traitement résolument virtuose de l’orchestre, font du Concerto pour orchestre une œuvre électrisante.
L’introduction s’amorce de façon percutante : les timbales produisent une note tenue au-dessus de laquelle les violoncelles ne tardent pas à exposer le sombre, tumultueux et puissant premier sujet, inspiré d’un chant folklorique polonais. Cette idée s’étend progressivement aux sections plus aiguës des cordes, jusqu’à ce que les cors annoncent le second sujet, également dérivé d’un chant folklorique, dans une veine un peu plus lyrique. Ces thèmes sont développés dans une série d’épisodes. Après un point culminant, Lutosławski reprend l’idée d’ouverture, mais cette fois, au lieu des cordes groupées dans leur registre le plus grave, il utilise les bois en solo et les cordes dans leur registre le plus aigu. Et plutôt qu’un puissant roulement de timbales, c’est le son délicat du célesta qu’on entend, aussi dans son registre aigu.
Lutosławski rend hommage à Bartók dans le Capriccio notturno, où il évoque les mystérieux murmures, bourdonnements et gazouillis ponctuant la « musique de nuit » bartókienne. Volutes et boucles d’une exquise délicatesse volettent fébrilement dans ce qui est l’une des plus élégantes partitions de Lutosławski. L'arioso central de ce court mouvement ramène brièvement la clarté, alors que les trompettes solos émettent à l’unisson une idée au rythme plus lent et appuyé (également dérivée d’un chant folklorique). La course nocturne effrénée reprend alors son cours sous différentes formes. On remarquera notamment le dialogue plein d’esprit qui s’engage à toute allure entre un assortiment de tambours délicatement martelés, juste avant que le mouvement ne se résolve dans le silence.
De loin le plus long du concerto, le troisième mouvement s’articule en trois volets liés entre eux : une passacaille (série de variations bâtie sur un thème récurrent dans la ligne de basse), une toccata (une idée fortement incisive amorcée par les croches rapides des violons) et un choral instrumental (énoncé tout en douceur par les clarinettes et les hautbois, avec un sujet secondaire à la flûte). Chaque segment atteint un point culminant avant de céder le pas au suivant. Les liens thématiques entre eux, de même qu’entre les sujets mélodiques issus des mouvements précédents, sont tantôt aisément reconnaissables, tantôt plus subtils; la plupart des auditeurs seront sensibles, du moins de façon subliminale, à l’unité organique et au délicat travail d’orfèvre qui contribuent à faire du Concerto pour orchestre une expérience artistique aussi gratifiante. Divers éléments de la passacaille, de la toccata et du corale s’entremêlent, interagissent et virevoltent ensemble, alors que le concerto se précipite vers une spectaculaire conclusion.
– Traduit d’après Robert Markow
Artistes
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du Centre national des Arts est le reflet de la diversité des paysages, des valeurs et des communautés du Canada, et est reconnu pour sa programmation audacieuse, ses contenus nrratifs marquants, son excellence artistique et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Chaque saison, l’Orchestre du met en vedette des artistes de réputation internationale, tels que notre artiste en résidence James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds. L’ensemble se distingue à l’échelle du monde pour son approche accessible, inclusive et collaborative. Par le langage universel de la musique et des expériences musicales communes, il communique des émotions profondes et nous rapproche les uns des autres.
Premier chef invité de l’Orchestre philharmonique de la BBC et de l’Orchestre du Centre national des Arts, John Storgårds mène de front une carrière de chef d’orchestre et de violoniste virtuose, et est renommé pour ses programmes innovants et ses prestations à la fois fougueuses et raffinées. Il assure également depuis 25 ans la direction artistique de l’Orchestre de chambre de Laponie, renommé partout dans le monde pour ses prestations audacieuses et ses enregistrements primés.
Sur la scène internationale, Storgårds se produit régulièrement avec les orchestres philharmoniques de Berlin, de Munich et de Londres, l’Orchestre national de France et l’Orchestre symphonique de la radio de Vienne, de même que les principaux orchestres scandinaves, y compris l’Orchestre philharmonique d’Helsinki, dont il a été chef attitré de 2008 à 2015. Il retourne régulièrement diriger l’Orchestre de chambre de Munich où il a été partenaire artistique de 2016 à 2019. Sur les autres continents, il a été invité au podium des orchestres symphoniques de Sydney, de Melbourne, de la NHK à Tokyo et Yomiuri du Japon, ainsi que des orchestres symphoniques de Boston et de Chicago et de l’Orchestre philharmonique de New York.
La discographie primée du maestro comporte des enregistrements d’œuvres de Schumann, Mozart, Beethoven et Haydn, mais aussi des raretés de Holmboe et Vask, où on peut l’entendre comme soliste au violon. Avec l’Orchestre philharmonique de la BBC, il a gravé sous étiquette Chandos l’intégrale des symphonies de Nielsen (2015) et de Sibelius (2014), qui lui ont valu les éloges de la critique. En novembre 2019, il a publié le troisième et dernier volume des œuvres du compositeur américain d’avant-garde George Antheil. Leur dernier projet en date est l’enregistrement des symphonies tardives de Chostakovitch, notamment celui de la Symphonie no 11 paru en avril 2020. En 2023, Storgårds et l’Orchestre philharmonique de la BBC ont été en lice pour le titre d’orchestre de l’année décerné par le magazine Gramophone.
John Storgårds a étudié le violon auprès de Chaim Taub et la direction d’orchestre auprès de Jorma Panula et d’Eri Klas. Il a reçu le Prix de la musique de l’État finlandais en 2002 et le prix Pro Finlandia en 2012.
Yosuke Kawasaki est violon solo de l’Orchestre du CNA. Sa polyvalence artistique lui a permis de faire carrière en musique symphonique, en musique de chambre et comme soliste. Comme musicien d’orchestre, il a fait ses débuts à l’Orchestre symphonique de Montgomery. Il a ensuite été violon solo à l’Orchestre de chambre Mito, à l’Orchestre Saito Kinen et au Japan Century Orchestra. Comme artiste solo et chambriste, il a fait carrière sur cinq continents. Il a collaboré avec des musiciens comme Seiji Ozawa, Pinchas Zukerman et Yo-Yo Ma, et s’est produit dans les plus prestigieuses salles du monde, dont le Carnegie Hall, le Suntory Hall et le Royal Concertgebouw.
Kawasaki est actuellement membre de deux ensembles de Kawasaki, Trio Ink et Mito String Quartet. Passionné de musique de chambre, il est directeur musical du Festival de musique Affinis au Japon. Il est aussi conseiller artistique d’un tout nouveau festival de musique de chambre bulgare appelé Off the Beaten Path.
En tant qu’enseignant, Kawasaki a œuvré partout au Canada, offrant des classes de maître et jouant avec des élèves dans leurs écoles. Spécialiste du répertoire pour quatuor à cordes, il est devenu à 26 ans le plus jeune enseignant de l’académie internationale de musique de chambre Ozawa, un poste qu’il s’est vu confier par Seiji Ozawa. Il a aussi été professeur adjoint de violon à l’Université d’Ottawa de 2013 à 2022, aux côtés du très aimé pédagogue Yehonatan Berick.
Kawasaki a commencé le violon à l’âge de six ans, d’abord sous la tutelle de son père Masao Kawasaki, puis sous celle de Setsu Goto. Il a par la suite été accepté dans la section précollégiale de l’école Juilliard, et a été diplômé de cette institution en 1998. Il y a étudié auprès de Dorothy DeLay, Hyo Kang, Felix Galimir et Joel Smirnoff.
Qualifiée de « chambriste dans l’âme » (The Globe and Mail), qui sait créer des « moments de pure magie » (Toronto Star), la violoncelliste canadienne Rachel Mercer s’est produite comme soliste et chambriste sur cinq continents.
Lauréate du Grand Prix Vriendenkrans d’Amsterdam (2001), elle est violoncelle solo de l’Orchestre du Centre national des Arts et directrice artistique de la série de concerts de musique de chambre 5 at the First à Hamilton. Rachel Mercer se produit régulièrement en duo avec sa partenaire de longue date, Angela Park, et a été membre du quatuor pour piano Ensemble Made in Canada (2008-2020), lauréat d’un prix Juno, du trio AYR, (2010-2020) et du quatuor Aviv (2002-2010). Elle a donné des classes de maître en Amérique du Nord, en Afrique du Sud et en Israël, et des conférences sur l’interprétation, la carrière et l’industrie de la musique. Passionnée de musique canadienne contemporaine, elle a commandé et joué plus de 25 œuvres pour violoncelle solo et ensembles de chambre, y compris des concertos pour violoncelle solo de Stewart Goodyear et Kevin Lau.
Rachel a collaboré à des enregistrements sous les étiquettes Naxos, Naxos Canadian Classics, Centredisques, Analekta, ATMA, Dalia Classics et EnT-T. Encensé par la critique, son album de suites pour violoncelle seul de Bach a été enregistré avec le violoncelle Stradivarius Bonjour (v. 1696) provenant de la Banque d’instruments de musique du Conseil des arts du Canada. Rachel joue sur un violoncelle fabriqué au 17ᵉ siècle en Italie du Nord.
www.rachelmercercellist.com
Acclamé pour la « qualité liquide et exquise » de son jeu solo (Gramophone), Charles « Chip » Hamann a été nommé hautbois solo de l’Orchestre du Centre national des Arts en 1993, à l’âge de 22 ans. Il a aussi été hautbois solo invité à l’Orchestre symphonique de Chicago, au Royal Philharmonic Orchestra de Londres et aux Violons du Roy à Québec.
En 2017, Hamann a fait paraître sous étiquette Centredisques son premier album solo, un CD double intitulé Canadian Works for Oboe and Piano enregistré avec le pianiste Frédéric Lacroix; son jeu a été salué pour « son son harmonieux, son phrasé délicat […] et ses tons soutenus à couper le souffle » (The Whole Note) ainsi que pour son exquise sensibilité musicale (The Double Reed). Avec le quintette à vent du CNA et le pianiste Stéphane Lemelin, il a effectué pour la maison Naxos un enregistrement d’œuvres pour instruments à vent de Camille Saint-Saëns – y compris la Sonate pour hautbois (op. 166) –, album sacré « Choix de l’éditeur » du magazine Gramophone en 2011. Hamann a enregistré le Concerto pour violon et hautbois de J.-S. Bach avec le violoniste Pinchas Zukerman et l’Orchestre du CNA pour l’album Trésors baroques (Analekta, 2016); il a été qualifié de « superbe collègue » (Gramophone) et d’artiste produisant « un son magnifique et expressif » (Ludwig van Toronto). Le hautboïste qui a commandé de nombreuses œuvres solos de compositeurs canadiens d’importance continue de se faire le champion de la musique nouvelle. En 2021, il enregistrera des œuvres pour hautbois solo récemment commandées, de même que des pièces de ce type pour cet instrument et piano avec Frédéric Lacroix.
Charles Hamann s’est produit comme soliste avec Les Violons du Roy, l’Alberta Baroque Ensemble, les orchestres symphoniques de Lincoln (Nebraska) et Yamagata et l’ensemble ottavien Thirteen Strings. On a pu le voir à de nombreuses reprises avec l’Orchestre du CNA, tant à Ottawa qu’en tournée, dans des concerts majeurs d’œuvres de Mozart, Strauss et Vaughan Williams. Il a été récitaliste invité aux colloques de la Société internationale des instruments à vent, et s’est produit en récital partout au Canada et aux États-Unis.
Actuellement chargé de cours (hautbois) à l’École de musique de l’Université d’Ottawa, Hamann a fait partie du corps professoral de l’Institut estival de musique du CNA pendant 20 ans. Il enseigne fréquemment aux membres de l’Orchestre de l’Académie nationale du Canada, de l’Orchestre national des jeunes du Canada et de l’Orchestre de la francophonie. Il a également été invité à animer des ateliers aux quatre coins du Canada, dans les plus grands conservatoires de musique des États-Unis, au Mexique, en Chine et au Japon, où il est un habitué du Festival de musique Affinis. Il a de plus été enseignant invité de l’Orchestre du Centre des arts du spectacle Hyogo, un établissement de formation orchestrale de premier plan.
Né à Lincoln, au Nebraska, Hamann a eu pour maîtres Brian Ventura et William McMullen, puis Daniel Stolper au Camp artistique et à l’Académie des arts d’Interlochen. Il a également étudié auprès de Richard Killmer à l’École de musique Eastman, qui lui a décerné un baccalauréat en musique et un prestigieux certificat en interprétation. Instagram : @hamannoboe.
Christopher Millard, qui compte parmi les instrumentistes à vent les plus connus au Canada, s’est joint à l’Orchestre du Centre national des Arts en 2004 à titre de basson solo, après avoir passé 28 ans au sein de l’Orchestre symphonique de Vancouver et de l’Orchestre de CBC Radio. Il est aussi basson solo du Grand Teton Music Festival et a fait cinq tournées avec le chef Valery Gergiev et l’Orchestre mondial pour la paix.
Éminent pédagogue, M. Millard a été professeur à l’Université Northwestern (Illinois) jusqu’en 2014. Il continue de donner des classes de maître dans bon nombre des écoles de musique les plus prestigieuses, dont le Curtis Institute of Music, la Manhattan School, l’Université Rice, l’Université de l’Indiana, le National Orchestral Institute, le New World Symphony et, au Canada, le Domaine Forget. Pendant 20 ans, il a donné des cours de basson aux participants à l’Orchestre national des jeunes du Canada, contribuant à former une nouvelle génération d’instrumentistes à vent canadiens. On retrouve aujourd’hui quantité de ses anciens élèves en poste dans des orchestres canadiens et américains. Il a étudié avec Roland Small et le légendaire Sol Schoenbach au Curtis Institute of Music, ainsi qu’avec le grand flûtiste français Marcel Moyse.
M. Millard, qui est régulièrement invité à se produire et à enseigner à différents festivals – Scotia, Banff, Orford et Ottawa ChamberFest –, s’est aussi produit sur scène et sur disque avec la Chamber Music Society du Lincoln Center, au festival de Marlboro, au Chamber Music Northwest, au festival de musique de chambre de Santa Fe et avec l’International Double Reed Society, en plus d’avoir été soliste avec de nombreux orchestres. Il se produit régulièrement, à Ottawa et en tournée, avec le Quintette à vent du Centre national des Arts, ensemble d’excellente réputation qui a gravé un premier album sous l’étiquette Naxos.
Christopher Millard a reçu des critiques très élogieuses pour ses nombreux enregistrements chez BIS, Naxos, Arabesque, Disques SRC et Summit, parmi lesquels figure un album de la prestigieuse série « OrchestraPro ». Son enregistrement du Concerto pour basson de Jacques Hétu a été couronné d’un prix JUNO en 2004. M. Millard est une sommité en acoustique de fabrication d’anches et un technicien expert en instruments à vent.
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